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14 de Noviembre – Narciso Yepes

Narciso García Yepes (Lorca, 14 de noviembre de 1927 – Murcia, 3 de mayo de 1997), más conocido como Narciso Yepes, fue un guitarrista clásico español. 

Cuando cumplió los 13 años, comenzó a estudiar en el Conservatorio de Valencia con Vicente Asencio, famoso pianista de la época.

En 1947, interpretó en público por vez primera el Concierto de Aranjuez (de Joaquín Rodrigo), bajo las órdenes del director Ataúlfo Argenta, lo cual le mereció celebridad inmediata.

En 1952, según su propia declaración, rescató y recompuso una canción tradicional para guitarra: Romanza española (anónimo), pieza musical incluida en la película Juegos prohibidos (Jeux Interdits, del director René Clément, 1952).

En 1958 se casa con una joven polaca, estudiante de filosofía, llamada Marysia Szumlakowska[1]; con la que tuvo tres hijos: Juan de la Cruz (muerto en un accidente a los 18 años), Ignacio Yepes (compositor, flautista y director de orquesta), y Ana Yepes (bailarina y coreógrafa).

En 1964, Yepes comienza a utilizar su creación: la guitarra de diez cuerdas, pues de ella obtenía mucho mejor resonancia y a la vez le facilitaba el tocar piezas de música barroca (originalmente escritas para laúd).

Le incitó a la creación de esta nueva guitarra el desequilibrio sonoro debido a la falta de buena parte de los armónicos naturales en la guitarra de seis cuerdas.

El ingente repertorio de Narciso Yepes, aumentado por numerosas transcripciones de música de todas las épocas es, con seguridad, el más rico de todos los tiempos.

La publicación de sus transcripciones y revisiones de partituras así como las múltiples grabaciones realizadas a lo largo de su carrera son referencia para estudiantes de guitarra de todo el mundo.

El 25 de abril de 1987 participó como solista junto a la Orquesta de València en el concierto inaugural del Palau de la Música de la ciudad del Turia, interpretando el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo con Manuel Galduf a la batuta.

A partir de 1993, Narciso Yepes empezó a limitar sus apariciones públicas, debido a problemas de salud.

Su último concierto fue en Santander, el 1 de marzo de 1996. Su gran trayectoria musical le hizo merecedor de multitud de premios y menciones. Murió en 1997 a causa de un cáncer linfático.

Por voluntad propia sus cenizas fueron entregadas a la Comunidad de Monjas del monasterio de Santa María de Buenafuente del Sistal en la provincia de Guadalajara al que se sentía muy unido. Fue nombrado Amigo ilustre de Buenafuente.

14 de Noviembre – Johann Nepomuk Hummel

Johann Nepomuk Hummel (Pressburg, actual Bratislava, 14 de noviembre de 1778-Weimar, 17 de octubre de 1837) fue un pianista, compositor, profesor y director austrohúngaro. Fue considerado como uno de los mejores compositores y pianistas de su época.

Nació el 14 de noviembre de 1778. Hummel era un niño prodigio, estando ya más avanzado a los tres años que muchos niños que le doblaban la edad. Según su padre Johannes, también músico y director, Hummel podía leer partituras a los cuatro años, tocar el violín y el piano a los cinco, y cantar con perfecta entonación. En 1786, a la edad de ocho años, la familia se mudó a Viena, donde Johann llegó a ser director del Theater auf der Wieden, conocido también como Freihaus.

Hummel avanzó rápidamente en el piano, convirtiéndose en el alumno de Mozart en 1786. Mozart quedó tan impresionado por el talento del joven que decidió enseñarle sin cobrarle los cargos; además, como se hacía frecuentemente en la época, Hummel vivió con los Mozart durante su época de aprendiz. Durante su estancia, Hummel tuvo la oportunidad de conocer, o al menos observar, a los distinguidos invitados que solían visitar la casa de Mozart, entre los cuales estaba Lorenzo da Ponte y Haydn, quien a veces iba a leer los cuartetos de cuerda, con Mozart tocando la viola, Johann Baptist Vanhal el cello y Carl Ditters von Dittersdorf el segundo violín.

En 1788, Mozart tuvo que dejar de darle clases y recomendó a Hummel y a su padre que se fueran de gira para hacerse conocer en el mundo de la música, como Mozart había hecho décadas antes con su propio padre. Siguiendo su consejo, en diciembre de 1788 Johannes y su hijo empezaron una gira que duró cinco años, durante los cuales visitaron Brno, Praga, Dresde, Berlín, Magdeburgo, Gottinga, Brunswick, Kassel, Weissenstein, Hanover, Celle, Hamburgo, Kiel, Rendsburg, Flensburg, Lübeck, Schleswig, Copenhague, Odense, las Islas Británicas, los Países Bajos, Colonia, Bonn, Maguncia, Fráncfort del Meno y Linz.

En la primavera de 1790, Hummel y su padre llegaron a Edimburgo, donde el hijo causó una gran impresión como intérprete y tuvo la oportunidad de aprender inglés. Se establecieron en esta ciudad durante tres meses, durante los cuales padre e hijo se dedicaron ambos a dar clases. Después siguieron dando conciertos hacia el sur, pasando por Durham y Cambridge, hasta llegar a Londres en otoño, donde pudo conocer a Haydn, ya no como joven alumno de Mozart, sino como eminente pianista y compositor.

Su gira tenía que seguir hacia Francia y España, pero debido a la Revolución francesa tuvieron que cancelarla para regresar a Viena, a través de los Países Bajos. Tocó durante dos meses cada domingo en el palacio del Príncipe de Orange en La Haya, hasta que el avance de las tropas francesas los forzó a ir hasta Linz. Allí se encontraron con el resto de la familia y a principios de 1793 volvieron todos a Viena.

La siguiente década fue para Hummel una larga década de estudio, composición y enseñanza, aunque también hizo algunos recitales públicos. Tuvo a Albrechtsberger y a Salieri de maestros, que le enseñaron contrapunto y composición vocal, estética y filosofía de la música, respectivamente. Asimismo restableció sus conexiones con Haydn, que había regresado a Viena después de su segundo viaje a Londres. Se dice que este último le dio clases de órgano y le advirtió que tocar demasiado el órgano podía hacer que sus manos se volvieran demasiado pesadas para el fortepiano.

Durante estos años, Hummel pasó por un período con muchos problemas económicos, por lo cual daba nueve o diez clases por día y componía hasta altas horas de la noche, pero al mismo tiempo ganó un gran círculo de seguidores. La aparición de Beethoven en Viena fue un golpe duro para la autoestima de Hummel, y aunque sus seguidores tuvieron disputas constantes, los dos empezaron una larga y, al mismo tiempo, tempestuosa amistad.

En 1804, Hummel firmó un contrato como Konzertmeister del Príncipe Nikolaus Esterházy en Eisenstadt, aunque se cree que empezó a trabajar para él mucho antes, puesto que en 1803 ya hay registros de que recibió dinero y alojamiento gratuito en Eisenstadt, y es probable que su famoso concierto para trompeta en mi mayor fuera escrito y estrenado en la fiesta de año nuevo que se celebró en el palacio Esterházy el 1 de enero de 1804.

Aunque algunos estuvieron resentidos con la llegada de Hummel a Eisenstadt, ya que sucedía al venerado Haydn, el Príncipe estaba completamente satisfecho con su nuevo Konzertmeister (concertino), a quien había contratado principalmente para componer y dirigir música sacra para su coro y orquesta y también escribir música teatral. Si bien Hummel tenía una experiencia limitada en estos ámbitos, fue productivo y tuvo éxito; toda su música sacra y parte de sus obras dramáticas (incluyendo las tres óperas) fueron compuestas durante este tiempo. Igualmente sobresalió como director, destacando el estreno de «Die Schöpfung» de Haydn en la corte de Esterházy.

La satisfacción del Príncipe terminó a final de 1808, cuando despidió a Hummel por descuidar sus deberes y estar cada vez más absorto componiendo música para Viena. Posiblemente gracias a la intervención de Haydn, Hummel fue readmitido, aunque no cambió sus hábitos y en 1811 su contrato terminó definitivamente.

Cuando regresó a Viena en 1811, Hummel no apareció mucho en público como pianista, pero fue bastante activo como compositor de música para piano, música de cámara y obras dramáticas. En 1813 se casó con la conocida cantante Elisabeth Röckel, con quien tuvo dos hijos, Eduard, pianista, y Karl, pintor.

Hacia 1814 Elisabeth Hummel convenció a su esposo para que hiciera más actuaciones como pianista. El momento no pudo ser más oportuno, ya que Hummel causó gran sensación entre el público de los conciertos y las fiestas del Congreso de Viena.

En 1816 realizó otra gira por Praga, Berlín y Leipzig que le dio nueva confianza y le convirtió en una celebridad, pero una vez más tuvo problemas económicos. Para poder mantener a su familia, decidió buscar un trabajo seguro y permanente. Consiguió su objetivo obteniendo la plaza de Hofkapellmeister en Stuttgart, pero a pesar de la espléndida capilla y la excelente orquesta, no estaba satisfecho porque no tenía tiempo para componer. En noviembre de 1818 aceptó la plaza de Kapellmeister en Weimar, posición que conservó hasta su muerte en 1837. El contrato de Weimar era una mejora respecto al de Stuttgart, dado que incluía tres meses anuales libres, que podían ser en primavera, cuando la temporada europea de conciertos estaba en su punto más álgido.

Los años que Hummel pasó en Weimar fueron unos de los más felices de su vida y muy productivos. A través de Goethe conoció a las figuras eminentes del mundo intelectual y participó en el rico ambiente cultural de la ciudad. Su trabajo principal era dirigir en el teatro de la corte. El repertorio era variado, incluyendo obras de los compositores más importantes del pasado (sobre todo Mozart) y, con el paso de los años, óperas más recientes de Weber, Rossini, Auber, Meyerbeer, Halévy, Spohr y Bellini. Las producciones se beneficiaban considerablemente de las giras de Hummel, durante las cuales conocía a nuevos cantantes extranjeros talentosos, a los que después contrataba. También presidía celebraciones y actuaciones especiales en honor a la familia ducal o a celebridades locales como Goethe, presentaba conciertos de artistas visitantes, como Paganini (1829), y tocaba en fiestas privadas.

Hummel consiguió que la década de 1820 fuera una de sus más productivas gracias a la cantidad de tiempo que tenía para clases privadas y componer. Además de conciertos, obras virtuosas para piano y música de cámara, escribió cantatas para la corte y numerosas pequeñas piezas para editoriales, incluyendo arreglos de oberturas y conciertos. Pero no hubo nada que ocupara tanto su tiempo e imaginación como el tratado comprehensivo, con múltiples volúmenes, para piano.

La década de 1820 también fue una época ocupada para Hummel como intérprete en gira. Viajó a Rusia en 1822 (donde conoció a John Field), Polonia en 1828 (donde conoció a Chopin, en quien Hummel tendría una influencia profunda), Francia y los Países Bajos.

En 1827, los Hummels y su alumno Ferdinand Hiller viajaron a Viena para visitar por última vez a Beethoven, que estaba en sus últimos días. En el concierto en homenaje a Beethoven, honrando su petición, Hummel improvisó en temas de las obras del difunto compositor. Durante su estadía en Viena se encontró por primera vez con Schubert. La admiración que sentía Schubert por Hummel fue duradera; modeló su quinteto «La Trucha» basándose en la versión de quinteto que Hummel había hecho de su famoso Septeto op.74, y dedicó sus últimas tres sonatas para piano a Hummel. No obstante, como no se publicaron hasta 1838, cuando ambos compositores ya habían fallecido, el nuevo editor Diabelli cambió la dedicatoria a Schumann.

En 1830, Hummel hizo una gran gira de seis meses a París y Londres, que volvía a visitar después de casi 40 años. Esta gira representó el clímax de su carrera, ya que las posteriores estancias en Londres en 1831 y 1833 mostraron ya que su reputación staba declinando. Su última gira fue una visita a Viena el año 1834. Durante los últimos tres años de su vida, su actividad se vio reducida a prácticamente nada debido a la falta de salud. Su muerte fue vista como el fin de una era y fue adecuadamente marcada en Viena con la representación del Réquiem de Mozart.

Hummel era uno de los pianista más famosos de Europa y creó un modelo para los próximos artistas que hacían giras gracias a sus habilidades organizativas y de relaciones públicas.

Su manera de tocar era el sujeto de muchas críticas entusiastas, en las cuales todas coincidían que tenía una manera de tocar muy clara, limpia, con uniformidad, delicadeza, con una extraordinaria calidad de relajación y la habilidad de crear la ilusión de velocidad sin coger tempos muy rápidos.

Críticas contrarias, como las de los admiradores de Beethoven, lo acusaban de falta de intensidad y pasión. Como la mayoría de los virtuosos de la época, no interpretaba casi nunca obras de otros compositores.

El carácter contenido de Hummel no excluía exhibiciones virtuosas ni otras técnicas para estimular a la audiencia; en alguna ocasión se dice que el público subió a sus asientos para poder ver mejor sus dobles trinos, por los cuales era reconocido.

Sus conciertos seguían el formato de este periodo: obras propias – música de cámara y conciertos – e improvisaciones en las cuales el tema central era un extracto de una ópera o a veces de música de compositores locales.

Hummel también era uno de los grandes directores de principios del siglo XIX y era en este ámbito que tocaba más frecuentemente música de otros compositores.

Por otro lado, mientras que los comentarios de sus interpretaciones normalmente reflejaban los prejuicios de los observadores, las críticas de sus improvisaciones siempre eran entusiastas unánimemente.

Hummel se encontraba más a gusto improvisando que tocando composiciones formales, y destacaba particularmente en crear variaciones de fugas de cuatro o cinco partes.

Las improvisaciones típicas consistían en una introducción tipo fantasía, temas sobre óperas populares y una serie de variaciones libres, a veces terminando con una paráfrasis del final de una ópera, como Don Giovanni.

Durante muchos años Hummel fue uno de los profesores más importantes y costosos. Sus alumnos incluyen muchos de los músicos notables de la siguiente generación: Hiller, Karl Eduard Hartknoch, Adolf Henselt, Karl Georg Mangold, Julius Benedict, Ludwig Rakemann, Eugénie Beer, Giuseppe Unia, y también el hijo de Mozart, Franz Xaver.

El joven Schumann quiso estudiar con Hummel, pero nunca lo consiguió. Sólo usaba sus propias composiciones para enseñar, aunque sus alumnos tocaban frecuentemente obras de otros compositores.

Sus enseñanzas están sintetizadas en su método para piano, Ausführlich theoretisch-practische Anweisung zum Piano-forte Spiel. Esta obra formada por tres volúmenes, con más de 2000 ejercicios, fue publicada casi simultáneamente en Alemania (1828), Inglaterra (1828) y Francia (1829), y parece ser que vendió miles de copias en los primeros días de su publicación.

Sigue siendo una de las fuentes más importantes sobre la interpretación del estilo vienés tardío, abarcando tópicos tan diversos como la ornamentación, los digitados, las improvisaciones, la afinación y una comparación entre los pianos ingleses y vieneses.

Como compositor, Hummel está situado en el límite de dos épocas. Durante más de un siglo su reputación ha sido la de un típico virtuoso del piano del siglo XIX, pero esta visión incorrecta está cambiando rápidamente por la de un compositor cuya obra abarcó todos los géneros del cambio de siglo: óperas, Singspiele, misas sinfónicas y otras obras de música sacra, música de cámara, conciertos, canciones, música para piano solo, además de muchos arreglos. Sólo la sinfonía está ausente en su repertorio.

El estilo de Hummel se encuentra entre los estilos con más calidad de su época. Consta de texturas homofónicas, melodías con ornamentaciones a la italiana y pasajes virtuosos sustentados con acompañamientos de Alberti modernizados.

Su estilo, que es más moderno en las obras en las cuales utilizaba el piano, se desarrolló al largo de su vida, aunque hubo una expansión considerable cuando volvió a los escenarios en 1814 en aspectos como la expresividad, la armonía y la variedad melódica.

Hummel sobresalía en la escritura melódica, particularmente en sus obras de madurez, en las cuales las líneas son menos predecibles y simétricas. Hummel fue uno de los compositores más importantes y populares de la corriente principal europea.

Sus estudios con Mozart y su estilo, definido como clásico incluso durante su vida, lo hicieron un célebre personaje del Clasicismo Vienés.

Por esa misma razón, cuando el Clasicismo empezó a ser visto como pasado de moda, su popularidad entre el público disminuyó rápidamente. Como profesor también fue dejado de lado: los ejercicios simples de Czerny eran mucho más accesibles que los de Hummel.

Es posible que el declive de su productividad en los últimos años no se debiera a estar demasiado ocupado con el trabajo en Weimar, como pensaba Liszt, sino al reconocimiento que su tiempo ya había terminado. Quizá se puede encontrar un paralelismo con Rossini.

Aunque actualmente Hummel es un músico prácticamente olvidado, tuvo mucha influencia con las siguientes generaciones de compositores pianistas.

Como hemos visto, Schubert lo tenía como modelo e incluyó algunas de las técnicas virtuosas distintivas de Hummel (como el cruzamiento de manos) en sus últimas tres sonatas para piano.

Se puede ver su influencia también en compositores como Schumann, Liszt y Chopin. Karl Friedrich Zelter escribió que «Hummel fue en muchos sentidos el primer Liszt».

Es a través de Hummel que se puede ver la crucial transformación de las antiguas cualidades como la claridad, simetría, elegancia y control, que cedieron paso a nuevas ideas.

Hummel tuvo un papel vital, y en gran parte aún no reconocido, en la creación de un estilo romántico nuevo en el siglo XIX.

Invitación a Charla/ Taller

Por la presente queremos hacer extensible esta invitación, dirigida a todo público, en particular el Textil, al Intercambio Cultural a desarrollarse en la ciudad de Necochea los días 15, 16 y 17 de noviembre del corriente año. Donde se presentará a Jesús Casimiro Artista Textil, de amplia experiencia e idoneidad en la Técnica Calchaquí (se adjuntan algunos de sus logros)

El programa a desarrollarse será:

Viernes 15: Charla/presentación a las 18 hs en Reina & Co. Calle 63 n°3083

Sábado 16: en Maticecs Púrpura – Taller 1:

     Escala de colores

     Luces y sombras

     Diseño del NOA

                     Taller 2:

     Técnica de figuras

     Diseño abstracto y figurativo

      Diseño libre

Domingo 17: Ídem al sábado

Para consultas e inscripción contactarse al 2262 335922

Cordialmente

Roxana Ceglie, Artista Textil

Presidenta de Matices Púrpura

Encuentro de colectividades en Lobería

El 16 y 17 de noviembre se desarrollará en Lobería el XIV Encuentro de Colectividades, organizado por la Coordinadora de Encuentro de Colectividades (Coenco) con el apoyo del Gobierno Local.

Está previsto que el sábado 16, a las 19 hs., se realice una misa en la Parroquia Nuestra Señora del Carmen y a las 20:30 hs. la Noche de Gala en el Cine Teatro Español (entrada general $100, menores de 12 años acceso gratuito).

El domingo 17, desde las 17: 30 en el Polideportivo del Club Independiente, stands gastronómicos, desfile, espectáculos y elección de la Reina (Entrada libre y gratuita).

13 de Noviembre – Estanislao Mejía Castro

Estanislao Mejía Castro (San Idelfonso Hueyotlipan, Tlaxcala, 13 de noviembre de 1882 — Ciudad de México, 15 de junio de 1967), fue un compositor mexicano.

Comenzó su carrera de maestro en el Conservatorio impartiendo clases de cornetín y de solfeo. Don Estanislao intervino para que la reciente Universidad de México no se quedara sin escuela musical.

Cuando se fundó la Facultad de Música, Estanislao fue el director por 4 años. Ocupó el cargo de director del Conservatorio Nacional de Música.

Desde ese puesto organizó la Orquesta Sinfónica Nacional, que ha dado a conocer la música mexicana.

Fue compositor de sinfonías, piezas de gran dificultad y finura, así como poemas sinfónicos, y en 1951 hizo el arreglo del popular Jarabe Tapatío.

Compuso además la ópera Edith y dio a conocer diversos aspectos de su arte por medio de revistas y periódicos.

Se ejecutó en el Palacio de Bellas Artes, en el marco del homenaje al coronel Felipe Santiago Xicoténcatl, su marcha solemne Xicohténcatl.

Colaboró en los periódicos “El Universal” y “Novedades” con artículos acerca de la música, sobre todo la mexicana.

Escribió tres libros llamados Compendio, en los cuales se reúne lo mejor de la composición musical de su país.

Además de la marcha para el coronel Felipe Santiago Xicoténcatl, compuso un homenaje a Mariano Matamoros. Organizó diversos concursos y el Segundo Congreso Nacional de Música.

Murió a los 85 años en la ciudad de México, dejando a la música grandes aportaciones y un orgullo al pueblo de Hueyotlipan, Tlaxcala.

13 de Noviembre – Jimmy Fontana

Jimmy Fontana (Enrico Sbriccoli: Camerino, de la provincia de Macerata, 13 de noviembre de 1934 – Roma, 11 de septiembre de 2013) ​ fue un cantante y actor italiano que conoció su momento de mayor popularidad en los años 1960.

En 1961 participó en el Festival de San Remo en dúo con Miranda Martino cantando el tema Lady luna, compuesto por el maestro Armando Trovaioli y Dino Verde.

Su primer éxito fue Non te ne andare (1963), y poco más tarde su internacional Il Mondo (1965), canción que ha conocido múltiples versiones en voces de otros artistas.

Él mismo grabó en su voz las versiones en castellano (El mundo) y en catalán (El món). Fue grabada en un EP en catalán en 1965 junto a tres canciones más de Gianni Morandi, Rita Pavone y Donatella Moretti. También Los Mustang grabaron una versión en castellano de Il Mondo.

La mia serenata es el disco del verano en Italia en 1967, y en el Cantagiro de 1969 presenta La nostra favola, versión italiana de la canción de Tom Jones de título original Delilah.

En 1970 consiguió un nuevo éxito con L’amore non è bello (se non è litigarello), sintonía del programa televisivo «Signore e signora», con Delia Scala y Lando Buzzanca.

Después de un período de alejamiento de los éxitos en los años 70, vuelve en 1979 con Identikit, sintonía de la serie televisiva «Gli invincibili», que obtiene un discreto éxito, confirmado con Beguine, que es presentada en el Festival de San Remo de 1982.

En los años posteriores formó el grupo los «Superquattro», junto a Gianni Meccia, Nico Fidenco y Riccardo Del Turco, con los que participó en muchos programas de la televisión italiana.

Fontana fue autor de numerosas canciones, en pareja a dúo con Gianni Meccia, para su voz y para las de otros artistas: el tema más famoso es Che sarà, que popularizaron José Feliciano y el grupo Ricchi e Poveri en el Festival de San Remo de 1971.

Falleció en Roma el 11 de septiembre de 2013, a los 78 años. Su hija, Andrea Sbriccoli, por medio de la agencia Ansa, desmintió la noticia que apuntaba como causa del fallecimiento a una larga enfermedad de su padre.

La muerte se produjo de manera imprevista durante «una gira de 5.000 kilómetros por toda Italia, con conciertos siempre repletos de gente que lo quería mucho.

El último concierto fue en Terni el domingo 8 de septiembre; nos esperaban el sábado 14 en nuestra región, las Marcas, día en que desgraciadamente celebraremos su funeral. Su fallecimiento se debió a una súbita fiebre alta provocada por una infección dental».

12 de Noviembre – Neil Young

Neil Percival Young (Toronto, Ontario, 12 de noviembre de 1945)1​ es un músico y compositor canadiense, considerado ampliamente como uno de los más influyentes de su generación.

Comenzó su carrera musical en Canadá en 1960 con grupos como The Squires y The Mynah Birds, antes de trasladarse en 1966 a California para fundar Buffalo Springfield con Stephen Stills y Richie Furay.

En 1968 inició una carrera en solitario que abarca más de 45 años y 39 álbumes de estudio hasta 2016, con una continua exploración de diferentes géneros musicales, especialmente durante la década de 1980, cuando experimentó con estilos como el swing, el blues y el rockabilly.

Ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Buffalo Springfield y artista en solitario, descrito como «uno de lo mejores compositores e intérpretes de rock and roll».

Su trabajo se caracteriza por unas letras marcadamente personales,​ en ocasiones con crítica social y posiciones antibelicistas,​ y por su voz de tenor-alto.​ Aunque toca instrumentos como el piano, el banjo y la armónica,​ su trabajo se caracteriza por un distintivo empleo de las guitarras acústica y eléctrica, y en particular por el uso de una Gibson Les Paul de 1953 modificada y apodada Old Black.

Su trabajo más reconocido se divide en dos estilos musicales: el acústico, con canciones folk y country rock como «Heart of Gold» y «Old Man»,​ y el eléctrico, con canciones rock y hard rock como «Hey Hey, My My (Into the Black)» y «Rockin’ in the Free World», interpretadas principalmente con el grupo Crazy Horse y caracterizadas por una alta distorsión del sonido. A partir de la década de 1990 adoptó elementos de estilos como el grunge, y su influencia en bandas como Nirvana o Pearl Jam le valió el sobrenombre de «el padrino del grunge».

Como director cinematográfico publicó, siempre bajo el seudónimo de Bernard Shakey, largometrajes como Journey Through the Past, Rust Never Sleeps, Human Highway, Greendale y CSNY Déjà Vu.​ Es también un destacado defensor de causas humanitarias y ambientales, y en 1985 fundó Farm Aid con Willie Nelson y John Mellencamp para ayudar económicamente a los granjeros de Estados Unidos en riesgo de exclusión social. Un año después fundó con Pegi Young una organización educativa para niños con discapacidades psíquicas llamada The Bridge School, que financia con la recaudación de los Bridge School Festival, una serie de conciertos benéficos anuales.

Young contrajo matrimonio en tres ocasiones: en 1970 con Susan Acevedo; en 1971 con la actriz Carrie Snodgress, con quien tuvo un hijo de nombre Zeke, y en 1978 con Pegi Morton, con quien tuvo dos hijos, Ben y Amber Jean.​ Reside en Broken Arrow Ranch, una propiedad ubicada en Redwood City, California y no ha adoptado la nacionalidad estadounidense a pesar de residir en el país desde hace más de 45 años.

12 de Noviembre – Jaime Roos

Jaime Andrés Roos Alejandro (Montevideo, 12 de noviembre de 1953) es un cantante, músico, compositor y productor uruguayo.

Los tambores que recorren el Barrio Sur, lo que transmite la radio, la música de los tablados del carnaval, los Beatles y el rock han sido algunas de las influencias que asimiló para luego plasmar una música con personalidad y sello propio que le ha valido el éxito con el que cuenta en su país, y que se extendió a nivel internacional.

Estas características hacen que sea uno de los cantantes uruguayos más populares, con gran venta de discos, y conciertos con entradas agotadas.

Vivió desde chico en un departamento sobre la calle Convención a metros de Durazno, esquina que inmortalizó en una de sus canciones más conocidas, «Durazno y Convención».

Su música fusiona rock, candombe, milonga, tango y murga, interpretando el sonido de Montevideo.

Es reconocido hincha de Defensor Sporting, a cuyo primer campeonato dedicara otro de sus temas más conocidos, «Cometa de La Farola».

Entre sus éxitos caben de mencionar «Brindis por Pierrot», «Amándote» y «Si me voy antes que vos».

Hacia fines de los años 1960 inicia su actividad como músico profesional, actuando en obras de teatro y grupos de rock y música nacional como Los Roberts, Epílogo de Sueños y Aguaragua, cuyo líder era Pajarito Canzani.

A mediados de 1974, integra el grupo Patria Libre, junto a Raúl «Tintabrava» Castro, Jorge Bonaldi y Jorge Lazaroff, en reemplazo de Miguel Amarillo, en donde tocaba el bajo y se dedicaba fundamentalmente a los arreglos de los temas.

En 1975 integra por un breve lapso el grupo Canciones para no dormir la siesta, y posteriormente viaja a Europa radicándose en París, donde trabaja como músico en teatros, bares, sesiones de grabación, etc.

Es en París que puede ubicarse los comienzos de su carrera solista. Allí grabó sus primeros cuatro temas, luego incluidos en su primer larga duración «Candombe del 31», que terminó de grabar en Uruguay en 1977, para el sello Ayuí / Tacuabé.

Luego de presentar su primer disco en abril de 1977, en la sala Millington Drake, con muy buena repercusión tanto en el público como en la crítica, regresa a París.

Entre mayo y julio de 1978, en Normandía, graba Para espantar el sueño, teniendo como músicos invitados al percusionista uruguayo Jorge Trasante, al argentino Carlos Grasso en flautas y a la francesa Emmanuelle Parrenin en cítara y espineta.

En 1978, se radica en Ámsterdam donde es bajista en varios grupos de salsa, rock y jazz permaneciendo hasta 1984 en que vuelve a Uruguay.

En ese año, nace en la capital neerlandesa, su hijo Yamandú. Entre 1980 y 1983, edita dos discos de éxito moderado: Aquello (1981) y Siempre son las 4.

En 1984, ya instalado en Uruguay, edita Mediocampo, donde se incluye un de sus más famosos temas, «Durazno y Convención», en referencia a las esquinas del barrio donde nació.

Otra canción memorable de esta placa es «Los futuros murguistas», que hace referencia a los murgueros que festejan en el carnaval montevideano.

Paralelamente a su actividad solista, integró hacia 1984, el grupo Repique junto a otros músicos como Jorge Vallejo, Alberto Magnone, Andrés Recagno, Gustavo Etchenique, Jorge Galemire y Carlos «Boca» Ferreira.

Las actuaciones de este grupo junto a las de José Carbajal «El Sabalero», representaron una nueva modalidad de espectáculos llamados «candombailes», los cuales junto a otras expresiones artísticas comenzaron a dar forma a la música popular uruguaya post-dictadura.

Antes del alejamiento de Roos de este grupo, participa en la grabación de dos fonogramas, titulados «Repique» y «¡Qué barbaridad!».

En 1985 junto al Canario Luna en voces, graba uno de los temas clásicos del «Carnaval del Uruguay» y «Brindis por Pierrot», incluido en el álbum del mismo nombre.

El tema fue polémico en esa época por sus referencias a Zelmar Michelini y a Dogomar Martínez; debido a que aún estaba en Uruguay, una dictadura militar.

En este último, participó el cantautor Canario Luna en primera voz. Al año siguiente edita 7 y 3 cuyo nombre deviene de la popular mezcla entre gaseosa y vino.

En 1987 la editorial Trilce lanza el libro «El sonido de la calle» de Milita Alfaro, el cual recorre la trayectoria del artista hasta ese momento, su infancia, adolescencia, sus años en Europa y su regreso a Uruguay junto a un análisis de sus principales canciones.

En 1988, representó a Uruguay en el prestigioso festival de la canción latinoamericana de Varadero (Cuba). En 1990, con un Estadio Obras completo, inicia en Buenos Aires su trayectoria en Argentina. En 1992, compone la música para la Selección Uruguaya de Fútbol, «Cuando Juega Uruguay».

Entre 1993 y 1994 realizó la gira «A las 10», primera ocasión en la que un músico recorrió los 19 departamentos del Uruguay con un mismo espectáculo, el cual fue registrado en video.

En 1997 para conmemorar sus 20 años dedicado a la música realiza en el Teatro Solís el llamado «Concierto aniversario» que le da el nombre al disco que tiene una recopilación de sus mejores trabajos.

En el concierto participaron Hugo Fattoruso y dos de los tres hermanos Ibarburu. En el 2001 representa a Uruguay en el Encuentro Mundial de la Juventud realizado en Panamá.

En mayo de 2002, viaja al Mundial de Fútbol en Corea y Japón con todo su conjunto, como embajador musical del equipo fútbol Uruguay, dando un show en el inicio del mismo.

En el 2007, inicia una gira por todo el Uruguay (350. 000 personas en 32 conciertos), Argentina y por 7 ciudades de España, la cual tiene su punto más alto en los conciertos de los días 24 al 29 de julio en el teatro Teatro Solís de Montevideo a teatro lleno.

La misma sirve de promoción para su último disco Fuera de Ambiente. Complementariamente realizó conciertos en la Sala Teatro MovieCenter, Fiesta de la X, y las canteras del Parque Rodó.

El 28 de marzo de 2008 comienza con un show en el «Punta Rock», con otros artistas nacionales.

De su presentación en el Teatro Solís del sábado 19 y el domingo 20 de julio de ese año se produjo el disco «Hermano te estoy hablando», agregándole algunos temas grabados en estudio.

11 de Noviembre – Adrián Barilari

Adrián Barilari (Villa Lugano, Buenos Aires, Argentina, 11 de noviembre de 1959), es un cantante argentino de heavy metal.

Es el vocalista de Rata Blanca, con la cual grabó un total de ocho álbumes de estudio y recorrió los más grandes escenarios de toda Argentina, Iberoamérica, Estados Unidos y Europa.

Integró Alianza en los 90; y como solista editó cuatro trabajos: Barilari en 2003, junto a los músicos de Nightwish, Canciones Doradas en 2007, reversionando canciones clásicas del rock/pop, Abuso de Poder, mostrando su faceta más pesada, y Barilari, su más reciente obra.

Segundo de tres hermanos varones de una familia de clase media, estuvo vinculado con la música desde muy pequeño ya que su tío era ejecutante de bandoneón y cantante de tangos.

Fue él quien le enseñó a cantar a los 4 o 5 años. Pronto su madre comenzó a llevarlo a los canales de televisión para que cantara frente a las cámaras, con solamente 7 u 8 años.

Su hermano mayor tenía un grupo de rock, en el cual Adrián aprovechaba de momentos para cantar temas de Creedence Clearwater Revival o The Beatles.

A los 12 años empezó a componer sus primeras canciones y su madre lo incentivó para que estudiara acordeón, pero él no estaba convencido y terminó aprendiendo a tocar la guitarra que era lo que realmente le gustaba.

La primera banda rockera de Barilari se llamaba Topos Uranos, de estilo rock pesado, pero tuvo que dejar este proyecto al tener que cumplir con el servicio militar obligatorio. Después de eso fue integrante de otras bandas como Rompecabezas, Cobalto, Vietnam y Días de Gloria.8​

Fue entonces cuando en 1989, el cantante Saúl Blanch dejó Rata Blanca, y el grupo comenzó la búsqueda de nuevo cantante. Aunque Barilari pensaba seguir en Días de Gloria, sus propios compañeros le insistieron para que entrase en la banda.

Su ingreso como vocalista en Rata Blanca suponen su auge hacia la fama. Su figura parece lanzarse a los más altos niveles cuando difunden Magos, Espadas y Rosas.

Junto con el éxito rockero, llega el éxito mediático y popular. Su original figura de joven extravagante pronto lo convirtieron en la imagen más reconocida que el Rock argentino tenía para ofrecer.

Con la edición del EP El Libro Oculto y ante los deseos de Walter Giardino de llevar a la banda a un estilo más pesado, en 1993, Adrián abandonó el grupo al no estar de acuerdo con el nuevo rumbo impuesto por el guitarrista.

Junto al teclista Hugo Bistolfi, que también se había alejado recientemente del grupo, forman Alianza, con numerosos músicos sesionistas, de los cuales los únicos miembros permantentes eran ellos dos. No tuvo mucha repercusión en Argentina, pero sí en otros países de Iberoamérica.

El primer disco llegó un año más tarde, titulado Sueños del Mundo y continuaba con la línea de Rata Blanca, sin llegar a ser heavy metal. Dispuestos a aprovechar la fama ganada años antes, realizaron giras por países de Iberoamérica.

En 1997 editaron en México su segundo disco, llamado simplemente Alianza. El disco contaba además con una versión abreviada del clásico «Mujer amante».

En 1998 participó del disco Guitarras argentinas: Placer, odio, sentimiento, del cual participaron los mejores guitarristas del país, incluyendo a Walter Giardino, Daniel Telis (guitarrista del primer disco de Alianza), Adrian Subotovsky, Pappo y Pablo Soler entre otros.

Adrián Barilari participó en el disco haciendo las voces en el tema «Nada es para siempre» de Adrián Subotovsky. En ese mismo año también Rata Blanca se separa. Walter Giardino seguía adelante con su proyecto solista Walter Giardino Temple, del que finalmente se fueron todos sus integrantes, tras una pelea en un recital, junto a Glenn Hughes.

En 1999 sacaron a la venta un disco que mostraba un quiebre significativo respecto a lo que venían haciendo anteriormente. Se trata de Huellas, el primer disco de Heavy metal de la banda.

También editó un libro titulado Introducción al Canto Pop, en el que se detallan técnicas de respiración y vocalización para aficionados al canto. El libro incluía todos los ejemplos grabados por el mismo Adrián.

El nuevo siglo trajo más trabajo para Adrián, ya que colaboró con el primer disco de Azeroth como cantante invitado junto a Christian Bertoncelli (ex Horcas y actual vocalista de Imperio y Renacer).

A partir del renacer de su amistad con Giardino, fue invitado como cantante para realizar algunos shows de Temple, aprovechando la difusión de los clásicos de Rata Blanca en las radios.

El 2 de septiembre de 2000 anunciaron en Bolivia, que se volvía a armar Rata Blanca y pronto llamaron a su compañero en Alianza para que ocupara nuevamente los teclados de la banda.

Partieron hacia una gira iberoamericana y la cerraron el 19 de diciembre en el Teatro Coliseo. Días después, Alianza se presentó en Acatraz para despedir el año.

En el 2001 continuó junto a Rata Blanca en sus presentaciones, pero paralelamente participó junto a Hugo Bistolfi y otros reconocidos músicos, como Ricardo Mollo, Claudio O’Connor, Norberto Rodríguez, Claudio Marciello, Walter Meza, etc. de un disco tributo a Deep Purple, llamado Sueños Púrpura.

Ya con Rata Blanca de vuelta, editaron Grandes Canciones, un recopilatorio con algunas de las más clásicas del grupo, incluyendo una versión acústica de «Mujer Amante» con la formación actual.

Posteriormente sacan a la venta El camino del fuego que era la secuela de Temple, pero con la nueva formación de Rata Blanca.

También sacaron dos sencillos de este último, el primero se tituló «Highway on fire» con los temas «Master Of the Highway» (Amo del camino), «Back Home» (Volviendo a casa), «The fire dance» (La danza del fuego) y un vídeo de «Back Home».

El segundo fue titulado En Nombre de Dios, en donde aparecen los temas «En Nombre de Dios», «Volviendo a Casa,» «La danza del fuego» y el acústico de «Mujer Amante».

En el 2003 sacan Poder vivo un recopilatorio de varios conciertos de su última gira hasta la conclusión de la misma. Al día siguiente (26 de julio), se presentan en el estadio Obras y sacan un CD y un DVD del concierto.

En el 2005 editan La llave de la puerta secreta, un disco inspirado en el libro El código Da Vinci, y en el 2008 sale su último álbum, El Reino Olvidado, manteniéndose siempre vigentes dentro de la escena argentina.

Además de su trabajo en Rata Blanca, Adrián Barilari comienza una carrera solista como proyecto paralelo llamado Barilari; con él graba un EP de cuatro temas adelanto del CD principal Barilari.

Barilari, ya editado como álbum, cuenta con la participación de los destacados músicos de Stratovarius, Jens Johansson en teclados, quien además aportó arreglos de cuerdas, Emppu Vuorinen en guitarras, Jukka Nevalainen en batería y Sami Vänskä en bajo (todos estos excepto el último, integrantes de Nightwish, Vänskä ya no lo es). En guitarras, además, los Argentinos Daniel Telis y Gonzalo Ledesma.

El disco fue grabado en Finlandia, Suecia, Alemania y Argentina y cuenta con una sección de cuerdas grabadas en Alemania. Las composiciones corren por cuenta de Adrián, Gonzalo Ledesma y Daniel Telis, Jens Johansson y Emppu Vuorinen. Se destaca el cover del clásico de Rainbow «Stargazer», adaptado al castellano.

El disco fue mezclado por Mikko Karmila y masterizado por Mika Jussila en los «Finnvox Studios» de Finlandia donde hoy en día se genera buena parte del rock pesado a nivel mundial.

En 2007 presenta un disco de covers llamado Canciones Doradas en el cual versiona diversas canciones en inglés que fueron hits en su momento, además de un cover de «Pasión Prohibida», un tema de su antigua agrupación Alianza.

En el 2009, Ádrian saca a la luz su tercer disco, Abuso de poder; este es un disco muy potente y con letras más comprometidas que sus trabajos anteriores. Dicho disco se lanzó vía Internet a principios de junio, el primer corte es la canción que le da nombre al disco.

En junio de 2012 ha sacado a la venta su más reciente obra: Barilari 4. El título hace referencia a que es su cuarta producción como solista.

10 de Noviembre – Ennio Morricone

Ennio Morricone (n. Roma, Italia; 10 de noviembre de 1928) es un compositor y director de orquesta italiano conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión.

Recibió un Óscar honorífico en 2006 y ganó el Óscar a la mejor banda sonora en 2016 por la cinta The Hateful Eight. Sus composiciones han formado parte de más de 20 películas galardonadas, como también piezas sinfónicas y corales.

Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del spaghetti western, de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares de 1964, La muerte tenía un precio de 1965, El bueno, el feo y el malo de 1966 o Hasta que llegó su hora de 1968.

No obstante, su obra se extiende a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX.

Sus composiciones para Days of Heaven de 1978, La misión de 1986 o Cinema Paradiso de 1988 son catalogadas como auténticas obras maestras. Nacido en Roma, Morricone comenzó a tocar la trompeta cuando era niño y a los seis años ya había compuesto su primera obra.

Estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia a la edad de nueve años, donde su padre, Mario Morricone, que era músico, lo inscribió. Cuando tenía doce años entró en el conservatorio, inscribiéndose en un programa de armonía de cuatro años, que acabó en seis meses.

Su diploma de trompeta lo recibió en 1946 y a partir de ese año comenzó a trabajar profesionalmente componiendo la música de Il Mattino (La mañana). Después de graduarse en 1954, empezó como escritor fantasma, componiendo música para películas, que se atribuían a famosos músicos de la época.

Pronto ganó popularidad debido a la composición de música de fondo para programas de radio y poco después daría el salto a la gran pantalla. En los años cincuenta recibió un diploma en instrumentación. También le fue otorgado por el también compositor Goffredo Petrassi un diploma en composición. En 1955, Morricone se dedicó a arreglar la música de otros compositores que ya estaban establecidos en el cine.

Al poco tiempo, Sergio Leone, un amigo de la infancia de Morricone, lo requeriría para que fuese el compositor de las bandas sonoras de sus películas. Juntos crearon un punto de vista diferente del Western tradicional con la película Un puñado de dólares.

En los años 80 y 90, Morricone continuó componiendo para Leone, como en Érase una vez en América (1984). También compuso para otros directores como Roland Joffé en La misión (1986), Brian de Palma en Los intocables de Eliot Ness (1987) o Giuseppe Tornatore en Cinema Paradiso (1988). Otras composiciones más recientes de carácter notable son en las películas Malèna (2000), Campos de Esperanza (2005) o Baarìa (2009).

Morricone ha recibido dos premios Grammy, tres Globos de Oro, cinco BAFTA, diez David de Donatello, once Nastro d’argento y el Premio de Música Polar en 2010, considerado este último como el Nobel de la música. En la edición de los Premios Óscar 2006 recibió el Óscar honorífico «por sus magníficas y polifacéticas contribuciones en el arte de la música de cine».

En 2016 recibió el Óscar en la categoría de Mejor banda sonora original por la película ‘Los Odiosos Ocho’, después de haber sido nominado seis veces en esta categoría en ediciones anteriores, convirtiéndose así en el galardonado más longevo en dicha categoría en la historia de los premios Oscar. A lo largo de su carrera, Morricone ha vendido más de 70 millones de discos.

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