Category Archives: Efemérides musicales

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29 de marzo – La Toya Jackson

29 de marzo – La Toya JacksonLa Toya Yvonne Jackson (nacida el 29 de mayo de 1956, Gary, Indiana, Estados Unidos) es una cantante de soul y urban perteneciente a la familia Jackson.

En 1979 emprendió su carrera en solitario. Ha tenido una carrera poco exitosa, tapada por el éxito mundial y masivo de sus hermanos Michael y Janet.

La Toya Jackson, miembro de la Familia Jackson, inicia su carrera en 1980, con su padre como mánager. Ese año lanza su álbum debut «La Toya Jackson», el cual tuvo la participación de su fallecido hermano Michael Jackson en la canción Night Time Lover. El primer single del álbum If you feel the Funk logró entrar en el Top 40 de las listas R&B.

En 1981 publica su segundo álbum, My Special Love que apenas tuvo repercusión.

La Toya lanzó en 1984 su álbum más vendido hasta el momento, Heart Don’t Lie, con singles que tuvieron un notable éxito. El single que daba título al álbum se posicionó #56 en el Billboard Hot 100, su única entrada en esta lista hasta la fecha.

Su siguiente álbum, Imagination, se publicó en 1986 y fue un fracaso comercialmente. En 1987 su mánager pasó a ser Jack Gordon, con quien se casaría en 1989, y se divorciaría en 1996 tras una relación abusiva y una denuncia por malos tratos.

En 1988 lanzó el single You’re Gonna Get Rocked. El álbum La Toya, publicado ese mismo año, incluyó una canción llamada Just Say no, perteneciente a una campaña anti-droga. El álbum fue producido por los productores Full Force o Stock, Aitken & Waterman, entre otros. El resto de sus álbumes no tuvieron éxito, incluyendo dos discos de versiones. Su último disco publicado hasta la fecha es de 1995.

En 2000 La Toya firmó para realizar un álbum con Ja-tail Records. El álbum Startin’ Over se iba a realizar en 2004, pero por problemas de distribución se aplazó hasta 2005. Este álbum incluyó los singles Just Wanna Dance y Free The World que tuvieron un notable éxito en las listas Dance del Billboard. La publicación del álbum ha sido continuamente aplazada durante cinco años y de momento no hay una fecha concreta de salida al mercado.

29 de marzo – Vangelis

Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis (Volos, 29 de marzo de 1943), es un afamado teclista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient, new age y rock progresivo.

Con Demis Roussos a la voz y al bajo publicaron varios singles que llegaron a ser éxitos en Europa como ‘Rain and tears’, ‘It’s five o’clock’ y ‘Spring, sumer, winter and fall’. Pero las perspectivas musicales de Vangelis y Roussos diferían y tras publicar el álbum ‘666’, un doble álbum conceptual sobre el Apocalipsis de San Juan, considerado uno de los primeros trabajos de rock sinfónico y alabado entre otros por el pintor Salvador Dalí, la banda se separa.

En los años setenta se trasladó a Londres y, fascinado con la música electrónica y los sintetizadores, publica su primer álbum en solitario, ‘Earth’. Cuando Rick Wakeman abandona Yes, Vangelis es uno de los candidatos para sustituirle pero prefiere seguir su carrera publicando una serie de álbumes como ‘Heaven and Hell’ (en el que aparece Jon Anderson como vocalista, dando comienzo con ello a una estrecha colaboración que se extendería hasta 1991), ‘Albedo 0.39’, ‘Spiral’, ‘Beaubourg’ y ‘China’. Su música llamó la atención de los cineastas y en 1981 se le encargó la banda sonora para el film británico ‘Carros de Fuego’, con la que obtuvo un Oscar a la mejor música original. En 1984, Steve Jobs eligió el tema principal de la película en la presentación del primer ordenador personal Macintosh.

Otra de sus bandas sonoras fue ‘Bladerunner’ de Ridley Scott. La versión original de Vangelis no se pudo publicar hasta 1994 a causa de un problema contractual surgido entre el compositor y la productora y hasta entonces sólo se conocía una versión de un grupo de músicos contratados para la ocasión llamados ‘The New American Orchestra’. De los cuatro álbumes que Vangelis grabó con Jon Anderson entre 1980 y 1991, destaca el tercero, ‘Private Collection’, con temas como ‘Horizon’ y ‘Deborah’. Su música ha sido empleada en documentales científicos de Jacques Cousteau y Carl Sagan (Cosmos).

En 1992 se publicó su banda sonora de la película ‘1492: La Conquista del Paraíso’ de nuevo junto a Ridley Scott. El tema central, Conquest of Paradise, es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este himno coral.

Siguieron los álbumes ‘Voices’, ‘Oceanic’ (1996), ‘El Greco’ (1998) con colaboraciones de Montserrat Caballé y Konstantinos Paliatsaras.  En 2001, la NASA se pone en contacto con Vangelis para encargarle la composición de un tema que sirva de himno para la misión no tripulada a Marte en 2001: Mars Odyssey. El encargo deriva en el álbum ‘Mythodea’ (2001), en parte basado en una obra anterior del artista no publicada oficialmente. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2002 de Corea y Japón, compuesto e interpretado por el artista.

Una de sus bandas sonoras más recientes fue la de ‘Alexander’ (2004), film de Oliver Stone. El año 2012 Vangelis rearregló y escribió nuevas piezas para ‘Chariots of Fire: The Play’, la adaptación escénica de su banda sonora para ‘Carros de Fuego’, que se estrenó el mes de mayo de ese año en Londres, coincidiendo con los Juegos Olímpicos. También en 2012 se publicó la banda sonora del documental ‘Trashed’, presentado por Jeremy Irons. Su entrega más reciente fue ‘Rosetta’, publicado en 2016, dedicado a la sonda espacial de mismo nombre lanzada en 2004.

28 de Marzo – John Evan

John Evan (28 de marzo de 1948), fue teclista de Jethro Tull entre los años 1969 y 1980.

Formaba parte del grupo de amigos que darían origen, posteriormente, a Jethro Tull. John Spencer Evans modificó su nombre artístico a John Evan cuando su primera banda, The Blades, cambió su nombre al de The John Evan Band.

Abandonó The John Evan Band para estudiar química farmacéutica en Chelsea. Posteriormente volvió con Jethro Tull en 1970, para colaborar en la grabación de su LP Benefit, y, en junio de ese año, ingresó definitivamente en el grupo.

Grabó con la banda todos los álbumes de la época dorada del grupo, desde Benefit (1970) hasta Stormwatch (1980).

Su interpretación más famosa dentro del grupo fue la suave y jazzística introducción al piano del tema «Locomotive Breath», del álbum Aqualung (1971).

Gran amante de la música clásica, siempre incluía en los conciertos de Jethro Tull alguna pieza clásica, especialmente variaciones sobre algún tema de Beethoven. Especializado en el piano, no se adaptaba completamente a los teclados electrónicos, para lo cual se incorporaría posteriormente David Palmer. Tanto John Evan como David Palmer son los dos únicos miembros de Jethro Tull que estudiaron en el conservatorio.

Siempre será recordado, además de por sus dotes pianísticas, por su puesta en escena en las actuaciones del grupo, con su siempre inmaculado traje blanco y su simpatía en el escenario. Muchas veces solía colocar en broma un orinal encima del piano de cola.

Como la mayoría de los miembros de la banda (excepto Ian Anderson y Martin Barre), abandonó el grupo tras la gira mundial de Stormwatch, en agosto de 1980, y formó un grupo llamado Tallis junto con David Palmer, que también había dejado por entonces el grupo. Tras el poco éxito de la banda, inició un negocio de construcción. Ha aparecido posteriormente en algunas reuniones de Jethro Tull.

28 de Marzo – Lady Gaga

Stefani Joanne Angelina Germanotta (Nueva York, 28 de marzo de 1986), más conocida por su nombre artístico Lady Gaga, es una cantante, compositora, productora, bailarina, activista y diseñadora de moda estadounidense.

También ha dedicado parte de su vida a la actuación.​ Nacida y criada en la ciudad de Nueva York, estudió en la escuela Convent of the Sacred Heart y asistió por un tiempo breve a la Tisch School of the Arts, perteneciente a la Universidad de Nueva York, hasta que abandonó sus estudios para enfocarse en su carrera musical.

Fue así como irrumpió en la escena del rock en el Lower East Side de Manhattan y firmó un contrato con Streamline Records hacia fines de 2007. En la época en que trabajaba como compositora para dicha discográfica, su voz llamó la atención del artista Akon, quien la hizo firmar un contrato con Kon Live Distribution.

Lady Gaga adquirió fama como artista tras el lanzamiento de su álbum debut, The Fame (2008), que incluye los sencillos «Just Dance» y «Poker Face». El disco tuvo éxito comercial —llegó al primer lugar en numerosas listas de éxitos— y buenas críticas. Tras comenzar su gira The Fame Ball Tour, lanzó el EP The Fame Monster (2009), que contiene las canciones «Bad Romance», «Telephone» y «Alejandro».

Su éxito permitió a la cantante realizar su gira de ocho meses de duración Monster Ball Tour, que se considera como una de las series de conciertos con mayores ingresos económicos generados en la historia de la industria musical. Su siguiente álbum, Born This Way (2011), llegó al primer lugar de varias listas de ventas y contiene sencillos como «Born This Way», «Judas», «The Edge of Glory» y «Yoü and I».

Después de tomar un año sabático debido a una lesión en la cadera, fue lanzado su tercer álbum de estudio, Artpop (2013), que se convirtió en su segundo álbum número uno en Estados Unidos y contiene las canciones «Applause», «Do What U Want» y «G.U.Y.».

Su cuarto álbum de estudio fue Cheek to Cheek (2014), un álbum de jazz en colaboración con Tony Bennett que se convirtió en su tercer álbum número uno en Estados Unidos.

Influenciada por varias personalidades, Lady Gaga es reconocida por su sentido estético cambiante y extravagante con respecto a la música, la moda, las presentaciones en directo y los vídeos musicales. Hacia febrero de 2017, había vendido 31 millones de álbumes y 150 millones de sencillos, de los cuales algunos figuran entre los más vendidos en el mundo.

Los reconocimientos que recibió incluyen seis premios Grammy, siete Billboard Music Awards, tres premios Brit, trece MTV Video Music Awards y un lugar dentro del Salón de la Fama de los Compositores, así como un Globo de Oro, una nominación al Óscar y dos al Emmy.

Figuró consecutivamente como «artista del año» en la revista Billboard y en el cuarto puesto de la lista de VH1 de las «Cien mujeres más grandes de la música», así como en otras listas elaboradas por la revista Forbes y Time, donde la consideran asimismo como una de las personas más influyentes del mundo. Ha lanzado sus propias fragancias comerciales, Fame y Eau de Gaga. Más allá de su carrera como artista, Gaga también se dedica a causas humanitarias y al activismo en favor de la comunidad LGBT.

El 31 de agosto de 2018, A Star Is Born de Bradley Cooper, una nueva versión de la película de 1937 del mismo nombre, se estrenó en el 75º Festival Internacional de Cine de Venecia.​ La película muestra el romance de Ally, una cantautora interpretada por Gaga, con el cantante Jackson Maine (interpretado por Cooper), que se tensa después de que su carrera se vea eclipsada por la de la joven artista.​ El primer acercamiento de Cooper y Gaga se produjo después de verla actuar en una recaudación de fondos para la investigación del cáncer. Por su parte, Gaga se declaró fanática del trabajo de Cooper y aceptó el proyecto debido a su representación de la adicción y la depresión.​ Peter Bradshaw de The Guardian la describió como «escandalosamente observable» y elogió la versatilidad actoral de Gaga, mientras que Stephanie Zacharek de Time comentó: «lo sorprendente de Gaga es lo carismática que es sin su habitual maquillaje extremo, pelucas extravagantes y disfraces creativos».

Gaga y Cooper coescribieron y produjeron la mayoría de las canciones en la banda sonora de la película, que ella insistió en que se presentaran en vivo para el filme.​ El primer sencillo del álbum, «Shallow», se estrenó el 27 de septiembre y alcanzó el puesto número uno en varios países. Mark Kennedy de The Washington Post calificó la banda sonora de «maravilla de cinco estrellas» y Ben Beaumont-Thomas de The Guardian aseguró que estaba conformada por «clásicos instantáneos llenos del poder emocional de Gaga».

Su trabajo en A Star Is Born y «Shallow» recibió múltiples reconocimientos, incluyendo el National Board of Review a la Mejor Actriz, el Óscar a la mejor canción original, el Globo de Oro a la mejor canción original y cuatro Premios Grammy en las categorías mejor canción escrita para un medio audiovisual, mejor interpretación de pop de dúo/grupo y mejor álbum de banda sonora para un medio audiovisual.

El 28 de diciembre de ese mismo año la artista comenzó su residencia de dos años, llamada Lady Gaga: Enigma, en el Park MGM en Las Vegas.​ Esta constó de dos tipos de espectáculos: Enigma, que se centró en la teatralidad e incluyó los mayores éxitos de la cantante, y Jazz & Piano, que incluyó pistas del Great American Songbook y versiones acústicas de sus propias canciones. Asimismo, se anunció que comenzó a trabajar en su sexto álbum de estudio con Boys Noize, DJ White Shadow, BloodPop y Sophie como productores.

En julio de 2019, Gaga anunció que renovaría Haus Laboratories como una línea de cosméticos, y en septiembre de ese año lanzó los primeros productos de manera exclusiva en Amazon, que incluían sombras líquidas para ojos, delineadores de labios, delineadores de ojos, brillos labiales y pegatinas reutilizables.​ La línea tuvo una buena respuesta crítica y pública, principalmente debido a la fuerte pigmentación de los productos. De igual forma, varios de los productos estuvieron entre los más vendidos de Amazon.​ El 1 de noviembre, la revista Deadline Hollywood reveló que Gaga había sido elegida para interpretar a Patrizia Reggiani en una película dirigida por Ridley Scott basada en el asesinato de Maurizio Gucci.

En enero de 2020, fue filtrada a través de Internet una pista inédita de Gaga titulada «Stupid Love», la cual fue confirmada por la artista un mes más tarde como primer sencillo de lo que sería su sexto álbum de estudio. El tema fue lanzado oficialmente el 28 de febrero de 2020 en simultáneo con su videoclip.​ El 2 de marzo, Gaga confirmó que su sexto álbum de estudio se titularía Chromatica y sería lanzado oficialmente el 10 de abril de ese año.​ Pocos días después, la artista anunció la gira que promocionaría el álbum, titulada The Chromatica Ball, la cual visitaría Europa y Norteamérica, e iniciaría el 24 de julio en París (Francia).

27 de Marzo – Mstislav Rostropóvich

Mstislav Leopóldovich Rostropóvich, KBE (honoraria) (en ruso: Мстислав Леопольдович Ростропович; Bakú, 27 de marzo de 1927-Moscú, 27 de abril de 2007) fue un músico violonchelista y director de orquesta soviético-ruso, considerado el máximo violonchelista de su generación.

Además de sus interpretaciones y técnicas, fue conocido por inspirar y encargar nuevas obras, que ampliaron el repertorio de violonchelo más que cualquier violonchelista anterior o posterior. Inspiró y estrenó más de 100 piezas,​ formando amistades de larga duración y asociaciones artísticas con compositores como Dmitri Shostakovich, Sergei Prokofiev, Henri Dutilleux, Witold Lutosławski, Olivier Messiaen, Luciano Berio, Krzysztof Penderecki, Alfred Schnittke, Leonard Bernstein, Aram Khachaturian y Benjamin Britten.

Rostropovich fue reconocido internacionalmente como un firme defensor de los derechos humanos y recibió el Premio de la Liga Internacional de Derechos Humanos en 1974. Estaba casado con la soprano Galina Vishnevskaya y tenía dos hijas, Olga y Elena Rostropovich.

Llegó a ser alumno de Dmitri Shostakovich y Serguéi Prokofiev, antes de graduarse con las máximas distinciones académicas. Posteriormente trabajaría como profesor en el mismo Conservatorio, desde 1961. En 1948 ya había sido solista de la Orquesta Filarmónica de Moscú. A partir de 1950 había actuado como violonchelista y como director.

Había dado asimismo recitales de piano acompañando a su mujer, la soprano Galina Vishnévskaya. Tras un tiempo en Moscú, fue nombrado profesor en el Conservatorio de Leningrado. Había encargado y estrenado obras para violonchelo de los principales compositores contemporáneos, como la Sinfonía concertante en mi menor, opus 125 (1952) de Serguéi Prokófiev, los dos conciertos para violonchelo (1959, 1966) de Dmitri Shostakóvich y la Cello Symphony (1963), la Sonata para violonchelo y piano (1961) y las Suites para violonchelo (1964, 1967, 1971) de Benjamin Britten.

En 1951 recibió el Premio Stalin y después el Premio Lenin, máximo galardón de la Unión Soviética, en 1963. Sin embargo, defendió de públicamente al escritor Aleksandr Solzhenitsyn en una carta enviada al diario Pravda en 1970.

En 1974 Rostropóvich y su esposa abandonaron la Unión Soviética al haber sido privado de la posibilidad de dar conciertos y trabajar y, en 1978, se les retiró la nacionalidad soviética. Emigraron a Estados Unidos y en 1977 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C. que dirigió durante 17 años.

En 1990 fue invitado a actuar con esta orquesta en la Unión Soviética por Mijaíl Gorbachov, ocasión en la que les fue devuelta la nacionalidad soviética a él y a Galina Vishnévskaya. No obstante mantuvo toda su vida los pasaportes de Mónaco y Suiza que eran con los que habitualmente viajaba.

Con el intento de golpe de Estado en la Unión Soviética contra el presidente Mijaíl Gorbachov en agosto de 1991, Rostropóvich fue un activo defensor del proceso de cambio oponiéndose a los golpistas y mostrando su apoyo explícito al mismo Gorbachov y a Borís Yeltsin.

Previamente, en 1989, ya había mostrado su pleno apoyo al proceso de reformas en los países del Este de Europa al tocar el violonchelo frente al Muro de Berlín.

El 11 de noviembre de 1989, dos días después de la apertura del Muro, interpretaba delante de sus ruinas -la gente todavía lo estaba demoliendo- la suite número 2 para violonchelo de Johann Sebastian Bach.

En el año 1992 recibió el Premio Internacional Catalunya concedido por la Generalitat de Catalunya.

En el año 1995 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música. En 1997 le fue concedido junto a Yehudi Menuhin el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia.

En 2002 recibió la Condecoración Konex otorgada por la Fundación Konex de Argentina.

En 2004 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén. Era amigo de la Reina Sofía, desde que ella era tan sólo una niña.

El 27 de abril de 2007 falleció en un hospital de Moscú a los 80 años de edad a causa de un cáncer intestinal.

27 de marzo – Enrique Santos Discépolo

Enrique Santos Discépolo (Buenos Aires, 27 de marzo de 1901 – Buenos Aires, 23 de diciembre de 1951) fue un compositor, músico, dramaturgo y cineasta argentino. También era conocido como Discepolín.

Su hermano, Armando Discépolo, fue un destacado director teatral y dramaturgo. Discépolo es recordado por componer el popular tango «Cambalache»

Nació en el barrio porteño de Balvanera y murió en el mismo barrio de un ataque al corazón, 50 años después.

Tras fallecer sus padres, su hermano Armando Discépolo, 14 años mayor, se convirtió en su maestro y le descubrió la vocación por el teatro. Con él dio sus primeros pasos como actor en 1917.

En 1918 escribió sus primeras obras de teatro: El señor cura, El hombre solo y Día feriado.

En 1923 actuó en la obra Mateo, escrita por su hermano. Prosiguió escribiendo para el género teatral y al mismo tiempo, en 1925, compuso la música del tango Bizcochito y la letra y la música de Que vachaché.

En 1927 compuso el tango Esta noche me emborracho, popularizado por Azucena Maizani.

Más tarde, entre 1928 y 1929, escribió Chorra, Malevaje, Soy un arlequín y Yira-yira, entre otros. Mientras tanto, continuaba actuando con éxito en los teatros de Montevideo y Buenos Aires.

Entre 1931 y 1934 escribió varias obras musicales, entre ellas, Wunderbar y Tres esperanzas.

En 1935 viajó a Europa y a su regreso se vinculó al mundo del cine como actor, guionista y director.

Simultáneamente escribió y compuso sus tangos más notables Cambalache (1934), Desencanto (1937), Alma de bandoneón (1935), Uno (con música de Mariano Mores, 1943) y Canción desesperada (1944).

A partir de 1943 en el marco de una campaña iniciada por el gobierno militar que obligó a suprimir el lenguaje lunfardo, como así también cualquier referencia a la embriaguez o expresiones que en forma arbitraria eran consideradas inmorales o negativas para el idioma o para el país incluyó al tango Uno dentro de los censurados para su difusión radiofónica.

Las restricciones continuaron al asumir el gobierno constitucional del general Perón y en 1949 directivos de Sadaic le solicitaron al administrador de Correos y Telecomunicaciones en una entrevista que se las anularan, pero sin resultado.

Obtuvieron entonces una audiencia con Perón, que se realizó el 25 de marzo de 1949, y el Presidente –que afirmó que ignoraba la existencia de esas directivas- las dejó sin efecto y Uno al igual que otros muchos tangos pudo volver a la radio.

En 1947, después de una gira por México y Cuba, compuso Cafetín de Buenos Aires (1948). Durante los siguientes años continuó produciendo películas, obras teatrales y tangos, algunos de los cuales fueron estrenados después de su muerte.

Finalmente, el 13 de abril de 1951, estrena y protagoniza su última película como actor, dirigida por Manuel Romero, llamada El hincha. En la que queda inmortalizada su frase célebre en la que describe lo que es un hincha de fútbol.

De ideología peronista, dice Enrique Pichon-Rivière que las dudas que tenía Discépolo sobre el peronismo se incrementaron entre 1950 y 1951 y que “sufría un fuerte conflicto de ambivalencia frente al peronismo, que sentía en su aspecto popular pero rechazaba en algunas de sus acciones”.

Desde los estudios de la radio, identifico con el apodo de «Mordisquito» a los que consideraba «carneros» de la oligarquía o cipayos, combatiéndolos activamente.

Tania cuenta que Discépolo admitía la censura previa y habitualmente le entregaba al Secretario de Prensa y Difusión Raúl Alejandro Apold una copia del libreto que iba a leer el día siguiente para que se lo aprobara.

Su participación en ese programa y la defensa del peronismo le trajo el odio de muchos, al punto de comprarle todas las entradas de sus espectáculos a fin de que cuando saliese a escena viera el teatro vacío.

Estos hechos de gente a la que consideraba amiga lo llenó de profunda tristeza, lo cual sumado al cáncer que padecía precipitó su fallecimiento en 1951.

27 de marzo – Charly Alberti

Carlos Alberto Ficicchia Gigliotti (Buenos Aires, 27 de marzo de 1963), mejor conocido como Charly Alberti, es un músico de rock argentino, hijo del baterista de jazz y musica caribeña Tito Alberti.

Fue el baterista de la mítica e influyente banda de rock Soda Stereo; debido ha esto es considerado uno de los músicos más importantes del rock latino y en español junto con sus ex compañeros de Soda Stereo.

Actualmente es el líder y baterísta del grupo musical Mole. Es un importante activista y promovedor de la protección al medio ambiente y es fundador del Grupo Ambientalista R21 para una Latinoamérica Sustentable.

Nació el 27 de marzo de 1963 en la ciudad de Buenos Aires, hijo de Dolly Gigliotti y Tito Alberti.

Desde muy pequeño sintió gran fascinación por la naturaleza y los animales, especialmente los peces, se dedicaron cuidadosamente al criado de diversas especies y esta pasión le permitió disfrutar de su personalidad pensante y solitaria.

Aprovechaba las horas de siesta para armar modelos a escala de aviones de combate, un hobbie que encajaba cabalmente con su espíritu perfeccionista.

Esa primera pasión se traduciría en su deseo de ser piloto, sueño que no pudo realizar debido a su daltonismo. A diferencia de sus amigos, nunca se sintió atraído por el fútbol, prefería practicar waterpolo y hockey sobre patines en el club River Plate, el cual quedaba a pocas cuadras de su casa. La música estuvo presente desde su nacimiento gracias a su padre, el reconocido músico de jazz, Tito Alberti.

A los seis años comenzó a estudiar batería de manera particular con profesores de la talla de Alberto Alcalá y el «Oso» Piccardi. Sin embargo, es conocido que en un principio se inició en el estudio de la batería más por deseo de su padre, Tito Alberti, que por voluntad propia; ya para su adolescencia había cambiado de percepción con respecto a la batería, convirtiéndose en su gran pasión.

En 1981 conoce a quienes se convertirían en sus compañeros de grupo por 15 años: Gustavo Cerati y Zeta Bosio. Este contacto se dio a través de la hermana de Gustavo, Laura, a quién Charly conoció en las piletas del Club River Plate.

Para 1984, ya había salido al mercado el primer disco de Soda Stereo, el cual consiguió un éxito bastante considerable en la Argentina impulsado principalmente por el sencillo Te hacen falta vitaminas.

La fama de Soda se extendió por gran parte del continente a partir de 1985 cuando se edita el segundo álbum de la banda titulado Nada personal y de donde se extrae el tema Cuando pase el temblor, el cual fue número 1 en países como Argentina, Perú, Chile, México, Colombia y Venezuela.

Durante 1987, presentados por Susana Netto, conoce a Remo Belli, presidente de la firma de parches más importante del mundo, durante una visita del mismo a Buenos Aires.

Al día siguiente de aquel importante encuentro, Charly le acerca al hotel una carpeta que contenía información acerca de su trayectoria, datos del armado de su batería, notas de prensa y otros.

Pocas semanas después de su regreso a Estados Unidos, Remo se comunica directamente con Charly para informarle que sobre la base de los datos que se había llevado de Buenos Aires, más algunas referencias que le habían dado en el resto de Latinoamérica, estaba dispuesto a patrocinarlo incondicionalmente, colocándolo de esta forma dentro de sus 5 bateristas más importantes.

A partir de ese momento se desarrolló una estrecha relación entre ambos, la cual perdura hasta la actualidad, que excedería lo estrictamente laboral. Esta amistad marcaría el futuro perfil de Charly en su relación con los negocios.

Para estos tiempos, Charly ya había comenzado a dejar su huella en el mundo de la música, habiendo sido elegido por los medios especializados de diferentes países, como el mejor baterista de Argentina y Latinoamérica (en varias ocasiones). Apareció en la portada de la revista Modern Drummer en par de oportunidades.

Desde mediados del 2007, Charly Alberti viene utilizando una batería Yamaha, rompiendo así con su tradición de utilizar baterías marca Remo. Sin embargo, Charly explicó esto diciendo que la Yamaha ahora le proporciona un sonido más rockero y ahora en Remo se están dedicando más a baterías para Jazz; esta decisión la tomaron en conjunto Charly y Remo Belli, fundador de Remo.

En 1988 el éxito del grupo en tierra mexicana supera todas las expectativas, preparando el terreno para ingresar al mercado norteamericano. Esto les llevó a hacer conciertos en ciudades como Los Ángeles, Miami y Chicago, entre otras. Para 1987, Soda hace una gira por Latinoamérica que los lleva a Uruguay, Chile, Paraguay, Perú, Bolivia, Ecuador, Colombia, México, Venezuela y por supuesto, Argentina; fueron 57 conciertos en 41 ciudades, contando con asistencia de más de 300.000 personas.

La grabación del quinto álbum, Doble Vida, se realiza en la ciudad de Nueva York a cargo del productor y guitarrista Carlos Alomar. Al año siguiente, la revista Norteamericana especializada Modern Drummer realiza una entrevista a Charly Alberti, reconociéndolo como uno de los bateristas más destacados del momento.

El vídeo clip del tema En la ciudad de la furia es elegido finalista por la cadena norteamericana MTV, cuando aún no existía la cadena MTV latino. La tercera gran gira latinoamericana concluye con conciertos en el famoso The Palace de Los Ángeles. Los años subsiguientes serían testigos del lanzamiento del grupo hacia el viejo continente.

En 1990 la cadena MTV News Europea produce un especial de Soda Stereo. Ya en 1992, en ocasión de la mega-exposición internacional de Sevilla por el quinto centenario, no quedaban dudas de que el representante de la música Argentina era Soda Stereo. Había sido necesario mucho más que buena música para que se diera este fenómeno.

En la química creativa del trío, Charly aportó contenidos que iban más allá de sus dotes de baterista. Por sugerencia de Charly, Soda empezó a experimentar con el uso de máquinas y samplers para hacer música, así como también se incorporaron músicos como Tweety González (teclados) y Andrea Álvarez (percusionista, corista), quienes se convirtieron en íconos dentro de la historia del grupo. Charly fue elegido mejor baterista argentino por la AAM (Asociación Argentina de Música) en 1995.

En los 90 continuaron con discos relevantes como Canción Animal (1990), «Dynamo» (1992) y «Sueño Stereo» (1995), y con el sostenido reconocimiento que el grupo recibió en toda su trayectoria. Pero Soda Stereo ya no significaba lo mismo para sus creadores.

En un impasse que duró casi 2 años, Charly decide experimentar en el trabajo alejado de sus compañeros de grupo, realizando junto a Deborah de Corral (su pareja para ese momento) y su hermano Andrés Alberti su primer disco como compositor y productor. El proyecto se llamó PLUM y fue editado solamente en Argentina, agotando su edición limitada.

Este trabajo fue una prueba importante para él, ya que fue el primer trabajo realizado fuera del entorno de Soda. Luego de PLUM, Soda se reencuentra con el álbum Sueño Stereo, continuando hasta su despedida pública en 1997 con una mini gira latinoamericana y el cierre definitivo en el estadio de River Plate en la ciudad de Buenos Aires el 20 de septiembre de 1997.

El camino seguido por Charly de aquí en más tiene que ver con la búsqueda personal que va más allá de los logros cosechados como músico. Etapa difícil pero determinante, la cual implicaba la asimilación consciente del pasado como premisa del diseño del futuro. Emprendedor y autodidacta, aprovechó su experiencia como músico implementador de nuevas tecnologías y el peso de su figura pública en toda América, para crear una empresa de perfil totalmente nuevo.

En agosto de 1997, viendo un tremendo potencial, decide darle un giro a su empresa, y armar de esta forma una plataforma para darle rienda suelta a su creatividad aplicando la misma a diferentes plataformas.

Para esto, la empresa deja de trabajar exclusivamente con Apple y pasa a llamarse «Cybrel Digital Entertainment». Su objetivo: implementar y generar contenidos y aplicaciones basados en tecnologías de avanzada principalmente para el mercado de habla hispana.

Charly Alberti concibió e implementó proyectos relacionados a Soda Stereo que marcaron una nueva etapa en cuanto a la aplicación de tecnología digital en el ámbito de la música y el espectáculo en Latinoamérica. Se trata del primer CD, realizado junto a la cadena MTV (Comfort y Música para Volar) y el WebCast del último recital de Soda Stereo en el estadio River Plate de Buenos Aires, cuya repercusión y excelencia técnica lo colocan como el de mayor conectividad en su género a nivel mundial hasta la actualidad.

A fines de 1997 es nombrado «AppleMaster», convirtiéndose así en el único de habla hispana, galardón que poseen pocas personas en el mundo, debido a su visión e implementación de la tecnología. El mismo le es otorgado por su reconocimiento en el mundo de la música y la tecnología.

En agosto de 1998, Charly sorprende nuevamente al mundo de la tecnología al inventar un novedoso concepto horario, el cual sería aceptado como un nuevo estándar mundial dentro de Internet. Se trata del Internet Time, la hora oficial de Internet. A fines del mismo año, lanza dos nuevos proyectos: URL Magazine y URL Records. La primera es una revista de cultura general y tecnología, el segundo es un sello discográfico destinado a apoyar y promover a nuevos músicos y DJ, provenientes principalmente de Latinoamérica, que estén alineados con las tendencias musicales más actuales.

La propuesta de «Cybrel» atrae la mirada de los inversionistas, y así es como en los primeros meses de 1999 se suma al proyecto «Next International». A fines de ese año Cybrel lanza Yeyeye.com4 un portal consagrado a la música del mundo, que se convierte en el WebSite de música y entretenimientos más visitado de Habla hispana.

El éxito obtenido por sus proyectos siguen seduciendo a los principales inversores del mundo. Esta vez se trata del «Chase Capital Partners», (Chase Capital Entertainment Partners) y «E-nitial Ventures». Los proyectos evolucionan y la empresa gana mercados debido a la calidad de sus productos. Así es como en poco tiempo la misma opera exitosamente en Chile, Argentina, México, Uruguay y Estados Unidos.

A mediados del 2001, Alberti replantea la estrategia de Cybrel. Para llevar a cabo la misma decide hacer una apuesta fuerte y toma la decisión de comprar las partes pertenecientes a sus socios.

En julio de ese año Charly recibe una importante invitación directamente de la Corona de España en conjunto con el Instituto Cervantes y la Real Academia Española. La misma es para participar como orador en II Congreso de la Lengua a llevarse a cabo en Valladolid, España. De esta forma Alberti se convierte en uno de los pocos invitados internacionales. La exposición se basa en la importancia del español en Internet y la era Digital.

Para fines de ese año y profundizando su estrategia, Cybrel lanza en diciembre de ese año Musike.com5 el site más completo en español dedicado exclusivamente a la música electrónica y nuevas tendencias.

El 2003 seria un año de grandes cambios nuevamente en la vida de Charly. Encontrándose en su casa de Santa Mónica, California, una mañana recibe una llamada de MTV quienes lo convocan a participar de un proyecto especial para la segunda edición de los MTV Awards. La idea era formar una banda de “ALL STARS”, que sería la máxima sorpresa de esa noche, y en la que Charly tocaría la Batería junto a artistas de la talla de Ricky Martin, Juanes, Andrea Echeverri y Vicentico.

Charly vuelve a la Argentina ese mismo año, y luego de mucha búsqueda y experimentación musical, en 2005 funda lo que sería su nueva banda: Mole, el grupo lo conforman junto a él, Andrés Alberti (hermano de Charly, 2.ª guitarra y ex Santos Inocentes), Sergio Bufi (voz y 1.ª guitarra) y Ezequiel Dasso (bajo, coros. La primera placa del grupo, titulada simplemente MOLE se edita a principios de 2007 únicamente en Argentina, aunque se tiene previsto su lanzamiento a nivel latinoamericano en 2008. El 26 de marzo de 2008, Mole resultó ganador en la categoría Mejor Álbum Nuevo Artista de Rock en los Premios Carlos Gardel.

En 2007 tuvo lugar la gira de regreso de Soda Stereo, Me Verás Volver 2007, la cual empezó el 19 de octubre de 2007 y terminó el 21 de diciembre de 2007. La gira llevó a los Soda por México, Chile, Perú, Panamá, Colombia, Ecuador, Estados Unidos y Venezuela; fueron un total de 22 de conciertos con localidades totalmente agotadas en todos los países. Durante esta gira, Soda Stereo hizo seis conciertos en el Estadio Monumental de River Plate, rompiendo así el récord que la banda británica The Rolling Stones tenía en la Argentina con cinco recitales totalmente agotados en el mismo lugar. Después de la gira, cada uno de los integrantes volvió a sus proyectos personales y carreras en solitario.

Revolución 21 (R-21) fue fundada por Charly Alberti tras comprender la profundidad de la crisis climática y los desafíos y oportunidades que esta presenta para Latinoamérica. El reconocido músico decidió lanzar su propia fundación para difundir la crisis ambiental global, aprovechando su capacidad para alcanzar a millones de personas.

Conforman el Team Ejecutivo de R21 un grupo de profesionales consagrados en sus respectivas áreas de experiencia. Cada uno de ellos comparte la visión de futuro alterna y sustentable del fundador. Juntos, trabajan con pasión para difundir y educar sobre la crisis ambiental global y ayudar a encontrar soluciones.

R21 cuenta, además, con tres directorios de excelencia integrados por los científicos, empresarios y políticos más prestigiosos de América Latina y el mundo. Dichos profesionales brindan su apoyo y conocimiento, ayudando a diseñar estrategias efectivas.

27 de marzo – Sarah Vaughan

Sarah Lois Vaughan (Newark, Nueva Jersey, 27 de marzo de 1924-Los Ángeles, California, 3 de abril de 1990), conocida como Sarah Vaughan y apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, es considerada por muchos una de las más importantes e influyentes voces femeninas del género.

La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad.

Sarah Vaughan fue de las primeras vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.

Vaughan cantó en su infancia, como otras muchas cantantes de jazz, en la iglesia; recibió, además, intensas lecciones de piano entre 1931 y 1939.

Tras ganar un concurso para aficionados en el Apollo Theater, se unió a la big band de Earl Hines como cantante.

No ha quedado registro sonoro de esta colaboración de los años 1943-1944. Cuando su gran amigo el también cantante Billy Eckstine formó su propia orquesta, Vaughan se unió a él, haciendo su debut en la grabación discográfica. En la orquesta de Hines recibió la influencia de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Más allá de unos pocos meses con John Kirby entre 1945 y 1946, Sarah Vaughan desarrolló su carrera en solitario. Aunque hacia 1945 su imagen fuera mejorable (su primer marido George Treadwell la habría de ayudar mucho en este aspecto), su voz era ya incuestionable.

Realizó unas primeras grabaciones para la compañía Continental entre las que destaca la del 25 de mayo de 1945, en la que estuvo acompañada por Gillespie y Parker. Sin embargo, fueron sus grabaciones de entre 1946 y 1948 para Musicraft (que incluían temas como «If You Could See Me Now», «Tenderly» y «It’s Magic») las que demostraron su maduración como cantante y su fraseo orientado al bop aplicado a las canciones populares.

Firmó con Columbia y grabó para ella durante el periodo 1949-1953, consolidando su popularidad. Aunque algunas de estas grabaciones tienen un matiz típicamente comercial, sus ocho temas grabados con la banda de Jimmy Jones durante el 18 y 19 de mayo de 1950 se encuentran entre sus interpretaciones más memorables, demostrando su capacidad indudable para cantar jazz.

Durante los años cincuenta, Sarah grabó para Mercury música pop con orquestas, y material puramente jazzístico para el sello subsidiario de aquél, EmArcy, entre el que se encuentra su muy elogiada colaboración con Clifford Brown.

Más tarde, grabaría para Roulette (1960-64), volvería a Mercury (1963-67) y, tras un periodo de inactividad de cuatro años, para Mainstream (1971-74); Vaughan estuvo también en el sello Pablo de Norman Granz desde 1977 a 1982.

26 de Marzo – Steven Tyler

Steven Victor Tallarico (Yonkers, Nueva York, 26 de marzo de 1948), más conocido en la industria de la música como Steven Tyler, es un cantante, compositor, músico y actor,​ mundialmente conocido por ser el líder y vocalista de la banda de rock estadounidense Aerosmith.

También ha formado parte del jurado del reconocido programa de talentos American Idol. Es conocido por su habilidad de ejecutar varios instrumentos musicales a la vez.

En 1976 mantuvo una relación con la ex-modelo y ex chica Playboy, Bebe Buell, con la que tuvo a su primera hija, la actriz Liv Tyler.

En 2008 la revista Rolling Stone lo eligió como uno de los 100 mejores cantantes de la historia​ y también lo eligió en el puesto 57 como uno de los 100 más grandes artistas de todos los tiempos. Asimismo, fue escogido por la revista estadounidense Hit Parader como el 3.er. mejor vocalista de Heavy metal de todos los tiempos sólo superado por Robert Plant y Rob Halford respectivamente.

Además figura en el puesto 13 en la lista de los 40 mejores vocalistas de rock de todos los tiempos, según la estación de radio digital Planet Rock.

En 2005 la revista estadounidense de música Blender y la cadena musical MTV2 lo seleccionaron como uno de los mejores vocalistas figurando en el puesto 16 de una la lista de 22 artistas.

Fue elegido según el sello discográfico Roadrunner Records como uno de los mejores cantantes de música Metal ubicándolo en el puesto 8 de una lista de 50 intérpretes.​

En 2001 es premiado por la cadena musical VH1 por ser el roquero con mejor estilo en los VH1 Fashion Awards.​ Ese mismo año fue incluido en el Salón de la Fama del Rock junto con Aerosmith.

En 2003, Tyler recibió un título honorífico del Berklee College of Music, y en 2005 recibió un doctorado «honoris causa» por la Universidad de Massachusetts, Boston. En 2003, Tyler también instaló a AC/DC en el Rock and Roll Hall of Fame, después de que él y su banda fueron incluidos dos años antes. Tyler cantó con AC/DC el líder del grupo Brian Johnson en la interpretación de «You Shook Me All Night Long». «The Grind», de Aerosmith, también aparece como extra. También cantó el Himno Nacional para inaugurar la Serie Mundial en 2004 en el Fenway Park.

En la película de Navidad, «El Expreso Polar» de 2004, Steven Tyler, aparece cantando la letra de un número de rock titulado «Rockin’ on Top of the world», así como un grupo de elfos de animación por computadora se asemeja Aerosmith interpretando la canción.

Mientras Joe Perry se mantuvo ocupado en 2005 con su homónimo álbum en solitario, Steven Tyler se mantuvo ocupado con una variedad de proyectos. Ese año, él fue el vocalista principal de Santana en el sencillo «Just Feel Better». Tyler también hizo un cameo en la película Be Cool protagonizada por John Travolta y Uma Thurman. En la película, Steven Tyler hace un dúo de la canción «Cryin'» con la cantante Linda Moon (Interpretada por Christina Milian)

En 2006, después de la cicatrización de la cirugía en la garganta de Tyler y el agotador Rockin’ the Joint Tour, Steven Tyler hizo un retorno digno de mencionar. Un hecho destacable fue cuando actuó con Joe Perry y la Orquesta Boston Pops por la cuarta Orquesta anual en julio, espectacular, fue su primera gran aparición pública después de la operación. Durante el concierto, que fue transmitido a nivel nacional por CBS, Tyler, Perry y la orquesta interpretaron un popurrí de «Walk This Way», «I Don’t Wanna Miss a Thing» y «Dream On».

Tyler también grabó un dueto con el artista de música country Keith Anderson, titulado «Three Chord Country and American Rock & Roll». La canción, una versión remezclada de la canción encontrada en el álbum debut de Anderson, fue lanzado como single en las listas Country de EE. UU.

Ese mismo año, además de trabajar con Aerosmith en giras y grabando un nuevo álbum, Tyler hizo varias apariciones públicas. Hizo un cameo en la comedia Two and a Half Men, haciendo de sí mismo como un ruidoso vecino desagradable.

El 14 de octubre 2006 Tyler cantó «God Bless America» durante el estiramiento en la séptima entrada del juego nº 3 de la Serie de Campeonato de la Liga Nacional entre los Cardenales de San Luis y los Mets de Nueva York en el Busch Stadium de St. Louis, Missouri.

El 24 de noviembre, de manera voluntaria, Steven sirve la cena de Acción de Gracias a los necesitados en un restaurante en West Palm Beach, Florida, antes de un show de Aerosmith allí.

En 2007, Tyler mantiene activa una gira mundial con la banda que los vio actuar en 19 países.

El 21 de mayo de 2008, se informó de que el vocalista Steven Tyler se había registrado en Las Encinas Hospital clínica de rehabilitación, en Pasadena, California, para recuperar pacíficamente la pierna con cirugías múltiples. Él hizo una declaración pública diciendo que «El dolor de reparación del pie fue intenso», más grande de lo que yo habría anticipado. Los meses de cuidados de rehabilitación y la tensión dolorosa de la terapia física fueron traumáticos. Realmente necesitaba un ambiente seguro para recuperarme donde podría apagar el teléfono y volver a mis pies».

El 14 de julio de 2008, la madre de Tyler, Susan Ray Tallarico, murió a los 84 años.

El 18 de julio de 2008, Steven Tyler apareció con Billy Joel en el último concierto que se jugó en el estadio Shea. Respaldado por la banda de Billy Joel, cantó como voz principal en la canción «Walk This Way».

En agosto de 2008, HarperCollins ganó una subasta de publicar la autobiografía de Steven Tyler.

En diciembre de 2008, hizo una aparición sorpresa en los conciertos de Trans-Siberian Orchestra en el Nassau Coliseum (12 de diciembre de 2008) y el Centro de Izod (13 de diciembre de 2008). Fue el «final sorpresa» En el Centro de Izod, colaboró con la Trans-Siberian Orchestra en «Dream On» y «Sweet Emotion».

El 5 de agosto 2009 Tyler cayó del escenario, cerca de Sturgis, Dakota del Sur, lesionándose la cabeza, el cuello y rompiéndose un hombro. Fue trasladado al Hospital Regional de Rapid City. Debido a la caída de Tyler, Aerosmith se vio obligado a cancelar el resto de su Tour de 2009 a excepción de dos conciertos en Hawái en octubre.

Ya en 2007 Aerosmith tuvo que cancelar su primer concierto en Maui que dio lugar a una demanda colectiva de 8000 personas por la cancelación de la serie de conciertos. Los asistentes recibieron boletos y, en algunos casos, reembolsos por los gastos añadidos.

Steven Tyler recientemente ha ayudado a hacer una armónica para Hohner como parte de «Signature Series».

El 9 de noviembre de 2009, se informó de que Steven Tyler no ha tenido contacto con los demás miembros de Aerosmith y que no estaban seguros si estaba todavía en la banda.

El 10 de noviembre de 2009, Joe Perry confirmó que Steven Tyler había dejado de Aerosmith para seguir una carrera en solitario y no estaba seguro si era por tiempo definido. No hay sustitución para Tyler anunciada.

A pesar de los rumores de dejar la banda, y a pesar de los comentarios de Perry como se informó anteriormente el mismo día, Tyler se unió a The Joe Perry Project en el escenario 10 de noviembre 2009 en el Fillmore de Nueva York en Irving Plaza y realizó el clásico de Aerosmith «Walk This Way». Según fuentes del caso, Tyler aseguró a la multitud que a pesar de los rumores en contrario, «No dejó Aerosmith».

Aunque Tyler había dicho que no dejaba Aerosmith, los miembros de la banda estaban preocupados de que había caído en las drogas otra vez. Se informó por la revista Rolling Stone el 22 de diciembre que Tyler ha ingresado a rehabilitación por el manejo del dolor y una adicción a los analgésicos, y que él está dispuesto a empezar a trabajar con la banda después de la rehabilitación.

El 15 de febrero de 2010, fue anunciado que Aerosmith sería titular del Download Festival en Donington, Inglaterra, con la afirmación de que Steven Tyler solo aparecería como cantante para el grupo.

El 26 de marzo de 2010, se informó de que Steven Tyler, trabajará con Timbaland para grabar un álbum de rap. La colaboración de Reverend Run y Darryl Mac de Run-DMC, Kid Rock y T-Pain se rumorea que aparecerá en el nuevo proyecto.

El sábado 14 de agosto de 2010 Steven Tyler junto a Aerosmith y el grupo J.Geils Band se presentan en el FenWay Park de Boston.13​ El Periódico Boston Sunday Globe le dedica la portada.

Steven Tyler portando la Bandera de Paraguay durante el concierto en Asunción en octubre de 2011, un día después de su accidente.
Estuvo presente durante el «All-Stars Game» en 2011.

El 25 de octubre de 2011, Tyler sufrió un desmayo y cayó en el baño de su habitación de hotel en Luque, Paraguay, por lo que sufrió un par de heridas en la cara y la rotura de dos dientes. Fue trasladado a un hospital privado de Asunción donde fue sometido a un servicio odontológico y cirugía plástica de ceja y de labios. El concierto que debía ofrecer esa misma noche fue pospuesto para el día siguiente.

26 de Marzo – Diana Ross

Diana Ernestine Earle Ross, más conocida como Diana Ross (Detroit, Míchigan, 26 de marzo de 1944), es una cantante y actriz estadounidense. Saltó a la fama en los años sesenta al formar parte del grupo The Supremes.

En 1970 se estableció como solista. Después interpretó el papel principal de la película Lady Sings the Blues, sobre la vida de la cantante Billie Holiday, que le valió una nominación al Óscar como mejor actriz. Durante los años 70 y 80, Diana se convirtió en la artista femenina más exitosa de la era pop y abarcó también la industria cinematográfica y televisiva así como la teatral en Broadway.

En 1993, entró en el Libro Guinness de Récords como la artista femenina de mayor éxito de todos los tiempos, debido en parte a sus 18 «nº1», seis de ellos en solitario. Solo The Beatles (con 20 «nº1») y Mariah Carey (con 19) la han igualado o superado. Pero en Billboard sus «nº1» cuentan por separado: tiene 12 con The Supremes, 6 como solista y 1 con la canción «We are the world», siendo superada entonces por cantantes como Janet Jackson, Madonna y Whitney Houston.

Con casi 60 años de carrera, las ventas de sus álbumes y sencillos tienen un total estimado de más de 100 millones de copias, lo cual la convierte en una de artistas musicales con mayores ventas.

Diana Ross es hija de un miembro de raza blanca del Ejército de los Estados Unidos y una maestra de raza negra de Bessemer (Alabama), y nació en Detroit (Míchigan) el 26 de marzo de 1944.1​Después, la familia se instaló durante un breve período en el estado de Alabama, debido a que su madre estaba enferma.

La familia regresó a Detroit cuando Diana tenía 14 años de edad. Ross aspiró en su adolescencia convertirse en diseñadora de moda, por lo que ella se inscribió en el Cass Technical High School.

En 1959, con 15 años, se unió a sus vecinas Mary Wilson, Florence Ballard, y Betty McGlown para formar el cuarteto local conocido como The Primettes, quienes actuaban como teloneras de The Primes (más tarde llamados The Temptations).2​

En 1961 firmaron un contrato con la discográfica Motown Records, y Betty McGlown fue reemplazada por Barbara Martin. El grupo fue relanzado bajo el nombre de The Supremes.

En 1962 Barbara abandonó el cuarteto, convirtiéndolo en un trío. El delegado de la discográfica, Berry Gordy, convirtió a Diana en la líder del conjunto musical.

Entre agosto de 1964 y mayo de 1967, el terceto consiguió que diez de sus sencillos llegaran al puesto nº1 del Billboard Hot 100. Después, Gordy sustituyó a Florence Ballard por la vocalista de Patti LaBelle and the Bluebelles, Cindy Birdsong. Pronto, rebautizó al grupo como Diana Ross and the Supremes, para darle protagonismo tanto a la voz principal como al conjunto. Él ya lo había hecho con otras agrupaciones como Smokey Robinson & The Miracles, antes llamados The Miracles, y Martha Reeves & The Vandellas, antes conocidos como The Vels, por las mismas razones.

The Supremes, bajo el liderazgo de Diana Ross, consiguió doce grandes éxitos en Estados Unidos, entre los que destacan «Where Did Our Love Go», «Baby Love», y «You Can’t Hurry Love». Así, se convirtieron en el segundo conjunto musical de habla inglesa más exitoso de la década de 1960, después de los Beatles.

En 1969, Diana decidió abandonar el grupo. Actuó por última vez como miembro del trío en enero de 1970 y su vacante fue cubierta por diversas cantantes.

En mayo de 1970, con el apoyo de los productores musicales Ashford & Simpson, lanzó su primer disco en solitario, titulado Diana Ross. El primer sencillo de esta producción fue la canción gospel «Reach Out and Touch (Somebody’s Hand)», la cual alcanzó la posición nº 20 del Billboard Hot 100. El segundo single fue una versión del tema «Ain’t No Mountain High Enough», tuvo un éxito internacional, y este sería el primero lanzado en solitario en alcanzar el puesto nº1 de las listas pop. Por «Ain’t No Mountain High Enough» fue nominada al Premio Grammy por mejor vocalista pop.

En 1971, Motown lanzó un segundo álbum de Diana llamado Everything Is Everything. El primer sencillo del mismo, «I’m Still Waiting», fue todo un éxito, en especial en el Reino Unido, donde alcanzó el puesto nº 1 de las listas de popularidad. Varios meses después lanzó su tercer disco en solitario titulado Surrender. Ese mismo año tuvo su propio programa especial para la televisión, llamado Diana!. En él aparecieron como invitados The Jackson 5, Bill Cosby y Danny Thomas. A finales del mismo año, Motown anunció que produciría una película biográfica protagonizada por Ross, en la que retrataría a la cantante Billie Holiday.

Ross debutó en el cine en 1972 en la película Lady Sings the Blues, donde ineterpretó a Billie Holiday, bajo la dirección de Sidney J. Furie. El largometraje tuvo un gran éxito crítica y público. Posteriormente ganó un Globo de Oro por «Nueva estrella del año- actriz» y fue nominada al premio Óscar por «Mejor actriz». La banda sonora de la película alcanzó el primer puesto de la lista Billboard 200, donde se mantuvo durante tres semanas consecutivas. En la semana de su lanzamiento vendió más de 300 000 copias.

A comienzos de 1973, publicó el álbum Touch Me in the Morning. El sencillo homónimo alcanzó el puesto número uno de las listas estadounidenses. A fines del mismo año, la cantante lanzó un exitoso álbum junto a Marvin Gaye, llamado Diana & Marvin. De él se desprendieron los sencillos «My Mistake (Was to Love You)», que se situó en el Top 20 de Estados Unidos, y «You Are Everything», que se situó en el Top 5 de Reino Unido.

En 1975, protagonizó la película Mahogany, junto a Billy Dee Williams. El director era Tony Richardson, pero luego fue sustituido por Berry Gordy. Con este último Diana no tuvo una buena relación, por lo que abandonó el rodaje antes de que culminara. El filme fue un éxito comercial, pero no recibió buenas críticas.7​De la banda sonora se desprendieron los singles «Do You Know Where You’re Going To», que llegó al nº1 de las listas pop, y el tema de música disco «Love Hangover». El éxito de estos sencillos ayudaron a la publicación del álbum Diana Ross.

En 1977 ganó el Premio Tony por el especial musical An Evening with Diana Ross, que luego fue televisado por la cadena NBC. En ese mismo año, Motown adquirió los derechos de la popular obra de Broadway The Wiz para poder llevarla a la pantalla grande como una versión «afroamericana» de El mago de Oz. Diana interpretó el papel de Dorothy, que había encarnado de forma inolvidable Judy Garland, y compartió escena con Lena Horne, Richard Pryor, Nipsey Russell, Ted Ross y su amigo Michael Jackson, quien en esos años empezaba a destacar al margen de su grupo The Jacksons. La película se estrenó en octubre de 1978, recibiendo críticas malas y fracasando en la taquilla; pero la banda sonora de la misma, producida por Quincy Jones, vendió más de 850.000 copias. Esta sería la última producción cinematográfica de Motown.

En 1979, Ross se reunió con Nicholas Ashford y Valerie Simpson para el lanzamiento del disco The Boss, el cual fue certificado como «disco de oro» por la RIAA. En 1980, publicó Diana, su primer álbum certificado como «disco de platino» por la RIAA. El álbum incluyó los exitosos sencillos «Upside Down», el quinto en llegar al puesto nº1 de las listas, y «I’m Coming Out». Diana alcanzó el segundo puesto del Billboard 200, y permaneció allí durante tres semanas, vendiendo más de 6 millones de copias en Estados Unidos. Ross colaboró en la banda sonora de la película Endless Love, grabando el sencillo homónimo junto al cantautor Lionel Richie. Cuando esta canción llegó al puesto nº1 de las listas de popularidad, Diana se convirtió en la primera cantante femenina en conseguir seis singles número uno en el Billboard Hot 100. Cuando su contrato de veinte años con Motown venció, firmó un contrato de 20 millones de dólares con la discográfica RCA Records.

El primer álbum de Diana con RCA Records fue Why Do Fools Fall in Love, que salió a la venta en el verano de 1981. De él se desprendieron tres exitosos sencillos: «Why Do Fools Fall in Love», «Mirror Mirror» y «Work That Body», el cual ingresó en el Top 10 del Reino Unido.

En 1983 se reunió con Mary Wilson y Cindy Birdsong, sus ex compañeras de The Supremes, para el programa especial Motown 25: Yesterday, Today, Forever. El trío interpretó el tema «Someday We’ll Be Together», un clásico de su repertorio. A finales de ese mismo año, Diana reailizó un concierto en el Central Park de Nueva York, cuya recaudación se utilizó para la construcción de una zona de juegos que lleve su nombre. Parte de este show fue filmado y televisado por la señal de cable Showtime. Al mismo asistieron más de 800.000 personas, por lo que Ross anunció que al día siguiente brindaría un nuevo concierto, al que asistieron cerca de 500.000 espectadores. Sin embargo la recaudación de ambas presentaciones no fueron suficientes para la financiación del Diana Ross Playground, por lo que la misma Ross debió pagar los 250.000 dólares que faltaban para que se llevase a cabo el proyecto.

Con RCA grabó varios sencillos exitosos como «Muscles» (1982), tema musical compuesto por Michael Jackson y nominado al Grammy, «So Close» (1983), «Pieces of Ice» (1983), «All of You» (1984), el cual llegó al puesto nº1 de la lista dance, «Swept Away» (1984), «Missing You» (1985), «Eaten Alive» (1985), «Chain Reaction», el cual alcanzó la posición nº1 de las listas de Reino Unido, y «We Are The World», que fue un éxito en todo el mundo. La canción «All of You» la interpretó a dúo junto a Julio Iglesias, lo que contribuyó a catapultar a Julio al éxito en el mercado anglosajón.

Los álbumes que lanzó en estos años fueron All The Great Hits, el cual fue certificado como «disco de oro» por la RIAA, Silk Electric, Diana Ross Anthology y Swept Away. En 1987 publicó Red Hot Rhythm & Blues, que recibió muy buenas críticas pero no fue un éxito comercial, y If We Hold On Together. En 1989, Diana regresó a Motown.

El primer álbum que lanzó en ocho años con Motown fue Workin’ Overtime. A pesar que el sencillo homónimo llegó al puesto nº3 de la lista R&B, el compacto fue un fracaso comercial. En la década de 1990 publicó sencillos y álbumes que consiguieron poca acogida en las listas de Reino Unido y Europa, como «When You Tell Me That You Love Me» (canción que años después grabarían a dúo Julio Iglesias y Dolly Parton), «One Shining Moment», «Force Behind The Power», «Heart (Don’t Change My Mind)», «Your Love», «The Best Years of My Life», «Take Me Higher», «Gone», «I Will Survive» y «In the Ones You Love». En 1993 publicó el disco Christmas in Vienna, que recogía un concierto de sabor navideño ofrecido por Diana con Plácido Domingo y José Carreras. En 1994, retomó su carrera de actriz al protagonizar el telefilme de la cadena ABC, Out of Darkness. Por su interpretación recibió su tercera nominación al Globo de Oro. En 1996 realizó una actuación especial en el Super Bowl XXX. En 1999, como solista, ella se ubicó en el 38 en la lista de VH1 The 100 Greatest Women in Rock and Roll mientras que The Supremes se colocaron en el nº6. En el mismo año, co-protagonizó otra película de televisión para la ABC, llamada Double Platinum, donde interpretó a una cantante que abandona a su hija para concentrarse en su carrera.

En 2000, Ross anunció que realizaría con sus antiguas compañeras de The Supremes, Mary Wilson y Cindy Birdsong, una gira titula Return to Love. Wilson y Birdsong no quisieron participar en ella porque Diana recibiría 15 millones de dólares, mientras que a ellas les pagarían 2 y 1 millón de dólares respectivamente.8​Ellas fueron sustituidas por Lynda Laurence y Scherrie Payne, quienes habían formado parte del grupo después de que Diana lo abandonara. Los primeros conciertos del tour se llevaron a cabo primero en Filadelfia y luego en el Madison Square Garden de Nueva York. Return to Love sólo contó con nueve presentaciones, ya que las ventas de boletos fueron escasas. A principios del año 2000 fue homenajeada en el evento anual «VH1 Divas»

En diciembre de 2002, Ross fue arrestada en Tucson, Arizona por conducir en estado de ebriedad. Tras cumplir dos días de arresto regresó a su casa en Greenwich, Connecticut.9​Después de este episodio, se mantuvo durante poco más de dos años alejada de los medios de comunicación.

En 2005 grabó con Rod Stewart el sencillo «I’ve Got a Crush on You», perteneciente al álbum de este último llamado The Great American Songbook, que alcanzó el puesto 19 del Billboard Hot Adult Contemporary. Diana, junto a Westlife, regrabó su éxito «When You Tell Me You Love Me», que volvió a alcanzar el puesto #2 de las listas de Reino Unido y el nº1 de las de Irlanda.

En junio de 2006, Motown publicó su pospusto álbum Blue, el cual alcanzó el puesto nº 2 de la lista de jazz de Billboard. Su siguiente álbum de estudio fue I Love You, lanzado mundialmente el 2 de octubre de 2006 y el 16 de enero de 2007 en Norteamérica, producido por la discográfica Manhattan Records/EMI. El compacto alcanzó debutó en la posición nº 32 de las listas pop y la nº 16 de las de R&B, y desde su lanzamiento vendió más de 622.000 copias en todo el mundo.

A comienzos de 2007, Ross apareció en diversos programas de televisión de Estados Unidos y Europa, como por ejemplo American Idol o Live with Regis and Kelly, para promocionar su trabajo discográfico. ​Éste, al igual que su gira europea, obtuvo críticas positivas.

Diana quedó devastada cuando supo que Michael Jackson había muerto. El 2 de julio de 2009 fue revelada la intención póstuma de Michael de que ella tuviera la custodia de sus hijos en caso que su madre Katherine de 79 años muriera o se viera impedida de ejercerla.

Ross debutó en el cine en 1972 en la película Lady Sings the Blues, donde interpretó a la también cantante Billie Holiday, bajo la dirección de Sidney J. Furie.

El largometraje recibió reseñas positivas de diversas fuentes y comercialmente también le fue muy bien. Posteriormente ganó un Globo de Oro por «Nueva estrella del año- actriz». Asimismo, fue nominada al premio Óscar por «Mejor actriz» y al Globo de Oro a la «Mejor actriz – Drama». Más tarde, protagonizó la película Mahogany, junto a Billy Dee Williams, bajo la dirección de Berry Gordy. Allí interpretó el papel de una diseñadora de moda. El filme recibió críticas mayoritariamente negativas y comercialmente no le fue bien.

En 1977, actuó junto a Lena Horne, Richard Pryor, Nipsey Russell, Ted Ross y su amigo Michael Jackson la versión cinematográfica de la obra teatral The Wiz, la cual estaba basada a su vez la película El mago de Oz.

El musical recibió reseñas negativas de diversas fuentes. Ross retomó su carrera como actriz en la década de 1990, para protagonizar las películas para televisión: Out of Darkness, de 1994, y Double Platinum, de 1999.

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