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6 de Junio – Charlo

Carlos José Pérez (Guatraché, La Pampa; 7 de julio de 1905 – Buenos Aires; 30 de octubre de 1990), conocido popularmente como Charlo o Carlos José Pérez de la Riestra, fue un cantante, músico, pianista, actor y compositor argentino.

Durante una fiesta de fin de curso realizada en 1924 en el cine General Belgrano de la Av. Cabildo, tuvo la tarea de acompañar en piano a los diferentes cantantes de la gala, e incluso se animó fuera del programa, a cantar.

En dicha fiesta se encontraban presentes el Ingeniero Enrique Del Ponte y el Sr. De Bari, ambos dueños de Radio Cultura, quienes impresionados por su carisma y calidad de pianista decidieron invitarlo a participar en la emisora, que era la más escuchada en ese entonces, por los pocos poseedores de aparatos a galena.

Enrique del Ponte fue quien le sugirió el seudónimo artístico Charlo, derivado de Charles (Carlos), ya que los oyentes no podrían retener lo extenso de sus nombres y apellidos.

Al poco tiempo Charlo se convirtió en el cantor y pianista figura de Radio Cultura. «Y en un fin de curso, acá en Buenos Aires, se hizo una fiesta en el cine General Belgrano, donde toqué el piano y canté; estaban los dueños de Radio Cultura, un señor De Bari, que era diputado, y un señor Del Ponte.

Nos hicieron una invitación a mí y a otros de los muchachos que habían actuado, para visitar la radio.

Un día me picó la curiosidad y fui. Toqué el piano y canté. Empezaron a llamar por teléfono. El caso es que me vinieron a buscar para actuar y grabar. Ahí empezó mi carrera.» (Charlo, en el mismo reportaje).

Su elegante presencia junto a un registro de voz barítono, con tendencia a tenor en sus inicios, y su virtuosismo en la música le abrieron camino a una meteórica carrera artística.

En el año 1925 un vecino de San Cristóbal llamado Américo Fazzari, a la sazón de inspector municipal de teatros, lo conectó con el empresario Alberto J. Ballesteri, quien luego de escucharlo lo contrató como cantor, actor y compositor de uno de los cuadros de una revista musical en el teatro «Comedia» de la calle Carlos Pellegrini.

En esa revista estrenó su tango «Pinta brava» con letra de Mario Battistella y su fox-trot «»Pim…pum, rataplán»». «En el teatro Comedia, que ya no existe, sin saber que era una primera figura, lo fui, actuando como actor, cantor y autor.

Ahí estrené mis dos primeros temas como compositor”. ”El fox-trot era el único tema de la obra que se bisaba. Allí tuve mi primera frustración; yo anhelaba que se bisara el tango, pero lo que hacía furor era el fox. Lo escuchaba tanto que le tomé fastidio y lo castigué: nunca lo edité.» (Charlo, en el mismo reportaje).

En ese momento no actuaba ni en radio ni en teatro, pero grababa discos para el sello Electra. El señor Améndola, tío de Juan D´Arienzo, era el dueño de esa grabadora, donde quedaron registrados veinte temas, entre ellos cuatro con letra y música del propio Charlo, acompañado en guitarras por Vicente Spina y Miguel Correa.

En ese mismo año es contratado por RCA Victor, y en su primer disco dejó registrados dos tangos suyos: con letra de Celedonio Flores, «Costurerita», con letra de Francisco Brancatti, y «Pobre varón».

A partir de 1927, ya abandonada su carrera de abogado, debutó como galán cantor en las famosas revistas, género muy en boga por aquel entonces. Esas obras estaban escritas y dirigidas por tres grandes del teatro y del tango: Manuel Romero, Ivo Pelay y Luis Bayón Herrera.

Mientras se desarrollaba la temporada, fue a buscarlo el representante Miguel Bucino, quien le informó que Francisco Canaro quería grabar con él en el sello Disco Nacional Odeón, dado que Charlo se había desvinculado de la casa Víctor y ya había grabado para Odeón con la orquesta de Roberto Firpo, aunque esos discos nunca salieron a la venta.

La propuesta de Canaro, quien –según Charlo– fue a verlo para que reemplazara Roberto Díaz como estribillista de su orquesta, fue que le pagarían treinta pesos por cada estribillo cantado, y su nombre no figuraría en las etiquetas, tal como era costumbre hasta los primeros años de la década del ’40.

Recién cuando se reeditaron esas grabaciones en formatos distintos a los discos de 78 RPM, pudo rescatarse en algunos casos los nombres de los estribillistas.

Lo primero que grabó con Canaro fue el célebre vals «Ramona» y el tango «Lindo tipo de varón».

Charlo también realizó grabaciones con la orquesta de Francisco Lomuto, que era artista del mismo sello. Su producción discográfica llega a mil cien registros.

En su faceta como compositor a lo largo de su carrera, Charlo produjo un caudaloso repertorio de canciones que marcaron la década de 1930. Entre sus más importantes composiciones se pueden citar:

Horizonte, Ave de paso, Tormento, Sin lágrimas, Fueye, La barranca, Rondando tu esquina, Zorro plateao y Rencor.

Paralelamente, con la orquesta de Francisco Canaro, cantaba los versos de los temas presentados en los concursos que organizaba la Casa Max Glucksmann en el Gran Palace Theatre.

Algunos de los tangos cantados por Charlo fueron «Duelo criollo», de Lito Bayardo y Juan Razzano; «Piedad», de Carlos Percuocco y Luis De Biasse; «Te aconsejo que me olvides», de Pedro Maffia y Jorge Curi, y «Alma en pena», de Anselmo Aieta y Francisco García Jiménez.

El año 1926 fue de una intensa actividad, ensayaba diariamente durante cinco horas, y practicaba vocalización con su maestro de canto Enrico Castronuovo.

Además, grababa con Francisco Canaro, con Francisco Lomuto y como solista. Tres veces a la semana actuaba en radio, y en los fines de semana se presentaba en los principales cines de la Capital Federal y sus alrededores.

Contribuyó a establecer un estilo emocional pero austero, exento de efectismos, de perfecta afinación y cuidada musicalidad. Como compositor desplegó su gran talento de melodista, creando obras importantes en la línea del tango romanza.

Se inició con un estilo completamente gardeliano (escúchese, por ejemplo, su grabación de «Las vueltas de la vida», de 1928), del que fue desprendiéndose para llegar a un estilo propio.

Era además ejecutante de piano, acordeón, violín y guitarra, y compositor que a veces escribió también sus propias letras. «Muchas cosas tenía para escuchar, lógicamente a Gardel. Y era caer en una huella muy trillada (..)» (Charlo, en el mismo reportaje).[cita requerida]

Como aditamento a su figura como cantor, actor y compositor, su afinidad por la moda lo convirtieron en un paradigma de la moda masculina de la década de 1930: la moda Charlo marcó tendencia.

La misma incluía lucir moño mariposa, sombrero con guantes de cuero, chaqueta cazadora, boquilla de oro para los cigarrillos. Este fenómeno no sólo incrementó su fama, sino que contribuyó al avance del tango de salón en la sociedad porteña.

Gracias a la difusión de sus discos su voz se hizo muy popular en toda América, especialmente en los países limítrofes.

Esto le abrió las puertas al exterior, y supo aprovecharlo. En 1932 viajo por primera vez a Uruguay, contratado el empresario por la Casa «Max Gluscksmann» para inaugurar el cine «Rex» de Montevideo.

De allí en más Uruguay fue permanentemente visitada por Charlo, así como el Teatro Solís y la Radio Sarandí, quienes siempre lo tuvieron de invitado.

En 1935 viaja a Río de Janeiro para una actuación en el Casino donde compuso sobre los versos de Cadicamo su tango «Ave de paso».

También se presentó en la radio Marinki Veiga de Río de Janeiro. Su primera gira importante comenzó en 1938, actuando con suceso en Chile.

«Esta es tu oportunidad, vestite y cantá como sabés, y vas a ver que vas a matar», le había pronosticado su mánager José Razzano, y tuvo razón.

Actuó luego en Bolivia, Venezuela, Panamá, Cuba y Estados Unidos. Principalmente en La Habana, Caracas y en Lima su éxito fue tal que lo catapultó a la fama, consagrándolo como sucesor de Gardel.

En sucesivas giras siguió ampliando su éxito. En Brasil, como en los países anteriormente citados, entonó tangos, boleros y folklore. En 1955 se instala en Lisboa, Portugal.

Su espectáculo «Estampas de Hispanoamérica» tuvo gran suceso en la televisión local, en el Casino Estoril.

También actuó el Hotel Embajador y en la célebre boite de entonces Bico Dourado. Luego visitó España y de allí pasó a actuar en Francia y Bélgica, y, por último, en 1956, visitó Colombia, donde fue recibido con gran suceso no sólo el músico y cantor de tangos, sino un Charlo universal intérprete de ritmos melódicos y tropicales. En esa gira compuso unos de los últimos éxitos: su «»Tango en Colombia»».

En 1945 Charlo estuvo al borde de la muerte cuando el avión trimotor con el que había iniciado su gira debió hacer un aterrizaje forzoso. Junto a él se encontraban los tres guitarristas de su conjunto, Olmedo, Arana y Torres.

Todos ellos regresaban, luego de tres años de gira, a Argentina desde Acapulco, sin embargo, en la frontera entre Brasil y Venezuela el trimotor prácticamente quedó sin combustible; sólo tenían bencina para una hora de vuelo.

El piloto debió hacer un aterrizaje de emergencia en el Río Negro, un afluente del Amazonas. Se perdieron los equipajes, alhajas y guitarras, pero lograron salir con vida.

Charlo compuso música que versificaron los más importantes poetas de su tiempo, como Luis César Amadori, José González Castillo, José María Contursi, Esteban Celedonio Flores, Cátulo Castillo, Francisco Bohigas, Homero Manzi, Enrique Cadícamo, y algunos de la generación anterior como José Gonzalez Castillo, para el tema «El viejo vals».

Actuó, primeramente, en forma simultánea, con Francisco Canaro y con Francisco Lomuto, ya que los tres estaban contratados por el mismo sello grabador.

Habiendo cantado anteriormente con Roberto Firpo; posteriormente con Adolfo Carabelli, con Salvador Ruiz de Luna en España, con Héctor Stamponi, Roberto Pansera, Jaurés Lamarque Pons, Demare-Vardaro y la «Orquesta Típica Victor».

En 1939 hizo una gira acompañado por un trío compuesto por Osvaldo Pugliese, Federico Scorticati y Juan José Gallastegui, tocando, respectivamente el piano, el bandoneón y el violín.

También cantó acompañado por la orquesta de Osvaldo Requena, y tuvo además entre sus más calificados guitarristas a Rafael Yorio (apodado Rafael Iriarte), Ángel Iglesias, Héctor Besedas y Andrés Arrieta, ​ además de Edmundo Rivero, Roberto Grela y Vicente Spina como integrantes de su conjunto.

Entre sus últimas actuaciones se pueden destacar la realizada ante el público de Buenos Aires en 1973, con la orquesta de Osvaldo Requena.

Interpretó dieciséis obras suyas conocidas, y dos estrenos: «Tango de la ausencia» y «Diquero». Posteriormente, en julio de 1986, actuó invitado por la Secretaría de Cultura de la Nación, en el teatro San Martín para el ciclo Voces.

La gala tuvo como anfitrión al periodista y escritor Mariano Montes. En aquella actuación estrenó el tango orquestal «Cielo Pampa», uno de sus últimos tangos dedicado a su tierra de origen. Por otra parte, hasta pocos años de su fallecimiento Charlo actuó en café concerts acompañado por el maestro Virgilio Expósito.

La radio fue el medio en donde se inició en el mundo del espectáculo, más específicamente en Radio Cultura. Trabajó luego en Radio Belgrano, Radio Prieto, Radio Splendid, Radio El Mundo y Radio Nacional. Tal eran sus dotes para este medio masivo de comunicación que no sólo se desempeñó como cantor solista, sino que trabajó como locutor con sus propias interpretaciones y anunciando la hora oficial.

Es de destacar, también, su participación permanente en radios uruguayas como la vieja Radio Sarandí y en Brasil para Radio Piratininga de San Pablo.

Incursionó en un medio tan difícil como el cine, rodeado de primeras figuras y sin desentonar. Sus dotes de galán y sus condiciones físicas le permitieron hacerlo con holgura.

En 1935, con Mario Soffici, participa en El alma del bandoneón, donde luce sus cualidades de cantor. En 1936, ahora dirigido por Luis César Amadori y junto a Pepe Arias, la Negra Bozán y Alicia Vignoli, participa en el film Puerto Nuevo.

Trabajó también en Carnaval de antaño, dirigida por Manuel Romero. En el rodaje de este film, conoció a la que sería su mujer hasta 1969, Sabina Olmos. Los acompañaban además Florencio Parravicini, Sofía Bozán y Enrique Roldán.

Actuó también en Los troperos, Los muchachos se divierten, Un sueño y nada más y otras películas, en algunas de las cuales fue protagonista. Además, participó en varias filmaciones en España.

Charlo fue contemporáneo del más importante referente del tango: Carlos Gardel. En reportajes Charlo mencionó que evitaba escuchar las interpretaciones de Gardel, no por disgusto sino al contrario, para evitar caer en una imitación a Gardel, tan frecuente en aquella época.

Sin embargo, la relación entre ellos era cordial y amena; como testimonio de ello Carlos Gardel le dedicó a Charlo, antes de partir a su última gira con trágico final, uno de sus más célebres retratos de él fotografiado por José María Silva, de Montevideo, con la siguiente dedicación: “A mi colega inteligente y gran intérprete de las canciones de mi tierra y buen amigo Charlo, con gran simpatía Carlos Gardel”.

Esta fotografía, única en su referencia a otro cantante contemporáneo, fue la imagen elegida para ilustrar la tapa del long play “Éxitos de Gardel en la voz de Charlo”, editado en 1978. Además, en esa oportunidad Gardel le obsequió su sombrero personal y un reloj de pared.

También cosechó amistad con Edmundo Rivero: ambos se conocieron cuando Rivero ingreso como cuarto guitarrista de acompañamiento.

Fue Charlo quien lo ayudó, antes de que se decidiera a cantar. Con el tiempo el creador de «El viejo almacén» también le tendería una mano, con esa generosidad y bonhomía que siempre lo caracterizaron.

A pesar de los estilos opuestos, cantaron juntos más de una vez, especialmente temas folklóricos y milongas pampeanas. Ambos compartían la amistad de ese otro fenómeno llamado Homero Manzi.

En cuanto podía Charlo visitaba asiduamente Santiago del Estero, alojándose como huésped en la residencia de Homero Manzi. De aquella amistad surgió un tango con letra de Charlo dedicado a su amigo: «Barbeta» Otro importante cantor de tango que trabó amistad con Charlo fue Ignacio Corsini «el caballero cantor».

En un reportaje donde le preguntaron a Charlo quien era su cantor favorito, éste señaló a Corsini. Existe un retrato que Corsini le obsequio a Charlo en 1931 dedicándole las siguientes palabras: “A mi buen amigo Charlo muy afectuosamente Ignacio Corsini”.

6 de Junio – Steve Vai

Steven Siro Vai (n. 6 de junio de 1960, Carle Place, Estados Unidos) es un guitarrista, compositor, y productor estadounidense que ha vendido más de 15 millones de álbumes.

Después de iniciar su carrera como transcriptor de música para Frank Zappa, Vai grabó y estuvo de gira en la banda de Zappa de 1980 a 1982.

Comenzó su carrera como solista en 1983, tiene ocho álbumes en solitario y ha ganado tres premios Grammy.

También ha grabado y realizado giras con Public Image Ltd, Alcatrazz, David Lee Roth, y Whitesnake.

Vai ha sido miembro regular del G3 tour que comenzó en 1995. En 1999, Vai comenzó su propio sello discográfico Favored Nations, con la intención de mostrar como él lo describe, «… a los artistas que han alcanzado el nivel de rendimiento más alto en sus instrumentos elegidos «.

Ocupa el puesto n°10 de la lista los mejores guitarristas de todos los tiempos, publicada por la revista Guitar World.

Nacido el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York (cumplió seis años el sexto día del sexto mes de 1966, como así comentó en la introducción de su libro de transcripciones de Frank Zappa).

A los 12 años, Steve es atraído por el instrumento que luego iba a ser su profesión: la guitarra. Esto hace que empiece a tomar clases, con Joe Satriani quien tenía 16 años. Es aquí donde empieza la carrera de Vai como guitarrista.

Steve Vai conquistó el reconocimiento general trabajando para el legendario músico, productor y compositor Frank Zappa.

Al principio Vai solo le hacía las transcripciones de sus partes de guitarra.

Cumplido sus veinte años Frank le pidió a Vai que se uniera a la banda. Cuenta una anécdota que Steve le dijo: «Frank, yo quiero ser como tú“, a lo que Zappa respondió: “Imposible, eres demasiado joven para ser calvo».

A principios de los años 1980 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, «Flex-Able», y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz.

Poco tiempo después saca su segundo disco solista «Flex-Able Leftovers» con temas grabados durante la preparación de su primer disco pero finalmente no incluidos.

Entonces se unió al antiguo front-man de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, «Eat them and smile» y «Skyscraper», además de una versión en español del primero titulada «Sonrisa salvaje».

En 1986 saltó a la pantalla grande apareciendo en el legendario duelo final de la película Crossroads (Cruce de caminos o Encrucijada) del director Walter Hill donde hizo el papel del guitarrista del diablo llamado Jack Butler enfrentadose a un joven guitarrista virtuoso de la escuela de Julliard en un duelo guitarristico Ralph Macchio (famoso por su papel en Karate Kid).

En esta película Vai interactúa interpretando su parte con Ry Cooder que interpreta la parte de Ralph Macchio, y William Kanengiser interpretando las partes de guitarra clásica, incluyendo «Eugene’s Trick Bag» compuesta por William Kanengiser la primera mitad de los arpegios y la segunda mitad el mismo Vai, basándose en el Capricho No. 5 de Paganini, el duelo de crossroads fue interpretado en conciertos en vivo junto a Mike Keneally

Posteriormente tocó para Whitesnake y el mítico cantante David Coverdale en el álbum «Slip of the tongue» (1989) y en 1990 grabó su tercer álbum «Passion and Warfare» obteniendo la atención mundial en su carrera como solista.

Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa «Zappa’s Universe», por su solo en «Sofa», siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco.

En 1991 participó junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Leyendas de la Guitarra organizado con motivo de la celebración de la Exposición Universal de Sevilla 1992 (Expo´92).

En 1993 aparece el álbum titulado «Sex & Religion», con una formación nueva, Devin Townsend (voz), Terry Bozzio (batería) y T.M.Stevens (bajo). Deja de lado el estilo solista con una dinámica más de banda. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión.

En el año 1995 Steve graba un álbum titulado «Alien Love Secrets», del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los vídeos de las canciones que componen este álbum. El disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en seis semanas.

En septiembre de 1996 se edita «Fire Garden». Encarnando una nueva banda y estilo. Un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante.

También en 1996 participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani (el organizador) y Eric Johnson, donde le acompaña Mike Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. «

Llegando a mitad del año 1999, aparece el disco «The Ultra Zone», en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados.

En el año 2000 Steve Vai graba su primer disco en vivo, «Alive in an ultra World», presentando canciones que caracterizan los países que el visitó en la gira de «The Ultra Zone». Un segundo disco G3 con el virtuoso de la guitarra Yngwie J. Malmsteen se graba en el 2003.

Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, «Live In Astoria: London», donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco.

Realizó una vez más con Joe Satriani, una gira G3, teniendo en esta oportunidad como invitado al legendario Robert Fripp.

Su álbum editado en 2005 se titula «Real Illusions: Reflections» y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica), en ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci.

En 2006 participa en un tour homenaje a Frank Zappa, organizado por el hijo de este último, Dweezil. En 2007 graba el álbum doble «Sound Theories Vol. I & II».

Vai junto a la marca de guitarras Ibanez crea en 1986 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas para la marca, llamada Ibanez Universe UV77MC.

También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck.

La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve.

En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones su propia serie de amplificadores llamada Legacy.

Hoy en día, Steve es uno de los principales representantes de Ibanez a nivel mundial, y ha logrado que dicha fábrica se convierta en una de las de mayores y más importantes a nivel mundial, gracias a su promoción de la misma usando sus modelos Signature.

El 24 de octubre de 1997, tocó en vivo en la fiesta de celebración del 90 Aniversario de Ibanez, evento que se llevó a cabo en la Nissin Power Station en Japón, con la colaboración de la prestigiosa marca de baterías Tama.

Este evento incluyó a 2 importantes estrellas de la guitarra: el legendario Paul Gilbert, y Andy Timmons, quien formaba parte de la alineación de la banda que tocaría en dicho evento.

Tanto Gilbert como Timmons son dos de los más reconocidos guitarristas en la actualidad y ambos son usuarios de guitarras Ibanez, teniendo sus propios modelos Signature al igual que Vai.

5 de Junio – Kenny G

Kenneth Bruce Gorelick (5 de junio de 1956, Seattle, Washington, Estados Unidos), más conocido por su nombre artístico, Kenny G, es un saxofonista estadounidense ganador del Grammy.

Es un destacado instrumentista popular de los años 1980 y 1990. Actualmente, el saxofonista proveniente de Seattle, dedica su tiempo completo a desarrollar giras regionales en Estados Unidos y algunas internacionales, sobre todo Japón y China.

Es uno de los músicos instrumentistas más exitosos en ventas de álbumes.

El instrumento principal de Kenny G es el saxofón soprano, pero también toca a veces el saxofón tenor y el alto. Comenzó a tocar el saxofón cuando tenía 10 años, en 1966.

El instrumento que tenía cuando era estudiante era un saxofón alto Buffet-Crampon. Ahora toca con saxofones Selmer Mark VI Soprano, Alto y Tenor. Ha creado su propia línea de saxofones llamados «Kenny G Saxofones».

Su cuarto álbum, Duotones, le llevó al éxito en 1986. En 1997 obtuvo un lugar en el libro Guinness de récords mundiales al haber ejecutado la nota más larga registrada por un saxofón (45’47»).

Una de sus últimas participaciones ha sido su contribución en la canción «Last Friday Night (T.G.I.F)» de la cantante estadounidense Katy Perry. En el vídeo oficial, tocó el saxofón actuando como «Uncle Kenny (Tío Kenny)».

Entre las canciones o composiciones más populares del músico, se encuentra «Silhouette».

Destacado en el mundo de la Música, acompañando a decenas de cantantes, como: Michael Bolton, Richard Marx, Aaron Neville, Whitney Houston, Andrea Bocelli, Toni Braxton, Wham, George Michael, David Foster, Stevie Wonder, incluso en habla hispana como participar en un disco musicad de la banda Camila, con el tema: «Es hora de decir adiós».

La destacada participación en los lentos de los años 1980 hizo que, casi imperceptiblemente, todos los que vivieron esa época, y 1990, escucharan temas de él sin saber quién era, ya que acompañaba instrumentalmente en muchos lentos.

Kenny G tiene una profunda amistad con Michael Bolton, y Richard Marx hace décadas. Tal vez una de las características del saxofonista es su cálida forma de ser, por lo cual, es apreciado tanto por cientos de artistas.

Michael Bolton y Kenny G, en una práctica un día antes de los premios Grammy en la década de los 1980.

La carrera de Kenny G se inició con un trabajo como acompañante para orquesta Amor ilimitado de Barry White en 1973, cuando tenía 17 años y todavía estaba en la escuela secundaria.

Continuó tocando profesionalmente mientras estudiaba para obtener una especialización en contabilidad en la Universidad de Washington en Seattle y se graduó.

Él tocó con la banda de funk Fría, Bold y Together antes de convertirse en un miembro acreditado de The Jeff Lorber Fusion. Comenzó su carrera en solitario después de su periodo con Lorber.

Kenny G firmó con Arista Records como artista en solitario en 1982, después que el presidente etiqueta de Clive Davis escuchó su versión de «Dancing Queen» de ABBA.

Se lanzó su primer disco homónimo con la ayuda de The Jeff Lorber Fusion. El álbum recibió buenas críticas.

Recibió el éxito muy pronto, tanto con G Force y la gravedad, su segundo y tercer discos de estudio, respectivamente, alcanzando el disco de platino en los Estados Unidos.

A mediados y finales de 1980, Kenny G trabajó con artistas como George Benson, Patti LaBelle y Aretha Franklin.

Tuvo un éxito en 1987, con «Love Power», un dúo con Dionne Warwick y Jeffrey Osborne, como saxofonista invitado.

Su primer álbum en vivo, titulado Kenny G en vivo incluye canciones populares, entre «Going Home», que alcanzó un gran éxito en la República Popular de China.

Kenny G ha colaborado en particular con una amplia variedad de artistas como Andrea Bocelli, Aaron Neville, Toni Braxton, DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince, Natalie Cole, Steve Miller, Weezer, Dudley Moore, Lee Ritenour, The Rippingtons, Michael Bolton, Celine Dion, Frank Sinatra, Wham, Whitney Houston, Bebel Gilberto, Steve Wonder, Smokey Robinson, Camila y Will Smith. Realizó decenas de publicidades que fueron “virales” en la redes.

El saxofonista es uno de los accionistas principales de la conocida marca de café Starbucks y ahora que la industria musical atraviesa momentos complicados, el precio de la acción de la multinacional estadounidense es una de las obsesiones del compositor de Seattle.

5 de Junio – Martha Argerich

María Martha Argerich (Buenos Aires, 5 de junio de 1941) es una pianista argentina de música académica, considerada una de los mayores exponentes de su generación y la posguerra.

Especialmente célebre por sus interpretaciones de Frédéric Chopin, Franz Liszt, Johann Sebastian Bach, Robert Schumann, Maurice Ravel, Serguéi Prokófiev y Serguéi Rajmáninov.

En 1957, ganó dos prestigiosos concursos de piano con tres semanas de diferencia, siendo estos el Premio Busoni de Bolzano y el Concurso de Ginebra. Más tarde, en 1965 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, reconocida por sus interpretaciones de Chopin y Liszt.

En varios reportajes Argerich ha remarcado su sentimiento de soledad en el escenario durante la interpretación, y -quizá por ello- realizó muy pocos recitales de piano solista después de 1980, enfocándose en conciertos para piano y orquesta, música de cámara y acompañamiento instrumental en sonatas.

Ha sido reconocida especialmente por sus interpretaciones de compositores clásicos del siglo XX, tales como Serguéi Rajmáninov, Olivier Messiaen y Serguéi Prokófiev. Una de sus grabaciones más notables reúne al Concierto para piano n.º 3 de Rajmáninov con el Concierto para piano n.º 1 de Piotr Ilich Chaikovski. Obtuvo tres premios Grammy, en los años 2000, 2005 y 2006.

En el Teatro Colón de Buenos Aires se lleva a cabo anualmente el Festival Martha Argerich, en el cual se ofrecen conciertos por músicos e intérpretes de diferentes partes del mundo, y además se celebra un concurso de piano en el cual Argerich a menudo preside el jurado.

5 de Junio – David Bisbal

David Bisbal Ferre (Almería, Andalucía, 5 de junio de 1979) es un cantante español, que alcanzó la popularidad en el año 2001 tras su participación en la primera edición de Operación Triunfo, (a menudo abreviado OT), emitido por Televisión Española, donde quedó en segundo lugar.

Sus ventas mundiales se estiman en más de 6 millones de copias (discos, singles, recopilatorios y grabaciones en directo). Según acreditan los Productores de Música de España (Promusicae), David Bisbal atesora 48 discos de platino por ventas de discos, (de los cuales 34 corresponden a álbumes de estudio con ventas de más de tres millones de unidades vendidas). Según una encuesta elaborado por la agencia Personality Media en 2016, Bisbal es identificado por el 97% de la población española.

Durante su trayectoria en la Orquesta Expresiones, David se presentó al casting de Operación Triunfo en Barcelona. En 2001, fue uno de los 16 concursantes de la primera edición española del programa, concebido para elegir al representante para el festival ‘Eurovisión’ de aquel año. Finalmente, fue seleccionado como segundo finalista detrás de Rosa López. David actuó en Eurovisión haciendo los coros a Rosa López junto con David Bustamante, Chenoa, Gisela y Geno Machado.

Una vez terminado Operación Triunfo, firmó un contrato con Vale Music, compañía que le ofreció la oportunidad de grabar su álbum debut como solista. Este, titulado Corazón latino, salió al mercado el 15 de octubre de 2002. Fue grabado entre Barcelona, Nueva York y Miami con producción de Kike Santander. El álbum alcanzó el número uno en su primera semana de debut vendiendo más de 1.000.000 de copias batiendo récord de ventas, el disco se mantuvo durante siete semanas consecutivas en el número uno de las listas de ventas de España. Todo el éxito logrado le llevó a ganar su primer premio de gran relevancia a nivel nacional como fue el Premio Ondas al mejor álbum del año 2002.

Con más de 1.000.000 de copias vendidas en España, Bisbal se lanza a los países de habla hispana, para promocionar su álbum debut. En septiembre de 2003, David Bisbal gana su primer Grammy Latino en la categoría «Mejor Artista Revelación».

El 31 de octubre inició su primera gira americana en Argentina, donde recorrió 12 países con 17 conciertos en directo. En noviembre se puso a la venta en México una edición especial de ‘Corazón latino’.

El álbum, a día de hoy, ha vendido alrededor de 1.700.000 copias en todo el mundo. Alrededor de 1.300.000 copias vendidas en España con lo que obtuvo su primer disco de Diamante.

En 2002 graba también un pequeño disco promocional llamado Grandes baladas con 4 versiones de baladas clásicas como «El día que me quieras», «Contigo en la distancia» y una versión en español de «Nothing’s gonna change my love for you». Es un disco grabado para su difusión promocional con la «Tarjeta 40 Principales» de La Caixa, por lo que no salió a la venta.

Con el álbum Corazón latino ganó el Premio Ondas, además de varias nominaciones a los Premios de la Música y Premios Amigo.

El 12 de enero de 2004 se estrenó Bulería, primer single del segundo álbum con el que alcanzó el Número 1 en las listas de ventas y radios de España y América. El 10 de febrero de ese mismo año salió a la venta su segundo ábum, que lleva el mismo nombre que el primer single. El álbum debutó en el número uno en las listas de ventas de España donde vendió más de 300.000 copias en una semana. A su vez, logró alcanzar el disco de oro en Colombia y Venezuela al poco tiempo de salir a la venta el álbum.

En noviembre de 2004, pisó por primera vez Alemania para promocionar el dúo con la cantante Joana Zimmer, un dúo con el tema ‘Let’s make history’. Unos días después de presentar el videoclip del tema, David, apareció en la gala ‘Homenaje a Rocío Jurado’, cantando junto a la más grande.

El álbum ha vendido más de 1.300.000 copias en todo el mundo, de las cuales 1.000.000 pertenecen a España, obteniendo así su segundo disco de Diamante. Siendo el único artista junto con Alejandro Sanz en tener más de 1 disco de Diamante en España.

El primer single de este nuevo trabajo, ‘Quién me iba a decir’. se presentó en agosto de 2006. Consiguió ser número uno en las listas de ventas y radios de España y América. El 3 de octubre lanzó su tercer disco de estudio al completo con el nombre de Premonición. Alcanzó el número uno en su debut, consiguiendo alcanzar los cinco discos de platino. El álbum consiguió vender cerca de 1 millón copias a escala mundial.

El 24 de octubre actuó en Estrasburgo, sede del Parlamento Europeo, interpretando los temas de su álbum ante representantes de los 25 países miembros en un concierto exclusivo.

El álbum se mantuvo durante un mes en el número uno de las listas españolas. El cantante ganó el Premio Ondas, celebrado en el Teatre Musical de Barcelona, en la 53ª Gala de los Premios y el Micrófono de Oro en la categoría musical.

En enero de 2007, su segundo single ‘Silencio’ permaneció durante 8 semanas consecutivas en el número uno de los 40 Principales.

En 2008, Bisbal cantó a dúo con Rihanna en el tema «Hate That I Love You» que incluye en la reedición del disco ‘Good girl gone bad’. Incluso se les pudo ver actuando juntos en televisión en España y en un concierto en México meses después.

En ese mismo año colaboró con los artistas Luis Fonsi, Alex Sinteks y Noel Shajris para el tema «Aquí estoy yo» con el que David conseguiría posteriormente su segundo Grammy Latino, esta vez compartido, por dicha participación en ese cuarteto.

Sin mirar atrás, es el nombre del cuarto álbum de estudio. Fue lanzado al mercado el 20 de octubre de 2009 en España, Latinoamérica y Estados Unidos. En su primer día de lanzamiento, se convirtió en doble disco de platino en España y Número 1 en iTunes en España, Estados Unidos y México. El disco terminó consiguiendo un triple disco de platino en España y un disco de Oro en Argentina. Su primer single Esclavo de sus besos fue un éxito rotundo, tanto en España como en toda Latinoamérica y Estados Unidos. Fue elegido mejor disco del año por la audiencia de Televisión Española. Se vendieron alrededor de 500.000 copias certificadas a nivel mundial.

Un año más tarde, en 2010, pondría su voz para la banda sonora de la película «La última canción» donde canta un dúo con la ‘reina adolescente’ más importante del panorama musical, Miley Cyrus.

El español David Bisbal cantó especialmente para la telenovela: «Herederos de una venganza». Dicha novela es una de las de más alto rating en Argentina, la cual fue protagonizada por Romina Gaetani, Luciano Castro y Federico Amador, donde todos sus momentos románticos son musicalizados por el tema cantado por David Bisbal. Los autores de dicho tema son el propio Bisbal, Sebastián Bazán y Karen Oliver.

El 5 de noviembre de 2011 salió a la venta su primer DVD acústico titulado «Una noche en el Teatro Real», grabado en el templo musical cuatro días antes. En su primera semana a la venta consiguió un récord histórico al superar por primera vez un DVD las ventas de un CD consiguiendo en siete días vender más de 50.000 ejemplares obteniendo el Doble Disco de Platino.

El 18 de enero consiguió el Triple disco de platino superando así la cifra de 75.000 ejemplares vendidos. En 2012 consiguió disco de platino en España por su CD en vivo en Royal Albert Hall.

Durante la gira de «Una noche en el Teatro Real» el artista español recorrió los teatros y auditorios más emblemáticos de España, Norteamérica, América Latina, el Cono Sur y las principales capitales europeas. Un total de 128 conciertos en recintos tan singulares como el Royal Albert Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York o el Luna Park de Buenos Aires.

El 15 de noviembre de 2012, en Las Vegas, David Bisbal ganó su tercer Grammy Latino, esta vez en la categoría «Mejor álbum Pop tradicional».

El primer single «Diez mil maneras» fue estrenado el 23 de enero y se convirtió desde la primera semana de su lanzamiento en número 1 en iTunes.

El día 18 de marzo estrenó su disco. Su gira tuvo comienzo en Argentina y hace un recorrido por varios países de Sudamérica y por España.

En este disco cuenta con la colaboración de artistas como India Martínez, Antonio Orozco, Manuel Carrasco, Vega y la brasileña Sandy. Con este CD en su primera semana fue doble disco de platino en España y disco de oro en Argentina, además de conseguir el single de platino por «Diez mil maneras».

Posteriormente lograría alcanzar el triple disco de platino en España, disco de platino en Argentina, disco de oro en México y disco de oro en Rumanía.

Fue nombrado como el artista n°1 en ventas en España del año 2014. Junto con el álbum, Bisbal protagonizó un mediometraje, dirigido por Kike Maíllo y co-protagonizado por María Valverde, que se estrenó en los cines de España y México. Las ventas rondan las 300.000 copias a escala mundial.

Es su sexto álbum de estudio, editado y producido en Estados Unidos, Inglaterra, Suecia y España. Fue lanzado al mercado el 2 de diciembre de 2016, consiguiendo en tan solo dos semanas ser disco de platino en España.

El primer single «Antes que no» logra ser n°1 en iTunes en 9 países incluyendo España y diversas naciones de Latinoamérica en los primeros días después de su lanzamiento además de lograr buenas críticas en redes sociales debido a la producción innovadora realizada en el videoclip del single.

A su vez, David Bisbal lanza el videoclip de otra de las canciones incluidas en el sexto proyecto de estudio «Hijos del Mar» llamada «Duele demasiado».

Dicha canción surge de la idea de realizar una colaboración con Unicef y es dedicada a los niños que sufren las consecuencias de las guerras. A modo de promoción, se presentó la gira Hijos del Mar Tour. Las primeras paradas son en España, para luego continuar la promoción en Latinoamérica.

4 de junio – Paquito D’Rivera

Paquito D’Rivera (Francisco de Jesús Rivera Figueras) (Marianao, La Habana, 4 de junio de 1948) es un músico cubano de jazz, clarinetista y saxofonista alto, tenor y soprano.

Apasionado tanto del jazz como de la música clásica, uno de los principales objetivos de su obra es hacer del primero parte integrante de la segunda.

Hijo del saxofonista y director de orquesta cubano Tito D’Rivera, empezó a estudiar música con cinco años y a los siete ya era un niño prodigio que actuaba en público. A esa edad firmó un contrato con la célebre compañía fabricante de instrumentos musicales Selmer. En palabras del propio artista:

“Mi padre fue un saxofonista retirado del ejército, quien importó de Francia la escuela clásica del Conservatorio de París.

Estudiaba su instrumento 26 horas diarias, y contaba que yo me sentaba a su lado en una sillita con un saxofoncito plástico, a imitarlo.” (…) “A los 5 años de edad, como él tenía una pequeña oficina de importaciones musicales que traía, entre otras cosas, los instrumentos Selmer de París, me ordenó un saxofón chiquitico, me enseñó a tocarlo, y un año más tarde me presentó con el quinteto de saxos de la orquesta Cosmopolita en una fiesta de fin de curso de la escuela Emilia Azcárate, de mi barrio, Marianao”.

En 1958, con diez años, toca en el Teatro Nacional de La Habana con gran éxito.

Si bien había aprendido a tocar el saxofón soprano, cuando conoció el saxo alto se inclinó por este tipo, que aprendió a tocar con ayuda de un libro.

Con doce años entra en el conservatorio de La Habana para estudiar clarinete, composición y armonía.

En 1967, con dieciocho años y ya considerado un virtuoso debuta con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba como solista en un concierto televisado a nivel nacional. Ese mismo año funda junto con el pianista Chucho Valdés la Orquesta Cubana de Música Moderna que dirigió durante algo más de dos años, compaginando esta actividad con su trabajo en la Orquesta Nacional y otras agrupaciones como la Banda del Ejército Cubano.

Posteriormente funda junto con ocho músicos de la Orquesta de Música Moderna y otros tres artistas el grupo Irakere que fusiona el jazz, rock, música tradicional cubana y música clásica creando un estilo totalmente nuevo que causó sensación en los festivales de Newport y Montreux en 1978. Con este grupo recorrió Norteamérica y Europa y fue nominado para varios premios Grammy en 1979 y 1980, de los que ganó uno por el primer año en la categoría Best latin recording por su primer disco, homónimo de la banda. Este grupo hizo historia al convertirse en la primera banda cubana que firmó con una compañía norteamericana tras la victoria de Fidel Castro.

«De Irakere tengo los mejores recuerdos, fue una experiencia única. Sólo que no sabíamos que estábamos haciendo una cosa que iba a ser tan trascendental».

En mayo de 1980, cansado de su situación en Cuba, D’Rivera abandona el viaje, durante una escala que hizo en España, en un vuelo que iba a Finlandia, solicitando asilo en la embajada norteamericana, dejando a su mujer e hijos en la isla. Su madre Maura , su padre Tito,y su hermana Rosario habían dejado Cuba en 1968 y ya eran ciudadanas estadounidenses.

Su hermano Enrique (que casualmente salía ese mismo día de Cuba)(rehén en Cuba , para que paquito no abandonara Irakere) vía la flotilla del Mariel, reside en la actualidad en Atlanta, Georgia.

Su hijo Franco vive en Miami, Florida. Paquito fue ayudado por numerosas personas como Dizzy Gillespie, David Amram, Mario Bauza y Bruce Lundvall y rápidamente se ganó el respeto de la comunidad de músicos de jazz.

Su fama se consolidó con la publicación de sus dos primeros discos en solitario, Paquito Blowin en junio de 1981 y Mariel en julio del siguiente año, así como por un artículo de la revista Time y por actuar en el programa de la cadena de televisión CBS Sunday Morning.

En Estados Unidos colaboró con algunos músicos de jazz como Arturo Sandoval, Claudio Roditi, Michel Camilo y rescató del ostracismo yanki al pianista Bebo Valdés, padre de Chucho.

Durante los años 80 colaboró con Gillespie, con el que funda en 1988 la United Nations Orchestra, banda de quince miembros.

D´Rivera colaboró con muchos otros grupos, como los fundados por él; Paquito D’Rivera Big Band, el Paquito D’Rivera Quintet, con los que tocaba respectivamente jazz y música de cámara, sus dos grandes pasiones, Triángulo, de calypso y salsa o el Caribbean Jazz Project.

Además trabajó en solitario y con otras bandas como cuando 1988 actuó como solista con la National Simphony Orchestra. También comenzó a componer para otros grupos como el Gerald Danovich Saxophone Quartet y el Aspen Wind Quintet.

Además de su faceta de intérprete D’Rivera es un notable compositor tanto de jazz como de música clásica. Entre sus composiciones más célebres figuran Gran Danzón para la Filarmónica de Rotterdam y estrenada en 2002 en el Kennedy Center for Performing Arts, en Washington, Panamericana Suite, estrenada en el año 2000 en el Lincoln Center de Nueva York o Rivers, estrenada por la New Jersey Chamber Music Society. Sus composiciones son editadas en exclusiva por la compañía Boosey and Hawkes.

Ha colaborado con numerosos músicos de géneros diversos como el Ying Quartet, Turtle Island String Quartet, el violonchelista Mark Summer, el pianista Alon Yavnai, o Yo-Yo Ma.

Es miembro del Alon Yavnai-Paquito D’Rivera Duet y del Jazz Chamber Trio. Entre los numerosos galardones y reconocimientos que ha recibido a lo largo de su carrera destacan siete grammys en diversos años, un doctorado honoris causa en música por el Berklee College of Music y la medalla nacional de las artes de Estados Unidos.

4 de junio – Anthony Braxton

Anthony Braxton (Chicago, 4 de junio de 1945) es un compositor, saxofonista, clarinetista, flautista, pianista y filósofo.

Su obra es amplia y compleja. Aunque no es muy conocido entre el gran público, Braxton es uno de los más prolíficos compositores de música de los Estados Unidos, habiendo publicado más de 200 discos.

Entre la gran cantidad de instrumentos que utiliza en sus composiciones, destacan la flauta, el saxofón (sopranino, soprano, alto en MI♭, mezzosoprano en FA, melódico en DO, barítono, bajo y contrabajo) y el clarinete (soprano en SI♭, alto en MI♭ y contrabajo en SI♭).

Hasta el año 2006, Anthony Braxton ha publicado más de 200 álbumes bajo su nombre.

3 de junio – John Paul Jones

(Photo by Simone Joyner/Getty Images)

John Baldwin (n. Sidcup, Inglaterra, 3 de enero de 1946), más conocido como John Paul Jones, es un músico multiinstrumentista británico, reconocido principalmente por haber sido bajista del grupo Led Zeppelin.

Jones se unió a su primera banda, The Deltas, a los 15 años y luego tocó el bajo para el jazz-rock grupo de Londres, Jett negros, un colectivo que incluía al guitarrista John McLaughlin. gran oportunidad de Jones llegó en 1962 cuando fue contratado por Jet Harris y Tony Meehan del exitoso grupo británico The Shadows para un período de dos años. Poco antes de contratar a Jones, Harris y Meehan acababan de obtener un éxito número 1 con «Diamonds» (una pista en la que había tocado Jimmy Page, el futuro compañero de banda de Jones). La colaboración de Jones con los Shadows casi impidió la futura formación de Led Zeppelin, cuando las partes que participan en las conversaciones sobre la posibilidad de sustitución de Jones su bajista Brian Locking, quien dejó la banda en octubre de 1963, pero John Rostill finalmente fue elegido para ocupar el puesto.

En 1964, por recomendación de Meehan, Jones comenzó taller sesión con Decca Records. Desde entonces hasta 1968, jugó en cientos de sesiones de grabación. Pronto se expandió su trabajo de estudio de tocar los teclados, arreglos y dirección general de emprender el estudio, lo que resulta en sus servicios que son objeto de mucha demanda.

Trabajó con numerosos artistas, incluidos los Rolling Stones en su solicitud de majestades satánicas (el arreglo de cuerdas de Jones se escucha en «She’s a Rainbow»); Herman’s Hermits; Donovan (en «Sunshine Superman», «Hurdy Gurdy Man» y «Mellow Yellow»); Jeff Beck; Françoise Hardy; Cat Stevens; Rod Stewart Shirley Bassey; Lulu; y muchos otros. Además de grabar sesiones con Dusty Springfield, Jones también tocó el bajo para su serie de presentaciones Talk of the Town. Su arreglo y actuación en «Sunshine Superman» de Donovan dio como resultado que el productor Mickie Most utilizara sus servicios como organizador elegido para muchos de sus propios proyectos, con Tom Jones, Nico, Wayne Fontana, los Walker Brothers y muchos otros. En 1967, Most, como supervisor musical, también fichaba a Jones para organizar la música de la película teatral de Herman’s Hermits, Mrs. Brown, You Have Got a Lovely Daughter, estrenada en enero de 1968. Tal fue el alcance del estudio de Jones trabajo, que ascendió a cientos de sesiones, que dijo años después que «no recuerdo las tres cuartas partes de las sesiones en las que estaba».

Fue durante su tiempo como jugador de sesión que Jones adoptó el nombre artístico John Paul Jones. Este nombre le fue sugerido por un amigo, Andrew Loog Oldham, quien había visto un póster de la película de 1959 John Paul Jones en Francia. Lanzó su primera grabación en solitario como John Paul Jones, «Baja» (escrita por Lee Hazlewood y producida por Oldham) / «A Foggy Day in Vietnam», como single en Pye Records en abril de 1964.

Jones ha declarado que, como músico de sesión, completaba dos y tres sesiones al día, seis y siete días a la semana. Sin embargo, en 1968 se sentía agotado debido a la gran carga de trabajo: «Estaba organizando 50 o 60 cosas al mes y estaba empezando a matarme».

Durante su tiempo como jugador de sesión, Jones a menudo se cruzó con el guitarrista Jimmy Page, un compañero veterano de la sesión. En junio de 1966, Page se unió a The Yardbirds, y en 1967 Jones contribuyó al álbum Little Games de esa banda. El invierno siguiente, durante las sesiones de The Hurdy Gurdy Man de Donovan, Jones expresó a Page el deseo de ser parte de cualquier proyecto que el guitarrista pudiera estar planeando. Más tarde ese año, The Yardbirds se disolvió, dejando a Page y al bajista Chris Dreja para completar las fechas reservadas previamente de Yardbirds en Escandinavia. Antes de que se pudiera reunir una nueva banda, Dreja se fue a tomar fotografías. Jones, por sugerencia de su esposa, preguntó a Page sobre el puesto vacante, y el guitarrista invitó ansiosamente a Jones a colaborar. La página luego explicó:

«Estaba trabajando en las sesiones para Hurdy Gurdy Man de Donovan, y John Paul Jones se ocupaba de los arreglos musicales. Durante un descanso, me preguntó si podía usar un bajista en el nuevo grupo que estaba formando. Tenía una formación musical adecuada y tenía ideas bastante brillantes. Salté ante la posibilidad de atraparlo.»

El vocalista Robert Plant y el baterista John Bonham se unieron a los dos para formar un cuarteto. Inicialmente apodado «New Yardbirds» para las fechas escandinavas, la banda pronto se hizo conocida como Led Zeppelin.

Jones fue responsable de las líneas clásicas de bajo del grupo, en particular las de «Ramble On» y «The Lemon Song» (Led Zeppelin II), y las firmas de tiempo cambiantes, como las de «Black Dog» (Led Zeppelin IV). Como la mitad de la sección rítmica de Led Zeppelin con el baterista John Bonham, Jones compartió su aprecio por los ritmos rítmicos de funk y soul que fortalecieron y mejoraron su afinidad musical. En una entrevista que le dio a la revista Global Bass, Jones comentó sobre este interés musical común:

Sí, éramos grandes fanáticos de Motown y Stax y fanáticos de la música soul general, fanático de James Brown. Esa es una de las razones por las que siempre he dicho que Zeppelin fue una de las pocas bandas en «swing». En realidad teníamos un ritmo en esos días. La gente solía venir a nuestros espectáculos y bailar, lo cual fue genial. Ver a todas las mujeres bailando fue realmente brillante. No necesariamente lo viste en un show de Black Sabbath o lo que sea: así que éramos diferentes de esa manera. Éramos una banda maravillosa. Usamos todas nuestras influencias de la música pop negra como clave para el rock que se fue por encima.

Después de retirar su Fender Jazz Bass (que había estado usando desde sus días con The Shadows a principios de la década de 1960) de una gira en 1975, Jones cambió a usar bajos Alembic diseñados a medida durante la gira. Sin embargo, todavía prefería usar el Jazz Bass en el estudio y en una entrevista para Elixir Strings, mencionó que todavía tiene el bajo hasta el día de hoy. Las habilidades del teclado de Jones agregaron una dimensión ecléctica que hizo que Led Zeppelin fuera más que una simple banda de hard rock. Los aspectos más destacados del teclado incluyen la delicada «The Rain Song» (Houses of the Holy) que se toca en un Mellotron; el funky «Trampled Under Foot», tocado con un Clavinet (Physical Graffiti); y las escalas orientales de «Kashmir», también tocadas en un Mellotron (también en Physical Graffiti). En las presentaciones en vivo, la obra maestra del teclado de Jones fue «No Quarter», a menudo duraba hasta media hora y a veces incluía fragmentos de «Amazing Grace», «Concierto de Aranjuez» de Joaquín Rodrigo, que había inspirado los bocetos de Miles Davis España, y variaciones de piezas clásicas de compositores como Rachmaninoff.

Las diversas contribuciones de Jones al grupo se extendieron al uso de otros instrumentos, incluido un inusual instrumento acústico de triple cuello que consta de una guitarra de seis y doce cuerdas, y una mandolina. Jones solía usar pedales de bajo para complementar el sonido de la banda mientras tocaba teclados y mandolina. En la gira de 1977 de la banda por los Estados Unidos, Jones cantaría la voz principal en «The Battle of Evermore», reemplazando a Sandy Denny, que había cantado en la versión de estudio.

Si bien todos los miembros de Led Zeppelin tenían una reputación de exceso fuera del escenario (una etiqueta que se alegaba que era exagerada), Jones era ampliamente visto como el miembro más reservado del grupo. Por su parte, Jones ha afirmado que se divirtió tanto en el camino como sus compañeros de banda, pero fue más discreto al respecto, afirmando que «tomé más drogas de las que me gustaría recordar. Lo hice en silencio». Benoit Gautier, un empleado de Atlantic Records en Francia, se hizo eco de esta impresión, afirmando que «El hombre más sabio de Led Zeppelin era John Paul Jones. ¿Por qué? Nunca quedó atrapado en una situación embarazosa».

En una entrevista, Jones explicó que la fama con Led Zeppelin no era algo con lo que alguna vez se haya preocupado:

Realmente no; Lo había hecho todo antes … Me gustaría pensar que tampoco era demasiado estúpido. Traté de mantenerme alejado de la deriva del camino de la estrella de rock, principalmente porque necesitaba mi cordura y libertad en el camino. En general, solía salir del hotel y luego salir a la calle. Iría a caminar … No soy tan reconocible como Plant y Page. Además, solía cambiar mi apariencia todo el tiempo solo para asegurarme de que no era tan reconocible … En general, estoy bastante rápido en las sombras … Una vez leí que los Beatles hicieron una gira completa por América y nunca salieron de sus habitaciones de hotel. Y pensé: «No puedo ver el punto de viajar por el mundo y no ver nada».

Después de agotadores recorridos y largos períodos de tiempo lejos de su familia, a fines de 1973 Jones comenzó a mostrar signos de desilusión. Consideró dejar a Led Zeppelin para pasar más tiempo con su familia, pero el gerente de la banda, Peter Grant, lo convenció para que regresara. Bromeó diciendo que estaba interesado en convertirse en el director del coro de la Catedral de Winchester, lo que se informó como un hecho en varias fuentes. Jones luego explicó sus reservas:

No quería dañar al grupo, pero tampoco quería que mi familia se derrumbara. Recorrimos una gran cantidad en esos primeros días. Todos estábamos muy cansados ​​y bajo presión y todo llegó a un punto crítico. Cuando me uní a la banda por primera vez, no pensé que continuaría por tanto tiempo, tal vez dos o tres años, y luego continuaría con mi carrera como músico y haciendo música para películas.

Se rumorea que la canción de Led Zeppelin «Royal Orleans», de su álbum Presence, trata sobre una experiencia que Jones tuvo una vez en una gira por los Estados Unidos. La canción trata sobre una persona que por error lleva a una drag queen a su habitación de hotel, que luego se duerme con un porro de marihuana en la mano, encendiendo la habitación en llamas. «Royal Orleans» era el nombre de un hotel donde los miembros de Led Zeppelin se quedaban cuando visitaban Nueva Orleans, porque no mucha gente pedía autógrafos allí. En una entrevista que le dio a la revista Mojo en 2007, Jones aclaró la fiabilidad de este rumor y declaró:

«Los travestis eran en realidad amigos de Richard Cole; gente amigable normal y todos estábamos en algún bar. Que confundí a una travesti con una chica es basura; eso le sucedió en otro país a otra persona … De todos modos, ‘Stephanie’ terminó en mi habitación y rodamos una o dos articulaciones y me quedé dormida y prendí fuego a la habitación del hotel, como tú, ja, ja, y cuando desperté arriba estaba lleno de bomberos!»

La participación de Jones con Led Zeppelin no detuvo su trabajo de sesión. En 1969 regresó al estudio para tocar el bajo en el álbum The Family Dogg’s A Way of Life. Jones fue la primera opción de Madeline Bell para producir y organizar su álbum de 1974 Comin ‘Atcha. También ha tocado el bajo en la canción de apertura del álbum Roy Harper HQ, que también contó con el guitarrista David Gilmour. Otras contribuciones incluyen tocar el bajo en Rockestra de Wings, Back to the Egg junto con el baterista de Zeppelin John Bonham.

Led Zeppelin se disolvió en 1980 con la muerte de John Bonham. «En el momento en que John murió, me acababa de mudar a Devon para criar a mi familia», recordó Jones. «Entonces, después de la separación, estaba completamente fuera de todo. Y debo decir que no me lo perdí».

Posteriormente, Jones colaboró ​​con artistas como Diamanda Galás, REM, Jars of Clay, Heart, Ben E. King, Peter Gabriel, Foo Fighters, Lenny Kravitz, Cinderella, The Mission, La Fura dels Baus, The Harp Consort, Brian Eno, the Butthole Surfistas y tío Earl.

Apareció en sesiones y videos para Paul McCartney y participó en la banda sonora de la película Give My Regards to Broad Street. En 1985, el director Michael Winner le pidió a Jones que proporcionara la banda sonora de la película Scream for Help, con Jimmy Page apareciendo en dos pistas. Jones proporciona voces para dos de las canciones. Grabó y realizó una gira con la cantante Diamanda Galás en su álbum de 1994, The Sporting Life (co-acreditado a John Paul Jones). Creó su propio estudio de grabación llamado Sunday School, y participó en la carrera de cantante de su hija Jacinda Jones.

En 1985, Jones se unió a Page y Plant para el concierto Live Aid, con Phil Collins y Tony Thompson a la batería. Los ex miembros volvieron a formarse para el concierto del 40 aniversario de Atlantic Records el 14 de mayo de 1988. Page, Plant y Jones, con el hijo de John Bonham, Jason, cerraron el evento. En 1992, Jones arregló la orquestación en el R.E.M. álbum automático para la gente.

En 1995, la banda Heart lanzó un álbum acústico en vivo llamado The Road Home. Fue producido por Jones, y lo presentó tocando varios instrumentos. También en 1995, Harp Consort de Andrew Lawrence-King lanzó un conjunto de tres canciones en español en el estilo del siglo XVII de composición propia de Jones, acompañado de instrumentos barrocos que incluyen arpas, quitarrone, guitarras, lirone, viola da gamba y percusión (este 10- CD de un minuto, titulado Amores Pasados, se combinó con el disco debut de The Harp Consort, Luz y Norte).

Zooma, su álbum debut como solista, fue lanzado en septiembre de 1999 en el sello DGM de Robert Fripp y seguido en 2001 por The Thunderthief. Ambos álbumes fueron acompañados por giras, en las que tocó con Nick Beggs (Chapman Stick) y Terl Bryant (batería).

Jones tocando la mandolina en 2007
En 2004, realizó una gira como parte del grupo Mutual Admiration Society, junto con Glen Phillips (el líder de la banda Toad the Wet Sprocket) y los miembros de la banda Nickel Creek.

Jones toca en dos temas en el álbum de Foo Fighters In Your Honor. Toca la mandolina en «Another Round» y el piano en «Miracle», ambos en el disco acústico. El líder de la banda, Dave Grohl (un gran fanático de Led Zeppelin) ha descrito la aparición de Jones como «la segunda cosa más grande que me ha pasado en mi vida».

También se ha diversificado como productor discográfico, produciendo álbumes como el álbum de The Mission Children, el segundo álbum de The Datsuns Outta Sight, Outta Mind (2004) y el álbum de música antigua de Uncle Earl’s Waterloo, Tennessee, lanzado en marzo de 2007. en Rounder Records.

En mayo de 2007, acompañó a Robyn Hitchcock y Ruby Wright en la interpretación de la canción «Gigolo Aunt» en un homenaje al fundador de Pink Floyd, Syd Barrett, en Londres, lo que hizo con mandolina.

Jones jugando una vuelta de acero en el escenario, 2009
Tocó en Bonnaroo 2007 en colaboración con Ben Harper y el baterista de The Roots Questlove como parte del Super-Jam del festival, que es la tradición anual del festival de reunir a músicos famosos de clase mundial para tocar en el escenario para un pocas horas. Jones apareció y tocó la mandolina con Gillian Welch durante el festival durante la canción «Look at Miss Ohio» y una versión de la canción de Johnny Cash «Jackson». También apareció durante el set de Ben Harper & the Innocent Criminals donde interpretaron una versión de «Dazed and Confused». Jones luego cerró el primer set de Gov’t Mule, interpretando parte de «Moby Dick» y luego «Livin Lovin Maid» en el bajo, luego procedió a tocar teclados en las canciones «Since I’ll Been Loving You» y «No Quarter». Jones también actuó en mandolina con el grupo de bluegrass totalmente femenino Uncle Earl, cuyo álbum había producido en 2007.

Jones, que toca la mandolina, tocó «Whole Lotta Love» de Led Zeppelin con el enérgico Duhks de Winnipeg en el MerleFest de abril de 2007 en Carolina del Norte.

Jones jugó en el show de reunión de Led Zeppelin en el O2 Arena de Londres el 10 de diciembre de 2007 con los otros miembros restantes de Led Zeppelin como parte de un tributo a Ahmet Ertegun.

En 2008, Jones produjo el álbum solista debut de Nick Wattley, cantante y violinista Sara Watkins. Como se mencionó anteriormente, Jones realizó una gira con Watkins, Glen Phillips y el resto de Nickel Creek a fines de 2004 en una colaboración titulada Mutual Admiration Society.

El 10 de febrero de 2008, Jones apareció con los Foo Fighters en los Premios Grammy dirigiendo la parte orquestal de la canción «The Pretender». El 7 de junio de 2008, Jones y Jimmy Page aparecieron con los Foo Fighters para cerrar el concierto de la banda en el estadio de Wembley. Jones actuó con Sonic Youth y Takehisa Kosugi, proporcionando la música escénica para Nearly 90 de Merce Cunningham, que tuvo lugar del 16 al 19 de abril de 2009 en la Academia de Música de Brooklyn.

Jones tocando el bajo en Them Crooked Vultures, 2009
En febrero y marzo de 2011 apareció en la banda en el escenario de la ópera Anna Nicole de Mark-Anthony Turnage, sobre la modelo de Playboy Anna Nicole Smith, en la Royal Opera House, Covent Garden, en Londres.

En agosto de 2011, apareció en Reading y Leeds Festivals para tocar junto a Seasick Steve.

El 16 de septiembre de 2012, Jones apareció en el concierto benéfico Sunflower Jam en el Royal Albert Hall de Londres, actuando junto al guitarrista Brian May de Queen, el baterista Ian Paice de Deep Purple y los vocalistas Bruce Dickinson de Iron Maiden y Alice Cooper.

En noviembre de 2012, Jones recorrió el Reino Unido con la banda noruega de vanguardia / improvisación Supersilent.

El 6 de diciembre de 2012, Jones actuó en bajo, guitarra y mandolina con Robyn Hitchcock como ‘Biscotti’ en Cecil Sharp House, Londres.
El 30 de abril de 2013, Jones apareció en vivo en el programa de televisión de la BBC Más tarde … con Jools Holland, tocando el bajo para Seasick Steve en «Down on the Farm» del nuevo álbum de Seasick Steve Hubcap Music.

El 1 de mayo de 2013, Jones apareció con Seasick Steve en un concierto en el Roundhouse en Camden, Londres. Presentado por Seasick Steve como miembro «de la mejor banda de rock de la historia», Jones tocó el bajo, la mandolina y la guitarra de acero, y proporcionó voces.

El sábado 29 de junio de 2013, Jones tocó la guitarra mientras aparecía con Rokia Traore, quien abrió el Pyramid Stage esa mañana en Glastonbury 2013.

Durante noviembre de 2013, Jones se unió a una gira de siete días por el sudeste de los Estados Unidos, tocando mandolina con la máquina Dave Rawlings. El espectáculo de Atlanta (21 de noviembre de 2013) incluyó una versión de «Going to California» de Led Zeppelin. Jones también realizó una gira con la máquina Dave Rawlings en otoño de 2014.

Los días 5 y 6 de septiembre de 2015, Jones, junto con el baterista de Queen Roger Taylor, se unió a Foo Fighters en el escenario en Milton Keynes para interpretar una versión de «Under Pressure» de Queen, con Taylor Hawkins y Dave Grohl cantando.

3 de junio – Joséphine Baker

Joséphine Baker (3 de junio de 1906 – 12 de abril de 1975) fue una bailarina, cantante y actriz estadounidense, nacionalizada francesa, que hablaba con fluidez tanto en inglés como en francés.

Baker se convirtió en un icono musical y político internacional. Se le dio apodos tales como la «Venus de bronce», la «Perla negra» y la «Diosa criolla».

Baker fue la primera mujer afroamericana en protagonizar una importante película, Zouzou (1934), en integrar una sala de conciertos en Estados Unidos, y en convertirse en una animadora de fama mundial.

También es conocida por sus contribuciones al movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos (Coretta Scott King le ofreció el liderazgo no oficial del movimiento en 1968 tras la muerte de Martin Luther King, pero lo rechazó) por ayudar a la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial, y por recibir el honor militar francés, la Croix de guerre.

Después de pasar la prueba en un local de vodevil, empezó a trabajar de forma ininterrumpida en el escenario, y ganó su primer concurso de baile a los 14 años.

Se casó cuando tenía 13 años, y en 1920, ya se había divorciado y su segundo matrimonio fue con Willie Baker, un guitarrista de blues, de quien tomaría su apellido artístico.

3 de junio – Christopher Cross

Christopher Charles Geppert más conocido por su nombre artístico Christopher Cross (n. San Antonio, Texas; 3 de mayo de 1951) es un compositor y cantante estadounidense, ganador de un Óscar, un Globo de Oro y 5 premios Grammy.

Su verdadero nombre es Christopher Geppert. Su composición más conocida es «Arthur’s Theme (Best That You Can Do)» para la película Arthur protagonizada por Dudley Moore y Liza Minnelli. La canción ganó el Óscar en 1981 (premio compartido con Burt Bacharach, Carole Bayer Sager y Peter Allen).

Cross tocaba con un grupo de Austin llamado Flash antes de firmar un contrato con Warner Bros, gracias al cual publicó un primer álbum llamado Christopher Cross en 1979 por el cual ganó 5 premios Grammy.

Recibió en una misma gala los 4 premios principales que son: mejor grabación, mejor canción, mejor álbum y mejor artista novel. De este álbum destacan las canciones «Sailing», «Ride Like the Wind» y «Never Be the Same.»

Su segundo álbum llamado Another Page de 1983 incluía las canciones «Think of Laura» y «All Right».

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