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6 de julio – Bill Haley

William John Clifton «Bill» Haley (Highland Park, Detroit, Estados Unidos, 6 de julio de 1925 – Harlingen, Texas, 9 de febrero de 1981) fue un músico estadounidense, uno de los fundadores del rock and roll, considerado el padre del rock and roll.

Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo «Bill Haley and his Comets», evolucionando desde el country y el rockabilly, así como desde el rhythm and blues, especialmente con Crazy Man Crazy (1954) y su gran éxito Rock Around the Clock (1955), una reinterpretación del clásico de Jimmy Myers y Max Freedman, y que ya había sido grabado en 1952 por Sunny Dae & His Nights.

Grabó varios discos en español durante su estancia en México, con los que comenzó a promover un nuevo ritmo que finalmente desplazaría al Rock & Roll, el Twist, estilo musical que entró pisando fuerte en 1962.

Entre sus discos de Twist se encuentran La Paloma, Florida Twist y «Tampico Twist». El Twist, vino a marcar el fin de la era del Rock & Roll original e inalterado (1955 a 1961).

En 1964 el grupo británico los Beatles (más la gran ola inglesa que les siguió), vino a desplazar al Twist, o sea que el Twist reinó únicamente por dos años.

El gran mérito de Bill Haley & His Comets1 es que comenzaron a tocar música de rock unos tres años antes que Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Ritchie Valens, Fats Domino, Buddy Holly, Chuck Berry o Bo Diddley.

Resulta difícil determinar quien fue el «Padre» o fundador del Rock & Roll, lo que si se puede asegurar, es que Bill Haley y su banda fueron auténticos pioneros del género.

Uno de sus temas más conocidos (aunque no compuesto por ellos) es «Rock Around The Clock». Falleció a causa de un tumor cerebral el 9 de febrero de 1981.

6 de julio – Toquinho

Antonio Bondeolli Pecci Filho (São Paulo, 6 de julio de 1946), conocido como Toquinho, es un guitarrista y cantautor brasileño.

Hijo de Diva Bondeolli y Antonio Pecci, comenzó temprano su interés por la guitarra.

En su infancia su madre lo llamaba «toquinho de gente» (‘pequeñito’).1 Seguiría entonces con el apodo Toquinho.

A los 14 años comenzó a tomar lecciones con el guitarrista Paulinho Nogueira.

Con Edgard Janulo enriqueció su conocimiento de armonía y mejoró este conocimiento en su amistad con Oscar Castro Nieves.

El estilo de Baden Powell llegó a ser irresistible a Toquinho, que comenzaba en el ámbito musical.

Para tener la personalidad apropiada como guitarrista, buscó en Isaías Sávio la técnica necesaria de la guitarra clásica.

Ya compositor, hizo un curso de armonía y orquestación con Leo Peracchi y el maestro argentino Carmelo Taormina (quien en esa época se había radicado en São Paulo).

En los años sesenta empezó a acompañar a varios artistas profesionales entre los que estuvieron Elis Regina, Chico Buarque, Zimbo Trio, Señales De Valle, Trío de Jazz de Bossa, Tayguara, Ivete, Tuca, Cuña de Geraldo, entre otros, en el escenario del teatro Paramount.

Este escenario fue el principio de la carrera profesional de Toquinho, todavía solamente como instrumentista acompañante, aunque rápidamente pasó a otros escenarios.

Participó en En la onda de la oscilación (costa de Maria Della del teatro, 1964), al lado de Tayguara, de las heces de Thommas, del flautista y del trío de Manfred Fest; en Libertad, Libertad (Costa se Maria Della del Teatro, 1965), con Pablo Autran, Theresa Raquel, Oduvaldo Viana Filho y Cláudia, bajo la dirección musical de Toquinho y en Este mundo es la mía (1965), que incluyó a Sergio Ricardo, Toquinho y Manini.

Toquinho cultiva hasta hoy una fuerte amistad con Chico Buarque, iniciada a los 17 años, cuando compusieron la canción Luna llena, la primera melodía de Toquinho que recibió una letra.

Buarque la incluyó cuatro años después en su LP Chico Buarque de Holanda (volumen 2) (1967).

En 1966 grabó su primer LP instrumental: O violão de Toquinho (la guitarra de Toquinho), registrado para Fermata.

Más adelante participó en comedias musicales de la TV y de importantes festivales de la canción popular. En 1968 compuso con Pablo Vanzolini Boca da noite (‘La boca de la noche’).

En mayo de 1969 viajó a Italia por más de seis meses con Chico Buarque.

Durante este período realizó numerosas presentaciones en los lugares más inusuales de la península, desde castillos medievales hasta cantinas suburbanas.

Regresó a Brasil a principios de 1970 y allí grabó su segundo LP para RGE, en el cual apareció su primer gran éxito: Qué maravilha, realizado en sociedad con Jorge Ben.

Basado en este trabajo del guitarrista, Vinícius de Moraes lo invitó en junio de 1970 a seguirlo al lado de María Creuza en una serie de conciertos en el café-concert La Fusa de Punta del Este (Maldonado, URUGUAY).

Esta reunión profesional entre Vinicius y Toquinho duraría 11 años y encantaría a Brasil y al mundo con una productividad constante.

Crearon cerca de 120 canciones, grabaron alrededor de 25 discos en Brasil y en el exterior y realizaron más de 1000 actuaciones en escenarios brasileños, europeos y latinoamericanos.

A partir de 1971, inauguraron un circuito por las universidades del país de norte a sur. Momentos importantes de esta sociedad de Toquinho/Vinicius:

La Voglia del LP RGE La pazzia, l’incoscienza, l’allegria (1976), grabado en Italia con la participación de Ornella Vanoni;

El show del Canecão, en Río de Janeiro, en 1977, com Tom Jobim, Vinicius, Toquinho e Miúcha (Heloísa Maria Buarque de Hollanda), un espectáculo que mantiene hasta hoy la marca de público y de duración (7 meses en cartel);

El show Dez anos de Toquinho e Vinicius, en 1979.

En 1980 lanzaron su último trabajo conjunto, Um pouco de ilusão, por Ariola.

5 de julio – Huey Lewis

Huey Lewis, (Nacido como Hugh Anthony Cregg III, 5 de julio de 1950 en Nueva York) es un músico y cantante.

Es el cantante líder y además toca la armónica en Huey Lewis & The News, un grupo de rock de San Francisco, California que fue popular durante los ochenta. También estuvo con la banda Clover de 1972 a 1979.

Huey solicitó plaza y fue aceptado por la Universidad Cornell en Ithaca (Nueva York), pero por consejo de su padre pospuso su ingreso y se fue a Europa. Viajó por el continente haciendo autoestop y en medio de ello aprendió a tocar la armónica.

A su regreso a Estados Unidos, Huey entró a la Universidad en el programa de ingeniería. Hizo amistad allí con Lance y Larry Hoppen, que después tocarían con Orleans y King Harvest. Huey pronto perdió interés por los estudios y se unió a un grupo llamado Slippery Elm, y en diciembre de 1969 dejó la universidad y volvió a San Francisco. En el año 1971, Huey se unió a Clover. Por esta época se cambió el nombre a Huey Lewis.

El Lewis es por un novio de su madre Magda Cregg, el poeta de la generación Beat Lew (is) Welch, a quien el consideraba su padrastro. Sean Hopper se unió al grupo en 1972 – otros miembros de la banda eran John McFee, Alex Call, John Ciambotti, Mitch Howie, Mickey Shine y Marcus David.

Huey tocaba la armónica en la banda y sólo cantaba en unas pocas canciones. La banda rival de Clover (una rivalidad amistosa) era Soundhole (Johnny Colla, Mario Cipollina y Bill Gibson eran algunos de sus miembros).

Por el año de 1976, después de estar tocando en el área de San Francisco con un éxito limitado, Clover viajó a Los Ángeles – Allí tuvieron su momento cumbre cuando en una presentación en un club fueron vistos por Nick Lowe quien los convenció para viajar a Gran Bretaña con él.

Pero Clover no tuvo éxito en territorio británico ya que llegaron justo cuando su sonido folk-rock dejaba paso al punk rock. Grabaron dos discos para el sello Phonogram producidos por Robert John «Mutt» Lange y los dos fracasaron.

Mientras Huey se tomaba unas vacaciones, el resto de Clover hizo de banda de apoyo para Elvis Costello en su disco début My Aim is True. El grupo volvió a California, McFee se unió a los Doobie Brothers y Clover se acabó. Cuando llegó el año 1978 Huey tocaba en un club llamado Uncle Charlie’s, en Corte Madera, California con futuros miembros de the News.

Después de grabar ‘Exo-Disco’ (una versión disco del tema de la película Exodus), Huey obtuvo un contrato de Phonogram Records y Bob Brown se convirtió en su manager. Huey Lewis y American Express se formó en 1979, con la misma formación de the News – tocaron algunas veces incluso fueron teloneros de Van Morrison), pero por consejo de Brown cambiaron a Huey Lewis and the News.

Después de un fallido début llamado igual que el grupo en 1980, llegaron al Top 40 con el álbum Picture This (1982) llegando al puesto 13 de las listas de álbumes gracias a la canción producida por Mutt Lange llamada «Do You Believe In Love» que llegó al puesto 7, convirtiéndose en su primer éxito.

4 de Julio – Miguel Ángel Estrella

Miguel Ángel Estrella (4 de julio de 1940), es un pianista clásico de renombre internacional, nacido en la ciudad de Tucumán y criado en Vinará, provincia de Santiago del Estero, Argentina.​

Entre 2007 y 2015 ejerció como Embajador argentino ante la UNESCO.

El apellido de su abuelo paterno era Nashem (que significa ‘estrella’ en árabe). Cuando sus abuelos inmigrantes llegaron a Argentina, el funcionario de Migraciones les preguntó su nombre y el abuelo se limitó a señalar el cielo varias veces, sin decir una palabra.

El funcionario vaciló unos segundos y luego ordenó: «Pónganle “Estrella” a estos turcos de mierda».

Miguel Ángel Estrella comenzó a tocar el piano a la edad de doce años en su ciudad natal, San Miguel de Tucumán.

Cursó sus estudios secundarios en el Gymnasium de la UNT. A partir de los 18 años estudió en el Conservatorio Nacional de la ciudad de Buenos Aires.

Posteriormente estudió en París (Francia), donde fue discípulo de Marguerite Long y de Nadia Boulanger, entre otros.

Nuevamente en Argentina, debió exilarse en 1976 a raíz de las persecuciones de las que fue objeto por parte de la junta militar.

Secuestrado y torturado por grupos paramilitares en Uruguay, fue liberado gracias a la presión internacional ejercida por artistas y pensadores de renombre mundial.

Miguel Ángel Estrella militó además activamente por los derechos humanos y por la difusión de la música como un instrumento de defensa de la dignidad humana y de elevación de la condición humana.

Con esta finalidad, fundó en el 10 de diciembre de 1982 el movimiento internacional «Música Esperanza».

El gobierno de Francia lo distinguió con el nombramiento de «Caballero de la Legión de Honor».

La Universidad Nacional de Tucumán lo distinguió con el doctorado Honoris Causa a instancias de un proyecto presentado por el Consejero Estudiantil Fernando Korstanje en 1988.

Es Comandante de la Orden de las Artes y las Letras y Doctor Honoris Causa de varias universidades europeas y estadounidenses.

En 2012, 2013 y 2014 ha sido miembro del jurado del «Tribunal Russell sobre Palestina».

En 2007 fue nombrado embajador argentino ante la UNESCO. Permaneció en el cargo hasta febrero de 2016, siendo reemplazado por el político Rodolfo Terragno.

A partir de 2010, aborda columnas de actualidad cultural en el programa Estudio País Bicentenario, transmitido por la TV Pública.

En 2010 se estrenó el film El Piano Mudo, bajo la dirección de Jorge Zuhair Jury, basada en la vida de Miguel Ángel Estrella.

Recibió en 2013 una distinción del Senado por su carrera artística y su defensa de los Derechos Humanos.

3 de Julio – Laura Branigan

Laura Ann Branigan (Nueva York, 3 de julio de 1957-Brewster, Nueva York, 26 de agosto de 2004) fue una cantante de pop rock y actriz estadounidense popular en los años ochenta.

Se hizo popular con una versión de la canción «Gloria», del italiano Umberto Tozzi, por la que recibió su primera nominación al Grammy.

«Self Control» (canción del cantante italiano Raffaele Riefoli), su álbum Self Control (1984) y el tema principal del mismo título se convirtieron en un número uno internacional.

Otros de sus éxitos fueron: «Solitaire», «How Am I Supposed to Live Without You», «The Lucky One», «Spanish Eddie» y «The Power of Love».

Laura estudió en la American Academy of Dramatic Arts, en la ciudad de Nueva York, y trabajaba como camarera, mientras estudiaba.

Finalmente, trabajó como corista de Leonard Cohen, durante una gira en Europa.

En 1979, fue contratada por Ahmet Ertegün, de Atlantic Records, pero el sello discográfico estaba inseguro de cómo categorizarla, dado que tenía una voz fuerte, con un rango de 4 octavas.

En marzo de 1982, se publicó el álbum Branigan, que incluía la canción «Gloria» (originalmente grabada por Umberto Tozzi, en 1979), que inmediatamente se convirtió en un éxito internacional.

La radio estadounidense no estaba inicialmente receptiva a la canción, ya que la combinación del sonido americano con el europeo suponía una inminente segunda «invasión británica».

La canción fue ganando posición poco a poco, hasta convertirse en uno de los grandes éxitos de la década. Alcanzó el nivel de ventas para un Disco de Oro y un Disco de Platino.

La interpretación vocal la hizo merecedora de una nominación al Grammy, una de las cuatro que recibiría.

En el verano de 1983, Branigan realizó su segundo álbum, Branigan 2, cuando el estilo Synth Pop europeo estaba en su apogeo, y Branigan manejó muy adecuadamente la versión en inglés del tema francés «Solitaire», que alcanzó un lugar muy alto en las listas de venta.

La cimentó en un lugar de la historia de la música pop, y confirmó que no era una «artista de un solo éxito».

Este álbum marcó también el debut de dos personalidades consideradas ya en la actualidad leyendas: Michael Bolton, co-letrista en la canción «How Am I Supposed to Live Without You» y Diane Warren, quien hizo la adaptación al inglés de la canción «Solitaire.

El año 1984 fue el de más altura en lo que a su fama se refiere, dado que la producción avasalladora y el estilo susurrante en «Self Control», canción del cantante italiano Raf, le mereció ser considerado un éxito mundial.

Su tercer álbum tomó por asalto al mundo entero. Al igual que «Gloria», fue producido por el alemán Jack White.

La canción vino a ser su más grande éxito internacional, y se colocó en los primeros diez lugares de las listas de ventas en numerosos países, y llegó a ser casi un himno en la radio y en las pistas de baile de todo el mundo, particularmente en Alemania, donde permaneció durante 7 semanas en el primer lugar.

Otros éxitos de este álbum son: la melodía electropop «The Lucky One», que la hizo merecedora del Gran Premio del Festival Musical de Tokio; la balada continental «Ti amo» (otro éxito de Umberto Tozzi) y «Satisfaction».

Aquel año, su actuación en vivo se grabó dos veces: una vez para una serie de conciertos para radio, y la segunda para un concierto en vídeo.[cita requerida]

Para el cuarto álbum de Laura, Hold Me (1985), «Self Control» había barrido ya territorios que no habían conocido sus discos anteriores.

Desde Sudamérica hasta Oceanía, la canción principal «Spanish Eddie» fue su sexto éxito en dos años y medio, y se colocó dentro de las primeras 40, pero no alcanzó a superar la posición 20.

Hold Me repitió dentro de las 40 posiciones, y el lanzamiento de la balada rock «I Found Someone» (coescrita por Michael Bolton) ganó una posición en las listas AC («Adult Contemporary Singles»), pero permaneció en posiciones secundarias de las listas de popularidad, a pesar de que no estuvo respaldada por un vídeo musical.

En 1987, el álbum Touch marcó un cambio en su carrera. Con nueva dirección y recurriendo a nuevos productores, tomó un rol más activo en su trabajo y en el estudio.

Este álbum vio su retorno a la pistas de baile. Junto con el trío de compositores Stock, Aitken & Waterman, produjo Shattered Glass, uno de sus mejores éxitos en la modalidad Hi-NRG.

El álbum también incluye su versión del éxito de Jennifer Rush «The Power of Love», canción que se colocó entre las veinte mayores vendedoras de álbumes durante la temporada navideña de 1987.

El tercer sencillo del álbum, «Cry Wolf», fue considerado más productivo, y quedó en el top 30 AC.[cita requerida]

Participó también en un episodio de la serie Automan, donde cantó «Hot Night», «Gloria» y «Satisfaction».[cita requerida]

Hot Night, además, es banda de sonido de la exitosa película Los Cazafantasmas de 1984 y se puede escuchar en el filme.

Laura Branigan, el nuevo álbum, trajo de nuevo a la cantante a las listas de popularidad del estilo High Energy, y con Moonlight on Water alcanzó la cima del Top 30 AC, con Never in a Million Years.

Continuó produciendo activamente en estudio, añadió a su lista de créditos la cubierta de la era Vicky Sue Robinson Turn the Beat Around.

El séptimo álbum de Branigan, Over My Heart (1993), dirigido por Phil Ramone, fue el más ecléctico.

La madurez personal de la artista se ve reflejada en el álbum, al exponer temas trascendentales tales como la pérdida de un ser amado, aspecto que tendrá significancia y espacio verídicos en el devenir de Laura.

Del mismo álbum, se destaca «The Sweet Hello, The Sad Goodbye», una canción escrita por Per Gessle, integrante del dúo sueco Roxette.

No mucho tiempo después de la publicación del álbum, dejó el ambiente musical, para dedicar tiempo a su esposo, Lawrence «Larry» Kruteck, quien había enfermado. Desafortunadamente, Larry murió en 1996, y fue hasta algunos años después cuando Laura estuvo de regreso en la esfera pública, dispuesta a continuar.

A pesar de haber experimentado enfriamiento con respecto a su regreso a la popularidad, la imagen de Laura seguía vigente alrededor del mundo, por lo que emprendió una gira global, que incluyó lugares como Australia, Sudáfrica y Chile, lugar este último donde ella recibió la primera de varias invitaciones a participar en el Festival Viña del Mar, ante una audiencia multitudinaria.[cita requerida]

Recolectó diversos éxitos en Japón, Sudamérica, Alemania y Sudáfrica, en donde ella sola aseguró tres colecciones separadas de sus éxitos.

Estados Unidos —su país natal— fue el de su última gran colección, en 1995: el álbum de 13 pistas The Best of Branigan. Incluyó dos temas nuevos: «Show Me Heaven» y el divertido «Dim All the Lights», de los que derivaron varias remezclas.

En 2001, realizó un remake del éxito de ABBA «The Winner Takes It All», y comenzó a trabajar en el material de un nuevo álbum, pero el regreso de Branigan se pospuso debido a la fractura de ambos fémures, ocurrida a causa de una caída accidental, desde una escalera en su casa de Westchester County.

En el 2002, regresó al espectáculo, interpretando el papel de Janis Joplin en el musical de Broadway Love Janis, por el cual recibió numerosos elogios.

Ese mismo año, se lanzó The Essentials: Laura Branigan, que destacó por haber incluido un tema no considerado antes: «I Found Someone».

Hacia el 2004, disfrutó de un retorno final al Top Ten, con una emisión aniversario de su tema «Self Control». Además, su interpretación de «Gloria» fue catalogada como la versión fundamental del tema original.

Varios de sus temas fueron retomados por cantantes posteriores: «I Found Someone», por Cher; «How Am I Supposed to Live Without You?», por Michael Bolton, y en 1989, «The Power of Love», por Céline Dion.

Mucho del vívido trabajo de Branigan permaneció en inconfundible contraste con la opinión popular, en el sentido de que su estilo de música era completamente mecanizada en estudio.

Recibió varios reconocimientos a la calidad de su voz, y fue respaldada por los mejores músicos de estudio de aquella época.

Formó duetos con artistas extranjeros de la época, como el australiano John Farnham y el mexicano Luis Miguel.

Fue también invitada estelar de diversos programas: The Tonight Show, Starring Johnny Carson, The Mery Grift Show, Dick Clark’s American Bandstand y Solid Gold. También, hizo aparición en episodios de populares series televisivas, como Chips (Patrulla Motorizada), Automan y Knight Rider (El Coche Fantástico). Cantó en radio y en televisión jingles comerciales para Coca Cola, Dr. Pepper y Chrysler, empresas que la apoyaron en sus giras.

Laura Branigan perdió súbitamente la vida el 26 de agosto de 2004, a causa de un aneurisma cerebral. Su padre y su abuelo paterno habían muerto por la misma causa.

Fue incinerada, y sus cenizas se esparcieron sobre Long Island Sound (Nueva Inglaterra).

Hacia el 2005, sus seguidores abrieron un memorial en la casa en la que Laura había vivido con su madre, a quien cuidó meses antes de su muerte.

En lo que se convirtió en un evento anual, se reunieron nuevamente, en 2006, sus seguidores, y así conmemoraron su vida y su legado artístico.

La conexión y empatía con sus fanes llevó a Laura a aseverar, al referirse a ellos, como «su otra mitad».

3 de julio – Vince Clarke

Vince Clarke (South Woodford, Reino Unido, 3 de julio de 1960) es un músico inglés conocido principalmente por ser un importante precursor de la música electrónica desde 1981 en el grupo Depeche Mode, así como en Erasure y Yazoo.

Es el autor de populares temas como «Just Can’t Get Enough» de Depeche Mode, «Only You» de Yazoo, y coautor de «A Little Respect», «Chorus», «Love to Hate You», «Breath of Life», «Always» e «In My Arms» de Erasure.

Clarke contrajo nupcias con Tracy Hurley, hermana de la creadora de Ghostgirl Tonya Hurley, en mayo de 2004. En septiembre de 2005 nació el hijo de ambos, Oscar Martin.

En 1980 el trío se encontraba ensayando en un salón de eventos artísticos del condado, en donde Vince escuchó a un chico llamado David Gahan cantando «Heroes» de David Bowie, al que pronto invitó a convertirse en el cantante de su grupo.

Gahan aceptó y sugirió cambiar el nombre a Depeche Mode. Vince cambió la guitarra por un sintetizador y pronto lo siguieron Gore y Fletcher interesados también por el género electrónico, si bien Vince era el único que verdaderamente dominaba el teclado.

Ya como Depeche Mode, el ahora cuarteto de tecnopop consiguió grabar la canción Photographic, escrita por Vince, para un recopilatorio de nuevas promesas, en un pequeño sello promotor de música electrónica llamado Some Bizzare Records, del productor Stephen John Pearce, conocido como Stevo.

Vincent John Martin decidió cambiar su nombre por el de Vince Clarke, ya que cuando empezaron los shows, él se encontraba acogido al seguro de desempleo.

Poco después lograron grabar su primer disco, concebido casi completamente por Vince excepto por dos temas de Gore, en otro sello pequeño de música electrónica de nombre Mute Records, de Daniel Miller, ello por la insistencia de Clarke de no acercarse a las grandes compañías de música y conservar un espíritu independiente.

Fue así que Clarke dio al grupo su primer gran éxito, el tema bailable Just Can’t Get Enough, mientras el tema New Life, también de Clarke, lograba otro relativo buen impacto, y sorpresivamente el disco debut de Depeche Mode, titulado Speak & Spell, obtuvo más éxito del que incluso Miller había esperado.

No era lo que Clarke había deseado, él quería trabajar en el estudio y seguir explorando el potencial de los sintetizadores, por lo cual, después de ése primer disco, abandonó el grupo.

Además de su álbum debut, Clarke participó únicamente en las dos primeras breves giras de Depeche Mode, conocidas sólo como 1980 Tour y 1981 Tour.

2 de Julio – Lindsay Lohan

Lindsay Dee Lohan (Nueva York, Estados Unidos, 2 de julio de 1986) es una actriz, cantante, empresaria y modelo estadounidense.

Lohan comenzó su carrera a los tres años de edad en el modelaje infantil y haciendo anuncios para televisión, antes de hacer su debut como actriz en la pantalla grande en la exitosa película de 1998 dirigida por Nancy Meyers, The Parent Trap de Disney, a la edad de 11.

Lindsay ganó mayor fama entre 2002 y 2006, con papeles protagonistas en las películas Freaky Friday, Confessions of a Teenage Drama Queen, Mean Girls, Herbie: Fully Loaded y Just My Luck, llegando a convertirse en un ídolo adolescente.

Lohan lanzó una carrera en la música pop en 2004 con su álbum debut Speak y siguió con A Little More Personal (Raw) en 2005.

Posteriormente apareció en películas independientes, incluyendo A Prairie Home Companion del director Robert Altman y Bobby, dando inicio a una prometedora carrera por parte de la artista.

Su carrera se vio interrumpida en 2007 por conducir dos veces bajo la influencia del alcohol, de lo cual la Justicia consideró que la actriz no cumplió el período de reeducación que se le había impuesto por conducir en estado de ebriedad, lo que derivó en que la actriz fuera encarcelada por 90 días en la prisión californiana para mujeres de Lynnwood la cual incluye un programa de rehabilitación de tres meses para adictos de alcohol y drogas.

Esto dio lugar a varias ofertas de cine perdidas; desde entonces su carrera ha sido oscurecida por su vida personal.

En los últimos años ha intentado reanudar su carrera, apareció como invitada en la serie Ugly Betty en 2008, protagonizó la comedia para la televisión de 2009, Labor Pains, apareció en la película de Robert Rodriguez Machete del 2010, y en 2012 en Liz & Dick encarnando a Elizabeth Taylor.

Lohan ha atraído mucha atención en particular por los excesos de su vida personal, lo que ha dado una imagen nada beneficiosa de la actriz por parte de la prensa rosa.

2 de Julio – Ahmad Jamal

Ahmad Jamal, nacido Frederick Russell Jones (Pittsburgh, 2 de julio de 1930), es un pianista estadounidense de jazz.

Según Stanley Crouch, respetado crítico de jazz, «Jamal es, tras Charlie Parker el segundo personaje más importante en el desarrollo del jazz posterior a 1945. Su eruptivo y personal estilo lleno de contrastes e influyó en músicos desde Miles Davis a Jacky Terrasson.»

Con once años ya pisó el escenario y tras finalizar sus estudios en la Westinghouse High School trabajó con George Hudson y los Four Strings.

Estos se convirtieron en los Three Strings en 1951 con Jones, Ray Crawford a la guitarra y Eddie Calhoun al bajo. Fritz se convierte al Islam y cambia su nombre y el del grupo: Ahmad Jamal Trio. Su grabación ‘Piano Scene’ (1951) llamó la atención y en 1952 consiguió un hit con ‘Ponciana’.

En 1956 cambió la formación. Israel Crosby al bajo y Vernell Fournier a la batería. Juntos grabarían ‘But not for me’ (1958), otro álbum con cierto éxito comercial.

Aunque a principios de los años sesenta tuvo que superar algunas dificultades como la bancarrota de uno de los clubes que regentaba en Chicago y constantes desavenencias y cambios en la formación de su banda, consiguió mantener una producción estable, publicando prácticamente un álbum al año, entre ellos: ‘Extensions’ (1965), ‘The Awakening’ (1970), ‘Jamal plays Jamal’ (1974), ‘One’ (1979),’Digital Works’ (1985), ‘Pittsburgh’ (1989), ‘Nature’ (1998), ‘It’s Magic’ (2008), ‘A quiet time’ (2009), ‘Blue Moon’ (2012), ‘Saturday Morning’ (2013) y ‘Marseille’ (2017).

La música de Jamal es innovadora y minimalista, y manifiesta un uso consciente de los espacios y de los silencios para subrayar los tránsitos entre la relajación y la tensión, con la intención de generar dramatismo.

Impresiona antes que, por su técnica por su virtuosismo, caracterizado por una gran economía de medios y unas líneas melódicas y armónicamente inventivas.

En sus tríos, suele dejar un gran espacio de libertad a la sección rítmica. A pesar de su gran impacto en el jazz, Ahmad no se encuentra cómodo con la denominación de ‘músico de jazz’. Prefiere llamarse ‘músico clásico americano’.

1 de Julio – Thomas A. Dorsey

Thomas Andrew Dorsey (Villa Rica, Georgia, 1 de julio de 1899 – Chicago, 23 de enero de 1993) fue un pianista estadounidense, apodado «El padre de la música gospel».

También se lo conoció como «Georgia Tom» en sus primeros años como pianista de blues.

Dorsey fue el director musical de la ‘Pilgrim Baptist Church’ de Chicago desde 1932 hasta los últimos años de la década de 1970.

Su composición más famosa, «Take My Hand, Precious Lord», fue interpretada por Mahalia Jackson siendo además la favorita de Martin Luther King; otra de sus composiciones, «Peace in the Valley», ha sido interpretada por numerosos artistas, incluyendo a Elvis Presley y Johnny Cash.

Aprendió a tocar el piano muy joven, de oído, escuchando a los pianistas de su ciudad y se dedicó a tocar en reuniones nocturnas y locales de cenas.

Comenzó a realizar interpretaciones bajo los alias de Barrelhouse Tom y Texas Tommy, siendo el más conocido Georgia Tom.

A los 19 años se trasladó a Gary, Indiana, donde organizó una banda para tocar en fiestas, en un estilo básicamente blues, pero con grandes influencias del «music hall».

Con una bandaenominada «Wild Cats Jazz Band» en la que se integraban músicos como Ed Pollack (trompeta), Al Wyn (trombón) y Tampa Red (guitarra), acompañó a la cantante Ma Rainey, con la que grabó varios discos para la compañía discográfica Paramount Records, en 1924.

Hacia 1928, formó grupo con Tampa Red con el cual realizó la grabación del éxito, «Tight Like That», grabación que vendió siete millones de copias.

Actualmente, se reconocen más de 400 canciones de blues y jazz interpretadas o creadas por Dorsey.

Sin embargo, en esa época se convirtió a la Iglesia bautista peregrina y, en 1932, abandonó el blues para dedicarse casi por entero al gospel Una tragedia personal le llevó a abandonar la música secular para comenzar a escribir, y grabar, lo que él denominaba música «gospel», palabra que fue utilizada por primera vez por Dorsey.

Su primera mujer, Nettie, falleció en 1932 al dar a luz a su primer hijo: en su recuerdo, Dorsey compondría una de las canciones más famosas de gospel, «Take My Hand, Precious Lord».

Descontento con el trato que recibía de los editores musicales de aquel periodo, Dorsey creó la primera empresa de música gospel negra, ‘Dorsey House of Music’.

También creó su propio coro de gospel siendo miembro fundador y primer presidente del ‘National Convention of Gospel Choirs and Choruses’.

Su influencia no se limitó únicamente a la música afroamericana, ya que sus obras fueron seguidas e interpretadas por una parte importante de músicos blancos; «Precious Lord» fue grabada, entre otros artistas, por Elvis Presley, Mahalia Jackson, Aretha Franklin, Clara Ward, Roy Rogers y Tennessee Ernie Ford.

Esta canción era la favorita de Martin Luther King siendo cantada por Mahalia Jackson la noche anterior al asesinato de Luther King; así mismo, también era la canción favorita del Presidente estadounidense Lyndon B. Johnson, canción que fue cantada en su funeral.

Dorsey escribió en 1937 la canción «Peace in the Valley» para Mahalia Jackson, canción que se convertiría en un estándar del gospel.

Dorsey fue el primer afroamericano elegido para el ‘Nashville Songwriters Hall of Fame’ y el ‘Gospel Music Association’s Living Hall of Fame’.

Falleció en Chicago, Illinois siendo enterrado en el ‘Oak Woods Cemetery’.

1 de julio – Evelyn King

Evelyn «Champagne» King (1 de julio de 1960) es una cantante norteamericana de R&B y de música disco.

King fue una de las cantantes más importantes de estos géneros durante las décadas de los años 1970 y 1980.

También es recordada por el éxito disco «Shame» que llegó a estar en el Top 10 del la Billboard Hot 100 (#9 in 1978) (y también fue #8 en el Hot Dance Music/Club Play chart). Otros trabajos conocidos son «I’m In Love» and «Love Come Down.

Ha publicado hasta la fecha once álbumes con temas como ‘I’m in love’ (1980), ‘Love come down’, ‘Betcha she don’t love you’ (1982) y ‘Your personal touch’ (1985). En agosto de 2007 publicó, tras catorce años sin grabar, el álbum ‘Open Book’.

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