Category Archives: Efemérides musicales

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17 de Enero – Indio Solari

Carlos Alberto Solari (Paraná,1​2​3​4​ Entre Ríos, Argentina, 17 de enero de 1949) mejor conocido como Indio Solari, es un músico, compositor y cantante argentino y uno de los fundadores, junto con Skay Beilinson, del disuelto grupo Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Su voz y el uso de metáforas en sus letras lo convirtieron en un icono de la contracultura en la escena del rock argentino. Su imagen está caracterizada por la prácticamente nula aparición pública, concediendo entrevistas únicamente mediante la radiocomunicación. La única aparición televisada de Los Redondos se realizó en una conferencia en agosto de 1997, luego de un recital suspendido en Olavarría.5​ En 1995 recibió un Premio Konex, Diploma al Mérito como uno de los mejores cantantes de la década en la Argentina y nuevamente en 2015, esta vez el Konex de Platino al Mejor Cantante de Rock de la década.

Tras la disolución de Los Redondos en 2001, comenzó una pausa que se prolongó hasta 2004 cuando junto a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado presentaron su primer álbum solista, El tesoro de los inocentes, en el 2007 lanzó su segundo disco Porco rex, en 2010 su tercer disco El perfume de la tempestad y en 2013, salió a la venta Pajaritos, bravos muchachitos su último trabajo discográfico.

 

 

16 de Enero – Rosita Quiroga

Rosa Rodríguez Quiroga (Buenos Aires, 16 de enero de 1896 – 16 de octubre de 1984), más conocida como Rosita Quiroga, fue la primera cantante arrabalera del tango. Es recordada principalmente por realizar la primera grabación eléctrica en Argentina.

Heredera directa de los payadores, cantaba a media voz, mezclando palabras del lunfardo con que se había criado en el barrio de La Boca.

Grabó su primer disco en 1923, titulado “Siempre criolla, su primer tango fue “La tipa”, del guitarrista Enrique Maciel y letra de Enrique Pedro Maroni. Comenzó su carrera con Rosita del Carril, con quien formó un dúo. Aprendió a tocar la guitarra con Juan de Dios Filiberto. Fue ella y la compañía “Victor” quienes inauguraron en la Argentina las grabaciones eléctricas en 1926, en 1930 estuvo trabajando en el teatro Empire, tuvo continuidad hasta el 10 de febrero de 1931 cuando grabó 4 temas y prácticamente puso fin a su carrera, pero seguía presentándose esporádicamente en la radio.

Fue la primera mujer que cantó tangos en LOX (luego LR10) Radio Cultura. “La Nación” del 27 de octubre de 1924 la ubicaba en el segundo lugar entre “los cinco números principales” del día -en que ella era el número principal de Radio Cultura- después de Terceto Arenas (guitarra y canto, por LOY Radio Nacional), y precediendo a Jazz-Band González por LOR Asociación Argentina de Broadcasting, American Jazz-Band Jacke por LOV- Brusa, y Enrique Delfino por LOW Grand Splendid.

En 1938 en Japón se convirtió en la primera intérprete que se escuchó. Fue impulsora de estrellas como Mercedes Simone, Oscar Ugarte, Dorita Davis y Agustín Magaldi. Retornó al disco en marzo de 1952 e hizo cuatro temas y se retiró unos días antes de su fallecimiento.

En 1970 viajó a Osaka, Japón por una invitación de una peña tanguera que lleva su nombre. En sus últimos años se la solía ver en el programa de Eduardo Bergara Leumann, “Botica de tango”.

Su carrera en el cine fue opaca y escasa, solo llegó a participar en un film en 1976, “El canto cuenta su historia”, de Fernando Ayala y Héctor Olivera.

Falleció a los 88 años de edad el 16 de octubre de 1984. Una plazoleta del barrio porteño de San Nicólas ubicada en Av. Pres. Roque Saénz Peña, Esmeralda, Tte. Gral. Juan D. Perón en San Nicolás, lleva su nombre.

15 de Enero – Skay Beilinson

Eduardo Skay Beilinson (La Plata, Buenos Aires, 15 de enero de 1952)1​ es un guitarrista, cantante y compositor argentino, considerado como un gran exponente del rock de su país.

Reconocido por haber sido miembro fundador de la reconocida banda argentina Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, junto a Carlos Alberto “Indio” Solari, es considerado uno de las figuras e íconos de la afirmación del rock en la cultura musical argentina.

Tras su paso por Patricio Rey, del cual sobrevino la disolución de esta banda a causa de un contrapunto con Solari por motivos nunca esclarecidos, en 2002 encaró un proyecto personal, al que denominó como “solista en banda”. Desde el año 2012 continúa liderando este proyecto, bautizado desde ese año con el nombre de Skay y Los Fakires.

El pseudónimo Skay surgió de su amiga Marta Minujín.

Eduardo Beilinson comenzó a los 12 años a estudiar guitarra con el maestro Leopoldo Ezcurra. Tras cuatro años de estudios, conformó una banda junto a sus amigos Miguel, Jorge y Alfredo (también conocido como “Rata”), la banda la llamaron Taxi Rural, como parodia a su presente como peón de taxi, cuyo empleo utilizaba para financiar sus instrumentos y el recorrido de la banda.

Se consagró y fue reconocido como un importante e influyente artista del rock, estando al mando de la emblemática banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, liderazgo que compartió con el Indio Solari.

Anteriormente, formó parte, junto a su hermano Guillermo Beilinson y músicos como Héctor “Topo” D’Aloisio, Bernardo Rubaja, Kubero Díaz, “Morci” Requena e Isa Portugheis, de las bandas Diplodocum Red & Brown​ y La Cofradía de la Flor Solar, fuertemente influenciadas por la psicodelia y la cultura hippie. Fue durante esta etapa, viviendo en comunas y en diversos sitios de la geografía argentina, que conoció a su pareja y futura manager y alma mater de los Redondos y bandas posteriores, Carmen Castro, más conocida como La Negra Poli.

Tras la separación indefinida de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en 2002, comenzó su carrera como solista, que Skay insiste en redefinir como de solista-en-banda, ya que «El concepto de solista… en realidad no me veo en esa idea. Siempre vi como solista al tipo que llama a los músicos ocasionalmente o cambia de banda y todo sigue sonando igual. Yo, si cambiara la banda, cambiaría el sonido».

El primer disco de esta nueva época fue publicado en 2002, titulado A través del Mar de los Sargazos, acompañado por Daniel Colombres en batería y Claudio Quartero en bajo, con producción de la “Negra Poli”. Este álbum está compuesto por canciones que surgieron de las tantas composiciones hechas durante la etapa en Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, de las cuales se destaca “Oda a la sin Nombre”.

En 2004 llega su segunda placa en solitario a la cual tituló Talismán. En 2007 lanzó su tercer álbum, llamado La Marca de Caín. La banda fue rebautizada como Skay y los Seguidores de la Diosa Kali, con modificaciones en el grupo original: Daniel Colombres deja el puesto de baterista y es reemplazado por Mauricio Topo Espíndola, quién permite a Skay afianzar el sonido de la banda. En 2010 salió a la venta su cuarto álbum, ¿Dónde vas? integrado por once canciones.

En el año 2012 la banda pasa a llamarse Skay y Los Fakires y está integrada, además de Skay, por Oscar Reyna en guitarra, Claudio Quartero en bajo, Javier Lecumberry en teclados y “Topo” Espíndola en batería. Con Los Fakires, Skay graba La Luna Hueca, su quinto trabajo de esta etapa de su proyecto personal, fue grabado en el estudio Conde junto al técnico de sonido Joaquín Rosson y contiene diez canciones, con un sonido considerado el más acústico de su carrera.​ El título del disco lo justifica en que:

«La luna siempre produce fascinación, porque es la luz de noche. Y así, ahuecada, es donde nacen estas canciones, los poemas que nunca fueron dichos, dónde se esconde Dios cuando quiere ocultarse, los desvelados, los locos. Esa oquedad es la que permite pasar todas las cosas que uno proyecta». Skay Beilinson.

En 2015 la Fundación Konex le otorgó el Diploma al Mérito Konex como uno de los 5 mejores solistas de rock de la última década en la Argentina. En 2016 editó su sexto álbum como solista llamado El Engranaje de Cristal, integrado por diez canciones.

13 de Enero – Fernando Ruiz Díaz

Fernando Ruiz Díaz (Guadalupe, Provincia de Santa Fe; 13 de enero de 1969) es el vocalista, compositor y guitarrista del grupo argentino Catupecu Machu.

Es uno de los miembros fundadores del grupo, junto con su hermano Gabriel Ruiz Díaz. En 2017 forma un proyecto musical llamado Vanthra.

En 2012 la revista Rolling Stone lo ubicó en el puesto número 29 de “Los 100 mejores guitarristas de la historia de rock argentino”.

Fernando Ruiz Díaz nació en Guadalupe, Provincia de Santa Fe​ y a los cuatro años llegó al barrio porteño de Villa Luro,​ donde vivió hasta grande junto a su madre, su hermana Cristina y su hermano Gabriel.

Su hermana mayor Cristina nació con Síndrome de Down. Su padre Rubén Ruiz Díaz, era abogado y falleció en el año 2003.

Asistió a la primaria en la Escuela N°12 “Prof. Ramón J. Gené” (Villa Luro) y la secundaria en la Escuela Técnica N° 17 “Brig. Gral. don Cornelio de Saavedra” (Parque Avellaneda).

Cuando Fernando tenía 24 años, Gabriel 17 y Miguel Sosa (su vecino) 14 formaron la banda Catupecu Machu.

En la madruga del 31 de marzo de 2006 su hermano Gabriel sufrió un accidente automovilístico que le provocó un traumatismo craneoencefálico grave.

11 de Enero – La Mona Jiménez

Juan Carlos Jiménez Rufino, más conocido como La Mona Jiménez (Córdoba, Argentina, 11 de enero de 1951), es uno de los más influyentes y reconocidos intérpretes y compositores argentinos del cuarteto. Su sobrenombre La Mona proviene de una burla de cuando era niño.

La Mona Jiménez nació el 11 de enero de 1951 en la Ciudad de Córdoba, Argentina, donde debutó como bailarín y cantante de folklore. Entre sus influencias más importantes se encontraba su padre.​ A los 15 años de edad participó en un casting para ser cantante en el Cuarteto Berna, un joven grupo de cuarteto característico (género musical que estaba en sus primeros años de vida) donde resultó ganador.

Formó parte del Cuarteto Berna, en el cual lo empezaron a llamar Carlitos Jiménez por primera vez. En este conjunto tuvo una serie de problemas con el representante, quien, a su vez, era padre del pianista y líder del grupo. Otro de los inconvenientes que tuvo fueron las limitaciones que le imponían a la hora de subir al escenario, debido a que el objetivo era que resaltara el pianista, Berna Bevilacqua, dejándolo en un segundo plano, por lo que finalmente abandonó el grupo.

Luego de unos años, integró el grupo Cuarteto de Oro, el cual estaba dirigido por su tío, Coquito Ramaló. El primer disco que grabó con este grupo se llamó Póngale la cadenita, que resultó un rotundo fracaso en las ventas; sin embargo, después le siguió Córtate el pelo cabezón con el cual llegaron a las 180.000 unidades entre LP, casetes y magazines. Con el tiempo La Mona fue imponiendo como su marca el movimiento de su mano hacia atrás y adelante, con la palma hacia arriba y abajo; un paso que comenzó a repetirse entre sus seguidores en cuanto show brindara el Cuarteto de Oro. Después de eso, La gaita del lobizón sería su éxito más importante.

El 28 de diciembre de 1973 conoció a Juana Delseri con quien se casó en abril de 1975. El matrimonio tuvo tres hijos: Lorena y Carlos (que se dedican a la música como su padre)7​ y Natalia (quien es diseñadora de su vestuario). A finales de julio de 2000 se divorció de su esposa (quien, no obstante, siguió trabajando como su mánager personal).

Durante la dictadura militar que se erigió en Argentina, conocida como Proceso de Reorganización Nacional, el cuarteto en general fue censurado. Sin embargo, La Mona editó 13 discos durante este período. Cuando en 1983 asumió Raúl Alfonsín y la democracia volvió a la Argentina, “La Mona” preparó su lanzamiento como solista.

En 1984 (a los 33 años de edad), con 26 LP grabados, Jiménez se retiró del Cuarteto de Oro para armar su propio proyecto solista, pero siguió tocando música al estilo del cuarteto característico —con un sonido renovado por la inclusión de percusión y teclados eléctricos— empezó a trabajar en bailes en los barrios periféricos de Córdoba. Meses después, edita el disco Para toda América, donde tuvo su primer gran éxito: La flaca la gasta. Paulatinamente se fue convirtiendo en una figura de relieve nacional. Su siguiente disco Gracias a Dios hace alusión a la emoción de poder llevar una carrera fuera de las restricciones que lo habían detenido anteriormente.

En enero de 1988 es invitado a actuar en el Festival de Cosquín, en un intento de los organizadores de atraer gente al alicaído festival, se superan todas las previsiones y la plaza coscoína es abarrotada por más de 100.000 personas, esto provoca desmanes entre el público y la suspensión del show, cuando La Mona apenas había cantado tres canciones. Este episodio fue titulado por la prensa local como: La noche negra de La Mona en Cosquín; sin embargo este traspié daría connotación nacional a Jiménez que capitalizaría este hecho negativo obteniendo una popularidad a nivel nacional.

En el mismo año tocó por primera vez en Buenos Aires, en el Microestadio de Atlanta y participó en la película Las locuras del extraterrestre de Carlos Galettini, protagonizada por Emilio Disi y Javier Portales. Posteriormente llenó el Luna Park y en 1989 tuvo un gran éxito en el boliche punk Cemento, del empresario Omar Chabán.

En 1992 integró el elenco del programa de TV “El Gordo y el Flaco” protagonizado por Juan Carlos Mesa y Gianni Lunadei emitido por Telefe. En 1995 y 2005 recibió el Premio Konex de Platino como el Mejor Cantante de Tropical/Cuarteto de la década en la Argentina y en 2015 el Diploma al Mérito Konex en la misma disciplina.

En 1996 debutó en el teatro de revistas, con la obra “Más feliz en Carlos Paz”, junto a Georgina Barbarossa, Susana Romero y el Mago Emanuel, en el Teatro del Lago.

A finales de los años ochenta y principios de los años noventa, Jiménez viajó de gira a otros países. Estuvo en España donde en Cádiz, Valencia y Madrid cantó el ritmo del cuarteto. En agosto de 1995 fue de gira a Estados Unidos, actuó tres días en Chicago y Houston y luego —entre el 1.º  y el 7 de septiembre de 1995— presentó su gran éxito ¿Quién se ha tomado todo el vino? -lanzado con su álbum En vivo de 1986- ante miles de argentinos en Nueva York.

A comienzos del siglo XXI La Mona se destacó por una serie de álbumes que en general fueron homenajes, selecciones y recuerdos de sus grandes éxitos acompañados de nuevas canciones. En diciembre del 2012 lanza su disco Número 83, como celebración de sus 45 años de carrera en el Cuarteto, con el nombre de “Revolución”, con invitados especiales como Raly Barrionuevo, Andrés Ciro Martínez, Raúl Lavié, Alejandro Lerner, Palito Ortega, el Rey Pelusa, Facundo Toro, Peteco Carabajal y Javier Calamaro.

10 de Enero – Pat Benatar

Patricia Mae Andrzejewski (Brooklyn, Nueva York, 10 de enero de 1953), más conocida como Pat Benatar, es una cantante de rock estadounidense.

Tuvo numerosos éxitos durante la década de 1980, tales como “Fire and Ice”, “Heartbreaker”, “I Need a Lover”, Love Is a Battlefield, “Promises in the Dark”, “We Belong”, “Hit Me With Your Best Shot” y “You Better Run”, el segundo vídeo que fue transmitido en MTV tras el de Video Killed the Radio Star, de “The Buggles”.

Patricia Mae Andrzejewski nació de una familia de origen polaco e irlandés en Brooklyn, y creció en Lindehurst, Nueva York, inicialmente estudió ópera como su madre. A los 19 años, se casó con su novio de la secundaria, Dennis T. Benatar, de quien tomó el apellido con el cual se hizo conocida.

Poco tiempo después se mudó a Richmond (Virginia) donde trabajaba como cajera en un banco y por las noches cantaba. Ella y su esposo se mudaron a Nueva York en 1975 donde, poco tiempo después, se divorciaron.

Pat empezó a desarrollar su carrera como cantante y, en 1977, fue descubierta en un concurso amateur de un club de comedia en Nueva York, Catch a Rising Star. Después de su exitosa actuación en el club, Pat Benatar finalmente encontró su personalidad en el escenario en un disfraz de “Halloween”, que originalmente utilizó como una broma:​ “El público siempre era cortés, pero en esta ocasión se volvieron locos”, declaró posteriormente Pat Benatar, “Siempre eran las mismas canciones, cantadas de las misma forma, y entonces pensé, ‘Oh Dios mío… ¡son estas ropas y este maquillaje!'”; debido a esa actuación, fue contratada por Chrysalis Records por su fundador Terry Ellis.

Posteriormente se casó con el guitarrista de la banda Neil Giraldo (incorrectamente pronunciado como “Geraldo” en los créditos). Con quien tiene dos hijas Haley y Hana. Pat Benatar es conocida por su actitud dura, habiendo grabado un número significativo de canciones con metáforas de batallas (como “Invincible”, “Hit me with your Best Shot”, “Sex as a Weapon”, “Fight it Out”, y “Love is a Battlefield”) y algunos temas como el abuso infantil (“Hell is for Children”, “Suffer the Little Children”).

Ganó cuatro premios Grammy por Mejor desempeño Rock Vocal, Femenino de 1980 a 1983, y fue nominada en cuatro ocasiones adicionales en 1985, 1986, 1988 y 1989. Pat Benatar todavía compone y sale de gira junto con su marido, también se ha convertido en portavoz comercial de la compañía Energizer. En el verano de 2005 la mayor de sus hijas, Haley Giraldo, protagonizó el reality show del canal E! Entertainment Television llamado Filthy Rich: Cattle Drive.

En 2006 su canción, “We Belong”, fue parte de una campaña de 20 millones de dólares para los hoteles Sheraton.2​ Esta misma canción fue interpretada en la comedia de 2006 Pasado de Vueltas protagonizada por Will Ferrell y dirigida por Adam McKay. La canción “Love Is a Battlefield” fue cantada durante todo el Dignity World Tour 2007-2008 de la cantautora estadounidense Hilary Duff.

El famoso videojuego Guitar Hero incluyó los éxitos “Hit Me With Your Best Shot” y “Heartbreaker” en Guitar Hero III: Legends of Rock y Guitar Hero World Tour respectivamente. Este último contando con la posibilidad de tocar la guitarra, bajo, batería o cantar con el micrófono.

En el videojuego de acción Sleeping Dogs, aparece el tema “Hit Me With Your Best Shot” en los pubs de karaoke de la ciudad de Hong Kong para que el protagonista pueda interpretarlos. En el año 2015, su tema “We Belong” ha sido usado en la película “Dando la nota aún más alto” o como se titula en su versión original “Pitch Perfect 2” incluida así en su banda sonora. En el año 2017 su tema “Love Is a Battlefield” se incluyó en el último capítulo de la segunda temporada de la serie de Netflix “Stranger Things” en la escena del baile de invierno.

10 Enero – Rod Stewart

Sir Roderick David “Rod” Stewart, CBE (n. el 10 de enero de 1945, en Londres, Inglaterra) es un músico, compositor y productor británico de rock, conocido mundialmente por haber sido vocalista en las bandas The Jeff Beck Group y Faces, como también por su exitosa y extensa carrera como solista.

Su época de esplendor fue en la década de los setenta, en la que colocó siete de sus álbumes y seis de sus singles en el nº1 británico o americano. Actualmente sigue en activo como crooner de los clásicos populares americanos de los que ha publicado ya cinco álbumes y en mayo de 2013 volvió -37 años después- al nº1 de las listas británicas con su trabajo más reciente, ‘Time’, un álbum con once temas originales tras 20 años sin componer canciones.

 Stewart nació y creció en Highgate, un suburbio del norte de Londres como el último de cinco hermanos. Su primera afición fue el fútbol, donde llegó destacar como capitán del equipo escolar, además de ser un apasionado fan del Arsenal F.C. Al mismo tiempo descubrió el rock and roll cuando escuchó por primera vez ‘The girl can’t help it’ de Little Richard en 1956. Tres años después, su padre le regaló su primera guitarra y en 1960 formó junto a compañeros de estudios un grupo de skiffle llamado los Kool Kats, con el que interpretaban temas de Lonnie Donegan y Chas McDevitt.

Tras dejar el colegio con quince años, trabajó en una serie de empleos como repartidor de periódicos, carpintero o enterrador y Rod seguía con su idea de llegar a ser jugador profesional de fútbol e incluso le hicieron unas pruebas en un equipo de tercera división, el Brentford F.C., pero nunca le volvieron a llamar, por lo que Rod terminó eligiendo la música. “La vida de un músico es bastante más fácil, además te puedes emborrachar, hacer música y jugar al fútbol. De hecho son las dos únicas cosas que sé hacer todavía: cantar y jugar a fútbol.”

Comenzó a tocar la armónica junto a otros músicos callejeros de Leicester Square. Llegó a ser brevemente la voz solista del Ray Davies Quartet (futuros Kinks) y tocó la armónica en el grupo Jimmy Powell & the Five Dimensions, los cuales actuaban de vez en cuando en el club londinense Studio 51, donde solían actuar también los Rolling Stones. Sin embargo, tampoco duró mucho en el grupo.

Su carrera despegó realmente cuando el músico y cantante Long John Baldry lo descubrió tocando la armónica en la estación de ferrocaril de Twickenham. Baldry le invitó a unirse a su banda, los Hoochie Coochie Men y cuando se dio cuenta que Stewart también cantaba, le ofreció un sueldo semanal de 35 libras, algo que al joven Rod le pareció magnífico. Cantó con la banda de Long John en el club Marquee, donde con su poderosa voz y su peculiar forma de vestir a lo dandy (lo que le procuró el apodo de ‘Rod the Mod’), conquistó al ‘swinging London’ de la época. Su debut discográfico fue -sin acreditar-, cantando el tema ‘Up above my head’, cara B del single de Long John Baldry ‘Hoochie coochie man’.

Al mismo tiempo, Rod entregaba sus demos a las casas discográficas, buscando una posibilidad de carrera en solitario. Logró firmar con Decca en agosto de 1964 y su primera grabación fue el tema ‘Good morning little schoolgirl’ de Willie Dixon, en el que contó con John Paul Jones (futuro Led Zeppelin) como bajista de sesión. A pesar de promocionar el single actuando en TV, fue un fracaso comercial.

Tras una discusión con Baldry, dejó su banda y el resto del año anduvo cantando con un grupo de R&B de Southampton llamado The Soul Agents. En 1965 Long John Baldry disolvió los Hocchie Coochie Men y resolvió sus diferencias con Stewart, permaneciendo desde entonces grandes amigos hasta la muerte de Baldry. Con la ayuda del productor Giorgio Gomelski, ambos formaron Steampacket, con Brian Auger, Julie Driscoll, Micky Waller, Vic Briggs y Rick Brown, con los que debutaron teloneando a los Rolling Stones en julio de 1965.

El grupo estaba concebido al modo de la Ike & Tina Turner Revue, con múltiples vocalistas y una oferta musical de blues, R&B y jazz. Realizaron una gira veraniega junto a los Rolling Stones y los Walker Brothers que finalizó en el London Palladium. Para entonces, Rod ya se había hecho cargo de la mayoría de las voces solistas del grupo y en 1966 dejó Steampacket, alegando que lo habían echado (Brian Auger, sin embargo aseguró que la decisión de irse fue únicamente suya).

A continuación se enroló en una formación similar, Shotgun Express, compartiendo la voz solista con Beryl Marsden. En el grupo figuraban los futuros Fleetwood Mac, Mick Fleetwood y Peter Green. En 1967 se unió al grupo del guitarrista Jeff Beck con Ron Wood al bajo, Micky Waller a la batería y Nicky Hopkins al piano. La banda debutó en Londres en marzo de 1967. La reputación del grupo se consolidó en el Reino Unido y Beck decidió realizar una gira de seis semanas por Estados Unidos, debutando allí en el Fillmore East en junio de 1968. Unos meses antes, Stewart, que seguía empeñado en su carrera en solitario lo intentó de nuevo con ‘Little miss Understood’, que no alcanzó las listas.

La gira americana de Jeff Beck Group fue todo un éxito y las interpretaciones vocales de Rod y las ejecuciones a la guitarra de Jeff provocaban las mismas rendidas ovaciones que habían recibido artistas como The Doors o Jimi Hendrix.

En agosto de 1968 se publicó su primer álbum, ‘Truth’, que alcanzó el puesto nº15 en las listas estadounidenses. Sin embargo en el Reino Unido no tuvo repercusión. Por otro lado, el protagonismo que la guitarra de Beck estaba tomando sobre el sonido general del grupo provocó ciertas desavenencias en el grupo y cuando se publicó el segundo álbum, ‘Beck-Ola’ en junio de 1969, Rod Stewart y Ron Wood habían dejado ya el grupo para integrarse en los Faces con Ronnie Lane, Ian McLagan y Kenney Jones, procedentes de los Small Faces.

Ese mismo año, Rod logró grabar su primer álbum como artista en solitario, ‘An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down’, una mezcla de temas folk, rock y country, algunos de ellos escritos por Stewart desde la sensibilidad de un hombre de la clase obrera británica y algunas versiones, entre ellas la magnífica ‘Handbags and gladrags’ de Mike D’Abo. El primer álbum de los Faces, ‘First Step’ se publicó en 1970 y ofrecía un rock muy similar al de los Rolling Stones. En otoño de ese año Stewart publicó también su segundo álbum, ‘Gasoline Alley’, muy similar al anterior y en el que destacaba el sonido de la mandolina. Tanto éste como el anterior lograron la categoría de discos de oro.

Sin embargo, Rod seguía con los Faces como un miembro más desarrollando con ellos electrizantes shows de rock and roll cuando actuaban, mostrando la gran química en escena y camaradería que existía entre ellos. Aún así el éxito personal de Rod (con dos discos de oro en el mercado) no resultaba fácil de llevar teniendo en cuenta la falta de éxito comercial de la banda.  En 1971 aparecieron ‘Long Player’ con la magnífica versión de ‘Maybe I’m amazed’ de McCartney y ‘A Nod Is as Good as a Wink… to a Blind Horse’ que contenía su mayor éxito en single, ‘Stay with me’, nº6 en el Reino Unido y nº17 en USA.

Pero el mismo año Stewart publicó su tercer álbum en solitario, ‘Every Picture Tells a Story’ que incluía el tema ‘Maggie May’, nº1 durante cuatro semanas tanto en el Reino Unido como en las listas Billboard americanas. Asimismo, el álbum copó las listas estadounidenses, británicas, canadienses y australianas dando comienzo a la fulgurante carrera que Stewart disfrutaría a lo largo de los años setenta.

Esto añadió más leña al fuego de los conflictos que a Rod le surgían por su militancia en los Faces, que prácticamente habían pasado a ser su banda de acompañamiento. Comenzaron a surgir nuevos problemas contractuales entre los sellos Mercury y Warner Bros, e incluso las relaciones personales entre Rod y Ronnie Lane comenzaron a deteriorarse. Durante la grabación de su último álbum ‘Ooh La La’ (1973), Rod estuvo ausente en la mayoría de sesiones y su último show juntos como Faces tuvo lugar en octubre de 1975.

Para entonces, Rod había publicado con Mercury Records dos álbumes más, ‘Never a Dull Moment’ (1972) y ‘Smiler’ (1974), los cuales, a pesar de ser trabajos peor recibidos por la crítica, repitieron nº1 en el Reino Unido. Su gran espaldarazo llegó en 1975 con el álbum ‘Atlantic Crossing’, cuyo título hacía referencia a un cambio en su dirección artística y comercial. Por un lado dejó Mercury para fichar con Warner Brothers y por otro, la grabación se realizó en estudios americanos, como Criteria en Miami y Muscle Shoals Sound en Alabama contando para ello con célebres músicos de sesión americanos como los Memphis Horns y parte de los miembros de Booker T and the MG’s, entre otros.

Temas como ‘Sailing’, ‘This old heart of mine’ o ‘I don’t want to talk about it’ fueron hits en medio mundo. Para completar el ‘cruce atlántico’, Rod se instaló en Estados Unidos y en poco tiempo se convirtió en un personaje habitual de la escena de Beverly Hills. En 1976 se publicó ‘A Night on the Town’, con nuevos temas de éxito como ‘Tonight’s the night’, en cuyo vídeo participó su entonces pareja, la actriz sueca Brit Ekland, ‘The first cut is the deepest’ y ‘The killing of Georgie’. Un año después rompió con Ekland y su separación le costó al cantante 15 millones de dólares.

La llegada del punk y la new wave no facilitaron que Rod continuara en la primera línea de la escena musical. Sus últimos álbumes en la década fueron ‘Foot Loose & Fancy Free’ (1976) con temas como ‘I was only joking’, ‘You’re in my heart’ o ‘Hot legs’ y ‘Blondes Have more Fun’ que contenía su tercer y último gran éxito en USA, ‘Do ya think I’m sexy?’.

 En 1979 contrajo su primer matrimonio con Alana Hamilton, ex-esposa del actor George Hamilton. Aunque ‘Foolish Behaviour’ y ‘Tonight I’m yours’ aún llegaron a ser discos de platino y top10 en Inglaterra, sus álbumes en la década de los ochenta no alcanzaron ni de lejos el éxíto de los anteriores, sin embargo Rod seguía activo realizando giras internacionales y apareciendo en numerosos shows de TV. En 1984 su matrimonio fracasó y muchos críticos tuvieron la sensación entonces de que sus mejores días habían pasado. No obstante Stewart declaraba el mismo año a Los Angeles Times: “No me siento viejo con 39 años. Mi cuerpo está en buen estado, los huesos no crujen. Aún no estoy listo para la mecedora”.

En 1990 Rod se casó con la supermodelo Rachel Hunter y su carrera recibió un ligero empujón gracias a los álbumes ‘Out Of Order’ (1988) y ‘Vagabond Heart’ (1991) que contenía su versión del tema de Van Morrison ‘Have I told you lately’. En 1993 publicó un unplugged en MTV, ‘Unplugged and Seated’, grabado en los estudios Universal de Los Angeles.

Sus tres siguientes álbumes pasaron desapercibidos y en 1998 durante una revisión médica rutinaria se le descubrió un cáncer de tiroides y un nódulo benigno en las cuerdas vocales que lograron ser extirpados pero tras la operación que le afectó las cuerdas vocales tuvo que reconstruir su voz y aprender de nuevo a cantar. Recuperó la voz pero el registro había cambiado. Su segundo matrimonio hizo aguas y parecía que su carrera se acercaba a su fin.

Sin embargo, Rod se embarcó en un proyecto musical completamente diferente. Firmó un nuevo contrato con J Records y, desde el año 2002 hasta 2010, ha publicado cinco volúmenes de la serie ‘Great American Songbook’, comenzando con ‘It Had To Be You’ en los que repasa standards del jazz y el pop de la primera mitad del siglo XX. Asimismo grabó sendos álbumes dedicados al rock-pop y al soul, ‘Still the same…Great Rock Classics Of Our Time’ (2006) y ‘Soulbook’ (2009), interpretando versiones de clásicos de ambos géneros.

En 2012 publicó ‘Merry Christmas, Baby’, un álbum con temas navideños y en mayo de 2013 apareció el álbum ‘Time’, con temas escritos o coescritos por Stewart que fue nº1 en las listas británicas, 37 años después de su último álbum en la cima de las listas, ‘A Night at the Town’ en 1976. Se editaron como singles los temas ‘Ìt’s over’ (en Europa) y ‘She makes me happy’ (en Norteamérica) seguidos de ‘Brighton beach’. Su entrega más reciente fue ‘Another Country’ en octubre de 2015, el que hace el vigésimonoveno álbum de estudio de su discografía, de nuevo con temas originales compuestos en su mayoría por Stewart y Kevin Savigar. El primer single que se editó fue ‘Love is’.

9 de Enero – Domenico Modugno

Domenico Modugno (Polignano a Mare, 9 de enero de 1928 – Lampedusa, 6 de agosto de 1994) fue un cantautor, compositor, guitarrista y actor italiano.

Representó en varias ocasiones a Italia en el Festival de la Canción de Eurovisión. Fue también diputado y dirigente del Partido Radical italiano.

Desde muy joven, Doménico quería ser actor. En 1951, después de terminar el servicio militar y gracias a una beca, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de Roma, apareciendo más tarde en unas cuantas películas. Después de protagonizar Il mantello rosso (La capa roja), inició su carrera de cantante. Se casa con Franca Gandolfi y tienen 3 hijos: Marco (1958), Marcello y Massimo Modugno (1966), este último tambien se dedica a la música. Domenico tiene un hijo de una relación extra conyugal llamado Fabio Camilli (1962)

En los años cincuenta se hizo muy popular en los Estados Unidos. Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica internacional cuando, con «Nel blu dipinto di blu» (más conocida como «Volare»), triunfó en el Festival de San Remo de 1958 junto a Johnny Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de Eurovisión de ese mismo año, quedando en tercera posición (de diez).

La canción de Modugno «Volare» (llamada también «Nel blu dipinto di blu») fue un éxito comercial a nivel internacional, y con el paso del tiempo se convirtió en una de las más representativas de la historia musical italiana.

«Nel blu dipinto di blu» alcanzó el número uno en el Hot 100 de la revista estadounidense Billboard, y la misma publicación lo reconocería después como el mejor sencillo de 1958. Gracias a «Volare», Modugno se convirtió en el primer ganador del Premio Grammy por grabación del año y canción del año en 1959.1​

Fue un éxito tan extraordinario que L’Espresso, un periódico italiano, tituló su primera plana: «Modugno ha conquistato l’America», y para fin de aquel año las ventas del mismo aumentaron, batiendo todos los récords para un disco italiano hasta aquel momento: hasta 0,8 millones de copias en Italia y otros 22 millones en todo el mundo.

En 1960 se le acusó de plagiar la canción de un compositor de ópera, aunque se le declaró inocente. Ganó tres veces más el Festival de San Remo con «Piove» (1959, nuevamente con Johnny Dorelli), «Addio, addio» (1962, en compañía de Claudio Villa) y «Dio, come ti amo» (1966, juntamente con Gigliola Cinquetti). En Eurovisión volvió a participar en 1959 y 1966.

Actor teatral y cinematográfico, apareció en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), de Garinei e Giovannini, y en Liolà, adaptación de la célebre ópera de Luigi Pirandello. En el cine interpretó Il giudizio universale de Vittorio De Sica, mientras que de 1973 a 1976 fue Mackie Messer en la Opera da tre soldi de Kurt Weill y Bertolt Brecht, dirigida por Giorgio Strehler. Pier Paolo Pasolini usó canciones de Modugno para la banda sonora de Pajaritos y pajarracos, una de sus películas fundamentales.

Considerado como el «padre» de los cantautores italianos y uno de los más prolíficos artistas italianos en general al haber escrito y grabado cerca de 230 canciones, interpretado 38 películas para cine y 7 para la televisión, recitado 13 obras teatrales, conducido algunos programas televisivos y aparecido numerosas ocasiones, sea por televisión o en vivo, en los escenarios.

Fue muy notorio ante un amplio público por sus cuatro victorias en el Festival de San Remo, en modo particular por aquella de 1958 con la canción «Nel blu dipinto di blu», escrita por Franco Migliacci y universalmente conocida como «Volare», que se convirtió en una de las canciones italianas más conocidas en el mundo.

De este modo, un treintañero de Apulia, que hasta entonces había tenido un éxito sólo modesto en Italia como cantante y actor, se convierte, con la victoria del Festival de San Remo, en el más notable cantante italiano en el mundo, y su «Volare» la canción italiana más conocida sólo después de «’O sole mio», único disco de la historia de la música italiana que ha llegado al primer lugar (y en permanecer allí a lo largo de trece semanas) del Hit parade estadounidense, récord inigualado hasta la fecha.

Artista conocidísimo y de gran presencia escénica, se recuerdan, entre otras canciones, «La lontananza» (La distancia es como el viento), «Piove (Ciao, ciao bambina)» (Llueve), «Comme prima» (Como antes), «Meraviglioso» (Maravilloso), «Vecchio frac» (Viejo frac), «Resta cu’ mme» (Quédate Conmigo) (en idioma napolitano), «Dio, come ti amo» (Dios, cómo te amo), Piange il teléfono (Llora el teléfono / Le telephone pleure), «Un calcio alla città» (Un puntapié a la ciudad), «Lu pisci spada» (El pez espada) (en idioma siciliano) y «Come hai fatto» (Como has hecho).

En 1984, Doménico Modugno sufrió un ictus y se vio forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992.

Estando en el jardín de su casa en la costa de la isla de Lampedusa (en el archipiélago de las islas Pelagias, entre la isla de Sicilia y África), frente a la Isla de los Conejos, Doménico Modugno falleció de un infarto cardíaco.

Entre algunos de sus reconocimientos posmórtem, en el 50.º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a «Volare» como la mejor canción de la Historia del concurso tras «Waterloo» del grupo sueco ABBA. Además esta valoración vino a hacer justicia contra el cero que Doménico obtuvo en el Festival de Eurovisión de 1966 con «Dio come ti amo», con el cual se había sentido profundamente dolido. En 2008 además, el Ministerio de Comunicación de Italia distribuyó sellos en conmemoración de Volare y Doménico.

9 de enero – Jimmy Page

Hoy cumple 73 años el guitarrista, compositor y productor británico Jimmy Page, nacido en Heston (Middlesex). Allmusic lo describe como “sin lugar a dudas, uno de los más influyentes y versátiles compositores y guitarristas de la historia del rock”

A los 12 años, Page consiguió su primera guitarra, y aunque recibió algunas clases, Jimmy fue un músico autodidacta. Entre sus primeras influencias destacaban Scotty Moore y James Burton -ambos guitarristas de Elvis Presley– y Johnny Day, colaborador de The Everly Brothers. En 1957, contando Page con 13 años, apareció por primera vez en televisión en un programa de jóvenes talentos, Huw Wheldon Show, tocando el tema ‘Mama don’t wanna play no skiffle no more’. Aunque Page estaba interesado por las ciencias, llegando a recibir una oferta de trabajo como asistente de laboratorio, decidió dejar sus estudios para comenzar una carrera musical, y después de varios intentos, Page consiguió entrar a formar parte de The Crusaders, una banda de rock en cuyas filas se encontraba el vocalista Neil Christian.

Permaneció con ellos más de dos años, durante los cuales Page contrajo una mononucleosis que le impidió seguir dando conciertos. Se matriculó en un colegio de arte para desarrollar su otra gran pasión, la pintura y se reunía en el Marquee Club de Londres con otros guitarristas para improvisar, como Jeff Beck, Eric Clapton y Alexis Corner, donde recibió una oferta para trabajar como músico de sesión en EMI Records. Su primer trabajo en ese sentido fue acompañando con la guitarra acústica a Jet Harris y Tony Meeham en el hit ‘Diamonds’ (1963)

‘Little Jimmy’ pronto se ganó una fama como guitarrista de sesión y, como preferido del productor Shel Talmy, Page acabó trabajando con grupos como The Who o The Kinks. Otros artistas con los que trabajó Page en aquella época fueron The Rolling Stones, Van Morrison, Marianne Faithfull, Dave Berry o Brenda Lee. En 1989 se publicó el primero de dos álbumes dobles ‘Jimmy Page: Session Man Vol1 y Vol2’ que recogía en 84 temas una parte de estos trabajos, entre ellos un par de grabaciones de Jimmy como solista, ‘She just satisfies y ‘Keep movin’, que datan de 1965.

En 1964, Page recibió una oferta para reemplazar a su amigo Eric Clapton en The Yardbirds, aunque la rechazó como muestra de lealtad hacia Eric. Un año después, Clapton se fue por deseo propio y Page recibió una nueva oferta, que Page declinó de nuevo para continuar con su lucrativa carrera como músico de sesión. Además no estaba preparado para salir de gira con un grupo, por lo que recomendó como reemplazo de Clapton a su compañero y amigo Jeff Beck.

El 16 de mayo de 1966, el bateria Keith Moon, el bajista John Paul Jones, el teclista Nicky Hopkins, Jeff Beck y Jimmy Page grabaron el tema ‘Beck’s Bolero’ en los estudios IBC de Londres lo que dio a Page la idea de formar un supergrupo con Jeff Beck, junto con la base rítmica de los Who: John Entwistle al bajo y Keith Moon a la batería. La falta de un cantante solista y otros problemas contractuales congelaron el proyecto y Jimmy continuó con sus sesiones para otros.

Hubo un momento en el que hacía tres sesiones al día, ¡seis dias a la semana! Y pocas veces sabía de antemano qué o con quién iba a tocar. Pero aprendí mucho hasta en las peores sesiones, y creéme, toqué en engendros horrendos. Lo dejé cuando empezaron a llamarme para hacer ‘muzak’ (música ambiental) y comprendí que no podía seguir así. Supongo que fue el destino el que determinó que Paul Samwell-Smith dejara a los Yardbirds a la semana siguiente y tuve la oportunidad de entrar en su lugar. Sin embargo mi experiencia como músico de sesión fue magnífica, la disciplina del estudio de grabación me gustaba. Simplemente dejaban correr la cinta y no podías cometer errores”

Page volvió a recibir otra oferta para formar parte de los Yardbirds que sí aceptó esta vez, sustituyendo en el bajo a Paul Samwell-Smith, instrumento del que finalmente se hizo cargo Chris Dreja, desempeñando Jimmy el rol de guitarra solista junto con Jeff Beck. Sin embargo, el gran potencial musical del grupo se vio interrumpido por las constantes giras y la falta de éxito musical, así como por conflictos internos que provocaron la marcha de Jeff Beck, dejando el grupo en un cuarteto. El primer (y único) álbum de The Yardbirds con Page como único guitarra solista fue ‘Little Games’, acogido con indiferencia. Aunque su sonido en el estudio intentaba ser más comercial, las actuaciones en directo eran todo lo contrario, siendo cada vez más experimentales y heavy. Page tomó buena nota de algunos aspectos escénicos que más tarde perfeccionaría con Led Zeppelin.

“Tenía cantidad de ideas que surgieron en las actuaciones con los Yardbirds. Con ellos tuve la oportunidad de improvisar en vivo y comenzé a coleccionar ideas que usaría en Led Zeppelin. Además quería añadir texturas acústicas. En definitiva, quería que la banda fuera una mezcla de blues, hard rock y música acústica, todo ello arropando una poderosa voz, una combinación que nadie había hecho antes. Una música llena de luces y sombras.”

Cuando Relf y McCarty abandonaron el grupo en 1968, Page reformó la banda reclutando al vocalista Robert Plant y al batería John Bonham. El bajista y arreglista John Paul Jones -a quien Page conocía de sus trabajos de session man- se les unió y nació Led Zeppelin, que en sus primeras actuaciones juntos se llamaban aún los New Yardbirds. La experiencia de Page como músico de sesión y como miembro de The Yardbirds se hizo notar desde el primer momento. En las labores de compositor, productor y guitarrista, Page ayudó a que Led Zeppelin se convirtiese en una de las más influyentes bandas de los años setenta y de la historia de la música rock, además de influir por sí sólo en numerosos guitarristas posteriores.

El riff orientado hacia el heavy metal de ‘Communication breakdown’, estuvo considerada por Johnny Ramone, guitarrista de la extinta y primeriza banda de punk The Ramones, como inspiradora del sonido acelerado y potente de la música de su banda. Por su parte, el solo de guitarra de ‘Heartbreaker’, tocado con las dos manos en el mástil de la guitarra, influyó definitivamente en Eddie Van Halen para popularizar esta técnica guitarrera en los años ochenta. El solo de ‘Stairway to heaven’, está considerado por numerosos aficionados como el mejor solo de la historia, mientras que el propio Page fue nombrado guitarrista del año cinco veces seguidas por la revista Creem durante la década de los setenta.

Tras la muerte de Bonham y la disolución de Led Zeppelin, Page siguió en solitario y colaboró, entre otros con David Coverdale. Efímera fue su experiencia en 1981 con Chris Squire y Alan White en el grupo XYZ (eX-Yes-Zeppelin), al que no se quiso sumar Plant, que encontraba los temas propuestos ‘complicados y carentes de sentimiento’, por lo que el proyecto fue aparcado. En 1984, ya superada su larga adicción a la heroína, publicó ‘The Honeydrippers’, un proyecto junto con Jeff Beck y Robert Plant, cuyo álbum de sólo cinco canciones obtuvo cierto éxito, sobre todo al single ‘Sea of love’.
Ese mismo año Page formó The Firm con Tony Franklin al bajo, Chris Slade a la batería y Paul Rodgers a la voz solista. En realidad Page quería contratar a Bill Bruford y Pino Balladino como batería y bajista, pero ambos estaban bajo contrato en otro sello. The Firm publicó dos álbumes, ‘The Firm’ y ‘Mean Business’ y en 1986 se separaron.

Dos años después Jimmy Page publica su primer (y hasta la fecha único) álbum en solitario, ‘Outrider’, fuertemente impregnado por su pasión por el blues, en el que retomaba sonidos de su época en los Yardbirds y en cuya grabación participó por primera vez el hijo de John Bonham, Jason, a la batería. En mayo Led Zeppelin volvieron a reunirse, de nuevo con Jason ocupando el puesto de su padre, para tocar únicamente en el concierto de celebración del 40 aniversario de Atlantic Records.

En 1994, Page y Plant se reunieron para grabar un concierto de la serie ‘Unplugged’ de la cadena MTV. El especial, renombrado como ‘Unledded’, no contó con la participación de John Paul Jones y fue uno de los programas más exitosos de la cadena. En octubre del mismo año, la grabación salió al mercado bajo el nombre de ‘No Quarter’, y debido al éxito de su gira de presentación, Page y Plant grabaron un nuevo disco juntos en 1998, ‘Walking into Clarksdale’.

El 10 de diciembre de 2007, Page y Plant retomaron el contacto con John Paul Jones y, como parte de un concierto tributo a Ahmet Ertegün -fundador de Atlantic Records– la mítica superbanda de los 70 actuó de nuevo en el estadio O2 Arena de Londres. En 2009 se estrenó por TV el documental ‘It might get loud’ de Davis Guggenheim, que reúne a Jimmy Page con otros dos virtuosos de la guitarra – The Edge de U2 y Jack White de The White Stripes y The Raconteurs – y en el que cada guitarrista revela las influencias que marcaron sus respetivos estilos. Presentado en el Festival de Cine de Toronto, el documental incluye canciones inéditas y una jam session de los guitarristas.

En diciembre de 2012, Page, Plant y Jones recibieron en una ceremonia celebrada en la Casa Blanca, los Kennedy Center Honours anuales de manos del presidente Obama. Es la más alta distinción del país a aquellos que han influido en la cultura norteamericna a través de las Artes. Durante la ceremonia, las hermanas Wilson de Heart, con Jason Bonham a la batería, realizaron una magnífica versión de ‘Stairway to heaven’. Plant, en uno de los palcos, no pudo reprimir unas lágrimas de emoción. Desde 2014, Page ha tratado infructuosamente de convencer a Robert Plant para una reunión de Led Zeppelin. En 2014 anunció que tenía en proyecto formar una nueva banda para tocar sus éxitos desde los tiempos de los Yardbirds.

28 de Diciembre – Richard Clayderman

Philippe Pagès (París, 28 de diciembre de 1953), conocido por su nombre artístico Richard Clayderman, es un pianista francés.

Actualmente es reconocido como uno de los pianistas de música ligera más exitosos a escala mundial, con más de 70 millones de discos vendidos siendo premiado con 267 de oro y 70 de platino y habiendo realizado más de 600 conciertos alrededor del mundo.

Es especialmente conocido por su interpretación de “Balada para Adelina” (“Ballade pour Adeline”). Comenzó sus estudios de piano a muy temprana edad de la mano de su padre, quien era un profesor de música.

Con 12 años ingresó en el Conservatorio de Música de París, donde cuatro años después obtuvo el Primer Lugar al Mérito. Sus primeros pasos como músico profesional los dio tocando en sesiones de grabación para poder seguir pagando sus estudios de capacitación y perfeccionamiento. En función de ello y de su especial talento tocó en grabaciones de Michel Sardou, Thierry LeLuron y Johnny Halliday.

En 1976 es convocado junto con otros 20 pianistas por el productor discográfico francés Olivier Toussaint y su socio, el compositor Paul de Senneville para realizar una prueba para la empresa discográfica francesa Disques Delphine para grabar algunas baladas.

Clayderman fue elegido y entraría a los estudios de grabación para realizar su primer álbum titulado con su nombre. En este álbum ejecutó el piano y el sintetizador siendo este uno de los dos que realizara con este instrumento.

La mundialmente famosa Ballade pour Adeline, compuesta por Paul de Senneville en honor de su hija, recién nacida entonces, fue una de las piezas de este álbum que lo lanzó al estrellato mundial. Este sencillo vendió alrededor de 22 millones de copias en más de 30 países.

Actualmente lleva grabadas más de 1500 piezas musicales distintas, entre ellas El Vals Del Recuerdo de Marcelo Boasso, Yesterday (de The Beatles), The Sound of Silence y Strangers in the night. Ha grabado dos discos acompañado por la orquesta del músico alemán James Last.

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