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18 de Octubre – Chuck Berry

Charles Edward Anderson Berry (Saint Louis, Misuri, 18 de octubre de 1926-ibidem, 18 de marzo de 2017), conocido artísticamente como Chuck Berry, fue un compositor, intérprete y guitarrista estadounidense. Es considerado uno de los músicos más influyentes de la historia del rock and roll,3 siendo uno de los pioneros de dicho género musical.

Gracias a canciones como «Maybellene» (1955), «Roll Over Beethoven» (1956), «Rock and Roll Music» (1957) y «Johnny B. Goode» (1958), Berry redefinió los elementos del rhythm and blues, creando las bases del rock and roll.

La revista Rolling Stone lo presenta como el intérprete n.º 5 en su lista «The Immortals», que reúne a los mejores artistas musicales, superado solo por The Beatles, Bob Dylan, Elvis Presley y The Rolling Stones, y como el sexto mejor guitarrista de todos los tiempos.

Asimismo, «Johnny B. Goode» su canción más popular, es considerada la mejor canción de guitarra de la historia del rock and roll, según la misma revista.7 Por su legado al género rock ganó en 2014 el Premio Polar, considerado el «Premio Nobel de la música»

Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en St. Louis, Missouri. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono baptista. Era el tercero de seis hermanos.​ Estudió en la Summer High School, la primera escuela de secundaria para afroamericanos del oeste de Mississippi, en la que también estudió Tina Turner. Fue precisamente en esta escuela donde realizó su primera presentación musical, una versión de la canción «Confessin’ the Blues» de Jay McShann.

Berry había aprendido a tocar guitarra gracias a un libro titulado Nick Manoloff’s Guitar Book of Chords y la ayuda de sus vecinos. Su primer instrumento fue una guitarra tenor de cuatro cuerdas que le habían prestado. Durante este tiempo fue influido por géneros como el boogie-woogie, el blues y el swing.​ Uno de sus primeros maestros fue un guitarrista de jazz llamado Ira Harris.10​ Berry comenzó su trabajo como músico tocando en fiestas.

En 1944, durante un viaje que realizó a Kansas City junto a dos amigos, el músico fue arrestado y condenado por el delito de robo a mano armada.10​ Los jóvenes habían robado tres tiendas y un automóvil con la ayuda de una pistola que habían encontrado. Berry y sus amigos fueron sentenciados a 10 años de prisión. El guitarrista cumplió tres años de la condena en el reformatorio juvenil de Algoa, cerca de Jefferson City, donde formó un grupo de canto y además se dedicó al boxeo. Berry fue liberado en 1947, y siete meses después conoció a Themetta Suggs, con quien se casó al año siguiente. En 1950 nació su hija Darlin Ingrid Berry.14​ Durante estos años realizó varios trabajos, como conserje, estilista, fotógrafo y carpintero, sin dejar de lado su carrera como músico.

A principios de 1953 se unió a la banda de rhythm and blues Sir John Trio, en reemplazo del saxofonista Alvin Bennett.​ El grupo, liderado por el pianista Johnnie Johnson, tocaba en un popular club de Saint Louis llamado Cosmopolitan.​ Con el tiempo Berry fue adquiriendo mayor protagonismo dentro de la banda, la cual fue rebautizada Chuck Berry Combo. Durante las presentaciones tocaban algunas canciones country, así como versiones de canciones de Nat King Cole o Muddy Waters. La mezcla de ritmos atrajo a un público diverso en términos raciales. En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turner, otro afamado guitarrista.

En 1955, aprovechando su estancia en Chicago, Berry fue a un club a ver una presentación de Muddy Waters. Siguiendo el consejo de éste, el guitarrista contactó con la compañía discográfica Chess Records para grabar su primer disco.​ El dueño de la compañía, Leonard Chess, aceptó escuchar las grabaciones de Berry, por lo que el músico regresó a Saint Louis para preparar una cinta de muestra. Entre las canciones que grabó se encontraba «Ida May» (una versión de la canción de country «Ida Red»), y una canción de blues titulada «Wee Wee Hours». Aunque a Chess le gustó «Wee Wee Hours», que coincidía con el género musical con el que trabajaba su discográfica, se interesó más por la primera canción, por lo que decidió contratar a Berry. En julio de 1955 lanzaron el sencillo «Maybellene», que tomaba como base el ritmo de «Ida May».​ El sencillo vendió más de un millón de copias, alcanzando el primer puesto en el ranking de R&B y el quinto en el de música pop.

La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la discográfica Chess Records, acompañado del pianista Johnnie Johnson de su propia banda, del legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, de Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra.

El éxito alcanzado le permitió aparecer en la película Rock, Rock, Rock (1955), donde canta la canción «You Can’t Catch Me». Sus siguiente sencillos fueron «Thirty Days», «No Money Down» y «Too Much Monkey Business», los cuales tuvieron buenas ventas pero no superaron el éxito de «Maybellene». A finales de junio de 1956 lanzó la canción «Roll Over Beethoven», que logró el segundo lugar en el ranking de ventas R&B y el puesto 29 en el Billboard Top 100.​ Su siguiente sencillo, «School Days», alcanzó la primera ubicación del ranking R&B, el tercer puesto del Billboard Top 100, y fue la primera canción de Berry en aparecer en los rankings de ventas británicos, llegando al puesto número 24.

En mayo de 1957 lanzó su primer álbum de estudio, titulado After School Session.​ Ese mismo año, Berry apareció en la película Mister Rock and Roll. En septiembre participó en una gira llamada Biggest Show of Stars, que recorrió 75 ciudades de Estados Unidos.​ Organizada por Alan Freed, la gira contó con músicos como Buddy Holly, The Everly Brothers y The Drifters. Ese mes lanzó un nuevo sencillo, «Rock and Roll Music», que alcanzó la sexta posición en el ranking de R&B y el octavo en el Hot 100.

Al año siguiente publicó dos de sus sencillos más exitosos. «Sweet Little Sixteen» alcanzó la primera posición en el ranking de R&B, la segunda en el Billboard Top 100 y el puesto 16 en el Reino Unido.​ En abril lanzó «Johnny B. Goode», canción inspirada en su mentor y compañero de banda Johnnie Johnson. El sencillo llegó al segundo puesto del ranking de R&B y al octavo del Top 100. La actuación de Berry en el Newport Jazz Festival de aquel año fue incluida en el documental Jazz on a Summer’s Day (1959). La cinta fue dirigida por el fotógrafo Bert Stern y muestra además a músicos como Louis Armstrong, Mahalia Jackson, Jimmy Giuffre, Thelonious Monk y Gerry Mulligan.​ Berry también apareció en la película Go, Johnny Go! (1959), cuyo título está extraído de una frase de su canción «Johnny B. Goode». Además de aquella canción, el guitarrista aparece en la cinta interpretando «Memphis Tennessee» y «Little Queenie».

Durante estos años, Berry era un músico consolidado, realizando varias giras alrededor de Estados Unidos y apareciendo en programas de televisión. Aprovechando su éxito económico, el guitarrista invirtió parte del dinero en bienes raíces cerca de Saint Louis, así como en clubes nocturnos. En 1958 fundó un club llamado Club Bandstand, que admitía la entrada sin segregar a los clientes por su raza.

Sin embargo, en diciembre de 1959 enfrentó una de las acusaciones más graves de su carrera. Chuck Berry conoció a una joven apache llamada Janice Norine Escalanti en Juárez (Texas). La muchacha, que provenía de Yuma (Arizona), le dijo al músico que tenía 21 años de edad, cuando en realidad tenía 14. Berry le ofreció un trabajo de camarera en su club Bandstand, así que la llevó a Saint Louis con él. Algunas semanas después, la joven fue arrestada por ejercer la prostitución en un hotel de la ciudad. Este hecho llevó a que Berry fuese arrestado por infringir la ley Mann, por «transportar a una menor de edad a través de la frontera del estado para fines inmorales».​ El guitarrista fue condenado a cinco años de prisión y al pago de una multa de 5000 dólares.​ La sentencia fue apelada, debido a los comentarios racistas que había hecho el juez durante el juicio, y la condena fue finalmente rebajada a tres años.

Tras haber pasado cerca de dos años de prisión, Berry fue liberado en octubre de 1963. Su experiencia en la cárcel llegó a cambiar su personalidad. Según Carl Perkins, el nuevo Berry era «frío, muy distante y cortante».​ Mientras el guitarrista estuvo privado de libertad, y durante los años siguientes, Estados Unidos comenzó a experimentar la llamada «invasión británica», con bandas como The Beatles, The Rolling Stones, The Yardbirds y The Animals. La música de estos grupos estaba influida por el estilo de Berry, llegando incluso a realizar nuevas versiones de sus canciones.​ En 1963 el grupo estadounidense The Beach Boys lanzó el exitoso sencillo «Surfin’ USA», cuya melodía estaba basada en la canción «Sweet Little Sixteen». El guitarrista posteriormente los demandó por infracción de derechos de autor y obtuvo una sentencia favorable, siendo acreditado como uno de los escritores de la canción.

En 1964 lanzó sencillos como «Nadine», «No Particular Place to Go», «You Never Can Tell» y «Promised Land». «No Particular Place to Go» alcanzó la décima posición en el ranking de ventas.​ Ese mismo año realizó su primera gira por el Reino Unido, y lanzó un álbum junto al guitarrista Bo Diddley, titulado Two Great Guitars. En octubre además participó en un concierto llamado The T.A.M.I Show (The Teen Age Music International Show), junto a músicos como The Beach Boys, James Brown, The Rolling Stones, The Supremes, Marvin Gaye y Smokey Robinson. El concierto, realizado en Santa Mónica (California), fue grabado y estrenado como un documental.​ En 1965 lanzó el sencillo «Dear Dad», que se convirtió en la última canción de Berry en entrar a los rankings de ventas durante aproximadamente siete años.

Al año siguiente firmó con la compañía discográfica Mercury Records. Durante la vigencia del contrato publicó cuatro álbumes con Mercury, incluyendo el disco en vivo Live at the Fillmore Auditorium, donde fue acompañado por el grupo Steve Miller Band.​ Las ventas de estos trabajos no fueron buenas, pero el guitarrista continuó realizando conciertos. En julio de 1969 participó en el Schaefer Music Festival de Nueva York, junto a artistas como The Byrds, Fleetwood Mac, Miles Davis, Led Zeppelin, B. B. King, Frank Zappa y Patti LaBelle.​ En octubre del mismo año tocó en el Toronto Rock and Roll Revival, un concierto que contó con un importante número de músicos de los años 50 y 60, incluyendo a Fats Domino, The Everly Brothers, The Coasters, Little Richard y Jerry Lee Lewis.

Berry volvió a la discográfica Chess en 1970, lanzando ese mismo año el álbum Back Home. Dos años después, el guitarrista lanzó la canción «My Ding-a-Ling», que se transformó en su único sencillo en alcanzar la primera posición en la lista de ventas de Billboard. Grabada originalmente en 1952 por Dave Bartholomew, la canción fue incluida por Berry en su disco de 1968 From St. Louis to Frisco, rebautizada como «My Tambourine». Sin embargo, la versión que alcanzó el éxito de ventas fue una grabada en febrero de 1972 durante un concierto en Coventry (Inglaterra), que fue incorporada en el álbum The London Chuck Berry Sessions.​ La letra de la canción causó controversia al utilizar un doble sentido que hacía referencia al aparato reproductor masculino,37​ lo que llevó a la activista británica Mary Whitehouse a intentar censurarla de las radios de aquel país. La petición de Whitehouse fue desestimada por la BBC.

Su segundo periodo con la discográfica Chess terminó en 1975, con la publicación del álbum Chuck Berry. Su siguiente disco, Rock It, fue publicado por la compañía Atco Records en 1979. Se trata de su último álbum hasta la fecha. Durante la década de 1970 Berry realizó giras a lo largo del país, acompañado solo por su guitarra. Sus representantes debían preocuparse de contratar, en cada ciudad donde se presentara, a una banda local para que lo acompañe, ya que era más barato que viajar junto a los músicos durante toda la gira. Entre los músicos que actuaron junto a Berry durante este período se encuentran Bruce Springsteen y la banda Brownsville Station.​ En junio de 1979 el guitarrista fue invitado a la Casa Blanca para tocar frente al presidente Jimmy Carter.

Durante aquel tiempo Berry volvió a tener problemas con la ley. La Internal Revenue Service lo había estado investigando por evasión de impuestos, señalando que el guitarrista no había declarado todo el dinero ganado en sus conciertos. Berry fue encontrado culpable, siendo condenado a cuatro meses de cárcel y a 1000 horas de trabajo comunitario, las que cumplió realizando conciertos a beneficio.

Berry continuó realizando numerosas presentaciones durante los años 1980. El director Taylor Hackford hizo un documental titulado Hail! Hail! Rock ‘n’ Roll (1987), sobre un concierto que Keith Richards organizó en honor al cumpleaños número 60 del músico, llevado a cabo en su ciudad natal. Entre los artistas que participaron se encontraban Eric Clapton, Etta James, Julian Lennon, Robert Cray y Linda Ronstadt. El mismo año en que se estrenó el documental el guitarrista publicó su autobiografía. Entre los temas tratados en el libro se encuentran su familia, sus influencias musicales, la discriminación racial que sufrió durante su carrera y las controversias que protagonizó.

Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También poseía un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes. Berry volvió a ser tema de atención en diciembre de 1989 por supuesto voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su restaurante. Según la camarera que denunció el hecho, se habían instalado cámaras escondidas que tenían por objetivo grabar a quienes ocuparan el baño. Un grupo de mujeres demandó a Berry, pero todo llegó a su fin tras un acuerdo extrajudicial. Uno de sus biógrafos, Bruce Pegg, dijo que se estimó que el músico pagó aproximadamente 1,2 millones de dólares a las denunciantes.​ En 1990 su hogar fue allanado y se encontraron 62 gramos de marihuana, así como videos de mujeres usando el baño, una de las cuales era aparentemente menor de edad. Con la certeza de librarse de la acusación respecto de la menor, Berry reconoció su culpabilidad por la tenencia de la droga.​ Sus abogados dijeron que habia sido víctima una conspiración para aprovechar su riqueza.

En enero de 1993 participó junto a músicos como Fleetwood Mac, Michael Jackson, Barbra Streisand, Aretha Franklin y Little Richard en la gala de la investidura presidencial de Bill Clinton.

En noviembre de 2000, Berry fue demandado por el pianista Johnnie Johnson, con quien había colaborado durante años, por la autoría de aproximadamente cincuenta canciones, incluidas «No Particular Place to Go», «Sweet Little Sixteen» y «Roll Over Beethoven». Según Johnson, las canciones habían sido compuestas por ambos músicos, pero solo Berry fue acreditado como autor. La causa fue desestimada por el tribunal debido al tiempo que había transcurrido entre la creación de los temas y la interposición de la demanda.

En octubre de 2016, durante la celebración de su 90.º cumpleaños, Chuck Berry anunció el lanzamiento de su nuevo disco, previsto para 2017. Sería su primer álbum con temas nuevos en 38 años y sus hijos formarían parte de la banda durante la grabación.

Berry fue encontrado muerto por la policía el sábado 18 de marzo de 2017 en su casa ubicada en el Condado de Saint Charles, en Misuri. Tenía 90 años de edad.

18 de Octubre – Antonio Tarragó Ros

Tarrago Antonio Ros (n. 18 de octubre de 1947) es un músico argentino, intérprete de música folclórica, en especial folclore litoraleño y chamamé.

Entre sus temas más conocidos se encuentra «María va», «Canción para Carito», «Jineteando la vida».

Es reconocido por su preocupación por el medio ambiente, habiendo llegado incluso a escribir canciones sobre este tema, como «El río herido», en contra de la instalación de las papeleras en las costas del Río Uruguay, entre otros.

También ha compuesto música para algunas películas. En 1995 recibió un Premio Konex – Diploma al Mérito como uno de los 5 mejores compositores de folclore de la década en Argentina.

17 de Octubre – Ziggy Marley

David Nesta «Ziggy» Marley (Kingston, 17 de octubre de 1968) es un músico jamaicano, hijo mayor de Rita Marley y Bob Marley, conocido cantante de reggae. Desde pequeño su padre le dio lecciones de guitarra y batería.

Su madre Rita le llamó y bautizó David, pero su padre Bob lo apodaba «Ziggy» como referencia al cigarro de marihuana.

Una explicación alternativa al apodo es que comenzó a ser conocido con el apodo de «Ziggy» por ser un fan de David Bowie y su álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.

Sus hermanos de sangre (hijos de Rita Marley) son Stephen, Cedella y Sharon (Damian es hermano por parte de padre).

En fechas más recientes ha publicado los discos «Ziggy Marley & the Melody Makers Live, Vol. 1» (2000) y «Dragonfly» (2003). En su ciudad natal de Kingston creó su propio sello discográfico llamado «Ghetto Youth United», con el objetivo de lanzar nuevos valores del reggae, entre los que figura su hermano paterno Damian Marley.

Al igual que su padre, siempre ha estado involucrado en actividades humanitarias, fue nombrado «Embajador Joven de las Naciones Unidas» y ha formado parte de proyectos benéficos relacionados con «UNICEF», además de fundar la organización sin ánimo de lucro «U.R.G.E.» (Unlimited Resources Giving Enlightenment).

También ha ejercido como actor ocasional, interpretándose a sí mismo en la comedia «The Shrink is In» (2001) y como invitado en las series «Parker Lewis nunca pierde», «Cosas de casa», «New York Undercover» y «Embrujadas».

Ha intervenido en diversos documentales como «The Reggae Movie» (1996), «Marley Magic» (1996), «A Fishified World» (2005) o la miniserie «I Love the 70’s» (2003).

En 2004 prestó su voz a la medusa rastafari Ernie en la película de animación «El espantatiburones», donde además hizo un dueto con Sean Paul interpretando uno de los temas centrales de la banda sonora titulado «Three Little Birds».

El 2 de julio de 2006, grabó su segundo álbum como cantautor «Love Is My Religion».

El 12 de octubre de 2012 lanzo el remix oficial de mucha cosa buena- canción del boricua Sie7e junto con la colaboración de Laza Morgan.

En el año 2013 colabora con Cody Simpson, participando en la canción «Love», la cual seria parte del reciente álbum del joven australiano; «Surfers Paradise». El 5 de febrero de 2014 es lanzado el video de dicha canción por el canal de YouTube AwesomenessTV.

17 de Octubre – Eminem

Marshall Bruce Mathers III (17 de octubre de 1972, St Joseph, Misuri), conocido por su nombre artístico Eminem (estilizado como EMINƎM) y también por su álter ego Slim Shady, es un rapero, productor discográfico y actor estadounidense.

Su nombre artístico proviene de la unión de las iniciales de Marshall Mathers: M&M («Em and Em», estilizándose como Eminem).

Se hizo popular en 1999 con su álbum de estudio The Slim Shady LP, que ganó un premio Grammy por Mejor Álbum de rap. Su siguiente álbum, The Marshall Mathers LP, se convirtió en el álbum de hip hop más vendido de la historia.1​2​ Eminem ganó mayor popularidad, destacando su propio sello discográfico Shady Records, y llevó a su grupo D12 a un reconocimiento general.

The Marshall Mathers LP y su tercer álbum, The Eminem Show, también ganaron premios Grammy en 2001 y, en 2003, ganó el Óscar a la mejor canción original por el sencillo Lose yourself, de la película 8 Mile, en la que también interpretó el papel principal. Entonces, Eminem comenzó un receso después de viajar en 2005 por la gira de su álbum Encore y, después de varios años, lanzó su quinto y sexto álbum titulado Relapse, el 15 de mayo de 2009, Recovery, el 22 de junio de 2010 y The Marshall Mathers LP 2 en 2013.

Eminem ha vendido más de 155 millones de álbumes en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los raperos con más ventas de la historia3​ y el artista con mayor venta de discos en la década de los 2000.4​ Además, ocupó el puesto número 82 en la lista de Los 100 mejores artistas de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone, y posicionándose como el 2 mejor rapero solista, después de Dr. Dre, y el 5 mejor rapero (incluyendo grupos), después de los Beastie boys, Dr.Dre, Run–D.M.C. y Public Enemy.5​ También fue llamado el mejor rapero por Vibe Magazine, superando a 2Pac y The Notorious B.I.G..6​ Fue llamado «artista de la década» por la revista Rolling Stone.7​

En total, incluyendo su trabajo con D12, Eminem ha logrado 7 álbumes en el puesto número 1 en la lista Billboard, donde solo The Marshall Mathers LP 2 debutó en el primer puesto además de catorce sencillos número 1 alrededor del mundo, detrás de artistas como 50 cent, Snoop Dogg, Dr. Dre y Beastie boys, por ejemplo, con más de 17 sencillos #1 hasta ahora. Según la revista Billboard, Eminem tiene dos de sus álbumes entre los 5 más vendidos de la década. Su estilo de rapeo se caracteriza por ser múltiple, ha incursionado en muchas ramas del hip hop, destacándose el horrorcore, rap rock, gangsta rap (con su banda paralela, D12), comedy hip hop, hardcore rap, rapcore, conscious hip hop y rap alternativo. A pesar de las duras críticas recibidas al inicio de su carrera por el contenido de las letras, Eminem ha consiguido asentarse y hacerse un lugar entre los principales exponentes de rap.

16 de Octubre – Carmen Sevilla

María del Carmen García Galisteo, conocida artísticamente como Carmen Sevilla (Sevilla, España, 16 de octubre de 1930) es una actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión española.

María del Carmen García Galisteo nació en el barrio de Heliópolis2​ en Sevilla el 16 octubre de 1930. Hija de Antonio García Padilla, (fallecido el 17 de febrero de 1987 en Madrid) y de Florentina Galisteo Ramírez (10 de octubre de 1904 – 23 de julio de 2004).3​ Nieta de José García Rufino (1875-1943), un periodista satírico andaluz y de Catalina Padilla Ragares siendo sus abuelos paternos. Es la hermana mayor de Antonio (1932-26/07/1999)4​ y José (?-24/08/2015) García Galisteo.

Desde temprana edad estuvo familiarizada con el mundo artístico. Tras la guerra su familia se trasladó a Madrid y allí pudo asistir al conservatorio. Debido a la gran influencia artística que había en su casa debido a que su abuelo y su padre eran letristas y escribían canciones para las películas de Imperio Argentina, Concha Piquer o Estrellita Castro, sintió muy de cerca el mundo artístico.

Contrajo matrimonio el 23 de febrero de 1961, en la basílica de Nuestra Señora del Pilar en Zaragoza, con el compositor Augusto Algueró Dasca. De ese matrimonio tuvo a su único hijo, Augusto José Algueró García el 3 de julio de 1964 también compositor.5​ En 1974 se separó de Augusto Algueró, de quien más tarde se divorciaría.

Poco después de su divorcio comenzó su noviazgo con el empresario cinematográfico Vicente Patuel Sánchez de Molina (1931-2000). Tras una década de noviazgo, el 5 de septiembre de 1985 volvió a contraer matrimonio en Arcos de la Frontera (Cádiz).6​

Tras su segundo matrimonio se dedicó principalmente a su matrimonio, a la vida doméstica y a la cría de ovejas en una explotación ganadera en Herrera del Duque en la provincia de Badajoz. Además de su retirada del cine, su actividad artística y profesional menguó considerablemente con respecto a las décadas anteriores. No obstante, siguió acudiendo como invitada a programas de televisión donde era entrevistada y donde también interpretaba sus canciones más populares.

En 1987 falleció su padre, Antonio García. En 2004 lo hizo su madre, Flora Galisteo.

En enero del año 2000 quedó viuda tras el repentino fallecimiento a causa de un infarto de su marido Vicente Patuel.

En 2005 se publicaron sus memorias escritas por el periodista Carlos Herrera en el libro titulado Carmen Sevilla, memorias.

En 2010 Carmen Sevilla dejó repentinamente el programa Cine de barrio del que era presentadora desde 2004. En 2009 se le diagnosticó Alzheimer, aunque no fue hasta abril de 2012 cuando se dio a conocer públicamente.7​ En 2015 se hizo público que la enfermedad había avanzado al punto de que ya no era capaz de reconocer a nadie, ni siquiera a su propio hijo, que se convirtió en su administrador y cuidador principal al trasladarse a vivir con ella.8​ Como consecuencia de su enfermedad, desde 2015 vive en una Residencia en Aravaca (Madrid) especializada en enfermos de Alzheimer, donde su hijo la visita con asiduidad.

16 de Octubre – John Mayer

John Clayton Mayer (Bridgeport, Connecticut, Estados Unidos, 16 de octubre de 1977), conocido simplemente como John Mayer, es un músico, compositor y productor discográfico estadounidense.

Se crió en Fairfield, Connecticut y cursó sus estudios en el Berklee College of Music de Boston antes de mudarse a Atlanta, Georgia, en 1997, donde refinó sus conocimientos musicales y comenzó a conseguir atención mediática y cierto seguimiento.

Sus dos primeros álbumes de estudio, Room for Squares y Heavier Things, tuvieron bastante éxito comercial, ambos consiguiendo ser certificados multiplatino.

En 2003, ganó un premio Grammy en la categoría de mejor interpretación vocal pop masculina por la canción «Your Body Is a Wonderland».

Comenzó su carrera tocando rock gospel acústico, acercándose poco a poco hacia el género del blues, llegando a colaborar en 2005 con artistas como B. B. King, Buddy Guy y Eric Clapton y formando el John Mayer Trio.

La influencia del blues es patente en su álbum Continuum, lanzado en septiembre de 2006. Ganó el premio Grammy en la categoría de mejor álbum vocal pop por Continuum y mejor interpretación vocal pop masculina por «Waiting on the World to Change» en la gala número 49 de los premios Grammy de 2007. Battle Studies, su cuarto disco de estudio, salió al mercado en noviembre de 2009.

La carrera de Mayer se ha extendido hasta abarcar stand-up comedy, diseño gráfico y escribir; ha escrito columnas para algunas revistas, entre ellas Esquire.

También se dedica a actividades filantrópicas a través de su propia fundación, «Back to You». Además, desde 2006, debido a una serie de relaciones personales ha aparecido con cierta asiduidad en las revistas de la prensa rosa.

Mayer nació el 16 de octubre de 1977 en Bridgeport, Connecticut. Sus padres son Margaret, profesora de inglés, y Richard, director de una escuela secundaria ambos asistentes a una iglesia cristiana.​ Creció en Fairfield, Connecticut, siendo el segundo de tres hermanos.​

Mayer es judío por la parte de su padre.​ Criándose en Fairfield, Mayer se hizo amigo del tenista profesional James Blake.​ Asistió a la escuela de secundaria allí,​ a pesar de estar también matriculado en el Center for Global Studies de Brien McMahon High School de Norwalk, donde estudiaba japonés.​

En una entrevista concedida al programa Late Night with Conan O’Brien, Mayer dijo que tocó el clarinete un tiempo, con pocos progresos. Después de ver la interpretación de guitarra de Michael J. Fox como Marty McFly en Back to the Future, Mayer se fascinó por el instrumento y cuando cumplió trece años, su padre le consiguió una.

Poco después, un vecino le regaló un casete con música de Stevie Ray Vaughan, lo que comenzó el intenso gusto de Mayer por la música blues.​ Mayer comenzó a recibir clases de manos del dueño de una tienda de guitarras de la zona, y rápidamente se obsesionó con el instrumento. Su obsesión preocupó a sus padres, por lo cual le llevaron en dos ocasiones a un psiquiatra.​ Mayer ha dicho que las constantes discusiones entre sus padres le llevaron a «desaparecer y crear un mundo propio en el que creer».​

Después de dos años practicando, comenzó a tocar en bares de blues y otras salas de concierto de la zona, compaginándolo con sus estudios de secundaria.6​8​ Además de tocar en solitario, tocaba con una banda llamada Villanova Junction (por una canción de Jimi Hendrix) junto a Tim Procaccini, Joe Beleznay y Rich Wolf.​ Mayer llegó a considerar abandonar los estudios para dedicarse en pleno a la música, pero la desaprobación de sus padres finalmente le disuadió.

A los diecisiete años, sufrió una arritmia cardiaca, por la cual estuvo una semana hospitalizado. Meditando sobre el incidente, Mayer dijo: «Ese fue el momento en el que el compositor que llevaba dentro nació en mí», y escribió sus primeras letras la misma noche en que salió del hospital.13​ Poco después de este incidente, comenzó a sufrir ataques de pánico, y vivió con el temor de terminar ingresado en una institución mental.​

Sigue sufriendo de ansiedad y lo combate con Xanax, un medicamento antiansiedad. Tras graduarse, trabajar quince meses en una gasolinera, vender una guitarra Takamine de 12 cuerdas y un pedal de efectos Mesa juntó suficiente dinero para comprarse una Stratocaster Stevie Ray Vaughan de 1996 (siendo este su instrumento principal hasta la llegada del segundo álbum), a la cual le cambio el neck plate trasero por uno con sus iniciales.

John Mayer se matriculó en la Berklee College of Music de Boston, Massachusetts, a los diecinueve años de edad.​ No obstante, la insistencia de su amigo de estudios oriundo de Atlanta, Georgia, Clay Cook, lo llevó a abandonar el colegio después de dos semestres para instalarse en Atlanta junto a Cook.

Allí formaron un dúo llamado LoFi Masters y comenzaron a tocar en cafeterías de la zona y en salas de conciertos como Eddie’s Attic. Según Cook, comenzaron a tener diferencias musicales debido al deseo de Mayer de acercarse más a la música pop.​ Como resultado, se separaron, y Mayer comenzó su carrera en solitario.

Con la ayuda del productor e ingeniero local Glenn Matullo, Mayer grabó un EP independiente titulado Inside Wants Out. Muchas de las canciones del EP fueron compuestas junto a Cook, incluyendo el primer sencillo de Mayer, «No Such Thing».​

EL EP consta de ocho canciones con Mayer aportando guitarras y la voz principal. Sin embargo, Mayer sólo cantó en la canción «Comfortable». Para la primera pista del disco, «Back To You», contrataron una banda completa, incluyendo al coproductor del EP, David «DeLa» LaBruyere, como bajista.18​ Después de la grabación, Mayer y LaBruyere tocaron juntos por la zona de Georgia y los estados cercanos.

La reputación de Mayer comenzó a crecer y gracias a su aparición en el festival South by Southwest consiguió que Aware Records se fijasen en él.​ Después de incluirle en los conciertos del Aware Festival e incluir sus canciones en los posteriores álbumes recopilatorios del sello, a comienzos de 2001, lanzaron su álbum debut exclusivamente por internet, Room for Squares.

En esa misma época, Aware consiguió un contrato con Columbia Records que daba a esta última la opción de firmar contrato con artistas de la compañía, por lo cual, en septiembre de ese mismo año, Columbia remezcló y reeditó el disco.​ Para este debut en una compañía internaciones cambiaron la portada y añadieron la canción «3×5». La reedición también incluye las cuatro canciones de su lanzamiento independiente Inside Wants Out, regrabadas y remasterizadas.

Para finales de 2002, varias canciones de Room for Squares se habían convertido en éxitos radiofónicos, incluyendo «No Such Thing,» «Your Body Is a Wonderland» y en última estancia «Why Georgia».

En 2003 ganó un premio Grammy en la categoría de mejor actuación pop vocal masculina por «Your Body Is a Wonderland». En el momento de la recepción del mismo dijo: «Esto ha ido muy, muy rápido, y prometo ponerme al día».​ También comentó de forma figurada que tenía dieciséis años, cosa que llevó a muchos a pensar que realmente era la edad que tenía en ese momento.

En 2003, lanzó un CD/DVD de un concierto de Birmingham, Alabama, titulado Any Given Thursday. El álbum contiene canciones inéditas como «Man on the Side» (coescrita con Cook) «Something’s Missing», que después apareció en Heavier Things y «Covered In Rain». Según aparece en el documental del DVD, esta última canción es la «segunda parte» de «City Love», que contiene la frase «covered in rain».

El álbum llegó al puesto número diecisiete de la lista del Billboard 200. EL CD/DVD recibió elogios cautelosos, aunque consistentes, con los críticos sumidos entre su imagen de ídolo pop, y su (en aquél momento) creciente destreza tocando la guitarra.

Erik Crawford (de Allmusic) se preguntó «¿Es el consumado guitarrista que toca una versión de la canción ‘Lenny’ de Stevie Ray Vaughan, o es el ídolo adolescente por el que chillan las niñas pubescentes después de interpretar ‘Your Body Is a Wonderland?'»

En 2003 lanzó su segundo álbum de estudio Heavier Things, que recibió reseñas generalmente positivas. Rolling Stone, Allmusic y Blender tuvieron reacciones positivas, aunque reservadas. PopMatters dijo que «no se le pueden poner muchas pegas, como pensaría uno en un principio».

A nivel comercial, el álbum fue un éxito y aunque no vendió tan bien como su predecesor Room for Squares, llegó al primer puesto del Billboard 200. Además, Mayer consiguió su primer número uno en la lista de sencillos con la canción «Daughters», además de recibir un Grammy en 2005 en la categoría de canción del año, superando a artistas como Alicia Keys o Kanye West.

Le dedicó el premio a su abuela, Annie Hoffman, fallecida en mayo de 2004. También ganó mejor actuación pop vocal masculina, superando a Elvis Costello, Prince o Seal. En una entrevista del 9 de febrero de 2009 en el programa televisivo The Ellen DeGeneres Show, Mayer llegó a reconocer que no se merecía haber ganado el premio a canción del año, ya que la canción de Alicia Keys, «If I Ain’t Got You» era mejor.

Debido a esto, se repartió el premio con ella, dándole la parte de arriba del Grammy y quedándose él la parte de abajo.28​ En la edición número 37 del Salón de la Fama de los Compositores celebrada en 2006, se le concedió el Premio Hal David Starlight.

Mayer grabó siete de sus conciertos de la gira estadounidense de 2004, de donde después se lanzaron las grabaciones completas exclusivamente a través de la tienda de iTunes con el título de as/is, refiriéndose a que los errores se incluyen conjuntamente con los buenos momentos. Unos meses después, se compiló un CD de «lo mejor» con el mismo título.

El álbum incluye una versión inédita del tema de Marvin Gaye «Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)», que incluye un solo del, DJ Logic. Todas las portadas de los lanzamientos de as/is incluyen dibujos de conejitos antropomórficos.

A medida que se iba haciendo más conocido, su talento comenzó a ser demandado en otras áreas. Steve Jobs le invitó a actuar en enero de 2004 en la reunión anual Macworld Conference & Expo, mientras Jobs presentaba la nueva aplicación de Apple Inc., GarageBand, convirtiéndose desde entonces en un habitual de esas reuniones. También acompañó a Jobs con un concierto en el Macworld 2007, después de la presentación del teléfono iPhone.

Mayer también ha promocionado al BlackBerry Curve y el anuncio en que Volkswagen regalaba guitarras al presentar el New Beetle.

Durante este tiempo, Mayer comenzó a cambiar en sus intereses musicales. En 2005 hizo varias colaboraciones con varios artistas del blues incluyendo, Buddy Guy, B.B King, Eric Clapton y el artista del jazz, John Scofield. También hizo una gira con el legendario pianista de jazz, Herbie Hancock, lo que incluyó un concierto en el Bonnaroo Music Festival en Manchester Tennessee.

Con el tiempo, Mayer ha obtenido una reputación de cantante y compositor sensible y meticuloso. También ha estado acompañado por un guitarrista infuenciado por los gustos de Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Buddy Guy, Freddie King y B.B King. Mayer ha trabajado con muy importantes artistas del blues, incluyendo a Clapton (Back Home, Crossroads Guitar Festival), Guy (Bring ‘Em In), Scofield (That’s What I Say) y King (80).

El 2008, junto a Fall Out Boy, lanzaron el cover de Beat It canción de Michael Jackson, el rey del pop, también incluyeron esta canción al estilo «Rythms del Mundo» en el álbum Rythms del Mundo: Classics. Esta canción está disponible el dvd de Fall Out Boy Live In Phoenix. Mayer también en una ocasión tocó la canción When it Rains de Paramore junto a éstos, en un concierto de la banda al que asistió como invitado en 2008.

En la primavera de 2005, Mayer formó John Mayer Trio junto al bajista Pino Palladino y el baterista Steve Jordan, a quienes conocía de haber trabajado en sesiones de estudio. El trío se dedicó a tocar una combinación de música blues y rock. En octubre de ese mismo año, el trío teloneó a The Rolling Stones durante su gira de clubes,​ y en noviembre, ¡lanzaron un álbum en directo llamado Try!, para después tomar un descanso hasta mediados de 2006. En septiembre de 2006, Mayer anunció planes para trabajar en un nuevo disco de estudio en solitario.

El tercer álbum de John Mayer titulado Continuum fue lanzado el 9 de septiembre de 2006 en Australia, En Filipinas el 11 de septiembre, el 12 de septiembre en EUA y el 16 de octubre (cumpleaños de John) en el Reino Unido.

El disco fue producido por él mismo, con la ayuda del baterista de John Mayer Trio, Steve Jordan. Mayer describe el álbum como una combinación de la música pop y del sentimiento, el sonido y la sensibilidad de la música blues. ¡Dos de las canciones que conforman TRY!, repiten en este disco: la funky «Vultures» y la balada «Gravity (Canción de John Mayer)». John ha dicho sobre su tercer álbum de estudio: En toda trílogia, el tercer álbum es el que lo cambia todo.

El primer sencillo de Continuum es Waiting on the world to change, hizo su estreno en un programa de radio llamado The Ron and Fez Show y se puede escuchar en su página web. El sencillo fue el tercero más descargado de la semana en la iTunes Store el 11 de julio de 2006, debutó como el #25 en la lista Billboard Hot 100 Chart.

El 23 de agosto de 2006, Mayer estrenó el álbum entero en la radio de Los Ángeles estación Star 98.7, dando un comentario a cada canción. El 22 de septiembre de 2006, John hizo una aparición en CSI tocando en vivo las versiones de Waiting on the world to change y otra canción del álbum Continuum Slow dancing in a burning room.

Últimamente la canción Waiting on the world to change es la música de las promociones de la serie de drama de la cadena americana ABC Cinco Hermanos, cuyas protagonistas son Sally Field y Calista Flockhart.

En los Grammy de 2007, John Mayer estuvo nominado a 5 categorías, de las que ganó dos: Mejor canción Pop masculina y Mejor álbum Pop

En la premiación Grammy 2008, John Mayer fue nominado a mejor cantante pop con su sencillo SAY (soundtrack de la película The Bucket List), ganándole a Paul McCartney, Jason Mraz, James Taylor, entre otros; ganó su única nominación del 2008 (dvs)

El 24 de enero de 2009 John Mayer anuncia que entra al estudio para grabar su cuarto disco de estudio, Battle Studies. A su vez inicia un proceso de seguimiento del desarrollo del mismo mediante la creación de un blog, donde poco a poco va colgando letras y videos con información sobre el nuevo disco, y mediante la creación de una cuenta de twitter que John usará activamente, llegando a ser uno de los más seguidos del mundo.

En lo relativo a la música, John Mayer afirma que para su próximo disco dejará de lado todo lo anteriormente visto en su anterior trabajo, Continuum, y pasará a buscar un nuevo estilo. También explica que el álbum llevará el título de «Battle Studies» porque será una especie de libro de ayuda basado en un poco de experiencia y un poco de advertencia.

El 6 de octubre se lanza de manera oficial el primer single del disco, «Who Says», y, posteriormente, mediante una innovadora técnica de «augmented reality» se lanza el segundo sencillo, «Heartbreak Warfare». Posteriormente el supuesto tercer single del disco, «Half of my Heart», en la cual colabora Taylor Swift, se lanza a través de la página de Pérez Hilton.

El disco tiene un total de 11 temas, y una duración total de 45 minutos. La versión digital de iTunes cuenta con un bonus track exclusivo consistente de una versión de I’m On Fire de Bruce Springsteen.

A Battle Studies le siguió un tour mundial, con un accidentado paso por Europa en el cual, debido a una indisposición alimenticia el compositor se vio obligado a cancelar una parte importante de sus conciertos. Aun así, Battle Studies ha tenido una gran repercusión mundial que ha llevado la gira a países como Japón, Holanda, Inglaterra, Portugal y eminentemente Estados Unidos.

Mayer comienza a trabajar en el nuevo disco en octubre de 2010. El proceso de grabación se alarga más de lo esperado por la aparición de un granuloma en las cuerdas vocales del compositor, cuya cirugía le obliga a retrasar el lanzamiento del disco a mediados del 2012. En febrero de ese mismo año se lanza «Shadow Days», el primer single.

El 22 de mayo «Born and Raised» sale a la venta en todo el mundo. La edición digital de itunes cuenta con una canción extra, «Fool to Love You». En julio de 2012 está planeado el lanzamiento de «Queen of California» como segundo sencillo del disco.

A diferencia del resto de su discografía, «Born and Raised» es un disco mucho más acústico que deja de lado la faceta más eléctrica de Mayer. Las canciones hablan de madurez y redención, y de crecer y aceptar el lugar de cada uno en la vida.

Mayer se alejó de la vida pública debido a la distorsión que se había creado en torno a su figura causada por sus desafortunadas declaraciones a las revistas Rolling Stone y Playboy Magazine, y esto en última instancia inspiró la temática del disco.

Las influencias más directas, admitidas por el propio Mayer van desde Bob Dylan, Neil Young, Joni Mitchell y Crosby, Stills y Nash, que colaboran en los coros de dos temas en el disco.

Debido a la reaparición del granuloma en sus cuerdas vocales, Mayer tuvo que cancelar la gira de presentación del disco, y deberá someterse a una nueva cirugía y posterior proceso de recuperación que le mantendrán alejado de los escenarios durante un tiempo indefinido. Mayer ha expresado su voluntad de empezar a trabajar en su siguiente disco durante este periodo.

Tras su recuperación luego de una cirugía vocal, Mayer volvió al estudio. El 18 de junio de 2013 anunció en su página de Facebook que su próximo álbum «Paradise Valley» salió a la venta el 13 de agosto de 2013. El mismo día publicó el primer corte del álbum, una canción titulada «Paper Doll», la cual tuvo video musical propio.

En 2017, Mayer busca nuevos aires presentando este álbum que trata rock, algo de blues y una especie de pop. «Still Feel Like Your Man», «Rosie» e «In The Blood» son las canciones más escuchadas del álbum.

15 de Octubre – Richard Carpenter

Richard Lynn Carpenter (New Haven, Connecticut, 15 de octubre de 1946) es un compositor pop estadounidense, más conocido como parte del dúo de The Carpenters, integrado por su hermana Karen y por él.

En abril de 1969 firmaron con A&M Records, propiedad de Herb Alpert y Jerry Moss. En los estudios recibieron carta blanca (que significa que tenían la libertad de hacer lo que desearan). Su primer álbum fue Offering (1969), del cual se desprende el sencillo adaptado por Richard de la canción de los Beatles «Ticket to ride». No fue muy popular: llegó a #54 en el Billboard Hot 100.

El año siguiente, Herb Alpert sugirió que grabaran la canción «(They long to be close to you». Dijo que no era una canción popular, aunque él y Dionne Warwick grabaron la canción. Karen Carpenter y Hal Blaine tocaron la batería en la canción, y Karen la cantó. Llegó a #1 en el Billboard Hot 100, en el año de 1970. Este fue su primer número uno, aunque tuvieron otros como: Top of the World en diciembre de 1973 y Please Mr. Postman en 1975.

Precisamente fue su talento como arreglista lo que llamó la atención de Herb Alpert de A&M Records para fichar a los hermanos y darles carta blanca en el estudio. Así llegaron temas como ‘Ticket to ride’ y ‘Close to you’. También fue el compositor junto al letrista John Bettis de muchos éxitos del dúo como ‘Only yesterday’, ‘Goodbye to love’, ‘Top of the world’ y ‘Yesterday once more’. En sus 14 años de carrera grabaron 31 singles, cinco programas especiales para la TV y 11 álbumes, destacando los cuatro publicados entre 1970 y 1973, ‘Close To You’, ‘Carpenters’, ‘A Song for You’ y ‘Now and Then’, todos ellos Top5 en las listas norteamericanas.

Cuatro años después de la muerte de su hermana acaecida en 1983, Richard publicó su primer trabajo en solitario, ‘Time’, que contaba con vocalistas de lujo: Dusty Springfield y Dionne Warwick e incluía un par de temas dedicados a Karen, ‘When time was all we had’ y ‘Calling your name again’. Diez años después apareció ‘Pianist Arranger Composer Conductor’, en el que Richard ofrecía versiones al piano de los hits del dúo.

15 de Octubre – Carlos Núñez Cortés

Carlos Núñez Cortés (Buenos Aires, 15 de octubre de 1942) es un humorista, pianista, compositor y químico. Fue integrante del conjunto humorístico/ musical Les Luthiers desde antes de su fundación hasta el aniversario número 50 del grupo.

Se podría decir que Carlos Núñez Cortés fue, dentro del grupo, un luthier muy completo ya que aunó cualidades musicales, actorales y de composición, y además participó en la construcción de los instrumentos informales que dan el nombre al conjunto.

Desde los comienzos de I Musicisti Núñez Cortés se destacó en la composición de las obras escribiendo música y letra en varias de ellas, aunque luego se dedicaría casi exclusivamente a la composición musical. Algunos de los primeros éxitos del grupo llevan su firma, como “Teorema de Thales”, “Calypso de las píldoras” y “Concerto grosso alla rustica”. Muchas partituras célebres de Les Luthiers son de su autoría, como «Kathy, la reina del saloon», «Las majas del bergantín», «Makanoa», “El aria agraria”, “San Ictícola de los peces”, «El zar y un puñado de aristócratas…», «Tom McCoffee», «Selección de bailarines», «Loas al cuarto de baño» y «Dilema de amor», entre otras.

Carlitos (como es conocido dentro del grupo y como lo llaman sus admiradores) es un dúctil actor cómico. Él reconoce a Charles Chaplin como una de sus guías en el arte de la mímica, tanto corporal como gestual, arte en el que sin duda aventaja al resto del grupo. Carlos Núñez Cortés fue también en el escenario el virtuoso del piano y de varios instrumentos informales. Cantando fue asiduamente el solista, y en obras corales suele ser la voz que lleva la melodía ya que posee el registro más agudo entre Les Luthiers.

Carlos Núñez Cortés domina principal (pero no exclusivamente) instrumentos de teclado o de viento.

Entre los instrumentos formales de teclado podemos citar, además del piano, todo tipo de teclado electrónico y el acordeón a piano. También emplean teclado muchos de los instrumentos informales que ha interpretado (como por ejemplo la mandocleta, el ferrocalíope o el dactilófono).

Entre los instrumentos de viento formales o folklóricos que maneja podemos citar a la flauta dulce y la quena, pero también a muchos instrumentos informales de viento, como el glamocot, el tubófono, el nargilófono y el glisófono pneumático, entre otros.

Además, toca diversos instrumentos de percusión, tanto formales como informales. Podemos mencionar a la marimba de cocos, las tablas de lavar y las tablas hindúes, entre otros. Finalmente, la informalidad de los instrumentos de Les Luthiers lo han llevado a aprender a interpretar instrumentos difíciles de clasificar, entre los que podemos nombrar al alambique encantador y la exorcítara.

La lista completa de los instrumentos informales que ha tocado en el escenario es la siguiente:

Alambique encantador, Batería de cocina, Bass-pipe, Desafinaducha, Exorcítara, Gaita de cámara, Glamocot, Glisófono pneumático, Gom-horn, Latín, Mandocleta, Manguelódica pneumática, Marimba de cocos, Narguilófono, OMNI (Objeto Musical No Identificado), Órgano de campaña, Percuchero, Tablas de lavar, Tubófono silicónico cromático, Yerbomatófono.

Les Luthiers tiene un taller de luthiería donde se diseñan y fabrican los instrumentos informales que utilizan. De entre los miembros de Les Luthiers, Carlos Núñez Cortés es el único (además del fallecido Gerardo Masana) que ha participado desde siempre en el diseño y elaboración de los mismos. De su inventiva o en su trabajo conjunto con Carlos Iraldi han surgido el tubófono silicónico cromático, el glamocot, la marimba de cocos, la mandocleta, el nargilófono y otros.

Núñez Cortés es el miembro de Les Luthiers que más se ocupa de las actividades del grupo fuera del escenario.

Les Luthiers, 1985. En la primera fila: Jorge Maronna, Carlos López Puccio, Marcos Mundstock. Segunda fila: Carlos Núñez Cortés (retirado en 2017), Daniel Rabinovich (fallecido en 2015), tercera fila: Ernesto Acher (quien dejara el grupo en 1986).

Es él quien ha coordinado e impulsado la grabación en video y DVD de la mayor parte de los espectáculos de Les Luthiers, así como uno de los impulsores de la discografía oficial del conjunto.

Les Luthiers cuenta con un archivo muy completo, donde se atesoran los libretos originales, los programas que se entregan al público, los planos de los instrumentos, las grabaciones de los ensayos y todo lo referente al grupo. Este archivo fue establecido y está a cargo de Carlos Núñez Cortés.

Además, se dedicó a analizar la obra de Les Luthiers desde la óptica del ludolingüismo. Al respecto escribió un libro llamado Los juegos de Mastropiero que explica detalladamente juegos de palabras y demás recursos idiomáticos utilizados en Les Luthiers. Se caracteriza por la fluidez en que puede ser leído y por el humor con el que está escrito.

Finalmente, de entre los miembros de Les Luthiers, Carlitos es el que mantiene la relación más fluida con el público y los admiradores. Ha participado en algunos foros de discusión sobre Les Luthiers, y es quien ha facilitado material y datos a los constructores de numerosas páginas web dedicadas al grupo.

Hacia fines de 2014 Núñez Cortés anunció su intención de dejar el grupo cuando Les Luthiers cumplieran 50 años como conjunto. Esa decisión se mantuvo y el pianista dejó el grupo a fines de septiembre del 2017. La razón del alejamiento obedece a su voluntad de descansar y de disfrutar una merecida jubilación cuando todavía goza de buena salud. En su libro Memorias de un luthier Núñez Cortés lo aclara:

En septiembre de 2017 le diré adiós a Les Luthiers, lo que significa no subirme más al escenario. He elegido esa fecha porque ese día, y por esa extraña fascinación que tenemos los humanos por los números redondos, se habrán cumplido 50 años de la fundación del grupo. Seguiré atesorando papelitos y programas, ya que el puesto de fan número uno no me lo quita nadie. Si mis compañeros me lo solicitan acudiré en su ayuda para lo que sea. Y, si bien me da cierta aprensión mencionar el lugar común, me dedicaré al dolce far niente, esto es a realizar todas aquellas cosas que alguna vez pospuse por falta de tiempo libre: asaditos, viajes, conciertos, pajaritos, caracoles…2​

En los primeros años de Les Luthiers Núñez Cortés compartía su tiempo con su trabajo en química y además con la musicalización de varias obras de teatro. Entre otras podemos nombrar a “Juan de los caminos”, “Juan Moreira súper show», y “Corazón de bizcochuelo” del actor y dramaturgo Enrique Pinti (la lista completa de obras se puede consultar abajo). Además de ello, también dirigió durante varios años el coro de niños del “Collegium Musicum” de Buenos Aires.

Luego, la actividad creciente en Les Luthiers ocupó todo su tiempo y hubo de descontinuar esta faceta de su trabajo, aunque esporádicamente participó en la musicalización de algunas obras, como por ejemplo “Tres mujeres con equipaje”, en el año 2007.

14 de Octubre – Thomas Dolby

Thomas Dolby, nombre artístico de Thomas Morgan Robertson (Londres, Reino Unido; 14 de octubre de 1958), es un músico, productor e inventor inglés. Dolby es más conocido por su hit de 1982, «She Blinded Me With Science».

Thomas no nació en El Cairo, Egipto como aseguraba una biografía emitida por la discográfica EMI, sino en Londres, Inglaterra. Su padre era un catedrático de arte griego clásico y arqueología en la Universidad de Londres y en la Universidad de Oxford. El sobrenombre «Dolby» viene de los Laboratorios Dolby y se lo pusieron sus amigos impresionados con sus habilidades en el estudio de grabación. Los laboratorios Dolby Laboratories no estaban muy a gusto con el uso de su marca por parte de un artista y le demandaron. El caso se arregló fuera de la corte y el pudo seguir usando el nombre solo si va en conjunto con el nombre Thomas.

Thomas Dolby hace parte de la generación del Synthpop, una forma de música pop que incorpora instrumentos electrónicos. Su canción más famosa es «She Blinded Me With Science». Al inicio de su carrera tocaba con Bruce Woolley y el Camera Club apareciendo en su primer álbum. Dolby toco el sintetizador en algunas partes del álbum Set de Thompson Twins. También es el autor del éxito de Lene Lovich «New Toy» y coescribió «Magic’s Wand» con Whodini.

Su aparición más famosa es con Def Leppard en el álbum de 1983 Pyromania en donde tocaba los teclados. Debido a problemas contractuales ya que no compartían sello disquero, Dolby apareció usando el seudónimo de Booker T. Boffin. Dolby también contribuyó con el sintetizador en las canciones «Urgent» y en «Waiting For A Girl Like You» de Foreigner en el álbum 4 de 1981.

En 1985 Dolby apareció en los premios Grammy con Stevie Wonder, Herbie Hancock y Howard Jones. Los cuatro eran estrellas musicales en los ochenta y expertos de los teclados y los sintetizadores, esta presentación puede ser vista en YouTube. Ese mismo año tocó en el concierto Live Aid de Londres como parte de la banda de David Bowie. En 1990 apareció en la opera rock The Wall de Roger Waters en Berlín.

Apareció en el escenario con los Soft Boys en San Francisco en el 2001, de este encuentro salió el disco Side Three. Dolby tocó los teclados del primer álbum de Robyn Hitchcock y a su vez Hitchcock apareció en el disco de Dolby Flat Earth.

Dolby volvió a su carrera en 2006 haciendo su primera aparición solista en 25 años en el Red Devil Lounge de San Francisco, California el 21 de enero de ese año y a partir de allí lanzó su gira por Norteamérica.

En 2006 anunció su intención de producir un CD y un DVD que cubrieran su gira. El CD contiene las grabaciones de dos presentaciones que hizo Dolby en Chicago, mientras que el DVD se grabó en el Berklee Performance Center del Colegio de música de Berklee. Thomas Dolby también anunció en 2007 la intención de lanzar nueva música bajo un sello independiente.

14 de Octubre – Cliff Richard

Cliff Richard (nacido como Harry Rodger Webb; Lucknow, Provincias Unidas de Agra y Oudh, Raj Británico, 14 de octubre de 1940) es un cantante, músico, actor y filántropo británico.

Con su grupo de acompañamiento, The Shadows, Cliff era la versión británica del modelo de cantante rebelde de rock and roll que representaban Little Richard o Elvis Presley en Estados Unidos y dominó con ella la música popular en las islas británicas en el periodo pre-Beatle.

Su single de 1958 ‘Move it’ es mencionado numerosas veces como el primer tema británico de rock and roll y John Lennon dijo una vez: «antes de Cliff y los Shadows no existía nada en la música británica que mereciera la pena escuchar…».  Fue descubierto en 1958 por el productor Norrie Paramor, quien guió sus pasos musicales hasta 1972. Cuando Cliff debutó con el single ‘Move it’ en agosto de 1958, era uno de los muchos músicos británicos ávidos por hacerse un hueco entre las estrellas del rock and roll. Al año siguiente logró con ‘Living doll’ y ‘Travelin’ light’ sus dos primeros nº1 en Inglaterra.

Durante la mayoría de sus grabaciones de los años sesenta, Richard estuvo acompañado por el grupo The Shadows, que asimismo publicaría varios éxitos como grupo independiente. Continuaron los discos de éxito a lo largo de la década: ‘Please don’t tease’, ‘I love you’ (1960), ‘The young ones’, ‘The next time’, ‘Bachelor boy’ (1962). Naturalmente, la aparición de los Beatles le afectó como a muchos otros, pero Cliff logró mantener el tipo con temas como ‘Summer holiday’, ‘It’s all in the game’ (1963), ‘Constantly’ (1964), ‘The minute you’re gone’, ‘Wind me up’ (1965) y ‘Congratulations’ (1967), con la que participó representando al Reino Unido en el Festival de Eurovisión, quedando segundo ante Massiel con su ‘La la la’.

Rumores recientes mantienen que el triunfo de España en aquella edición fue ‘comprado’ por el gobierno franquista, por lo que el ganador moral fue Cliff. No obstante, ‘Congratulations’ consiguió vender muchas más copias que el tema de Massiel. En los setenta continuó en la brecha con éxitos como ‘Goodbye Sam, hello Samantha’ (1970), ‘Power to all our friends’ (1973), ‘Devil woman’ (1976) y ‘We don’t talk anymore’ (1979), su mayor éxito en las listas USA. Richard ostenta el récord de haber colocado un nº1 en las listas británicas en cinco décadas consecutivas (1950-2000).

La siguiente década, y a pesar de los cambios de tendencia musicales, Cliff continuó apareciendo en lo alto de las listas británicas tanto en solitario (‘Carrie’ 1980, ‘Daddy’s home’ 1981, ‘Please don’t fall in love’ 1984, una nueva versión de ‘Living doll’ con los Young Ones 1986, ‘Mistletoe and wine’ 1988 y ‘I just don’t have the heart’ 1989), como haciendo dúos con otros músicos: ‘Suddenly’ (1980) con Olivia Newton John; ‘She means nothing to me’ (1983) con Phil Everly; ‘All I ask of you’ (1986) con Sarah Brightman y ‘Whenever God shines his light’ (1989) con Van Morrison.

En los años noventa tuvo otros dos nº1, ‘Saviour’s day’ y ‘The millenium prayer’ (1999). Una de sus últimas publicaciones fue un nuevo dueto con Olivia Newton John: ‘Find a little faith’ (2011) y su álbum más reciente fue ‘The Fabulous Rock’n’roll Songbook’, con versiones de clásicos del rock’n’roll, publicado en noviembre de 2013.

Actualmente, con una carrera de 58 años a sus espaldas, Sir Cliff Richard es uno de los cantantes de mayor éxito de la historia con más de 260 millones de discos vendidos y centenares de discos de oro y platino, cuarenta álbumes y más de doscientos singles y ep’s publicados, aunque a los británicos no deje de sorprenderles el hecho de que Cliff siga siendo un práctico desconocido en América.

Durante los años sesenta la casa discográfica le encargó que grabara en lenguas foráneas para conquistar los mercados continentales. De ellas comentó años más tarde, las que más difíciles le resultaron fueron las versiones en japonés y alemán y encantadores han sido siempre los esfuerzos de Cliff en pronunciar correctamente el castellano en los temas que grabó para el público hispano. Su ‘Perfidia’ fue muy popular en España, así como ‘María no más’.

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