Category Archives: Efemérides musicales

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21 de julio – Cat Stevens

Yusuf Islam, nacido Steven Demetre Georgiou y más conocido como Cat Stevens, su antiguo nombre artístico (Londres, 21 de julio de 1948), es un músico británico.

el cantautor británico Cat Stevens, que en 1975 estuvo a punto de morir ahogado en una playa de Malibú (California). El convencimiento de que la ola que lo devolvió a la orilla y le salvó, tuvo intervención divina y el hecho de que unos días después su hermano le regalara un Corán, fueron dos acontecimientos que cambiaron su vida. En diciembre de 1977 se convirtió al Islam, cambió su nombre por el de Yusuf Islam y regaló sus guitarras, abandonando una brillante carrera musical.

Nacido como Steven Georgiou en Londres de padre griego y madre sueca  -aunque sus padres profesaban las religiones ortodoxa y babtista respectivamente-, Steven estudió en una escuela católica. Más tarde pasó por varias escuelas del West End en las que sólo despuntaba en las asignaturas artísticas, por lo que consideró hacerse ilustrador, para lo que se matriculó en la Hammersmith School of Art. Pero sus intenciones eran triunfar en la música como autor y cantante y a partir de 1965 comenzó a actuar en los pequeños clubes y bares de Hammersmith bajo el nombre de Steve Adams, que luego cambió por Cat Stevens, sugerido por una de sus primeras novias que decía que tenía ‘ojos de gato’.

En 1966, con 18 años, llamó la atención del productor Mike Hurst, quien le ayudó a grabar una maqueta y le consiguió un contrato discográfico. Sus primeros singles fueron hits: ‘I love my dog’ fue nº 28 y ‘Matthew and son’, el título de su álbum debut, alcanzó el nº2 de las listas británicas. Los dos años siguientes, Stevens grabó e hizo giras con artistas tan dispares como Jimi Hendrix y Engelbert Humperdinck. Su siguiente álbum, ‘New Masters’, que no logró entrar en las listas, contenía su canción ‘The first cut is the deepest’, que Stevens vendió a P.P. Arnold por 30 libras. En versión de ella fue un éxito masivo, así como más tarde para Rod Stewart, James Morrison y Sheryl Crow.

En 1969 Stevens contrajo tuberculosis y cuando fue ingresado en el Hospital King Edward VII de Midhurst, estuvo cercano a la muerte. Pasó meses en el hospital y un año de convalecencia, tiempo durante el cual, Stevens se planteó muchas preguntas existenciales y espirituales. “Salir de la industria del espectáculo y verte de repente en un hospital en el que te suministran inyecciones día sí y día también y en el que la gente a tu alrededor se muere, cambia poderosamente tu perspectiva ante la vida. Parecía que hasta entonces había mantenido los ojos cerrados”.

Practicó la meditación, el yoga, estudió otras religiones y se hizo vegetariano. En su larga convalecencia tuvo tiempo de escribir alrededor de cuarenta canciones, muchas de las cuales aparecerían en sus futuros discos, que se publicarían bajo el sello de Island Records, en el que le prometieron libertad creativa absoluta, bajo producción de Paul Samwell-Smith, ex-bajista de los Yardbirds.

Su tercer trabajo y primer álbum con Island Records, ‘Mona Bone Jakon’ (1970), en el que se apartaba de su anterior estilo pop y se decantaba más por un folk-rock intimista, fue un claro ejemplo del formato de disco de cantautor que muchos otros artistas adoptarían a partir de entonces. El disco (cuyo nombre era una expresión que usaba Stevens para denominar su pene), contenía varias canciones dedicadas a su ex-novia Patty D’Arbanville como ‘Maybe you’re right’ y ‘Lady D’Arbanville’, su primer hit (nº 8) en EEUU. Otros tres temas (‘Trouble’, ‘I wish I wish’ y ‘I think I see the light’) del álbum fueron incluidas en la comedia negra de culto ‘Harold y Maude’ en 1971.

Su cuarto trabajo, ‘Tea for the Tillerman’ (1970), fue disco de oro en EEUU y el Reino Unido y Top10 en las listas Billboard. El álbum incluía ‘Wild world’, su canción de despedida de Patti, ‘Where do the children play’ (también incluida en ‘Harold y Maude’), ‘Hard headed woman’ y la conocidísima ‘Father and son’, cantada en tonos de barítono y tenor, escenificando la conversación entre un padre y su hijo, el cual se enfrenta por primera vez a tomar sus propias decisiones en la vida.

Su quinto álbum ‘Teaser and the Firecat’ (1971) alcanzó el nº2 de las listas y contenía tres hits: `Peace train’, ‘Morning has broken’ y ‘Moonshadow’. “Moonshadow se me ocurrió en Ibiza. Me fui allí completamente solo para alejarme de un par de cosillas. Y estaba en aquella cala con rocas, bailando en la orilla del agua bajo aquella inmensa luna llena. Nunca había visto la luna y las estrellas en todo su esplendor -yo era un chico urbano y de noche siempre había farolas- y de repente vi mi propia sombra en el agua. Es algo que no había visto antes en mi vida. Comenzé a cantar mientras bailaba y la melodía y la letra salieron solas, sin esfuerzo”.

Durante siete meses de ese año, Cat Stevens estuvo relacionado sentimentalmente con la cantautora norteamericana Carly Simon, que le dedicó a Stevens dos de sus éxitos, ‘Legend in Your Own Time’ y ‘Anticipation’. Cat correspondió con ‘Sweet scarlet’.

‘Catch Bull At Four’ (1974) fue su álbum de mayor éxito en EEUU manteniéndose tres semanas en el nº1. En este nuevo trabajo, Stevens abandonó su tono acústico anterior, introduciendo sintetizadores y otros instrumentos. A pesar del éxito del álbum no produjo ningún hit significativo en single, si exceptuamos ‘Sitting’ que alcanzó el puesto 16 de las listas.

Los siguientes álbumes de Cat Stevens siguieron funcionando bien en las listas y en las ventas, aunque no en la misma medida que los anteriores. En 1973 se exiló en Brasil por motivos de impuestos, y allí compuso las canciones de su  álbum, ‘Foreigner’, que se apartaba más aun de la música que había compuesto hasta entonces. Prescindió de su grupo habitual y del productor que le había ayudado alcanzar la fama, Samwell-Smith, y sustituyó las habituales guitarras por teclados mostrando una incursión en el funk/soul contemporáneo de la época. Una de las caras del álbum, ‘Foreigner suite’ era un tema de más de 18 minutos, sin cortes, por lo que no tenía el formato ideal para su emisión por la radio.

Hasta 1978 publicaría cuatros álbumes más como Cat Stevens: ‘Buddha and the Chocolate Box’ (1974), que contenía el tema ‘Oh very young’; ‘Numbers’ (1975), un álbum conceptual cuyo subtítulo rezaba: ‘Un cuento sobre la teoría de Pitágoras’, que sería su álbum menos vendido; ‘Izitso’ (1977), que contenía su última entrada en listas, ‘(Remember the days of the) Old schoolyard’, un dueto con la cantante británica Elkie Brooks y ‘Back to Earth’, publicado a finales de 1978 y en el que volvía a contar con Samwell-Smith a la producción.

En este punto ya se había hecho musulmán y había regalado y donado todos sus instrumentos. Desde entonces se dedicó a la educación (ha fundado tres escuelas de gran reputación en el Reino Unido) y a causas filantrópicas (ha donado gran parte de su fortuna a damnificados de guerras y desastres naturales), además de recibir reconocimiento y premios -como el Man for Peace de 2004, promovido por Gorbachov- por su labor en pro de la paz.

Aunque publicó algunos discos como Yusuf Islam con textos hablados y canciones religiosas -no carentes de belleza- fue en 2004 cuando bajo el nombre artístico de ‘Yusuf’ apareció de nuevo en las listas pop interpretando junto al irlandés Ronan Keating una versión de su éxito ‘Father and son’. En 2005 publicó un nuevo single, ‘Indian ocean’, su primera composición desde su retiro en 1978. Una canción épica de seis minutos inspirada en la tragedia del tsunami acontecido en 2004 en India, Sri Lanka y Tailandia, cuyos beneficios fueron donados a los orfanatos de una provincia de Indonesia.

En 2004, Yusuf acompañó a Joe Satriani en la demanda por plagio que se interpuso contra la banda Coldplay y su tema ‘Viva la Vida’. Ambos artistas aseguraban que la melodía de Coldplay tenía demasiadas similitudes, tanto de ‘If I could fly’ de Joe Satriani, como de ‘Foreigner Suite’ de Cat Stevens. En 2009 Yusuf manifestó que les había perdonado y que estaría encantado de tomar el té con ellos.

Dos años después publicó el álbum ‘An Other Cup’ con el que pareció continuar la línea folk-rock que había dejado en su último trabajo ‘Back to Earth’ como Cat Stevens 28 años antes.

Cuando se le preguntó si esto significaba la vuelta de Cat Stevens a los escenarios, comentó: “Creo que nunca llegué a considerar la música como algo blasfemo. Pero necesitaba una pausa. Tenía que alejarme del negocio musical si quería seguir el camino que me había marcado. Había encontrado muchas respuestas en el Corán a grandes preguntas existenciales. Hubiera sido hipócrita por mi parte haber seguido como una burda imitación de mí mismo. Pero nunca dije que no volvería a hacer música. Sólo que en aquel momento había otras cosas en la vida que tenía que realizar.”

El día que su mujer le regaló hace unos años una guitarra a su hijo, volvió a componer canciones. “Le compró aquella Gibson negra, que me topaba constantemente por todos los rincones de casa, y fue difícil resistirme a cogerla. Cuando lo hice, me alegré de recordar todavía los acordes”.

La música vuelve a ocupar un lugar importante en su vida. Incluso ha vuelto a tocar junto a Alun Davies, el guitarrista que le acompañó en prácticamente todos sus hits. “La música es una dama que aún amo, porque me da el aire que respiro”, comenta citando uno de sus viejos temas, “Necesitamos todo tipo de alimentos y la música satisface y alimenta nuestra necesidad de conectar y armonizar con el mundo exterior. Es parte del Universo de Dios”. Sin embargo, insiste en no arrepentirse de haber desconectado tanto tiempo de la música. “Para conseguir ser lo que quieres ser, tienes que dejar de ser lo que has sido,” comenta Yusuf, que sigue desaprobando los “aspectos negativos que acompañan al negocio musical, como las fiestas, el alcohol y el sexo”

En 2004 fue víctima de una confusión de identidad en el aeropuerto de Nueva York cuando se disponía a entrar en el país para unos conciertos junto a Dolly Parton. Durante dos años estuvo considerado sospechoso de ser un terrorista vinculado a la organización palestina Hamas y tuvo vetada la entra en Estados Unidos. En 2006, fue admitido de nuevo sin problemas. Este incidente sirvió de inspiración para el tema ‘Boots and sand’, que se publicó en 2008 con las colaboraciones de Paul McCartney, Alison Kraus, Dolly Parton y Terry Silvester. A estas alturas, también estaba olvidada la polémica que surgió en 1989, cuando los tabloides británicos tergiversaron sus palabras acerca del escritor Salman Rushdie, autor de los versos satánicos, en los que vincularon a Yusuf con la fatwa (orden de asesinato) lanzada por el ayatollah Jomeinei contra el escritor anglo-indio. Un poco después hizo un comunicado donde dejaba muy claro que, aunque detestaba el contenido del libro, no estaba de acuerdo con la fatwa, manifestando: “Según la ley del Islam, los musulmanes deben ceñirse a las leyes de los países donde tengan residencia”.

En 2009 se publicó ‘Roadsinger’ un nuevo álbum de esta nueva etapa de ‘el artista antes conocido como Cat Stevens’, como reza junto a su nombre musulmán. Yusuf ha vuelto a los estudios de TV de todo el mundo para promocionar sus nuevos álbumes, en marzo de 2011 puso a disposición de sus seguidores un nuevo tema para descargar desde su página, ‘My people’, el mes de junio terminó su primera gira europea en 36 años y asesoró un montaje escénico musical, ‘Moonshadow’ basado en sus canciones. que se estrenó en Melbourne (Australia) en mayo de 2012.

En abril de 2014 Art Garfunkel ofició de presentador en la admisión de Yusuf, bajo el nombre de Cat Stevens, en el Salón de la Fama del Rock and Roll, celebrada en el Barclays Center de Nueva York. En la ceremonia el músico interpretó tres de sus éxitos: ‘Father and son’, ‘Wild world’ y ‘Peace train’.

En Octubre de 2014 apareció su trabajo más reciente: el álbum ‘Tell ‘Em I’m Gone’.  El año 2015 actuó en el Festval de Viña del Mar en Chile y en 2016 publicó el single ‘He was alone’, además de realizar una gira por Estados Unidos que incluyó tres shows en Nueva York, donde no actuaba desde 1976. Parte de la recaudación se donó a UNICEF así como al Comité Internacional de Rescate que se encarga de los niños refugiados sirios.

21 de julio – Litto Nebbia

Félix Francisco Nebbia Corbacho, más conocido como Litto Nebbia (Rosario, Provincia de Santa Fe, 21 de julio de 1948) es un cantante, músico y compositor argentino.

Es considerado como uno de los fundadores del rock en español, en particular del rock argentino. Su canción “La Balsa” de 1967 (en coautoría con Tanguito), interpretada por su banda Los Gatos, desató el éxito masivo del rock en español en Argentina y ha sido considerada la mejor canción rock de la historia argentina, según la revista Rolling Stone y la cadena MTV.

A fines de la década de 1970 fundó el sello independiente Melopea Discos. En 1985 recibió un Premio Konex de Platino como el mejor Autor/Compositor de Rock.

Félix Francisco Nebbia Corbacho nació en Rosario, provincia de Santa Fe el 21 de julio de 1948. Hijo de músicos humildes de origen piamontés, comenzó a trabajar como tal desde niño, abandonando el colegio. En Rosario integró, teniendo quince años de edad, como cantante los Wild Cats (luego renombrada con su traducción española, Los Gatos Salvajes), una de las primeras bandas argentinas de rock liderada por Ciro Fogliatta (fue también una de las primeras bandas de rock en español). Con esta banda se trasladó a Buenos Aires (ciudad distante a 300 km de Rosario), en 1963 para realizar varias presentaciones en el popular programa televisivo Escala Musical, viviendo con Fogliatta y otros músicos en una humilde pensión del barrio de Once, llamada Hotel Santa Rosa. Cuando el contrato con la televisión se interrumpió obtuvo empleo ejecutando el bajo en un precario local musical llamado La Cueva, ubicado en Barrio Norte (Pueyrredón 1723).

Poco a poco Litto Nebbia fue consiguiendo colocar a sus músicos amigos en la banda que tocaba en La Cueva, hasta formar Los Gatos. Simultáneamente La Cueva se convirtió en el centro de concentración del pequeño grupo de músicos roqueros y seguidores que había por entonces en el país. La costumbre de ese grupo era que, una vez finalizadas las sesiones musicales en La Cueva, se trasladaban a la cercana Plaza Francia o a bares que permanecían abiertos toda la noche, para continuar tocando e intercambiando ideas musicales, hasta el amanecer. Uno de esos bares era la pizzería La Perla del Once, donde compuso con Tanguito en 1967 el famoso tema «La Balsa» que se volvería un éxito masivo y revolucionaría el rock en español.

Tuvo su primer gran éxito con el mencionado tema “La Balsa”, un sencillo de 1967 que vendió más de 200.000 copias, compuesta a dúo con Tanguito (José Alberto Iglesias). Fue líder del histórico grupo Los Gatos, banda pionera del rock argentino.

También tuvieron una notoria aparición en la película chilena Ayúdeme usted compadre de 1968, donde aparecían como personajes secundarios. Ese mismo año lanzan el éxito Viento dile a la lluvia, creado por Litto Nebbia que fue lanzada primero como sencillo en 1968, y luego incluida como tema del álbum del mismo nombre, lanzado ese año. Fue uno de los grandes éxitos de Los Gatos, probablemente el más importante luego de “La balsa”.

Por diferencias musicales y, principalmente, por no tener en claro cuáles serían los pasos a seguir, el grupo estuvo disuelto entre 1968 y 1969, en su segunda etapa Kay es reemplazado por Pappo cambiando el estilo de grupo; sin embargo, a fines de 1970, el grupo se desarma. A partir de ese momento, continuaría su dilatada carrera como solista. Con alrededor de cien álbumes editados y otras colaboraciones en trabajos ajenos, siendo uno de los músicos más prolíficos de Argentina. En 1983 editó cinco discos. «Yo casi no selecciono, dejó que eso lo haga el público», llegaría a reconocer más adelante.

«Mejor instrumentista que cantante, mejor melodista que letrista», lo define Eduardo Berti. Su primer trabajo, Litto Nebbia (1969), coincide con el estreno de la película El extraño del pelo largo, dirigida por Julio Porter, en la cual presenta varias de sus canciones. Antes habían editado el sencillo “Rosemary”/”Lo que te hace falta es amor”. En 1971 fundó la Nebbia’s Band, con la que grabó un disco homónimo enrolado en el jazz rock.

En 1972 rompió la frontera entre la música rock y el folclore, al presentarse a tocar chacareras acompañado por el prestigioso percusionista Domingo Cura, durante el festival BA Rock de 1972, llevado a cabo a fines de ese año (esta experiencia se puede ver en la película Rock hasta que se ponga el sol). Ese mismo año Nebbia edita su álbum Despertemos en América, con sonoridades folclóricas y acústicas y la colaboración -una vez más- de Domingo Cura en percusión. Su siguiente experiencia grupal sería Huinca, junto al baterista (también rosarino) Oscar Moro, Cacho Lafalce y Gabriel Ranelli, con quienes lanza el LP Huinca, también en 1972.

Hacia 1973 comienza a inclinarse más hacia el jazz rock y el rock progresivo, con el Litto Nebbia Trío, realizando algunos de sus más conocidos trabajos, como Muerte en la catedral (1973) y Melopea (1974). A mediados de los años 70 Nebbia se volcó al rock sinfónico con tintes jazzísticos, a través de discos como Fuera del cielo (1975), Bazar de los milagros (1976) y El vendedor de promesas (1977). Del mismo modo, en 1975 produjo el álbum En el hospicio del dúo Pastoral, primer vinilo eléctrico del famoso dúo y que definitivamente los hizo muy populares.

A raíz de la última dictadura militar argentina Nebbia se radicó durante unos años en México junto a su pareja y colaboradora Mirtha Defilpo, a fines de los años 1970 y principios de los años 1980, donde compuso una de sus canciones más famosas, “Sólo se trata de vivir”, asimismo en México crea su propio sello Melopea, nombre tomado de su álbum de 1974.

Los días del golpe fueron la confirmación “blanqueada” de lo que muchos de los ciudadanos ya sabíamos que estaba sucediendo: allanamientos, prohibiciones y detenciones. Yo comencé a figurar como artista prohibido, censurado en los medios: de pronto iba a un programa de TV y al llegar me comunicaban que no se iba a hacer porque había llegado una orden de que estaba prohibido. Muchas canciones mías hablan de ese tiempo, del clima que se vivía. Terminado el Mundial, no aguanté más. Me amenazaban mucho y me seguían por las calles. Con los últimos pesos que me quedaban, me marché a México, donde permanecí más de tres años en la colonia Niños Héroes. Ahí compuse “Sólo se trata de vivir”, “Para John”, “Canción del horizonte” y otras. Muy solidarios los mexicanos, me ayudaron mucho.

En 1982 regresó a la Argentina de manera estable y se unió a Los Músicos del Centro, banda de apoyo con quienes editó dos discos. A fines de ese año también participó del festival BA Rock ’82, llevado a cabo al aire libre en las instalaciones del Club Obras Sanitarias.

En mayo de 1983 participó de «El Rosariazo» en el Estadio Obras, un show que reunió a Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré, Fito Páez, Lalo de los Santos y Jorge Fandermole, entre otros, mientras que ese mismo año aparece Para que se encuentren los hombres, álbum grabado junto al Cuarteto Zupay. A partir de los años 1980, Litto comienza a realizar bandas de sonido para películas, e incluso obras de teatro, algunas de sus colaboraciones más destacables en este campo se han dado con el realizador Eduardo Mignogna.

En 1986 edita su LP número cincuenta, Demasiadas maneras de no saber nada, grabado en los estudios RCA. Lo acompañaron Manolo Yanes (sintetizadores y máquinas), César Franov (bajo), Norberto Minichillo (batería), Cacho Tejera (percusión), Fats Fernández (trompeta), Bernardo Baraj (saxo), Ricardo Lew (guitarra y arreglos), el rosarino Lalo de los Santos (bajo y coros) y Alejandro del Prado (coros).

En esos años Nebbia grabaría varios discos en colaboración, como Musiqueros, con Bernardo Baraj y Lucho González (1987), Las tres corazonadas, con Bernardo Baraj y Luis Borda (1989), como también Las aventuras de Rubén Rada & Litto Nebbia, con Rubén Rada (1990)

Al frente de su propio sello Melopea Discos, y ya de manera estable desde fines de los años 80, Nebbia viene editando sus propios álbumes, reeditando sus viejos trabajos como solista, y publicando discos de gran cantidad de músicos argentinos, mayormente de tango, folclore, jazz y canción popular. Editó material inédito de los tangueros Cobián y Cadícamo, de Roberto Goyeneche en vivo, del pianista y compositor folclórico Cuchi Leguizamón, dijo al respecto: “Para mí, esto no es un negocio. Si lo hago bien voy a sacar algo de plata, que me permitirá hacer más cosas, nada más. Ni soy un mecenas ni me lleno de plata”.

Un ejemplo de ello es el disco Nebbia canta Cadícamo (1995), una recopilación de tangos inéditos que Enrique Cadícamo había compuesto y Nebbia rescató del olvido. Entre ellos, Nada me debes, Carne y uña y Sea breve. El material fue presentado en el Teatro General San Martín ante casi 900 personas. Asimismo lanzó Páginas de vida, título de un CD-Rom (el segundo del rock nacional argentino, después de Los 7 Delfines) a través del cual se puede acceder a toda la biografía de Nebbia y la historia de sus grupos. Por otra parte, y durante las décadas del 90 y 2000, Litto edita álbumes en colaboración con diversos artistas como Lito Vitale, Victor Biglione, Zé Renato, el percusionista uruguayo Cacho Tejera, Domingo Cura; o el CD Danza del corazón, con su banda de apoyo La Luz, entre otros. Entre 1999 y 2000 publica la serie homenaje a Los Beatles Beatles Songbook, que constó de tres CD, mientras que en 2002 edita un tributo a Brian Wilson, líder histórico de los Beach Boys.

En 2006 graba junto a Andrés Calamaro el disco El Palacio de las Flores, que finalmente salió publicado sólo a nombre de Calamaro. El disco recoge temas compuestos por los dos músicos, así como una versión de Armando Manzanero. En tanto en el año 2007 Litto reunió a sus viejos compañeros de Los Gatos, presentándose en vivo, y editando el CD Reunión 2007 en vivo por Melopea; el disco incluye la participación de Fito Páez, y una nueva versión de La Balsa grabada en estudio. En 2011 participa como compositor musical en el film Sueños y pesadillas1​ de Roberto Aguerre. A fines de ese mismo año lanza la ambiciosa caja La canción del mundo, que incluye tres discos de audio más un DVD.

Actualmente Litto Nebia vive en la localidad de Tigre, suburbio bonaerense cerca del Delta del Paraná.

El 15 de diciembre de 2013, fue homenajeado en la ciudad de Mendoza, por su trayectoria artística en un festival llamado “Solo se trata de vivir, desde siempre”, en donde actuaron Claudia Puyó, Lito Vitale, Hugo Fattoruso, Juan Carlos Baglietto, Man Ray, Kevin Johansen, Gonzálo Aloras y artistas mendocinos, entre ellos Orozco – Barrientos y Sebastián Garay.2​

El 25 de mayo de 2014 formó parte de los festejos por el aniversario de la Revolución de Mayo, en el marco del show “Somos Cultura” del Ministerio de Cultura de la Nación.3​

En 2015 obtuvo otro Premio Konex – Diploma al Mérito en la disciplina Autor/Compositor.

20 de julio – Carlos Santana

Carlos Humberto Santana Barragán (Autlán de Navarro, Jalisco, México, 20 de julio de 1947), es un guitarrista mexicano-estadounidense de rock, ganador de varios premios Grammy.

Es considerado el 5º mejor guitarrista de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone. Santana ha vendido más de 90 millones de álbumes en todo el mundo contando las ventas con su antigua banda y su carrera en solitario.

Está casado con Cindy Blackman, conocida por ser baterista de Lenny Kravitz. Su hermano, Jorge Santana, también es músico, fue fundador del grupo Malo con quién tuvo el éxito “Suavecito” y tocó con la Fania All-Stars, y también toca la guitarra.

El mundo adoptó a Carlos con pasión. Estaban fascinados con su música siempre cambiante, exaltadora, creciente y consistente. Cada nuevo estreno, incluyendo ocho álbumes de oro y siete de platino, llegó de ser un reflejo del crecimiento y evolución personal de Carlos. Los aficionados también fueron encantados con sus mensajes, incitaciones gentiles hacia la paz, compasión, alegría y comprensión que consistentemente ha entregado de manera sincera y personal en sus espectáculos en más de 50 países.

Desde el álbum de estreno del conjunto de Santana, Santana, con el que consiguió doble platino y el siguiente de cuádruple platino de Abraxas, hasta el amplio retrospectivo juego encajado, Dance of the Rainbow serpent, estrenado en 1995, desde las obras solistas exitosas de Carlos, influenciadas por el jazz, al emocionante y sumamente personal Blues for Salvador, a su estreno especial en el álbum de John Lee Hooker, Chill Out… desde el álbum producido por G&G, Brothers, (que incluyó canciones por Carlos, su hermano Jorge y su sobrino, Carlos Hernández), hasta el estreno en 1996 de Mystic Man, por el compositor italiano, Paolo Rustichelli… Así como su participación en el Concierto para Bangladesh en 1971 con solo una interpretación ¨Black Magic Woman¨ …desde el vídeo retrospectivo en 1988, ¡Viva Santana!, hasta el vídeo del concierto en América del Sur en 1993, Sacred Fire, al estreno en 1997 del CD-ROM, The History of Santana: the river of color and sound y Live at the Fillmore (1968), un CD doble que muestra sesiones grabadas en los espectáculos del conjunto en 1968 en el club legendario San Francisco, queda claro que Carlos siempre demuestra una pasión intransigente para su expresión musical.

Esta pasión le ha permitido aventurarse en nuevos territorios tanto geográficos como musicales, incluyendo escorificar la película principal La Bamba, lanzarse en un recorrido en 1988 con el saxofonista de jazz Wayne Shorter y participar en el “Rock’n Roll Summit” de 1987, el primer concierto patrocinado en conjunto por los EE.UU. y la Unión Soviética en toda la historia. Además de ser un presente para beneficio de varias causas notables, tales como “Blues for Salvador”, “California Earthquake Relief”, huérfanos de Tijuana, los derechos de Gente Indígena y educación para la juventud latina en sociedad con Hispanic Media & Education Group (HEMG, por sus siglas en inglés).

A Carlos se le ha votado el mejor guitarrista de rock en un escrutinio de la revista Playboy y, en 1977, el conjunto Santana fue el primero en ganar honores de CBS Records Crystal Globe Award por haber vendido 5 millones o más álbumes internacionalmente.

Recibió un Grammy para el mejor espectáculo instrumental de rock en 1988 además de ser el sujeto de un concierto de tributo especial patrocinado por N.A.R.A.S. (por sus siglas en inglés) durante la celebración de los Honores del Grammy en 1996 en coyuntura con su inducción dentro del Hollywood Rock Walk. Recibió diez honores de Bammy I incluyendo seis de El Mejor Guitarrista y tres honores de Músico del Año) y, en 1997, fue entre el grupo inaugural, junto con los finados Bill Graham y Jerry García, elegido al Bammy Hall of Fame.

En 1996, Carlos recibió Honor de Billboard Century, el honor más alto de la revista Billboard Magazine, para logro creativo, y fue nombrado Leyenda de la Música Latina del Año por el Chicano Music Awards en 1997. Además de sus honores musicales, Carlos también recibió numerosas alabanzas cívicas y humanitarias, incluyendo el Honor de Arthur M. Sohcot en 1997 para Servicio Público y Excelencia en su Espectáculo, en 1997, el honor de Golden Eagle Legend in Music de “Nosotros”, un “Honor de Logro Especial” en 1999 la ceremonia de Honores del American Latino Media Arts (ALMA, por sus siglas en inglés). Y, el 17 de agosto de 1998, Carlos recibió su “estrella” en el Hollywood Walk of Fame, (el camino de la fama de Hollywood). Hoy en día, las ventas de Santana superan los 50 millones de discos.

El 25 de febrero de 2009 realizó su primera presentación en la 50ª edición del Festival de la Canción de Viña del Mar, en las cuales sumió al público en un trance de rock y ritmos tropicales durante 2 horas, las cuales le valieron llevarse los 3 trofeos que se entregan en esta cita (antorcha de plata, antorcha de oro y gaviota de plata).

20 de Julio – Paul Cook

Paul Cook (Londres, Inglaterra, 20 de julio de 1956) es un baterista británico conocido principalmente por su participación en el grupo punk Sex Pistols durante la existencia estable del mismo (1975 a 1978) y las giras posteriores de 1996 a 2008.

Cook nació y se crio en el barrio de Hammersmith. A diferencia de su amigo Steve Jones, que luego sería junto a él uno de los miembros fundadores de Sex Pistols, Paul venía de una familia económicamente estable y era muy reservado y tranquilo.

El baterista tuvo un buen rendimiento académico en la escuela hasta que conoció a Steve Jones y Wally Nightingale con quienes formó la banda The Strand en 1972.

Paul también se convirtió al comprar su batería en el primer integrante en invertir dinero en instrumentos en lugar de robarlos (pero su primer kit fue robado, según jones).

Con el paso del tiempo, y tras la incorporación de Glen Matlock en bajo y Johnny Rotten como cantante, The Strand se convertiría en Sex Pistols.

Luego de la separación práctica de la banda tras la ida de Johnny Rotten en 1978, Cook y Jones tocaron en la banda sonora de la película de Malcolm McLaren The Great Rock ‘n’ Roll Swindle acreditadando con el nombre Sex Pistols algunas de sus canciones como por ejemplo “Silly Thing”, cantada por el propio baterista.

Luego de eso, la banda se disolvió formalmente y Paul formó junto a su compañero Steve Jones The Professionals en julio de 1980. Su segunda banda lanzó cuatro sencillos y un álbum, pero no logró mayor éxito comercial ni crítico.

Pocos años después Paul colaboró en la producción del álbum debut de la banda New Wave Bananarama, titulado Deep Sea Skiving.

Paul y Steve también participaron en el LP So Alone de Johnny Thunders tocando en la canción “London Boys” (en español “Muchachos de Londres”).

A fines de los años 1980 el baterista retornó a la industria musical para tocar en el grupo Chiefs of Relief junto al ex guitarrista de Bow Wow Wow Matthew Ashman y, tras otro período de inactividad, tocó con Edwyn Collins en los ’90.

En el año 1992 Paul inauguró una tienda de ropa en Barcelona en la Plz Regomir llamada Planet Earth, conjuntamente con John Egan, antiguo peluquero de la época Punk en Londres y amigo de Paul.

En 1996 se reunió con los Sex Pistols, ya sin el fallecido Sid Vicious, para la gira Filthy Lucre.

En la actualidad, Cook vive con su esposa Jenny y su hija Holly en Shepherds Bush y toca intercaladamente en la banda Man-Raze y con Edwyn Collins.

19 de julio – Brian May

Brian Harold May, CBE (Hampton, Londres, Inglaterra; 19 de julio de 1947) (70 años)es un músico y astrofísico británico. Es conocido mundialmente por ser guitarrista, compositor, vocalista y en ocasiones tecladista de la exitosa banda británica Queen.

Compuso muchos de los grandes éxitos de Queen, y utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special.

Es considerado uno de los guitarristas más grandes y originales de la historia.​ En 2003 la revista Rolling Stone lo nombró como en el puesto 26 de su lista de los guitarristas más grandes de todos los tiempos.

En 2011, la misma revista en una nueva lista, lo posicionó nuevamente en el puesto número 26. En 2005 una entrevista de Planet Rock lo ubicó como el puesto 7 de los mejores guitarristas.

En 2005 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico por sus “servicios a la industria de la música”.

May obtuvo un PhD en astrofísica en el Imperial College, y desde abril de 2007, fue elegido rector honorífico de la Universidad John Moores.

En 1970, tras incorporar a Farrokh Bulsara, ahora Freddie Mercury, nombraron a la banda como Queen. Luego de pasar por varios bajistas, comenzaron a buscar uno permanente, y así conocieron a John Deacon. Tras una audición, incorporaron a Deacon a la banda en mayo de 1971.

Junto a Mercury fueron los principales compositores de Queen. May, compuso canciones para todos los álbumes y varios de los éxitos mundiales de la banda, como “We Will Rock You, “Tie Your Mother Down”, “Fat Bottomed Girls”, “Keep Yourself Alive”, “Who Wants to Live Forever?”, “Hammer to Fall”, “Save Me”, “I Want it All”, “The Show Must Go On” y “No-One But You (Only The Good Die Young)”

Como cantante en la banda se desempeñó en canciones como “Some Day One Day”, “She Makes Me (Stormtrooper in Stilettos)”, “’39”, “Good Company”, “Long Away”, “Sail Away Sweet Sister (To The Sister I Never Had)”, “All Dead All Dead”, Leaving Home Ain’t Easy”, “Sleeping On The Sidewalk”, “Who Wants to Live Forever?”, “I Want it All”,”Lost Oportunity”, “Let Me Live”, y “No-One But You (Only The Good Die Young)”

Desde 2005 hasta 2009, Brian trabajó en el proyecto post-Queen, Queen + Paul Rodgers, que juntó a May y Taylor con Paul Rodgers, ex cantante de Free y Bad Company. Con esta banda realizaron un exitoso tour llamado “The Return of The Champions” (El regreso de los campeones) en el año 2005.

El 15 de septiembre de 2008, salió a la venta el primer disco de estudio de Queen+PR, titulado “The Cosmos Rocks””, y es el segundo bajo el nombre de Queen desde la muerte de Freddie Mercury, después de “Made in Heaven”. El álbum contiene catorce canciones nuevas, incluyendo el exitoso single “Say It’s Not True”.

A fines de 2008 finalizó el Tour Mundial “The Cosmos Tour”, que los llevó por Europa, Asia, América del Norte, y fue motivo del retorno de May y Taylor a tocar en escenarios de Sudamérica. Tras finalizar la gira, Paul Rodgers anunció que terminaba de forma amistosa su colaboración con Queen.

May es conocido por rasguear las cuerdas con una moneda británica de seis peniques. Según él, con ella logra un sonido mucho más metálico y con más cuerpo. Sus solos de guitarra y riffs históricos estaban dotados de armonía, lo que Freddie hacía con la voz se puede decir que Brian lo hacía con su guitarra Red Special.

En 1983, los miembros de Queen experimentaron trabajos solistas. El 21 y 22 de abril en Los Ángeles, May grabó su primer trabajo solista; un mini EP titulado Star Fleet Project, en el que colaboró con Eddie Van Halen. En 1986 colaboró con Ramoncín tocando la guitarra en la canción “Como un susurro”.

El 5 de abril De 1992, cinco meses después de la muerte de Mercury, se organizó el “Concierto Tributo a Freddie Mercury”, junto con Roger Taylor y John Deacon, con el fin de recaudar fondos para la cura del sida.

El 28 de septiembre del mismo año, editó su álbum Back to the Light que tuvo un gran éxito con canciones como “Too Much Love Will Kill You” y “Resurrection”. A finales del año formó The Brian May Band, con miembros como Cozy Powell en la batería y Spike Edney en los teclados, saliendo a una gira mundial, que lo llevó a editar un álbum en vivo titulado “Live at the Brixton Academy”.

Luego de que la gira promocional terminase el 18 de diciembre de 1993, May volvió junto con Taylor y Deacon, los miembros supervivientes de Queen, para grabar el trabajo final de la banda, Made in Heaven.

En 1998 editó su trabajo solista Another World. En 1999 compuso la banda sonora de la película “Furia”, y en 2000 se lanzó el álbum de la misma.

En 2006 tocó junto a McFly las canciones «Don’t Stop Me Now» y «5 Colours in Her Hair» durante el Motion in The Ocean Tour.

En ese mismo año, May colaboró en la grabación del álbum debut del artista español Momo Cortés (Constante Contradicción). En concreto para el tema “Tanto amor no es bueno” adaptación al castellano realizada por el artista español del clásico del propio May “Too Much Love Will Kill You”

May ha colaborado extensamente con la cantante y actriz de musicales Kerry Ellis, a quién conoció luego de que quedara seleccionada para interpretar uno de los papeles principales de la obra We Will Rock You. Él ha producido en el primer EP de Ellis; Wicked in Rock, editado en el 2008. También produjo e interpretó todos los instrumentos y coros del primer álbum de Ellis; Anthems editado en el 2010. Desde entonces, comenzó a aparecer en la mayoría de las actuaciones de Ellis. En mayo de 2011 May empezó un tour, nombrado “Anthems Tour” por todo el Reino Unido junto a Kerry Ellis en el que interpretaron tanto canciones del último álbum de la cantante, como conocidísimas canciones de Queen. El tour empezó el día 1 de mayo de 2011 en la Royal Albert Hall de Londres en una doble actuación y acabó en la ciudad inglesa de Cranwell el 16 de julio de 2011, pasando por varias ciudades y poblaciones de toda Inglaterra, Escocia y Gales. Actualmente, ambos se encuentran trabajando en un nuevo álbum y tour europeo que se espera editar para el 2012.

Más recientemente, May colaboró tocando la guitarra en el sencillo «Yoü and I», de la cantante neoyorquina Lady Gaga, perteneciente al disco Born This Way. El 28 de agosto de 2011, interpretó la canción junto a la cantante (caracterizada de su álter ego masculino Jo Calderone), en los MTV Video Music Awards 2011, en el Nokia Theatre de Los Ángeles. El 26 de agosto de 2011 tocó «We Will Rock You» y «Welcome to the Black Parade», junto a la banda My Chemical Romance en el Reading Festival de Reino Unido.

19 de julio – Vikki Carr

Vikki Carr (n. El Paso, Texas, Estados Unidos, 19 de julio de 1941) cantante norteamericana de origen mexicano Vikki Carr, nacida en El Paso (Texas). Gran vocalista que durante su larga carrera ha interpretado todo tipo de géneros como jazz, pop y country, pero fue a partir de los ochenta cuando más éxito obtuvo cantando en español.

Tras tomar parte en numerosas funciones escolares y grupos vocales locales, Vikki comenzó su carrera profesional a principios de los años sesenta, debutando en Reno acompañada del cuarteto de Chuck Leonard. Su primer contrato lo obtuvo con Liberty Records y su primer single, ‘He’s a rebel’ (publicado antes que la versión de Crystals), aunque no llamó la atención en Estados Unidos, fue un hit en Australia y le facilitó numerosas actuaciones en directo y apariciones regulares en el show televisivo de Ray Anthony. A finales de la década tuvo tres hits en el Top40, ‘The lesson’, ‘With pen in hand’ y ‘It must be him’, que alcanzó el nº3 del as listas americanas y fue su mayor éxito.

En los setenta su popularidad menguó y, en 1980 publicó el álbum ‘Y el Amor’ con temas cantados en español con el que se ganó al público latino estadounidense, obteniendo un considerable éxito. Le siguieron, entre otros, ‘Simplemente Mujer’ (1985), ‘Dos corazones’ (1987) con Vicente Fernández, ‘Esos Hombres’ (1988), ‘Cosas del Amor’ (1991) y ‘Recuerdo a Javier Solís’ (1994), con éxitos como ‘Total’, ‘Discúlpame’, ‘Hay otro en tu lugar’, ‘Esos hombres’, ‘Mala suerte’ y ‘Cosas del amor’.

Muy respetada, además de por su carrera musical, por su labor filantrópica, Vikki presta apoyo a numerosas organizaciones humanitarias como la Asociación por la Distrofia Muscular, la Asociación Pulmonar de EEUU, United Way of America y el Hospital St. Jude de Investigación Infantil. También estableció en 1971 la fundación de becas Vikki Carr Scholarship Foundation, dedicada a ofrecer becas estudiantiles a muchachos latinos en los estados de California y Texas.

Su publicación más reciente fue el álbum ‘Viva la Vida’, en 2012.

18 de julio – Martha Reeves

Martha Rose Reeves (18 de julio de 1941), cantante norteamericana de soul y R&B Martha Reeves voz solista de Martha & the Vandellas, uno de los grupos Motown más populares y exitosos en el periodo 1963-1967.

En contraposición con otros artistas de la casa, como las Supremes o las Marvelettes, Martha & the Vandellas imprimían a sus temas una carga más poderosa de R&B.

Claros ejemplos son ‘(Love is like a) Heatwave’, ‘Nowhere to run’, ‘Jimmy Mack’, ‘Quicksand’, ‘In my lonely room’, ‘I’m ready for love’ o ‘Dancing in the streets’.

En 1972 el grupo se separa y Martha comienza su carrera en solitario grabando varios álbumes en diferentes compañías sin éxito.

En los ochenta se retira y en 2004 aparece grabando su primer álbum en 24 años, ‘Home to you’.

Al año siguiente fue elegida para ser uno de los nueve miembros del Consejo Municipal de Detroit, cargo que desempeñó hasta el 2010, año en el que no fue reelegida. Actualmente sigue actuando y en 2012 realizó giras por todo el mundo.

17 de Julio – Spencer Davis

Spencer Davis Nelson Davis (n. 17 de julio de 1939) es un músico británico y multi-instrumentalista, fundador del grupo beat de los años 1960 The Spencer Davis Group.

Con seis años aprendió a tocar la armónica y el acordeón y unos años más tarde se pasó a la guitarra teniendo como principales influencias a Big Bill Broonzy, Huddy Ledbetter, Buddy Holly, Davey Graham, John Martyn, Alexis Korner y Long John Baldry.

Con dieciséis años descubrió el R&B americano y, cuando escuchó a un grupo de dixieland hacer una versión skiffle del tema ‘John Henry’, no lo dudó más y formó el grupo The Saints con un tal Bill Perks (éste se cambiaría más tarde el nombre a Bill Wyman).

Instalado en Birmingham a causa de sus estudios, solía actuar tras las clases en bares locales. Allí salió un tiempo con Christine Perfect, la futura señora McVie e integrante de Fleetwood Mac. Con ella al piano y Spencer a la guitarra de 12 cuerdas, interpretaban juntos canciones folk canadienses y temas de W.C.Handy y Leadbelly.

En 1963 Davis fue a ver a un grupo de jazz tradicional, Muff Woody, en el que tocaban Muff y Steve Winwood. Steve tenía quince años y ya despuntaba por sus habilidades musicales con el órgano. Su hermano era un buen músico de jazz y tocaba el bajo.

Davis les persuadió para formar con él una banda y fundaron el Rhythm and Blues Quartet con Pete York a la batería. Fundamentalmente tocaban versiones de R&B americano y al cabo de un año estaban contratados como grupo fijo en el Marquee de Londres y se habían cambiado el nombre a Spencer Davis Group.

En 1964 firman un contrato discográfico con Island Records y Chris Blackwell se convierte en su productor. Al año siguiente consiguen su primer nº1, ‘Keep on running’, seguido de ‘Somebody help me’. En 1967 publicaron ‘Gimme some lovin’ y ‘I’m a man’, ambos discos de oro.

Tras estos éxitos, Steve Winwood y su hermano abandonan el grupo. Stevie para formar Traffic, y Muff para trabajar como director artístico en Island Records.

Spencer reorganiza el grupo con Phil Sawyer (ex-Les Fleur de Lys) a la guitarra y Eddie Hardin a la voz y los teclados. Con esta formación graban un par de éxitos más, ‘Time seller’, y ‘Mr second class’. Eddie Hardin y Pete York dejan la formación para formar el dúo Hardin & York y son reemplazados brevemente por Nigel Olsson y Dee Murray, futuros acompañantes de Elton John.

Tras la grabación del álbum ‘Funky’, el grupo de separa en 1969. Hubo una reunión de Davis, Hardin y York en 1973 y, con la adición de Charlie McCracken al bajo, grabaron dos álbumes más -‘Gluggo’ (1973) y ‘Living In A Back Street’ (1974)- antes de separarse definitivamente. Actualmente Davis sigue actuando al frente de Spencer Davis Group, con dos formaciones, una para Estados Unidos y otra para sus shows en Europa.

16 de julio – Rubén Blades

Rubén Blades Bellido de Luna (Ciudad de Panamá, 16 de julio de 1948), más conocido como Rubén Blades, es un cantante, compositor, músico, actor, abogado y político panameño.

Ha desarrollado gran parte de su carrera artística en la ciudad de Nueva York. Sus discos más exitosos los realizó junto a Willie Colón para el sello discográfico Fania durante el boom de la salsa.

Su estilo ha sido calificado como “salsa intelectual” y en muchos países se le conoce como el «poeta de la salsa». Sus canciones han alcanzado gran popularidad y es considerado uno de los cantautores más exitosos y prolíficos de Latinoamérica.

Desde los años setenta hasta la actualidad ha grabado más de veinte álbumes y ha participado como invitado en más de 15 grabaciones con artistas de distintos géneros y tendencias.

En reconocimiento de su labor ha recibido nueve premios Grammy. Ha incursionado en el cine participando como actor en diversas producciones tanto de Hollywood como del cine independiente.

En 1994 participó en las elecciones presidenciales de su país, en las que quedó en tercer lugar, con el 20 por ciento de los votos, de entre 7 candidatos.

En 2004 Blades apoyó la candidatura presidencial de Martín Torrijos (hijo de Omar Torrijos) y, una vez que este ganó las elecciones, Blades ejerció el puesto de Ministro de Turismo de Panamá entre 2004 y 2009.

Es hermano del también cantante Roberto Blades y actualmente está casado con la cantante Luba Mason.

16 de Julio – Rubén Rada

Omar Rubén Rada Silva (Montevideo, 16 de julio de 1943) conocido como «El Negro Rada», es un cantante, compositor, percusionista y actor uruguayo.

Sus primeros pasos en la música fueron a los diez años como integrante de la comparsa de negros y lubolos “Morenada”. Su primer seudónimo fue “Zapatito”, originado en que a esa edad ya calzaba zapatos talla europea 43. De los 15 a los 16 años salía en una murga que se llamaba “La Nueva Milonga”. Por esta época cantaba en la Orquesta tropical candombera Cubanacán de Pedro Ferreira, un importante compositor de candombe en Uruguay a quien Rada reconoció como una importante influencia en este género. A los 17 debutó como frontman en la banda Los Hot Blowers, con el seudónimo “Richie Silver”.

A comienzos de la década de 1960, se incorpora como vocalista a The Hot Blowers, grupo formado por el pianista Paco Mañosa, como uno de los conjuntos del Hot Club de Montevideo. Integraron esta agrupación notable con músicos como Federico García Vigil, Daniel “Bachicha” Lencina, los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso, Enrique “Pelo” de Boni, Ringo Thielman, Dietrich Orttman, Morís Pardo, Tomás “Chocho” Paolini, Guillermo Facal, Moisés Rouso, Ramón “Bebe” Alfonso y el humorista Cacho De la Cruz.

Esta banda logró cierto reconocimiento regional, logrando editar tres álbumes EP y realizando una extensa gira por territorio chileno.

En las frecuentes presentaciones del grupo, tanto en vivo como por la televisión, Rada se ganó al público no solo por sus dotes musicales sino también por su faceta humorística y bromista, asociada desde aquel entonces con su figura.

En 1965 pasó a formar parte de El Kinto lo cual marcó sus inicios como músico profesional. El Kinto es reconocido ampliamente como pionero en ejecutar candombe con instrumentos eléctricos, tumbadoras, batería y, además, crear temas cantados en idioma español. El candombe-beat, según definían ellos, era una mezcla de rock psicodélico, candombe, música brasileña y varios otros estilos. Se caracterizaron por un espíritu innovador, excelentes arreglos musicales. Las voces eran Rada, Mateo, Urbano Moraes y Walter Cambón. Junto a este grupo editó un LP.

Tras El Kinto integró el grupo Tótem que, a pesar de que editó solo tres long plays y tuvo una trayectoria fugaz (1970 a 1973), se convirtió en una de las bandas más llamativas de la música rock uruguaya desde aquellos momentos hasta la actualidad. La fusión de elementos del rock and roll, la música latina y el candombe, amén de la influencia de autores como Carlos Santana, a la que se unió la particular voz de Rubén Rada, conformaron al grupo como uno de los puntos más altos de la música joven uruguaya, raramente superado desde entonces. Junto a Tótem grabó dos de los tres álbumes del grupo.

A mediados de los años 70, junto a los hermanos Hugo , Osvaldo Fattoruso y Ringo Thielmann, participó en la grabación del segundo Long Play del conjunto OPA, Magic Time. Producido en los Estados Unidos, este álbum presentó una música fuertemente influida por el jazz-rock, muy en boga en esos días, incorporando el candombe uruguayo en éste y en el trabajo anterior de la banda (sin Rada), titulado “Goldenwings”, muy bien recibido por la crítica especializada. Participó también del disco l’am fine, how are you? del vinculado a la Banda OPA : Airto Moreira . Años después, ya en Uruguay, grabó junto a OPA otra obra que se tituló “Opa en vivo” y fue editada en 1988. En la década del 80, era común escuchar en la radio la expresión: “Opa con Rada” cuando pasaban temas de Magic Time, para diferenciarlo del primer trabajo de Opa.

Rubén Rada en un concierto para niños en el Hotel Conrad de Punta del Este, el 30 de julio de 2005.

En 1969, con el tema Si te vas representa a su país en el IV Festival Mundial de la Canción de Río de Janeiro, que finalmente gana Joan Manuel Serrat con Penélope de Augusto Algueró.

En el mismo año, ante la gran popularidad lograda por Rada, principalmente por el éxito de su canción Las manzanas, logra grabar su primer álbum como solista: Rada (conocido popularmente como Las manzanas e incluso reeditado en CD en 1998 con ese nombre). A partir de entonces ha grabado alrededor de 40 álbumes solistas y varios otros con la participación de otros músicos de renombre, como Eduardo Mateo, Hugo Fattoruso y Litto Nebbia. Muchos de estos álbumes son considerados clásicos uruguayos.

En la década de 1980 se radicó en Argentina y formó el grupo “La Banda”, con el que logró instalarse con cierto éxito en el mercado porteño gracias a canciones condimentadas con el humor particular del artista. En 1985 participó en el festival Varadero 85, celebrado en Cuba.

La música de Rada combina el estilo pop con sonidos típicamente uruguayos como los de los tambores del candombe o los coros de la murga típicos del carnaval uruguayo. Está estrechamente relacionada con el candombe y el estilo de tamborileo afro-uruguayo en el que participa frecuentemente. Además de ser muy conocido en Uruguay, Rada ha alcanzado cierto renombre fuera de su país y, en los últimos años, ha hecho grabaciones con casa disqueras internacionales como EMI Latino y Universal Records.

Los británicos Paul McCartney y Peter Gabriel y el cantante brasileño Milton Nascimento se cuentan entre sus admiradores. Colaboró con Jon Anderson en su álbum “Deseo” de 1994.

Ha publicado trabajos para niños y realizado espectáculos2​ dirigidos al público menudo, últimamente con el personaje “Rubenrá”.

Como actor cómico, integró la troupe del célebre programa humorístico Telecataplúm, que se transmitió tanto en el Uruguay como en la Argentina durante la primera parte de la década de 1960.

En 2006, lanzó el disco “Richie Silver”, el cual editó bajo ese seudónimo, retomando una invención de sus primeros años de carrera y grabando con este “alter ego” ritmos soul. Richie Silver ganó el Premio Gardel 2007 a artista rock revelación, por lo que Rada afirmó que los argentinos “entendieron el chiste”.

En 2007 integró el elenco de una telecomedia de la televisión uruguaya, “La oveja Negra” junto a actores argentinos y uruguayos, interpretando a un músico de vida algo desordenada. Además, grabó un disco en vivo junto a Javier Malosetti en La Trastienda de Buenos Aires editado bajo el nombre de Varsovia.

En el 2008 editó Bailongo, un CD que en Uruguay sólo se distribuyó a través de las redes de cobranza Abitab. En octubre de 2008 Rada anunció que en 2009 dejará los escenarios. En una entrevista concedida al diario Clarín de Buenos Aires5​manifestó:

“Tengo 65 años y vengo de cinco shows seguidos. Es mucho. Las notas que emito no tienen la misma nitidez de antes, ya no tengo la potencia para mantener un show de dos horas y media: me voy al falsete o bajo de tono. Eso me revienta: quiero que me recuerden como el negro que hacía piruetas con la voz. Además, soy responsable de 15 o 20 personas, y se hace pesado llevarlo con el canto. Como muchos artistas, estoy metido en la pelea de vender discos y figurar. Ya basta.”

En diciembre de 2009 sorprende con el lanzamiento de FAN, un disco en el que Rada versiona a autores de las dos orillas que lo fanatizan. Los argentinos: Spinetta, Gieco, Charly, Calamaro, Fito, Nebbia junto a los uruguayos Eduardo Mateo, Fernando Cabrera, Jorge Galemire, Shakers, Opa, Tótem, Mandrake Wolff, Urbano Moraes. ‘Fan’ incluye un solo tema de su autoría “Cantares de la tierra mía”, es un disco homenaje en el que regresa el Rada intérprete de los orígenes de su carrera y fue presentado en vivo en el Teatro de Verano de Montevideo. En sus propias palabras:

“Estoy muy feliz porque volví a ser el grone Rada ‘intérprete’ y lo hago con todo el amor del mundo. Ojalá que les guste a todos, soy FAN de todos los que grabé.”

En julio de 2010 presenta “Solo Candombe”7​ un nuevo show íntegramente dedicado al candombe, recorriendo buena parte de su larga carrera, estrenado en un ciclo en el histórico “Espacio Guambia” de la ciudad de Montevideo y luego presentado en importantes teatros de las dos orillas como el SODRE en Uruguay, y el Teatro Argentino de La Plata en Argentina.

“”Solo Candombe”, un show que recorre lo mejor de su gran obra candombera, donde los espectadores ven bien de al lado al tipo que cantó en los Hot Blowers, El Kinto, Tótem y Opa, al tipo que fue cantante de carnaval, pionero del rock en Uruguay y del candombe beat, artista de culto, exiliado al borde del olvido, autor de temas pop por encargo, al tipo que volvió en los ’90 y se ganó el aplauso de la crítica y el público exigente con un discazo como “Montevideo”, al que se convirtió en estrella pop latino al son de un cha cha cha, al personaje que revoluciono la música para niños, al conductor y comediante de televisión, al cuentista que mete un número de stand up entre tema y tema (aunque nunca está de pie). Todos ellos condensados en ese enorme artista, que estremece con su voz desde hace 48 años. Javier Alfonso – Semanario Búsqueda.

El 10 de diciembre despide el 2010, en el Teatro de Verano en un concierto organizado por la ONU, en la celebración del Día internacional de los Derechos Humanos.

Lanza un nuevo disco “CONFIDENCE, Rada Instrumental” en octubre de 2011, simultáneamente en Argentina y Uruguay del que dice

“no podría llamarle Jazz a la música de CONFIDENCE, porque se trata de una música latina que lo único que tiene del jazz es que por momentos los músicos improvisan. Este es un disco de nueva música instrumental uruguaya inspirado en el talento de Opa, y basada en el formato canción, con la melodía como vértebra”

Celebrando el Premio a la Excelencia Musical por su Trayectoria artística que le fuera otorgado en noviembre de 2011 por La Academia Latina de Grabación, MMG edita en Montevideo una compilación que incluye 3CD con cincuenta de sus temas, seleccionados por Rada personalmente “Rada, El Álbum Negro. 50 obras maestras”. Su primer triple.

Sus composiciones y canciones forman parte, junto a obras de Hugo Fattoruso y Litto Nebbia, de la película “Sueños y Pesadillas” del 2011 dirigida por Roberto Aguerre Ravizza.

En julio de 2013 presentó el álbum Amoroso pop, y en octubre de ese mismo año abrió en la ciudad mexicana de Guanajuato, el 41.° Festival Internacional Cervantino.

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