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12 de Octubre – Carlos López Buchardo

Carlos Félix López Buchardo (Buenos Aires, 12 de octubre de 1881 – Buenos Aires, 21 de abril de 1948), fue un compositor argentino.

Estudió primero composición en Buenos Aires con Constantino Gaito, y siguió más adelante su formación en París con Albert Roussel. A su vuelta a Argentina, López Buchardo contribuyó mucho para establecer las instituciones que dieron vida musical a su país:fue, durante 32 años, presidente de la Asociación Wagneriana, creada en 1912.

En 1932 creó la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Integró el directorio del Teatro Colón, y en 1936 fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.

En 1924, el Gobierno Nacional le encomendó la creación y dirección del Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico. Lopéz Buchardo lo dirigió hasta su muerte en 1948.

Su catálogo vocal incluye óperas, misas, comedias musicales y unas cincuenta canciones. Su obra eludió las grandes estructuras formales y la elocuencia sinfónica a excepción de la única obra para gran orquesta que llegó a escribir, “Escenas argentinas” que se estrenó en 1922 en el Teatro Colón con la Filarmónica de Viena.

12 de Octubre – Hilda Lizarazu

Hilda María del Pilar Lizarazu (Curuzú Cuatiá, Corrientes, 12 de octubre de 1963) es una cantautora, compositora de rock y fotógrafa argentina.

Pasó parte de su adolescencia en Nueva York y regresó a la Argentina en la década del 80 como fotógrafa profesional.

Simultáneamente, inició su carrera como cantante, integrando bandas como Suéter y Los Twist. Hizo coros en la banda de Charly García entre los años 1989 y 1993, cuando García comenzó con la banda, realizaron una gira por Latinoamérica, visitando países como Colombia, presentándose en Bogotá ante 15.000 espectadores, en la plaza de toros Santa María, agotando toda la taquilla, y fueron invitados a realizar presentaciones en la televisión del país. Hilda sorprendió al público con su: energía, carisma, voz y belleza, que sobresalía en la banda de García, en 1993 se retira de la agrupación en forma temporal y entre los años 2009 y 2011 se reintegró nuevamente.

Durante 1985 se produjo una nueva serie de cambios en el grupo encabezado por Pipo Cipolatti, debido a que se retiraron tres de sus integrantes: El Gonzo Palacios, Cano y Rolo Rossini, quedando el bajo a cargo de Camilo Iezzi e incorporándose en batería Pablo Guadalupe.

Lizarazu ingreso a la banda, en reemplazo de Fabiana Cantilo, quien había abandonado el grupo tras el primer álbum, para comenzar su carrera solista. Poco después se incorporó el teclista Alfie Martins. Con esta formación grabaron a fin de año La máquina del tiempo, en los estudios Moebio, en Buenos Aires. Utilizaron por primera vez máquinas de ritmo y secuenciadores, además de una orquesta de cámara y una gama de efectos de audio, logrando un trabajo original.

Con el grupo interpretó famosos temas como Twist De Luis,​ El Grito Divino, Cul de Sac, Reptilicus, En Los Brazos Del Dolor y Viéndolo, entre otros.

Paralelamente en el año 1987 forma junto al guitarrista Tito Losavio el grupo Man Ray, siendo vocalista y líder de esa agrupación entre los años 1988 y 1999.

Con Man Ray editó siete discos: Man Ray (1988), que contiene el hit «Extraño ser», Perro de Playa (1991) con famosos hits como «Sola en los bares», «Caribe sur» y «Tierra sagrada», Hombre Rayo (1993), Aseguebu (1994), Piropo (1995), Ultramar (1997) y Larga Distancia (1999). Además de lograr un gran éxito de ventas con todos estos discos, también recorrió gran parte de Latinoamérica tocando en vivo en Chile, Perú, Ecuador, Uruguay, Paraguay, México y también en EE. UU. y en España

Deja el grupo Man Ray en el año 1999 a modo de “retiro espiritual” y se aleja de la Ciudad de Buenos Aires para refugiarse en Sinsacate, un pequeño pueblo al norte de la provincia de Córdoba, Argentina.

En este período experimenta la maternidad dentro de un clima onírico y montesino que también la inspira para la realización de su primer disco solista, titulado Gabinete de Curiosidades, que ve la luz en el año 2004 y fue ganador del Premio Carlos Gardel a la música en la categoría “Mejor disco pop de cantante femenina”.

En 2007, ya de regreso y nuevamente reinstalada en la ciudad de Buenos Aires, Hilda arma y consolida su propia banda junto a nuevos músicos con quienes graba y edita su segundo disco solista, Hormonal, que marca una nueva etapa en su largo viaje musical, en el cual demuestra su madurez como compositora y artista pop argentina.

En temas como “D10s”, “Hormonal”, “Amenazas” y “La lluvia” logra combinar letras profundas y comprometidas con melodías íntimas y armonías personales.

El disco también incluye una versión en español de “Hace frío ya”, (un clásico de la canción popular italiana que se convierte en cortina musical de una serie de TV de gran éxito llamada Socias). Nuevamente, con este disco Hilda gana el Premio Carlos Gardel como “Mejor disco pop de cantante femenina”.

En marzo de 2009 edita un CD+DVD, titulado En Vivo en el Ópera, grabado en vivo durante la presentación del disco Hormonal en el emblemático Teatro Ópera de la calle Corrientes de la ciudad de Buenos Aires.

El disco es una suerte de compilado de los mejores temas de sus dos discos solista más algunos hits de Man Ray, como “Sola en los bares” y “Tierra sagrada”. A modo de bonus track, el CD de audio incluye 2 remixes, una versión lounge del tema “Hace frío ya” y una versión club dance del tema “Buscando un símbolo de paz” (tema de Charly García) cantado a dúo junto a Andrea Echeverri (cantante del grupo colombiano Aterciopelados) y remixado por Adrián Sosa, músico de Bajofondo.

En 2010, Hilda lanzó una nueva obra discográfica, Futuro Perfecto, a la vez que integró en esa época la banda de Charly García en presentaciones en vivo. En este disco Hilda contó con la participación en calidad de invitados de Gustavo Santaolalla, Lito Vitale, Adrián Dárgelos (Babasónicos), David Lebón y Lisandro Aristimuño.

En 2015 obtuvo su tercer Diploma al Mérito de los Premios Konex como solista femenina de pop, antes, en 2005, lo había obtenido como solista femenina de rock y su primer Diploma al Mérito Konex fue en 1995 como cantante femenina de rock.

En 2013 ha regresado con Tito Losavio, el co-fundador de su primera banda de rock argentino “Man Ray” con un nuevo disco: “Purpurina”, una selección de temas por parte de ambos de dicha banda más un “cover” del tema “Mañanas Campestres” de Gustavo Santaolalla, en los primeros tiempos de Arco Iris, uno de los grupos pioneros que fundaron el movimiento argentino que se dio en llamar localmente como Rock Nacional más una serie de temas nuevos.

En este último y reciente disco Hilda ha contado con la participación en calidad de invitados del propio Gustavo Santaolalla para el tema de su autoría incluido en el disco, de Lito Vitale en teclados, de León Gieco en armónica, y finalmente Mavi Díaz y Claudia Sinesi (ex Viuda e Hijas de Roque Enroll) en coros en determinados temas de este álbum recientemente lanzado.

El 25 de mayo de 2014 formó parte de los festejos por el aniversario de la Revolución de Mayo, en el marco del show “Somos Cultura”, organizado por el Ministerio de Cultura de la Nación.

11 de octubre – Gilda

Míriam Alejandra Bianchi (Buenos Aires, 11 de octubre de 1961 – Villa Paranacito, 7 de septiembre de 1996), conocida por su nombre artístico Gilda, fue una cantante y compositora argentina de cumbia.

Entre sus canciones más conocidas se encuentran Ámame suavecito, Corazón valiente, Corazón herido, Tu cárcel, Fuiste, No me arrepiento de este amor, No es mi despedida, Como tú, Paisaje (cover en español del tema Paesaggio de Franco Simone), No te quedes afuera, Se me ha perdido un corazón, Rompo las cadenas y Te cerraré la puerta.

Muchos de estos temas han sido versionados por bandas y artistas como Attaque 77, Los Charros, Leo García, Natalia Oreiro, entre otros. Su corta pero exitosa carrera, sumada a su trágica muerte en el apogeo de esta, la convirtieron en un ícono popular argentino.

Comenzó la carrera de maestra jardinera y profesorado de educación física pero debió interrumpirlas en 1977 al fallecer su padre, con solo 16 años, razón por la cual debió hacerse cargo del hogar. Se casó y tuvo dos hijos, Mariel y Fabrizio Cagnin.

Su carrera musical comenzó cuando respondió a un aviso en un periódico, donde pedían vocalistas para un grupo musical. Su voz y su carisma le ganaron un lugar en una banda de género tropical, y su familia cedió, después de una oposición tenaz, a que incursionara en el mundo del espectáculo. Myriam se convirtió en Gilda, en honor a la femme fatale que encarnaba Rita Hayworth en la película del mismo nombre.

En su corta pero exitosa carrera, logró el reconocimiento del público, y luego de su trágica y prematura muerte se incrementaron las ventas de sus álbumes, hasta lograr varios discos de oro, platino y doble platino.

En los comienzos de su nueva carrera conoció a Juan Carlos «Toti» Giménez, compositor y tecladista, quien más tarde se convirtió en su pareja artística y sentimental. Toti fue el encargado de encaminar su carrera en lo concerniente a contratos y tratos para concretar las grabaciones de Gilda. Ella se lanzó como solista y consiguió ingresar como artista de las compañías discográficas, en un género que por entonces era exclusivo para voces masculinas o mujeres voluptuosas.

Su primer productor José Olaya, conocido como «El Cholo», del Clan Tropical, viajó a Perú y contrató a Gino Asmat Galindo en congas y a Chino Wong en trompeta, para armar la banda de la cantante. Más tarde llegó a Argentina Edwin Manrique, también peruano, y el productor lo incorporó como parte de los músicos del Clan Tropical, quedando en la banda de Gilda como bongocero. Raúl Larrosa se ganó luego su sitio a fuerza de carisma, cuando Gino comenzó a trabajar con el Grupo Karicia. La percusión se completó con Manuel Vázquez, quien es hermano del «Chato», percusionista del Grupo Karicia. En las trompetas, Daniel de la Cruz y Claudio Cortagerena se agregaron a Chino Wong.

Durante el año 1996 se incorporó la guitarra de Quique Toloza, quien había participado anteriormente como arreglador musical de algunos de los temas de Gilda, en grabación de demos o maquetas. Luego de probar a algunos bajistas, entre ellos «El Conde», por un breve tiempo participó un ejecutante peruano, que regresó a su país por motivos personales.

Gilda y Toti buscaron referencias e incorporaron en la banda a Marcelo Inamorato, que se convirtió en el bajista del grupo durante más de 3 años. Debido al robo de su documentación que este músico sufrió en el momento en que la banda debía presentarse en el exterior, cambió su puesto temporalmente con Gustavo Babini, que integraba Crema Americana, banda liderada por Jorge Marino y acordaron que Gustavo viajaría con Gilda en el lugar de Marcelo, hasta que resolviera su problema de documentación. Fue así que Gustavo Babini falleció en el accidente que terminó con la vida de la cantante y varios de sus acompañantes.

El 7 de septiembre de 1996, en el kilómetro 129 de la Ruta Nacional 12 (Argentina), cuando se dirigía al norte de la provincia de Entre Ríos, un camión embistió al autobús donde viajaba, falleciendo junto a su madre, su hija mayor, tres de sus músicos y el chofer del ómnibus.

Desde antes de su muerte muchos fans le atribuyen la condición de santa, debido a que creen que ha realizado varios milagros.​ Existe, incluso, un santuario en su honor en el lugar donde ocurrió el accidente fatal, en el cual se conserva también el ómnibus en el que viajaba la cantante. Sus restos descansan en la tumba n.º 3635 de la galería 24, en el Cementerio de la Chacarita de la ciudad de Buenos Aires.

11 de octubre – Tita Merello

Laura Ana Merello, más conocida como Tita Merello (Buenos Aires, 11 de octubre de 19042​ – Ib., 24 de diciembre de 2002), fue una actriz y cantante argentina de tango y milonga.

Nacida en un conventillo de San Telmo, inició su carrera artística en el teatro como una cancionista de bajo nivel.3​ Fue una de las primeras cantantes de tango surgidas en la década de 1920 que crearon la modalidad vocal femenina en el rubro.

Adquirió popularidad principalmente por sus interpretaciones de «Se dice de mí»5​ y «La milonga y yo». Su debut en cine fue en el primer filme sonoro argentino, ¡Tango!, junto a Libertad Lamarque. Luego de realizar una serie de películas a lo largo de la década de 1930, se consagró como actriz dramática en La fuga (1937), dirigida por Luis Saslavsky.

En pareja con Luis Sandrini, abandonó parcialmente su carrera para apoyar a la del actor y a mediados de los años 1940 ambos se radicaron en México, donde Merello filmó Cinco rostros de mujer, por la cual obtuvo el premio Ariel a la Mejor Actriz de Reparto.

Al regresar, protagonizó Don Juan Tenorio (1949) y Filomena Marturano (1950), que posteriormente fue representada en teatro. El apogeo de su carrera ocurrió en los años de 1950, cuando encabezó filmes como Los isleros (1951), Guacho (1954) y Mercado de abasto (1955). Además, tuvo roles destacados en Arrabalera (1950), Para vestir santos y El amor nunca muere (ambas de 1955).7​

Luego de la caída del peronismo, debió exiliarse en México ante la falta de trabajo y, a partir de los años de 1960, de regreso a Argentina, la mayoría de sus trabajos fueron dirigidos por su amigo Enrique Carreras.

Fue una asidua partícipe del ciclo televisivo Sábados circulares y su actuación en La Madre María (1974), dirigida por Lucas Demare, fue muy elogiada por los críticos y le proporcionó una renovada popularidad. Se retiró en 1985 aunque continuó realizando apariciones públicas y brindando consejos en radio y televisión.

En 1990 fue distinguida como «Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires» por ser un «mito viviente de la iconografía porteña»8​9​ y en 1991 recibió el premio Podestá a la Trayectoria.

Falleció a los 98 años en la Nochebuena de 2002, en la Fundación Favaloro. Al momento de su muerte, contaba en su haber con treinta y tres películas, veinte obras teatrales, tres ciclos radiales y varias participaciones en espectáculos de revista y televisión.

11 de Octubre – Daryl Hall

Daryl Franklin Hohl (n. Pottstown, Pensilvania; 11 de octubre de 1946), más conocido por su nombre artístico Daryl Hall, es un cantante de rock, R&B y soul, tecladista, guitarrista, compositor y productor estadounidense, más conocido como el vocalista cofundador y líder del dúo Hall & Oates (con el cofundador, guitarrista y compositor John Oates).

Fundador y mitad del dúo Hall & Oates que forma con John Oates, alcanzaron su mayor fama entre 1977 y 1990, año en que desaparecieron de las listas, aunque oficialmente siguen juntos como dúo, grabando y actuando hasta la fecha.

Obtuvieron seis números 1 en las listas de Billboard: ‘Rich girl’ (1976), ‘Kiss on my list’, ‘Private eyes’, ‘I can’t go for that’ (1981), ‘Maneater’ (1982) y ‘Out of touch’ (1984). Daryl también es autor del tema ‘Everytime you go away’ que llegó al nº1 en versión de Paul Young. Además de su trabajo con el dúo, Daryl ha realizado numerosos proyectos en solitario.

En 1980 publicó su primer álbum como solista, ‘Sacred songs’, producido por Robert Fripp. Su segundo trabajo, ‘Three Hearts in the Happy Ending Machine’, fue su álbum de mayor éxito comercial, con los hits ‘Dreamtime’ y ‘Foolish pride’. En él contó con la ayuda a las guitarras de Dave Stewart. Desde entonces ha publicado cuatro álbumes más, y en septiembre de 2011 apareció su trabajo más reciente, ‘Laughing Down Crying’.

En 2010 Hall & Oates celebraron una gira para promocionar una caja de cuatro CD’s que contiene versiones inéditas en directo de sus canciones, además de un repaso extenso a todos los éxitos de su discografía. También anunciaron ese año que, en protesta contra las estrictas leyes de inmigración anunciadas en el estado de Arizona, han decidido sumarse al creciente boicot convocado por artistas norteamericanos y no actuar en ese estado.

Hall se dedica en su tiempo libre a restaurar y a preservar mansiones antiguas en Estados Unidos y en el Reino Unido. Es el propietario de una de ellas, una casa en Maine de 345 años. Desde 2007 se reúne en ella con amigos y colegas músicos para grabar viejos éxitos. Estas sesiones informales se publican periódicamente en la web como ‘live from Daryl’s house’.

10 de octubre – Giuseppe Verdi

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi nació en Le Roncole el 10 de octubre de 1813, hijo de Carlo Giuseppe Verdi y Luigia Uttini. La localidad era entonces parte del ducado de Parma que, a su vez, formaba parte de Francia. Allí recibió sus primeras lecciones de música. Continuó sus estudios en Busseto, bajo la tutela de Ferdinando Provesi.

Se convirtió pronto en el organista de la iglesia de su pueblo y, tras establecerse en Milán, intentó entrar en el conservatorio de la ciudad, pero no lo consiguió.

Se puede decir que sus primeros éxitos están relacionados con la situación política que se vivía en Italia. Aparte de su calidad artística, sus óperas servían para exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano. Quizás el Va pensiero, coro de los esclavos de la ópera Nabucco, es uno de los más conocidos de Italia por esta razón.

Gracias a los éxitos conseguidos, Verdi pudo apostar por un estilo más personal en sus óperas y presionar a libretistas y empresarios para que arriesgaran un poco más. Es notable, en este sentido, la forma en que se engendró la ópera Macbeth, con unos arduos, e incluso despóticos, ensayos para lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Verdi consiguió su propósito y el éxito de estas óperas fue también notorio.

Siguió un período de dificultades personales, con la muerte de su primera esposa y su hija, que contrastó con la creación de sus óperas más populares y queridas; las ya mencionadas Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.

Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a este período; por ejemplo, Don Carlos, que fue compuesta para la Gran Ópera de París; Aida, compuesta para la Ópera de El Cairo; Otello y Falstaff, con libreto de Arrigo Boito basado en Shakespeare. Algunas de estas obras no fueron bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crítica que el autor siempre rechazó.

En sus últimos años, Verdi trabajó en algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la misa de Réquiem (1874) y el Te Deum. También compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodías de los himnos italianas, francesas, inglés y norteamericano, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto para cuerdas en mi menor (1873).

Falleció en Milán, el 27 de enero de 1901, debido a un derrame cerebral. Dejó su fortuna para el establecimiento de una casa de reposo para músicos jubilados que llevaría su nombre: «Casa Verdi», en Milán, donde está enterrado.

Su entierro causó una gran conmoción popular y al paso del cortejo fúnebre el público entonó espontáneamente el coro de los esclavos de Nabucco: Va pensiero sull’ali dorate. El día de Año Nuevo de 1901, el poeta romano Cesare Pascarella se contó entre sus invitados.

Debido al frío, Verdi permaneció dentro de casa desde más o menos el 3 de enero hasta el 18, cuando escribió a Barberina Strepponi. En su última carta a De Amicis, Verdi le decía que estaba vegetando, no viviendo, y que no sabía qué hacía aún en este mundo.

La mañana del 21 de enero sufrió una embolia, justo después de una visita de su médico. Sentado en el borde de la cama, empezó a temblar mientras se abrochaba el chaleco. Cuando la doncella le hablo, él repuso: <<Un botón más o un botón menos>>, y cayó sobre la cama, inconsciente.

Los gritos de la doncella atrajeron a María, que llamó al médico del hotel mientras esperaban que regresara el de cabecera. Su diagnóstico fue una parálisis del lado derecho de su cuerpo.

El doctor Grocco, que volvió presuroso a Milán desde Florencia para estar con su ilustre paciente, no pudo hacer nada. Aunque los ojos de Verdi no mostraban reacción a la luz, existía cierto movimiento en los brazos y las manos.

Durante varios días, su respiración fue regular, y tenía buen color. Desde que el día que Verdi se puso enfermo, el Grand Hôtel y la ciudad de Milán hicieron tremendos esfuerzos para reducir el bullicio y el tráfico en torno al hotel.

La noticia de la enfermedad de Verdi quedó un tanto ensombrecida por la muerte de la reina Victoria, pero al cabo de un día volvía a ser el centro de atención en la prensa. En la mañana del 26 de enero, nadie pensaba que sobreviviera a ese día.

Se emitieron boletines a las 10.15 y a las 10.30, y más tarde a las 15.45. A las 16.00, los médicos dijeron que ya no se publicarían más boletines. Dos horas después, Verdi dejó de respirar, pero solo unos instantes. Reunidos en el hotel estaban Boito, Giacosa, Stolz, Campanari, María y Peppina Carrara, Alberto Carrara y todos los Ricordi. No se permitió a nadie entrar en el edificio, porque Stolz cerró las puertas con los periodistas dentro. Se bajaron todas las persianas; todas las luces fuera del hotel se apagaron.

A las 11 de la noche, los médicos comunicaron a la familia que Verdi había entrado en un coma irreversible. Verdi falleció a las 2.50 de la madrugada del 27 de enero de 1901. Al cabo de unos minutos, en la calle empezó a reunirse una multitud, que guardo un respetuoso silencio. Al amanecer, las banderas de la ciudad y las de las iglesias presentaban cintas negras en señal de luto.

Durante los tres días siguientes, la mayoría de las tiendas de Milán permanecieron cerradas. La Cámara de los Diputados dedicó la mayor parte del lunes a una conmemoración de su antiguo miembro, que fue descrito como <<una de las mayores expresiones del genio nacional; nuestra gloria más brillante, pura y favorecida>>

10 de octubre – David Lee Roth

David Lee Roth (Bloomington, Indiana, 10 de octubre de 1954)1​ es un cantante estadounidense de Hard rock, más conocido por ser el cantante original y actual de la influyente banda estadounidense Van Halen. Es también conocido como “Diamond Dave”..

Esta figurado en puesto 19 en el listado Los 100 mejores vocalistas del Metal de todos los tiempos.

Roth nació en Bloomington, Indiana. Es hijo de Sibyl Roth y Nathan Roth, y hermano de Allison y Lisa Roth. Después de vivir en Bloomington y en Swampscott, Massachusetts, su familia se mudó a Pasadena, California cuando David era apenas un adolescente. Ingresó en el Colegio Pasadena, donde conoció a los hermanos Eddie y Alex Van Halen, músicos aficionados de procedencia holandesa.

Inicialmente David le alquilaba el equipo de sonido a los hermanos Van Halen. Se rumorea que para ahorrarse el dinero, invitaron a Roth al grupo y así, junto con Michael Anthony, formaron el grupo Mamooth. Tras los problemas relacionados con este nombre, el mismo Roth sugiere tomar el apellido de los hermanos holandeses y así nace Van Halen.

Gene Simmons, bajista y vocalista de la banda KISS descubrió al cuarteto e intentó financiarlos. Le compró a David Lee Roth sus primeros pantalones de cuero para ganarse a la banda. Pero Gene Simmons en ese momento no pudo aportar suficiente dinero como para ficharles y solo consiguió lanzarles al éxito financiándoles su primera maqueta, que luego llegó a manos de la discográfica Warner Bros, y de ahí al estrellato.

Después del éxito alcanzado por el grupo a nivel mundial y tras publicar seis discos, las claras diferencias musicales entre Roth y los hermanos Van Halen se hacen evidentes tras la publicación del exitoso álbum 1984.

Dave lanza el EP Crazy from the Heat en 1985 bajo su propio nombre de artista mientras sigue siendo miembro de Van Halen, y tras comprobar su éxito es entonces cuando decide abandonar dicha agrupación. El cantante y guitarrista Sammy Hagar (Montrose) ocuparía la vacante de vocalista en Van Halen.

En 1986 publica su primer larga duración, titulado Eat ‘Em and Smile, junto a los músicos Steve Vai, Billy Sheehan y Gregg Bissonette. El álbum fue todo un éxito de ventas, especialmente por las canciones “Yankee Rose” y “Tobacco Road”. El bajista Billy Sheehan tuvo la idea de lanzar una versión en español del álbum, luego de haber leído un artículo en una revista que aseguraba que la mitad de la población de México se encontraba en un rango de edades entre 18 y 27 años, por lo que habría una gran oportunidad de acceder a ese mercado.

La idea se llevó a cabo y fue titulada Sonrisa Salvaje. La única diferencia entre ambos discos fue la voz de Roth (quien requirió los servicios de un tutor español) pues la instrumentación en ambos fue la misma.

Mientras tanto Sammy Hagar pasa a ser el nuevo vocalista de Van Halen, y los fans se vieron divididos entre el nuevo sonido del grupo, con más teclados y seriedad en las composiciones que en la época anterior, y el sonido de David Lee Roth, que, junto a Steve Vai y el posterior Jason Becker recordaban más a los Van Halen anteriores.

Sin embargo, el éxito de Roth comenzó a decaer con el disco Skyscraper de 1988, pues incluía demasiados teclados y a muchos de los fanáticos del rock duro no acabó de convencer. El disco tuvo poco éxito pese al sencillo “Just Like Paradise” y la banda se desintegró dejando sólo a Dave.

Roth contrata al mencionado guitarrista Jason Becker para reemplazar a Steve Vai y graba su tercer álbum de estudio, A Little Ain’t Enough. El disco fue producido por Bob Rock (reconocido por su trabajo con Metallica y Motley Crue). Antes de iniciar la gira promocional del álbum, Becker fue diagnosticado con la enfermedad de Lou Gehrig, lo que le impedía realizar presentaciones en vivo. El guitarrista Joe Holmes fue su reemplazante. Luego, en 1991, la popularidad del grunge y de bandas como Alice in Chains, Nirvana y Pearl Jam debilitó aún más la carrera del vocalista.

En marzo de 1994 publica el disco Your Filthy Little Mouth, producido por Nile Rodgers,10​ álbum que no pudo siquiera acercarse al éxito conseguido por su primer larga duración. En 1997 lanza el álbum DLR Band, con el guitarrista John 5 y el baterista Ray Luzier.

En 2003 publica su último trabajo en solitario hasta la fecha titulado Diamond Dave. En 2006, Roth colaboró en dos canciones del álbum Strummin’ with the Devil: The Southern Side of Van Halen, que contiene versiones de canciones de Van Halen en estilo bluegrass. El álbum escaló a la posición No. 66 en la lista Billboard de música country en los Estados Unidos.

9 de octubre – Olga Guillot

Olga Guillot (Santiago de Cuba, 9 de octubre de 1923 – Miami, 12 de julio de 2010)1​ fue una cantante cubana de bolero popular en toda América Latina, Estados Unidos y Europa.

Durante su carrera artística de casi siete décadas, obtuvo 10 Discos de Oro, 2 de Platino y 1 de Diamante, como así también un premio Grammy Latino a la trayectoria en 2007.

Nombrada «la reina del bolero», cantó junto a Frank Sinatra y Edith Piaf. En los años 1960, luego de la Revolución cubana, se asentó primero en Venezuela y luego, en México y Miami, donde permaneció hasta su muerte.

También incursionó como actriz en 16 películas y condujo su propio ciclo televisivo, El show de Olga Guillot.

En 1946 estrenó el bolero «La gloria eres tú», de José A. Méndez, y ese año grabó para Panart la versión en español de la melodía norteamericana «Stormy Weather» («Lluvia gris», en español), con la que logró su primer éxito discográfico.5​ En el mismo año, debutó en la emisora de radio 1010, a la que le siguieron sus actuaciones en Coco, RHC-Cadena Azul, Radio Progreso, etc.

Seleccionada en 1946 por la ACRI (Unión de Crónica Tele-Radial) como la «cancionista más destacada de Cuba», ese año realizó su primera actuación en la sala de espectáculos Habana-Madrid de Nueva York y llevó a cabo unas grabaciones discográficas bajo el sello de la compañía Decca alentada por Miguelito Valdez. En 1948, junto a René Calbell,3​ se trasladó a México y ahí grabó para la empresa Anfión con la orquesta de Gonzalo Curiel y realizó su primera intervención cinematográfica en la película Venus de fuego al lado de la rumbera mexicana Meche Barba. Posteriormente, una gira de año y medio la trasladó por Argentina, Chile, Perú, Brasil, Colombia y México, donde grabó para Columbia, con el respaldo de la orquesta de Juan Bruno Tarraza y Felo Bergaza en la producción de Sun Sun Dambae, en el cabaret Sans-Souci.

Elegida en 1951 la «reina de la radio» por diversos admiradores del concurso patrocinado por el periódico Mañana, Olga Guillot continuó sus giras por Latinoamérica de forma exitosa entre 1952 y 1953, grabando a su vez con el respaldo del pianista y compositor Juan Bruno Terraza; en 1954 debutó en Radio Progreso con ayuda de Tito Garrote.

En 1954, además, firmó un contrato para la compañía Puchito y continuamente, grabó el bolero «Miénteme»,3​ de Chamaco Domínguez, una de sus canciones más reconocidas, con la que en 1955 obtuvo el Disco de Oro. Según la escritora Yolanda Novo Villaverde, «este bolero puede ser tomado como epítome del estilo interpretativo de la cantante… “Miénteme” constituye uno de los múltiples ejemplos de expresión de un sentir masoquista en el género del bolero.»6​ Sólo en Cuba vendió un millón de copias y, en México, pasó semanas en los primeros lugares de las emisoras, y se hizo muy popular en el resto de América Latina.

«El bolero no es una música vieja. Lo que pasa es que hubo un tiempo en que la balada entró muy fuerte y eso hizo que el bolero padeciera un pequeño secuestro. Pero en estos momentos está muy bien, porque la gente joven se ha volcado mucho con él. Hay una nueva generación que se arrulla con el bolero y para mi es muy bonito que la gente joven esté conociendo este género a través de artistas de su propia edad.»

Olga Guillot.

La cantante no sólo era reconocida en su propio país, donde se la proclamó «La mejor voz cancionera de Cuba», sino también en Nueva York y diversos países de Latinoamérica. Guillot compartió escenario con Sarah Vaughan, Edith Piaf y Nat King Cole, a quien, según sus allegados, lo asesoró sobre la manera de cantar en español cuando éste grabó un disco en Cuba. Contemporáneamente, participó del espectáculo Cuba canta y baila que se presentó en los teatros América y Radiocentro.

En 1954, 1955 y 1956 ganó el premio de la Crítica Diaria de Radio y Televisión a la mejor voz femenina de Cuba. En 1957 regresó a México, donde popularizó el bolero «Tú me acostumbraste», de Frank Domínguez y participó en la película Yambaó, junto a la rumbera cubana Ninón Sevilla. En 1958, trabajó en Europa por primera vez, con giras por Italia, Francia, Alemania y España. En el Casino de Palm Beach, en Cannes, compartió el escenario con la cantante francesa Edith Piaf. También grabó para la firma Musart, acompañada por el maestro José Sabre Marroquín. Actuó posteriormente en radio, televisión y espectáculos de cabaret, acompañada por el acordeonista Eddy Gaytán, y grabó el disco «Olga de Cuba» bajo la dirección musical de Humberto Suárez. En 1961 recibió un disco de diamante por ser la cantante cubana con más discos vendidos en el período de 1954 a 1960 respectivamente.

9 de octubre – Mario Clavell

Miguel Mario Clavell (9 de octubre de 1922, Ayacucho, Argentina – 10 de marzo de 2011, Buenos Aires, Argentina), fue un popular cantante, escritor, compositor y actor de cine argentino. Trabajó asiduamente en todos los medios y su consagración se llevó a cabo por temas musicales como «Abrázame así», «Somos» o «Quisiera ser».

Su gran sentido del humor lo llevó a componer divertidas y picarescas canciones como «El hombre es como el auto», «Maldita sea», «Carlos María», «En Shangai», «Ha vuelto el charleston», «El Vals alemán», «La Bandita de Pepino», «El circo», «Es muy fácil el inglés» o «En casa de Lord James». Fue considerado «El Chansonnier de América»,3​ y tuvo mucha popularidad con giras por todo el continente, siendo su primer suceso en Chile en 1950. A su vez, recorrió Uruguay, Perú, Ecuador, Colombia, Venezuela, México y Puerto Rico. A principios de los años 1950 se estrenó la película El ladrón canta boleros, con dirección de Enrique Cahen Salaberry y la actuación especial de Pablo Palitos. Allí, Clavell acompañó a la actriz Marga Landova, con quien se casó tiempo después. En 1953 conoció a Juan Verdaguer en la boite del Hotel Gloria, de Río de Janeiro.

En 1957 intervino en el ciclo de TV musical Philco Music Hall, por Canal 7 junto a Niní Marshall y en 1961 se presentó por primera vez en España, país al que regresó en 1963 por varios meses.4​ Intervino con distintos labores en las películas mexicanas La jangada (1959), con Elvira Quintana, Los cinco halcones (1962), de Miguel M. Delgado y La divina garza (1963), con guiones de Humberto Gómez Landero. En 1962 cantó «Mónica» y «Vaivén» en el filme Buscando a Mónica, para una compañía española. En 1969 fue contratado por seis meses para la Cadena Ser, radicándose por cinco años nuevamente en España, y allí tuvo un programa radial diario y trabajó para la compañía Televisión Española. Presentó su propio espectáculo de café-concert en la boite Ales, de Madrid; y en el Teatro Reina Victoria estrenó el espectáculo de music-hall titulado El Oso y el Madrileño, con libretos del humorista Antonio Mingote. Su último trabajo en aquel país fue como presentador de televisión en el programa Señoras y señores. En 1970 editó discos para Venezuela.

A su regreso a Argentina en 1974, fue partícipe de espectáculos con Juan Carlos Mesa, Jorge Basurto, Carlos Garaycochea y Beba Bidart. Con One-Man-Show hizo televisión, grabó discos y se presentó en salas. Tras un largo período de inactividad, en 1986 salió a la venta «40 éxitos de Mario Clavell», disco de 25 temas en el cual se conmemoran cuarenta años de su carrera artística. En 1988 trabajó con Producciones Lak, en Chile, y en 1991 viajó a Estados Unidos por primera vez y grabó 18 canciones en el estudio Kiki Villalta, de la ciudad de Miami, como hizo en 1993. En 1996, grabó para los Estudios ION, con arreglos y dirección de Juan Alberto Pugliano, una producción titulada «Somos…una vida de canciones». Desde enero a mayo de 2000 compartió cartel con Juan Verdaguer y Carlos Garaycochea en la pieza teatral Masters, en el Teatro del Hotel Bauen, que a su vez tuvo un gran apoyo por parte del público y la crítica. Después estuvo presente en la librería Clásica y Moderna, protagonizando uno de sus shows.

ambién redactó una importante cantidad de libros, como Saber hablar (Ed. Rialp, 1997), Los grandes boleros de Mario Clavell (Ed. Alfred Publishing Co, 1997), Somos…una vida de canciones (Ed. Producciones Iturbe, 1996) y Mi amiga, la canción (Ed. Corregidor, 2002), el cual fue declarado y auspiciado por la Secretaría de Cultura de la Nación como de Interés Cultural – los dos últimos son sus autobiografías -.5​ Sus dos más importantes publicaciones fueron presentadas en Mar del Plata y Miami. Solamente con guitarra y para el sello Fonocal, lanzó a la venta en 2003 un nuevo disco con temas inéditos llamado «El jugar romántico». En 2004 diseñó otras canciones, en 2005 se dirigió al público infantil presentando la compilación «Vivan los niños» y fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura Porteña. Hizo sus últimas grabaciones en 2006, siempre con Fonocal, aunque durante sus últimos años continuó con contadas apariciones y shows, como ocurrió en el Café Tortoni y la sala Steinway Pianos Room, en Coral Gables.

Falleció a la edad de 88 años el 10 de marzo de 2011 en Buenos Aires, según informó su hija Marga, por diversas complicaciones en su salud que se agravaron en los últimos tiempos. No se llevó a cabo velatorio y sus restos fueron inhumados el 11 de marzo por la mañana en el cementerio privado Memorial de la localidad bonaerense de Pilar.

9 de octubre – John Lennon

John Winston Ono Lennon (de nacimiento John Winston Lennon; Liverpool, 9 de octubre de 1940-Nueva York, 8 de diciembre de 1980) fue un músico multiinstrumentista y compositor británico que saltó a la fama como uno de los miembros fundadores de The Beatles, reconocida como la banda más comercialmente exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Junto con Paul McCartney, formó una de las parejas de compositores más exitosas del siglo xx.

Nació y se crio en Liverpool, donde siendo adolescente se vio inmerso en el boom británico del skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente en 1960 se convertiría en The Beatles. Cuando el grupo se desintegró a finales de esa década, Lennon inició una carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, e icónicas canciones como «Give Peace a Chance» e «Imagine». Después de contraer matrimonio con Yoko Ono en 1969, cambió su nombre a John Ono Lennon. Lennon se retiró de la escena musical en 1975 para criar a su pequeño hijo Sean, pero resurgió junto con Ono en 1980 con el nuevo álbum Double Fantasy. Fue asesinado tres semanas después de su lanzamiento.

Demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en su música, el cine, la literatura y el dibujo, así como en sus declaraciones en conferencias de prensa y entrevistas. Además, la polémica lo persiguió debido a su constante activismo por la paz a lado de Ono. En 1971 se mudó a Manhattan, donde su oposición a la guerra de Vietnam dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon de expulsarlo del país; mientras, sus canciones fueron adoptadas como himnos por el movimiento contra la guerra y la contracultura.

Hasta 2012, en los Estados Unidos las ventas de Lennon como solista superaban los catorce millones de unidades, y ya sea como intérprete, autor o coautor, es responsable de veinticinco sencillos número uno en el Billboard Hot 100. En 2002, fue colocado en el octavo puesto en una encuesta de la BBC sobre los «100 mejores británicos», mientras que en 2008 fue calificado por la revista Rolling Stone como el quinto mejor cantante de todos los tiempos. Después de su muerte fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1987 y en el Salón de la Fama del Rock en 1994.

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