Category Archives: Efemérides musicales

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7 de junio – Miguel Ríos

Miguel Ríos Campaña (Granada, 7 de junio de 1944), conocido simplemente como Miguel Ríos, es un cantante y compositor retirado de rock español, uno de los pioneros de este género en su país.

En activo desde los años 1960, cuando fue conocido como Mike Ríos, el Rey del Twist, alcanzó su mayor éxito en 1970, cuando el «Himno a la alegría» vendió millones de discos en todo el mundo. Su álbum más vendido ha sido Rock and Ríos, un doble directo editado en 1982.

Cinco años más tarde presentó en Televisión Española el programa ¡Qué noche la de aquel año!, un repaso por la historia de la música rock en castellano.

Desde entonces ha colaborado con infinidad de artistas de España y Latinoamérica y ha participado en diversas giras con algunos de ellos, como Sabina, Víctor Manuel, Ana Belén o Serrat.

A lo largo de estos años su estilo ha variado desde el rock and roll más primigenio al sinfónico o, en los últimos años, el jazz con big band o el blues.

7 de junio – Prince

Prince Rogers Nelson (n. Minneapolis, Minnesota; 7 de junio de 1958 – m. Chanhassen, Minnesota; 21 de abril de 2016) fue un cantante, compositor, bailarín, actor, filántropo y multiinstrumentista estadounidense.

Era un músico innovador, conocido por su ecléctico trabajo, su extravagante puesta en escena, vestuario y aspecto, y por su amplio registro vocal.

Su música integró un sin número de géneros musicales, entre los que se destacan: el funk, el R&B, el new wave, el soul, el blues, el rock e incluso el jazz.

En vida, vendió más de 100 millones de discos en el mundo, siendo uno de los artistas más exitosos de la historia.

Ganó siete premios Grammy, un American Music Award, un Globo de Oro y un premio Óscar por la película Purple Rain.

Ingresó en 2004 al Salón de la Fama del Rock and Roll tan pronto cumplió los requisitos de elegibilidad y la prestigiosa revista Rolling Stone lo ubicó en la casilla 27 en su lista de los «100 artistas más influyentes de la era del rock & roll».

Prince nació en Minneapolis y desarrolló gran interés por la música desde muy joven.8 Firmó su primer contrato discográfico con Warner Bros Records a los 18 años y lanzó su primer álbum, For You, en 1978.

Su siguiente álbum, Prince de 1979, logró la certificación de platino y sus siguientes producciones: Dirty Mind de 1980, Controversy de 1981 y 1999 de 1982 aumentaron su éxito de forma progresiva.

Durante esta época, sus letras contenían mensajes sexuales explícitos y combinaba géneros como el funk, el dance y el rock.

En 1984 lanzó junto con su banda, en ese entonces llamada The Revolution, el álbum Purple Rain, banda sonora de la película del mismo nombre y de la cual era protagonista.

Dicha producción se convirtió en la más exitosa de su carrera, ubicándose en los primeros lugares en las listas durante meses y vendiendo más de 20 millones de copias, convirtiéndose en uno de los discos más vendidos de la historia.

Más tarde, lanzaría Around the World in a Day en 1985 y Parade en 1986.

En 1987 y ya como solista, lanzó Sign o’ the Times, un álbum doble considerado por la crítica como uno de los más grandes de la música contemporánea.

Lanzaría tres álbumes más hasta formar una nueva banda: The New Power Generation en 1991.

A partir de 1993 y debido a graves conflictos con Warner Bros. sobre la autoría y posesión de sus canciones, Prince cambió su nombre a un símbolo impronunciable para evitar cualquier vínculo con su compañía discográfica.

Durante este periodo también fue apodado como «El artista antes conocido como Prince», —a menudo abreviado como TAFKAP por sus siglas en inglés—, o simplemente como «El artista».

Bajo su nuevo nombre lanzó cinco álbumes más hasta firmar un nuevo contrato con la compañía Arista Records en 1998. Recuperó su nombre en 2000 y en 2004 lanzó el álbum Musicology, el cual le devolvió popularidad.

Si bien, gran parte de su éxito tuvo lugar durante la década de los ochenta, Prince fue siempre catalogado como uno de los artistas más relevantes de la música moderna.

Se le considera el fundador del llamado «sonido Minneapolis», un híbrido musical surgido de la mezcla del uso de sintetizadores y del rock, el pop y el funk, propios de la región.

Solo en los Estados Unidos, vendió alrededor de 39.5 millones de álbumes y algunas de sus canciones como: «1999», «Little Red Corvette», «When Doves Cry», «Let’s Go Crazy», «Purple Rain» y «Kiss» ganaron popularidad a nivel mundial.

Una de sus composiciones, «Nothing Compares 2 U», fue regrabada por la cantante Sinéad O’Connor en 1990 y disfrutó de un inmenso éxito en el mundo.

La Enciclopedia Británica lo destaca como una de las más notables estrellas del rock junto con Michael Jackson y Madonna.

Prince falleció el 21 de abril de 2016 debido a una sobredosis accidental de fentanilo en su casa en Paisley Park; tenía 57 años.

7 de junio – Tom Jones

Sir Thomas John Woodward, más conocido por su nombre artístico Tom Jones (Treforest, Glamorganshire, 7 de junio de 1940), es un cantante británico.

Ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo. Fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico.

Hijo del minero Thomas Woodward y de Freda Jones, Jones descubrió su pasión durante la infancia.

Solía cantar en fiestas familiares, matrimonios y participaba del coro de la escuela. Padeció de tuberculosis y estuvo en reposo casi un año; fue un tiempo muy crítico en el cual él trataba de superarse a sí mismo así como de escuchar música y dibujar.

A los 17 años se casó con Linda Trenchard, de cuya unión nació su hijo Mark. Jones salió de la escuela con malas calificaciones y durante ese periodo debió trabajar como vendedor puerta a puerta y trabajador en la construcción.

En el apogeo de su carrera tuvo varios affairs amorosos entre los que se destaca su relación con Marjorie Wallace (una destituida Miss Mundo coronada en 1973) y una aventura con Cassandra Peterson.

Jones se hizo conocido en la década de 1960 por su gran voz, extravagante estilo y por su sensualidad, elementos que han sido claves en su imagen como artista.

Su carrera se inició en 1963 cuando era vocalista del grupo Tommy Scott & The Senators, una banda beat local de aquel entonces que ganó reputación principalmente en Gales del Sur, pese a que no tuvo un gran éxito.

Ese mismo año su grupo intentó conseguir éxito de la mano del productor Joe Meek quien trató de convencer a varias compañías discográficas de su potencial artístico sin mucho éxito.

El grupo siguió tocando en clubes nocturnos hasta que un día Gordon Mills vio en Tom Jones un gran potencial y lo llevó a Londres donde comenzó a gestar su carrera.

Gordon Mills se convirtió en su mánager y decidido a lograr la consolidación del joven artista lo rebautizó bajo el nombre artístico de Tom Jones en honor al personaje literario.

El estilo de Tom Jones, apodado El Tigre de Gales, cautivaba a muchos por su voz cálida y al mismo tiempo muy caudalosa, algo muy poco frecuente en un cantante popular.

Su primer sencillo fue grabado para la casa discográfica Decca en 1964 con la canción «Fiebre intermitente» («Chills And Fever»); no tuvo mucho interés, pero el éxito llegó en 1965 con la canción «It’s Not Unusual».

Ese mismo año, grabó la canción para la película de James Bond titulada Thunderball. El reconocimiento llegó con el premio Grammy por Mejor artista nuevo.

En 1966, su popularidad empezó a consolidarse a través de una propuesta madura, transformándose en un gran crooner con canciones como «Green Green Grass of Home», «What’s New Pussycat», «Help Yourself» y especialmente «Delilah».

Entre 1969 y 1971, Tom Jones tuvo un exitoso programa de variedades para la televisión titulado This Is Tom Jones el cual fue exhibido en cadenas como ABC en Estados Unidos o ITV en el Reino Unido.

Pero a partir de 1974, su carrera tuvo una lenta decadencia; se supone que era porque su estilo estaba pasando de moda, con el advenimiento del funky y la música disco.

El 29 de julio de 1986 murió su mánager, Gordon Mills, y su hijo Mark llegó a administrar su carrera. Mark logró relanzar su carrera a partir de 1987 cuando Tom Jones volvió a las listas de popularidad con la canción «A Boy From Nowhere».

Luego grabó una versión de la clásica canción pop de Prince, «Kiss», junto al conjunto vanguardista británico Art of Noise. El cover se convirtió en un éxito instantáneo.

En 1993 firma un contrato con la casa discográfica Interscope Records que edita el álbum The Lead And How to Swing It, un éxito inmediato que conquistó a audiencias más jóvenes.

En 1998, actuó junto a Robbie Williams en los Brit Awards cantando una selección de canciones de la banda sonora de la película The Full Monty.

Al año siguiente graba su disco de duetos titulado Reload en el cual destaca «Burning Down The House» junto a la banda The Cardigans, canción del grupo de los 80 Talking Heads, cuyo vídeo musical se caracterizó por su gran realización e innovador concepto.

Con este disco tuvo el reconocimiento absoluto por su trayectoria la cual se consolidó con los siguientes años.

Sir Tom Jones ha recibido distinciones como el premio Brit Awards por su contribución a la música el año 2003. Ha colaborado para otros artistas como Wyclef Jean (quien produjo el álbum Mr. Jones, editado en 2002) y Jools Holland.

El 29 de marzo de 2006, fue nombrado caballero de la corona británica por la Reina Isabel II por su trabajo como artista.

En la actualidad, sir Tom Jones sigue vigente, realizando giras internacionales y también conciertos en el MGM Grand Las Vegas donde se presenta durante diez o doce semanas al año.

En febrero de 2007 hizo su primera presentación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar (Chile), se le otorgaron dos antorchas (una de oro y una de plata) y una Gaviota de plata, por su calidad y trayectoria profesional.

En 2009, visitó Chile nuevamente cantando en el Casino de Viña del Mar, después lo hizo en el Festival de Antofagasta, siendo presenciado por más de 100.000 personas para finalizar luego con un show en la ciudad de Iquique.

En 2012, Tom Jones participa como jurado de la primera temporada del show talent The Voice UK en su versión británica, en donde, su última participante Leanne gana el programa, donde recibe 100.000 libras esterlinas y la firma de un contrato con la discográfica Universal Republic.

7 de junio – Juan Luis Guerra

Juan Luis Guerra Seijas (Santo Domingo, 7 de junio de 1957) es un cantautor, compositor, arreglista, músico y productor dominicano que ha vendido más de 30 millones de discos, y ha ganado numerosos premios, incluyendo 18 Grammy Latinos, dos Grammy norteamericanos y dos Premios Latin Billboard.

En 2007, fue el máximo galardonado con 5 Grammy Latino. Guerra ganó 3 Grammy Latinos en 2010, incluyendo Álbum del Año.

En 2012 ganó un Grammy Latino como Productor del Año.

También fue el máximo galardonado en los Grammy Latinos en 2015 con 3 gramófonos.

Iris ( La Señora De Acero ) ayudo a La carrera comercial de Guerra y su banda comenzó con los álbumes Mudanza y acarreo y Mientras más lo pienso… tú.

La banda fue nominada para asistir al Festival OTI de la Canción y representar a la República Dominicana.

Su siguiente álbum Ojalá que llueva café (1989), les trajo el reconocimiento internacional.

En este álbum mezcla el merengue con melodías suaves y pistas de fondo súperrápidas, convirtiéndose inmediatamente en éxito en muchos países de América Latina, con la canción del mismo nombre como primer sencillo.

Posteriormente, se filmó el video de la canción y Juan Luis Guerra y su banda 440 comenzaron a viajar.

La canción fue revivida en 1996 y 2008 con las versiones de la banda mexicana Café Tacuba y la cantante española Rosario Flores.

El 11 de diciembre de 1990, lanzó al mercado su siguiente álbum, Bachata rosa, que se convirtió en un gran éxito y le otorgó a Guerra su primer Grammy.

El álbum, que había vendido más de cinco millones de copias en ese momento, permitió que Guerra se mantuviera firme en su gira por América Latina, Estados Unidos y Europa.

Este álbum contiene canciones de amor memorables como «Burbujas de amor», «Bachata rosa», «Rosalía», «Como abeja al panal», «A pedir su mano», «Carta de amor», y «Estrellitas y duendes».

En 1992 lanzó su álbum más comprometido socialmente, Areíto (que es una palabra taína), y su primer éxito, «El costo de la vida» (número uno en el Hot Latin Tracks, siendo Guerra el primer artista de música tropical en lograr esta hazaña), cuyo video tiene un claro mensaje anticapitalista.

Otras canciones incluidas en este álbum protestan contra las malas condiciones en muchos países de América Latina, hablan de la celebración del «descubrimiento» de América, y la doble moral de los países del primer mundo.

En el álbum Fogaraté (1994), Guerra se desligó de las canciones de protesta. Este álbum está centrado especialmente en los géneros musicales más rurales y menos conocidos dentro de la música dominicana, como por ejemplo el perico ripiao.

Su disco Ni es lo mismo ni es igual (1998) cosechó gran éxito de crítica, ganando tres premios Grammy Latinos en el año 2000 a la mejor interpretación de merengue, mejor canción tropical y mejor arreglo. Sus éxitos incluyen «Mi PC», «Palomita blanca» y «El Niágara en bicicleta».

Juan Luis Guerra es uno de los artistas latinos más reconocidos internacionalmente en las últimas décadas. Su estilo de mezclar merengue y bolero, y la fusión de afro-pop/jazz le ha ganado un considerable éxito en toda América Latina.

Guerra generalmente es asociado con la música popular dominicana llamada bachata, y aunque esta asociación es en parte cierta, Guerra realmente utiliza los conceptos básicos del ritmo bachata pero con un toque de bolero más melódico.

No se limita a sí mismo a un estilo de música, sino que incorpora diversos ritmos musicales que incluye el merengue, bolero, bachata, balada, salsa, rock and roll, e incluso gospel.

La canción «Ojalá que llueva café» es una de sus piezas más aclamadas. Guerra también realizó un remix de la canción «La llave de mi corazón» con Taboo de los Black Eyed Peas como claro ejemplo de su fusión de géneros musicales.

6 de Junio – Charlo

Carlos José Pérez (Guatraché, La Pampa; 7 de julio de 1905 – Buenos Aires; 30 de octubre de 1990), conocido popularmente como Charlo o Carlos José Pérez de la Riestra, fue un cantante, músico, pianista, actor y compositor argentino.

Durante una fiesta de fin de curso realizada en 1924 en el cine General Belgrano de la Av. Cabildo, tuvo la tarea de acompañar en piano a los diferentes cantantes de la gala, e incluso se animó fuera del programa, a cantar.

En dicha fiesta se encontraban presentes el Ingeniero Enrique Del Ponte y el Sr. De Bari, ambos dueños de Radio Cultura, quienes impresionados por su carisma y calidad de pianista decidieron invitarlo a participar en la emisora, que era la más escuchada en ese entonces, por los pocos poseedores de aparatos a galena.

Enrique del Ponte fue quien le sugirió el seudónimo artístico Charlo, derivado de Charles (Carlos), ya que los oyentes no podrían retener lo extenso de sus nombres y apellidos.

Al poco tiempo Charlo se convirtió en el cantor y pianista figura de Radio Cultura. «Y en un fin de curso, acá en Buenos Aires, se hizo una fiesta en el cine General Belgrano, donde toqué el piano y canté; estaban los dueños de Radio Cultura, un señor De Bari, que era diputado, y un señor Del Ponte.

Nos hicieron una invitación a mí y a otros de los muchachos que habían actuado, para visitar la radio.

Un día me picó la curiosidad y fui. Toqué el piano y canté. Empezaron a llamar por teléfono. El caso es que me vinieron a buscar para actuar y grabar. Ahí empezó mi carrera.» (Charlo, en el mismo reportaje).

Su elegante presencia junto a un registro de voz barítono, con tendencia a tenor en sus inicios, y su virtuosismo en la música le abrieron camino a una meteórica carrera artística.

En el año 1925 un vecino de San Cristóbal llamado Américo Fazzari, a la sazón de inspector municipal de teatros, lo conectó con el empresario Alberto J. Ballesteri, quien luego de escucharlo lo contrató como cantor, actor y compositor de uno de los cuadros de una revista musical en el teatro «Comedia» de la calle Carlos Pellegrini.

En esa revista estrenó su tango «Pinta brava» con letra de Mario Battistella y su fox-trot «»Pim…pum, rataplán»». «En el teatro Comedia, que ya no existe, sin saber que era una primera figura, lo fui, actuando como actor, cantor y autor.

Ahí estrené mis dos primeros temas como compositor”. ”El fox-trot era el único tema de la obra que se bisaba. Allí tuve mi primera frustración; yo anhelaba que se bisara el tango, pero lo que hacía furor era el fox. Lo escuchaba tanto que le tomé fastidio y lo castigué: nunca lo edité.» (Charlo, en el mismo reportaje).

En ese momento no actuaba ni en radio ni en teatro, pero grababa discos para el sello Electra. El señor Améndola, tío de Juan D´Arienzo, era el dueño de esa grabadora, donde quedaron registrados veinte temas, entre ellos cuatro con letra y música del propio Charlo, acompañado en guitarras por Vicente Spina y Miguel Correa.

En ese mismo año es contratado por RCA Victor, y en su primer disco dejó registrados dos tangos suyos: con letra de Celedonio Flores, «Costurerita», con letra de Francisco Brancatti, y «Pobre varón».

A partir de 1927, ya abandonada su carrera de abogado, debutó como galán cantor en las famosas revistas, género muy en boga por aquel entonces. Esas obras estaban escritas y dirigidas por tres grandes del teatro y del tango: Manuel Romero, Ivo Pelay y Luis Bayón Herrera.

Mientras se desarrollaba la temporada, fue a buscarlo el representante Miguel Bucino, quien le informó que Francisco Canaro quería grabar con él en el sello Disco Nacional Odeón, dado que Charlo se había desvinculado de la casa Víctor y ya había grabado para Odeón con la orquesta de Roberto Firpo, aunque esos discos nunca salieron a la venta.

La propuesta de Canaro, quien –según Charlo– fue a verlo para que reemplazara Roberto Díaz como estribillista de su orquesta, fue que le pagarían treinta pesos por cada estribillo cantado, y su nombre no figuraría en las etiquetas, tal como era costumbre hasta los primeros años de la década del ’40.

Recién cuando se reeditaron esas grabaciones en formatos distintos a los discos de 78 RPM, pudo rescatarse en algunos casos los nombres de los estribillistas.

Lo primero que grabó con Canaro fue el célebre vals «Ramona» y el tango «Lindo tipo de varón».

Charlo también realizó grabaciones con la orquesta de Francisco Lomuto, que era artista del mismo sello. Su producción discográfica llega a mil cien registros.

En su faceta como compositor a lo largo de su carrera, Charlo produjo un caudaloso repertorio de canciones que marcaron la década de 1930. Entre sus más importantes composiciones se pueden citar:

Horizonte, Ave de paso, Tormento, Sin lágrimas, Fueye, La barranca, Rondando tu esquina, Zorro plateao y Rencor.

Paralelamente, con la orquesta de Francisco Canaro, cantaba los versos de los temas presentados en los concursos que organizaba la Casa Max Glucksmann en el Gran Palace Theatre.

Algunos de los tangos cantados por Charlo fueron «Duelo criollo», de Lito Bayardo y Juan Razzano; «Piedad», de Carlos Percuocco y Luis De Biasse; «Te aconsejo que me olvides», de Pedro Maffia y Jorge Curi, y «Alma en pena», de Anselmo Aieta y Francisco García Jiménez.

El año 1926 fue de una intensa actividad, ensayaba diariamente durante cinco horas, y practicaba vocalización con su maestro de canto Enrico Castronuovo.

Además, grababa con Francisco Canaro, con Francisco Lomuto y como solista. Tres veces a la semana actuaba en radio, y en los fines de semana se presentaba en los principales cines de la Capital Federal y sus alrededores.

Contribuyó a establecer un estilo emocional pero austero, exento de efectismos, de perfecta afinación y cuidada musicalidad. Como compositor desplegó su gran talento de melodista, creando obras importantes en la línea del tango romanza.

Se inició con un estilo completamente gardeliano (escúchese, por ejemplo, su grabación de «Las vueltas de la vida», de 1928), del que fue desprendiéndose para llegar a un estilo propio.

Era además ejecutante de piano, acordeón, violín y guitarra, y compositor que a veces escribió también sus propias letras. «Muchas cosas tenía para escuchar, lógicamente a Gardel. Y era caer en una huella muy trillada (..)» (Charlo, en el mismo reportaje).[cita requerida]

Como aditamento a su figura como cantor, actor y compositor, su afinidad por la moda lo convirtieron en un paradigma de la moda masculina de la década de 1930: la moda Charlo marcó tendencia.

La misma incluía lucir moño mariposa, sombrero con guantes de cuero, chaqueta cazadora, boquilla de oro para los cigarrillos. Este fenómeno no sólo incrementó su fama, sino que contribuyó al avance del tango de salón en la sociedad porteña.

Gracias a la difusión de sus discos su voz se hizo muy popular en toda América, especialmente en los países limítrofes.

Esto le abrió las puertas al exterior, y supo aprovecharlo. En 1932 viajo por primera vez a Uruguay, contratado el empresario por la Casa «Max Gluscksmann» para inaugurar el cine «Rex» de Montevideo.

De allí en más Uruguay fue permanentemente visitada por Charlo, así como el Teatro Solís y la Radio Sarandí, quienes siempre lo tuvieron de invitado.

En 1935 viaja a Río de Janeiro para una actuación en el Casino donde compuso sobre los versos de Cadicamo su tango «Ave de paso».

También se presentó en la radio Marinki Veiga de Río de Janeiro. Su primera gira importante comenzó en 1938, actuando con suceso en Chile.

«Esta es tu oportunidad, vestite y cantá como sabés, y vas a ver que vas a matar», le había pronosticado su mánager José Razzano, y tuvo razón.

Actuó luego en Bolivia, Venezuela, Panamá, Cuba y Estados Unidos. Principalmente en La Habana, Caracas y en Lima su éxito fue tal que lo catapultó a la fama, consagrándolo como sucesor de Gardel.

En sucesivas giras siguió ampliando su éxito. En Brasil, como en los países anteriormente citados, entonó tangos, boleros y folklore. En 1955 se instala en Lisboa, Portugal.

Su espectáculo «Estampas de Hispanoamérica» tuvo gran suceso en la televisión local, en el Casino Estoril.

También actuó el Hotel Embajador y en la célebre boite de entonces Bico Dourado. Luego visitó España y de allí pasó a actuar en Francia y Bélgica, y, por último, en 1956, visitó Colombia, donde fue recibido con gran suceso no sólo el músico y cantor de tangos, sino un Charlo universal intérprete de ritmos melódicos y tropicales. En esa gira compuso unos de los últimos éxitos: su «»Tango en Colombia»».

En 1945 Charlo estuvo al borde de la muerte cuando el avión trimotor con el que había iniciado su gira debió hacer un aterrizaje forzoso. Junto a él se encontraban los tres guitarristas de su conjunto, Olmedo, Arana y Torres.

Todos ellos regresaban, luego de tres años de gira, a Argentina desde Acapulco, sin embargo, en la frontera entre Brasil y Venezuela el trimotor prácticamente quedó sin combustible; sólo tenían bencina para una hora de vuelo.

El piloto debió hacer un aterrizaje de emergencia en el Río Negro, un afluente del Amazonas. Se perdieron los equipajes, alhajas y guitarras, pero lograron salir con vida.

Charlo compuso música que versificaron los más importantes poetas de su tiempo, como Luis César Amadori, José González Castillo, José María Contursi, Esteban Celedonio Flores, Cátulo Castillo, Francisco Bohigas, Homero Manzi, Enrique Cadícamo, y algunos de la generación anterior como José Gonzalez Castillo, para el tema «El viejo vals».

Actuó, primeramente, en forma simultánea, con Francisco Canaro y con Francisco Lomuto, ya que los tres estaban contratados por el mismo sello grabador.

Habiendo cantado anteriormente con Roberto Firpo; posteriormente con Adolfo Carabelli, con Salvador Ruiz de Luna en España, con Héctor Stamponi, Roberto Pansera, Jaurés Lamarque Pons, Demare-Vardaro y la «Orquesta Típica Victor».

En 1939 hizo una gira acompañado por un trío compuesto por Osvaldo Pugliese, Federico Scorticati y Juan José Gallastegui, tocando, respectivamente el piano, el bandoneón y el violín.

También cantó acompañado por la orquesta de Osvaldo Requena, y tuvo además entre sus más calificados guitarristas a Rafael Yorio (apodado Rafael Iriarte), Ángel Iglesias, Héctor Besedas y Andrés Arrieta, ​ además de Edmundo Rivero, Roberto Grela y Vicente Spina como integrantes de su conjunto.

Entre sus últimas actuaciones se pueden destacar la realizada ante el público de Buenos Aires en 1973, con la orquesta de Osvaldo Requena.

Interpretó dieciséis obras suyas conocidas, y dos estrenos: «Tango de la ausencia» y «Diquero». Posteriormente, en julio de 1986, actuó invitado por la Secretaría de Cultura de la Nación, en el teatro San Martín para el ciclo Voces.

La gala tuvo como anfitrión al periodista y escritor Mariano Montes. En aquella actuación estrenó el tango orquestal «Cielo Pampa», uno de sus últimos tangos dedicado a su tierra de origen. Por otra parte, hasta pocos años de su fallecimiento Charlo actuó en café concerts acompañado por el maestro Virgilio Expósito.

La radio fue el medio en donde se inició en el mundo del espectáculo, más específicamente en Radio Cultura. Trabajó luego en Radio Belgrano, Radio Prieto, Radio Splendid, Radio El Mundo y Radio Nacional. Tal eran sus dotes para este medio masivo de comunicación que no sólo se desempeñó como cantor solista, sino que trabajó como locutor con sus propias interpretaciones y anunciando la hora oficial.

Es de destacar, también, su participación permanente en radios uruguayas como la vieja Radio Sarandí y en Brasil para Radio Piratininga de San Pablo.

Incursionó en un medio tan difícil como el cine, rodeado de primeras figuras y sin desentonar. Sus dotes de galán y sus condiciones físicas le permitieron hacerlo con holgura.

En 1935, con Mario Soffici, participa en El alma del bandoneón, donde luce sus cualidades de cantor. En 1936, ahora dirigido por Luis César Amadori y junto a Pepe Arias, la Negra Bozán y Alicia Vignoli, participa en el film Puerto Nuevo.

Trabajó también en Carnaval de antaño, dirigida por Manuel Romero. En el rodaje de este film, conoció a la que sería su mujer hasta 1969, Sabina Olmos. Los acompañaban además Florencio Parravicini, Sofía Bozán y Enrique Roldán.

Actuó también en Los troperos, Los muchachos se divierten, Un sueño y nada más y otras películas, en algunas de las cuales fue protagonista. Además, participó en varias filmaciones en España.

Charlo fue contemporáneo del más importante referente del tango: Carlos Gardel. En reportajes Charlo mencionó que evitaba escuchar las interpretaciones de Gardel, no por disgusto sino al contrario, para evitar caer en una imitación a Gardel, tan frecuente en aquella época.

Sin embargo, la relación entre ellos era cordial y amena; como testimonio de ello Carlos Gardel le dedicó a Charlo, antes de partir a su última gira con trágico final, uno de sus más célebres retratos de él fotografiado por José María Silva, de Montevideo, con la siguiente dedicación: “A mi colega inteligente y gran intérprete de las canciones de mi tierra y buen amigo Charlo, con gran simpatía Carlos Gardel”.

Esta fotografía, única en su referencia a otro cantante contemporáneo, fue la imagen elegida para ilustrar la tapa del long play “Éxitos de Gardel en la voz de Charlo”, editado en 1978. Además, en esa oportunidad Gardel le obsequió su sombrero personal y un reloj de pared.

También cosechó amistad con Edmundo Rivero: ambos se conocieron cuando Rivero ingreso como cuarto guitarrista de acompañamiento.

Fue Charlo quien lo ayudó, antes de que se decidiera a cantar. Con el tiempo el creador de «El viejo almacén» también le tendería una mano, con esa generosidad y bonhomía que siempre lo caracterizaron.

A pesar de los estilos opuestos, cantaron juntos más de una vez, especialmente temas folklóricos y milongas pampeanas. Ambos compartían la amistad de ese otro fenómeno llamado Homero Manzi.

En cuanto podía Charlo visitaba asiduamente Santiago del Estero, alojándose como huésped en la residencia de Homero Manzi. De aquella amistad surgió un tango con letra de Charlo dedicado a su amigo: «Barbeta» Otro importante cantor de tango que trabó amistad con Charlo fue Ignacio Corsini «el caballero cantor».

En un reportaje donde le preguntaron a Charlo quien era su cantor favorito, éste señaló a Corsini. Existe un retrato que Corsini le obsequio a Charlo en 1931 dedicándole las siguientes palabras: “A mi buen amigo Charlo muy afectuosamente Ignacio Corsini”.

6 de Junio – Steve Vai

Steven Siro Vai (n. 6 de junio de 1960, Carle Place, Estados Unidos) es un guitarrista, compositor, y productor estadounidense que ha vendido más de 15 millones de álbumes.

Después de iniciar su carrera como transcriptor de música para Frank Zappa, Vai grabó y estuvo de gira en la banda de Zappa de 1980 a 1982.

Comenzó su carrera como solista en 1983, tiene ocho álbumes en solitario y ha ganado tres premios Grammy.

También ha grabado y realizado giras con Public Image Ltd, Alcatrazz, David Lee Roth, y Whitesnake.

Vai ha sido miembro regular del G3 tour que comenzó en 1995. En 1999, Vai comenzó su propio sello discográfico Favored Nations, con la intención de mostrar como él lo describe, «… a los artistas que han alcanzado el nivel de rendimiento más alto en sus instrumentos elegidos «.

Ocupa el puesto n°10 de la lista los mejores guitarristas de todos los tiempos, publicada por la revista Guitar World.

Nacido el 6 de junio de 1960 en Long Island, Nueva York (cumplió seis años el sexto día del sexto mes de 1966, como así comentó en la introducción de su libro de transcripciones de Frank Zappa).

A los 12 años, Steve es atraído por el instrumento que luego iba a ser su profesión: la guitarra. Esto hace que empiece a tomar clases, con Joe Satriani quien tenía 16 años. Es aquí donde empieza la carrera de Vai como guitarrista.

Steve Vai conquistó el reconocimiento general trabajando para el legendario músico, productor y compositor Frank Zappa.

Al principio Vai solo le hacía las transcripciones de sus partes de guitarra.

Cumplido sus veinte años Frank le pidió a Vai que se uniera a la banda. Cuenta una anécdota que Steve le dijo: «Frank, yo quiero ser como tú“, a lo que Zappa respondió: “Imposible, eres demasiado joven para ser calvo».

A principios de los años 1980 abandonó la banda de Zappa y grabó su primer disco como solista, «Flex-Able», y reemplazó a Yngwie J. Malmsteen como guitarra solista en Alcatrazz.

Poco tiempo después saca su segundo disco solista «Flex-Able Leftovers» con temas grabados durante la preparación de su primer disco pero finalmente no incluidos.

Entonces se unió al antiguo front-man de Van Halen, David Lee Roth para grabar dos álbumes, «Eat them and smile» y «Skyscraper», además de una versión en español del primero titulada «Sonrisa salvaje».

En 1986 saltó a la pantalla grande apareciendo en el legendario duelo final de la película Crossroads (Cruce de caminos o Encrucijada) del director Walter Hill donde hizo el papel del guitarrista del diablo llamado Jack Butler enfrentadose a un joven guitarrista virtuoso de la escuela de Julliard en un duelo guitarristico Ralph Macchio (famoso por su papel en Karate Kid).

En esta película Vai interactúa interpretando su parte con Ry Cooder que interpreta la parte de Ralph Macchio, y William Kanengiser interpretando las partes de guitarra clásica, incluyendo «Eugene’s Trick Bag» compuesta por William Kanengiser la primera mitad de los arpegios y la segunda mitad el mismo Vai, basándose en el Capricho No. 5 de Paganini, el duelo de crossroads fue interpretado en conciertos en vivo junto a Mike Keneally

Posteriormente tocó para Whitesnake y el mítico cantante David Coverdale en el álbum «Slip of the tongue» (1989) y en 1990 grabó su tercer álbum «Passion and Warfare» obteniendo la atención mundial en su carrera como solista.

Por estas fechas gana un Grammy por su participación en el disco tributo a Zappa «Zappa’s Universe», por su solo en «Sofa», siendo criticado por varios músicos otorgándole el reconocimiento a Mike Keneally, por su participación en ese disco.

En 1991 participó junto a Joe Satriani entre otros en el concierto Leyendas de la Guitarra organizado con motivo de la celebración de la Exposición Universal de Sevilla 1992 (Expo´92).

En 1993 aparece el álbum titulado «Sex & Religion», con una formación nueva, Devin Townsend (voz), Terry Bozzio (batería) y T.M.Stevens (bajo). Deja de lado el estilo solista con una dinámica más de banda. Se trata de un disco mayoritariamente vocal, y en parte polémico por el contenido de sus letras, en las que se refiere al sexo y a la religión.

En el año 1995 Steve graba un álbum titulado «Alien Love Secrets», del cual, posteriormente presenta una versión en DVD con los vídeos de las canciones que componen este álbum. El disco se compone de siete temas instrumentales, y fue grabado en seis semanas.

En septiembre de 1996 se edita «Fire Garden». Encarnando una nueva banda y estilo. Un extenso disco de 18 temas, tratándose la primera mitad de temas instrumentales y la segunda incorporando canciones cantadas, y afianzándose Steve en su faceta de cantante.

También en 1996 participa en la gira llamada G3 junto a Joe Satriani (el organizador) y Eric Johnson, donde le acompaña Mike Keneally en los teclados y guitarra. Se graba un disco en vivo del mismo nombre. «

Llegando a mitad del año 1999, aparece el disco «The Ultra Zone», en gran parte instrumental, con cinco temas cantados. Se trata de un disco compuesto de trece temas bastante variados.

En el año 2000 Steve Vai graba su primer disco en vivo, «Alive in an ultra World», presentando canciones que caracterizan los países que el visitó en la gira de «The Ultra Zone». Un segundo disco G3 con el virtuoso de la guitarra Yngwie J. Malmsteen se graba en el 2003.

Más adelante, en el 2004, Steve Vai lanza su segundo disco en vivo, «Live In Astoria: London», donde selecciona grabaciones de sus actuaciones en el Astoria en Londres, recopilándolas en este disco.

Realizó una vez más con Joe Satriani, una gira G3, teniendo en esta oportunidad como invitado al legendario Robert Fripp.

Su álbum editado en 2005 se titula «Real Illusions: Reflections» y para presentarlo realizó una gira mundial con músicos de gran categoría, como Tony Macalpine (guitarra y teclados), Billy Sheehan (bajo), Jeremy Colson (batería y percusión) y Dave Weiner (guitarra eléctrica y acústica), en ese mismo año participa en un nuevo G3 al lado de Satriani y John Petrucci.

En 2006 participa en un tour homenaje a Frank Zappa, organizado por el hijo de este último, Dweezil. En 2007 graba el álbum doble «Sound Theories Vol. I & II».

Vai junto a la marca de guitarras Ibanez crea en 1986 la serie JEM, diseñando también la primera guitarra de siete cuerdas para la marca, llamada Ibanez Universe UV77MC.

También junto a Ibanez se desarrollaron las primeras y únicas guitarras de tres mástiles, denominadas JEM Tripleneck.

La utilización en vivo de este tipo de guitarras (en el G3 del 2003) marca la pauta del nivel que ha alcanzado Steve.

En el 2000 junto a Carvin crea según sus especificaciones su propia serie de amplificadores llamada Legacy.

Hoy en día, Steve es uno de los principales representantes de Ibanez a nivel mundial, y ha logrado que dicha fábrica se convierta en una de las de mayores y más importantes a nivel mundial, gracias a su promoción de la misma usando sus modelos Signature.

El 24 de octubre de 1997, tocó en vivo en la fiesta de celebración del 90 Aniversario de Ibanez, evento que se llevó a cabo en la Nissin Power Station en Japón, con la colaboración de la prestigiosa marca de baterías Tama.

Este evento incluyó a 2 importantes estrellas de la guitarra: el legendario Paul Gilbert, y Andy Timmons, quien formaba parte de la alineación de la banda que tocaría en dicho evento.

Tanto Gilbert como Timmons son dos de los más reconocidos guitarristas en la actualidad y ambos son usuarios de guitarras Ibanez, teniendo sus propios modelos Signature al igual que Vai.

5 de Junio – Kenny G

Kenneth Bruce Gorelick (5 de junio de 1956, Seattle, Washington, Estados Unidos), más conocido por su nombre artístico, Kenny G, es un saxofonista estadounidense ganador del Grammy.

Es un destacado instrumentista popular de los años 1980 y 1990. Actualmente, el saxofonista proveniente de Seattle, dedica su tiempo completo a desarrollar giras regionales en Estados Unidos y algunas internacionales, sobre todo Japón y China.

Es uno de los músicos instrumentistas más exitosos en ventas de álbumes.

El instrumento principal de Kenny G es el saxofón soprano, pero también toca a veces el saxofón tenor y el alto. Comenzó a tocar el saxofón cuando tenía 10 años, en 1966.

El instrumento que tenía cuando era estudiante era un saxofón alto Buffet-Crampon. Ahora toca con saxofones Selmer Mark VI Soprano, Alto y Tenor. Ha creado su propia línea de saxofones llamados «Kenny G Saxofones».

Su cuarto álbum, Duotones, le llevó al éxito en 1986. En 1997 obtuvo un lugar en el libro Guinness de récords mundiales al haber ejecutado la nota más larga registrada por un saxofón (45’47»).

Una de sus últimas participaciones ha sido su contribución en la canción «Last Friday Night (T.G.I.F)» de la cantante estadounidense Katy Perry. En el vídeo oficial, tocó el saxofón actuando como «Uncle Kenny (Tío Kenny)».

Entre las canciones o composiciones más populares del músico, se encuentra «Silhouette».

Destacado en el mundo de la Música, acompañando a decenas de cantantes, como: Michael Bolton, Richard Marx, Aaron Neville, Whitney Houston, Andrea Bocelli, Toni Braxton, Wham, George Michael, David Foster, Stevie Wonder, incluso en habla hispana como participar en un disco musicad de la banda Camila, con el tema: «Es hora de decir adiós».

La destacada participación en los lentos de los años 1980 hizo que, casi imperceptiblemente, todos los que vivieron esa época, y 1990, escucharan temas de él sin saber quién era, ya que acompañaba instrumentalmente en muchos lentos.

Kenny G tiene una profunda amistad con Michael Bolton, y Richard Marx hace décadas. Tal vez una de las características del saxofonista es su cálida forma de ser, por lo cual, es apreciado tanto por cientos de artistas.

Michael Bolton y Kenny G, en una práctica un día antes de los premios Grammy en la década de los 1980.

La carrera de Kenny G se inició con un trabajo como acompañante para orquesta Amor ilimitado de Barry White en 1973, cuando tenía 17 años y todavía estaba en la escuela secundaria.

Continuó tocando profesionalmente mientras estudiaba para obtener una especialización en contabilidad en la Universidad de Washington en Seattle y se graduó.

Él tocó con la banda de funk Fría, Bold y Together antes de convertirse en un miembro acreditado de The Jeff Lorber Fusion. Comenzó su carrera en solitario después de su periodo con Lorber.

Kenny G firmó con Arista Records como artista en solitario en 1982, después que el presidente etiqueta de Clive Davis escuchó su versión de «Dancing Queen» de ABBA.

Se lanzó su primer disco homónimo con la ayuda de The Jeff Lorber Fusion. El álbum recibió buenas críticas.

Recibió el éxito muy pronto, tanto con G Force y la gravedad, su segundo y tercer discos de estudio, respectivamente, alcanzando el disco de platino en los Estados Unidos.

A mediados y finales de 1980, Kenny G trabajó con artistas como George Benson, Patti LaBelle y Aretha Franklin.

Tuvo un éxito en 1987, con «Love Power», un dúo con Dionne Warwick y Jeffrey Osborne, como saxofonista invitado.

Su primer álbum en vivo, titulado Kenny G en vivo incluye canciones populares, entre «Going Home», que alcanzó un gran éxito en la República Popular de China.

Kenny G ha colaborado en particular con una amplia variedad de artistas como Andrea Bocelli, Aaron Neville, Toni Braxton, DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince, Natalie Cole, Steve Miller, Weezer, Dudley Moore, Lee Ritenour, The Rippingtons, Michael Bolton, Celine Dion, Frank Sinatra, Wham, Whitney Houston, Bebel Gilberto, Steve Wonder, Smokey Robinson, Camila y Will Smith. Realizó decenas de publicidades que fueron “virales” en la redes.

El saxofonista es uno de los accionistas principales de la conocida marca de café Starbucks y ahora que la industria musical atraviesa momentos complicados, el precio de la acción de la multinacional estadounidense es una de las obsesiones del compositor de Seattle.

5 de Junio – Martha Argerich

María Martha Argerich (Buenos Aires, 5 de junio de 1941) es una pianista argentina de música académica, considerada una de los mayores exponentes de su generación y la posguerra.

Especialmente célebre por sus interpretaciones de Frédéric Chopin, Franz Liszt, Johann Sebastian Bach, Robert Schumann, Maurice Ravel, Serguéi Prokófiev y Serguéi Rajmáninov.

En 1957, ganó dos prestigiosos concursos de piano con tres semanas de diferencia, siendo estos el Premio Busoni de Bolzano y el Concurso de Ginebra. Más tarde, en 1965 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, reconocida por sus interpretaciones de Chopin y Liszt.

En varios reportajes Argerich ha remarcado su sentimiento de soledad en el escenario durante la interpretación, y -quizá por ello- realizó muy pocos recitales de piano solista después de 1980, enfocándose en conciertos para piano y orquesta, música de cámara y acompañamiento instrumental en sonatas.

Ha sido reconocida especialmente por sus interpretaciones de compositores clásicos del siglo XX, tales como Serguéi Rajmáninov, Olivier Messiaen y Serguéi Prokófiev. Una de sus grabaciones más notables reúne al Concierto para piano n.º 3 de Rajmáninov con el Concierto para piano n.º 1 de Piotr Ilich Chaikovski. Obtuvo tres premios Grammy, en los años 2000, 2005 y 2006.

En el Teatro Colón de Buenos Aires se lleva a cabo anualmente el Festival Martha Argerich, en el cual se ofrecen conciertos por músicos e intérpretes de diferentes partes del mundo, y además se celebra un concurso de piano en el cual Argerich a menudo preside el jurado.

5 de Junio – David Bisbal

David Bisbal Ferre (Almería, Andalucía, 5 de junio de 1979) es un cantante español, que alcanzó la popularidad en el año 2001 tras su participación en la primera edición de Operación Triunfo, (a menudo abreviado OT), emitido por Televisión Española, donde quedó en segundo lugar.

Sus ventas mundiales se estiman en más de 6 millones de copias (discos, singles, recopilatorios y grabaciones en directo). Según acreditan los Productores de Música de España (Promusicae), David Bisbal atesora 48 discos de platino por ventas de discos, (de los cuales 34 corresponden a álbumes de estudio con ventas de más de tres millones de unidades vendidas). Según una encuesta elaborado por la agencia Personality Media en 2016, Bisbal es identificado por el 97% de la población española.

Durante su trayectoria en la Orquesta Expresiones, David se presentó al casting de Operación Triunfo en Barcelona. En 2001, fue uno de los 16 concursantes de la primera edición española del programa, concebido para elegir al representante para el festival ‘Eurovisión’ de aquel año. Finalmente, fue seleccionado como segundo finalista detrás de Rosa López. David actuó en Eurovisión haciendo los coros a Rosa López junto con David Bustamante, Chenoa, Gisela y Geno Machado.

Una vez terminado Operación Triunfo, firmó un contrato con Vale Music, compañía que le ofreció la oportunidad de grabar su álbum debut como solista. Este, titulado Corazón latino, salió al mercado el 15 de octubre de 2002. Fue grabado entre Barcelona, Nueva York y Miami con producción de Kike Santander. El álbum alcanzó el número uno en su primera semana de debut vendiendo más de 1.000.000 de copias batiendo récord de ventas, el disco se mantuvo durante siete semanas consecutivas en el número uno de las listas de ventas de España. Todo el éxito logrado le llevó a ganar su primer premio de gran relevancia a nivel nacional como fue el Premio Ondas al mejor álbum del año 2002.

Con más de 1.000.000 de copias vendidas en España, Bisbal se lanza a los países de habla hispana, para promocionar su álbum debut. En septiembre de 2003, David Bisbal gana su primer Grammy Latino en la categoría «Mejor Artista Revelación».

El 31 de octubre inició su primera gira americana en Argentina, donde recorrió 12 países con 17 conciertos en directo. En noviembre se puso a la venta en México una edición especial de ‘Corazón latino’.

El álbum, a día de hoy, ha vendido alrededor de 1.700.000 copias en todo el mundo. Alrededor de 1.300.000 copias vendidas en España con lo que obtuvo su primer disco de Diamante.

En 2002 graba también un pequeño disco promocional llamado Grandes baladas con 4 versiones de baladas clásicas como «El día que me quieras», «Contigo en la distancia» y una versión en español de «Nothing’s gonna change my love for you». Es un disco grabado para su difusión promocional con la «Tarjeta 40 Principales» de La Caixa, por lo que no salió a la venta.

Con el álbum Corazón latino ganó el Premio Ondas, además de varias nominaciones a los Premios de la Música y Premios Amigo.

El 12 de enero de 2004 se estrenó Bulería, primer single del segundo álbum con el que alcanzó el Número 1 en las listas de ventas y radios de España y América. El 10 de febrero de ese mismo año salió a la venta su segundo ábum, que lleva el mismo nombre que el primer single. El álbum debutó en el número uno en las listas de ventas de España donde vendió más de 300.000 copias en una semana. A su vez, logró alcanzar el disco de oro en Colombia y Venezuela al poco tiempo de salir a la venta el álbum.

En noviembre de 2004, pisó por primera vez Alemania para promocionar el dúo con la cantante Joana Zimmer, un dúo con el tema ‘Let’s make history’. Unos días después de presentar el videoclip del tema, David, apareció en la gala ‘Homenaje a Rocío Jurado’, cantando junto a la más grande.

El álbum ha vendido más de 1.300.000 copias en todo el mundo, de las cuales 1.000.000 pertenecen a España, obteniendo así su segundo disco de Diamante. Siendo el único artista junto con Alejandro Sanz en tener más de 1 disco de Diamante en España.

El primer single de este nuevo trabajo, ‘Quién me iba a decir’. se presentó en agosto de 2006. Consiguió ser número uno en las listas de ventas y radios de España y América. El 3 de octubre lanzó su tercer disco de estudio al completo con el nombre de Premonición. Alcanzó el número uno en su debut, consiguiendo alcanzar los cinco discos de platino. El álbum consiguió vender cerca de 1 millón copias a escala mundial.

El 24 de octubre actuó en Estrasburgo, sede del Parlamento Europeo, interpretando los temas de su álbum ante representantes de los 25 países miembros en un concierto exclusivo.

El álbum se mantuvo durante un mes en el número uno de las listas españolas. El cantante ganó el Premio Ondas, celebrado en el Teatre Musical de Barcelona, en la 53ª Gala de los Premios y el Micrófono de Oro en la categoría musical.

En enero de 2007, su segundo single ‘Silencio’ permaneció durante 8 semanas consecutivas en el número uno de los 40 Principales.

En 2008, Bisbal cantó a dúo con Rihanna en el tema «Hate That I Love You» que incluye en la reedición del disco ‘Good girl gone bad’. Incluso se les pudo ver actuando juntos en televisión en España y en un concierto en México meses después.

En ese mismo año colaboró con los artistas Luis Fonsi, Alex Sinteks y Noel Shajris para el tema «Aquí estoy yo» con el que David conseguiría posteriormente su segundo Grammy Latino, esta vez compartido, por dicha participación en ese cuarteto.

Sin mirar atrás, es el nombre del cuarto álbum de estudio. Fue lanzado al mercado el 20 de octubre de 2009 en España, Latinoamérica y Estados Unidos. En su primer día de lanzamiento, se convirtió en doble disco de platino en España y Número 1 en iTunes en España, Estados Unidos y México. El disco terminó consiguiendo un triple disco de platino en España y un disco de Oro en Argentina. Su primer single Esclavo de sus besos fue un éxito rotundo, tanto en España como en toda Latinoamérica y Estados Unidos. Fue elegido mejor disco del año por la audiencia de Televisión Española. Se vendieron alrededor de 500.000 copias certificadas a nivel mundial.

Un año más tarde, en 2010, pondría su voz para la banda sonora de la película «La última canción» donde canta un dúo con la ‘reina adolescente’ más importante del panorama musical, Miley Cyrus.

El español David Bisbal cantó especialmente para la telenovela: «Herederos de una venganza». Dicha novela es una de las de más alto rating en Argentina, la cual fue protagonizada por Romina Gaetani, Luciano Castro y Federico Amador, donde todos sus momentos románticos son musicalizados por el tema cantado por David Bisbal. Los autores de dicho tema son el propio Bisbal, Sebastián Bazán y Karen Oliver.

El 5 de noviembre de 2011 salió a la venta su primer DVD acústico titulado «Una noche en el Teatro Real», grabado en el templo musical cuatro días antes. En su primera semana a la venta consiguió un récord histórico al superar por primera vez un DVD las ventas de un CD consiguiendo en siete días vender más de 50.000 ejemplares obteniendo el Doble Disco de Platino.

El 18 de enero consiguió el Triple disco de platino superando así la cifra de 75.000 ejemplares vendidos. En 2012 consiguió disco de platino en España por su CD en vivo en Royal Albert Hall.

Durante la gira de «Una noche en el Teatro Real» el artista español recorrió los teatros y auditorios más emblemáticos de España, Norteamérica, América Latina, el Cono Sur y las principales capitales europeas. Un total de 128 conciertos en recintos tan singulares como el Royal Albert Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York o el Luna Park de Buenos Aires.

El 15 de noviembre de 2012, en Las Vegas, David Bisbal ganó su tercer Grammy Latino, esta vez en la categoría «Mejor álbum Pop tradicional».

El primer single «Diez mil maneras» fue estrenado el 23 de enero y se convirtió desde la primera semana de su lanzamiento en número 1 en iTunes.

El día 18 de marzo estrenó su disco. Su gira tuvo comienzo en Argentina y hace un recorrido por varios países de Sudamérica y por España.

En este disco cuenta con la colaboración de artistas como India Martínez, Antonio Orozco, Manuel Carrasco, Vega y la brasileña Sandy. Con este CD en su primera semana fue doble disco de platino en España y disco de oro en Argentina, además de conseguir el single de platino por «Diez mil maneras».

Posteriormente lograría alcanzar el triple disco de platino en España, disco de platino en Argentina, disco de oro en México y disco de oro en Rumanía.

Fue nombrado como el artista n°1 en ventas en España del año 2014. Junto con el álbum, Bisbal protagonizó un mediometraje, dirigido por Kike Maíllo y co-protagonizado por María Valverde, que se estrenó en los cines de España y México. Las ventas rondan las 300.000 copias a escala mundial.

Es su sexto álbum de estudio, editado y producido en Estados Unidos, Inglaterra, Suecia y España. Fue lanzado al mercado el 2 de diciembre de 2016, consiguiendo en tan solo dos semanas ser disco de platino en España.

El primer single «Antes que no» logra ser n°1 en iTunes en 9 países incluyendo España y diversas naciones de Latinoamérica en los primeros días después de su lanzamiento además de lograr buenas críticas en redes sociales debido a la producción innovadora realizada en el videoclip del single.

A su vez, David Bisbal lanza el videoclip de otra de las canciones incluidas en el sexto proyecto de estudio «Hijos del Mar» llamada «Duele demasiado».

Dicha canción surge de la idea de realizar una colaboración con Unicef y es dedicada a los niños que sufren las consecuencias de las guerras. A modo de promoción, se presentó la gira Hijos del Mar Tour. Las primeras paradas son en España, para luego continuar la promoción en Latinoamérica.

4 de junio – Paquito D’Rivera

Paquito D’Rivera (Francisco de Jesús Rivera Figueras) (Marianao, La Habana, 4 de junio de 1948) es un músico cubano de jazz, clarinetista y saxofonista alto, tenor y soprano.

Apasionado tanto del jazz como de la música clásica, uno de los principales objetivos de su obra es hacer del primero parte integrante de la segunda.

Hijo del saxofonista y director de orquesta cubano Tito D’Rivera, empezó a estudiar música con cinco años y a los siete ya era un niño prodigio que actuaba en público. A esa edad firmó un contrato con la célebre compañía fabricante de instrumentos musicales Selmer. En palabras del propio artista:

“Mi padre fue un saxofonista retirado del ejército, quien importó de Francia la escuela clásica del Conservatorio de París.

Estudiaba su instrumento 26 horas diarias, y contaba que yo me sentaba a su lado en una sillita con un saxofoncito plástico, a imitarlo.” (…) “A los 5 años de edad, como él tenía una pequeña oficina de importaciones musicales que traía, entre otras cosas, los instrumentos Selmer de París, me ordenó un saxofón chiquitico, me enseñó a tocarlo, y un año más tarde me presentó con el quinteto de saxos de la orquesta Cosmopolita en una fiesta de fin de curso de la escuela Emilia Azcárate, de mi barrio, Marianao”.

En 1958, con diez años, toca en el Teatro Nacional de La Habana con gran éxito.

Si bien había aprendido a tocar el saxofón soprano, cuando conoció el saxo alto se inclinó por este tipo, que aprendió a tocar con ayuda de un libro.

Con doce años entra en el conservatorio de La Habana para estudiar clarinete, composición y armonía.

En 1967, con dieciocho años y ya considerado un virtuoso debuta con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba como solista en un concierto televisado a nivel nacional. Ese mismo año funda junto con el pianista Chucho Valdés la Orquesta Cubana de Música Moderna que dirigió durante algo más de dos años, compaginando esta actividad con su trabajo en la Orquesta Nacional y otras agrupaciones como la Banda del Ejército Cubano.

Posteriormente funda junto con ocho músicos de la Orquesta de Música Moderna y otros tres artistas el grupo Irakere que fusiona el jazz, rock, música tradicional cubana y música clásica creando un estilo totalmente nuevo que causó sensación en los festivales de Newport y Montreux en 1978. Con este grupo recorrió Norteamérica y Europa y fue nominado para varios premios Grammy en 1979 y 1980, de los que ganó uno por el primer año en la categoría Best latin recording por su primer disco, homónimo de la banda. Este grupo hizo historia al convertirse en la primera banda cubana que firmó con una compañía norteamericana tras la victoria de Fidel Castro.

«De Irakere tengo los mejores recuerdos, fue una experiencia única. Sólo que no sabíamos que estábamos haciendo una cosa que iba a ser tan trascendental».

En mayo de 1980, cansado de su situación en Cuba, D’Rivera abandona el viaje, durante una escala que hizo en España, en un vuelo que iba a Finlandia, solicitando asilo en la embajada norteamericana, dejando a su mujer e hijos en la isla. Su madre Maura , su padre Tito,y su hermana Rosario habían dejado Cuba en 1968 y ya eran ciudadanas estadounidenses.

Su hermano Enrique (que casualmente salía ese mismo día de Cuba)(rehén en Cuba , para que paquito no abandonara Irakere) vía la flotilla del Mariel, reside en la actualidad en Atlanta, Georgia.

Su hijo Franco vive en Miami, Florida. Paquito fue ayudado por numerosas personas como Dizzy Gillespie, David Amram, Mario Bauza y Bruce Lundvall y rápidamente se ganó el respeto de la comunidad de músicos de jazz.

Su fama se consolidó con la publicación de sus dos primeros discos en solitario, Paquito Blowin en junio de 1981 y Mariel en julio del siguiente año, así como por un artículo de la revista Time y por actuar en el programa de la cadena de televisión CBS Sunday Morning.

En Estados Unidos colaboró con algunos músicos de jazz como Arturo Sandoval, Claudio Roditi, Michel Camilo y rescató del ostracismo yanki al pianista Bebo Valdés, padre de Chucho.

Durante los años 80 colaboró con Gillespie, con el que funda en 1988 la United Nations Orchestra, banda de quince miembros.

D´Rivera colaboró con muchos otros grupos, como los fundados por él; Paquito D’Rivera Big Band, el Paquito D’Rivera Quintet, con los que tocaba respectivamente jazz y música de cámara, sus dos grandes pasiones, Triángulo, de calypso y salsa o el Caribbean Jazz Project.

Además trabajó en solitario y con otras bandas como cuando 1988 actuó como solista con la National Simphony Orchestra. También comenzó a componer para otros grupos como el Gerald Danovich Saxophone Quartet y el Aspen Wind Quintet.

Además de su faceta de intérprete D’Rivera es un notable compositor tanto de jazz como de música clásica. Entre sus composiciones más célebres figuran Gran Danzón para la Filarmónica de Rotterdam y estrenada en 2002 en el Kennedy Center for Performing Arts, en Washington, Panamericana Suite, estrenada en el año 2000 en el Lincoln Center de Nueva York o Rivers, estrenada por la New Jersey Chamber Music Society. Sus composiciones son editadas en exclusiva por la compañía Boosey and Hawkes.

Ha colaborado con numerosos músicos de géneros diversos como el Ying Quartet, Turtle Island String Quartet, el violonchelista Mark Summer, el pianista Alon Yavnai, o Yo-Yo Ma.

Es miembro del Alon Yavnai-Paquito D’Rivera Duet y del Jazz Chamber Trio. Entre los numerosos galardones y reconocimientos que ha recibido a lo largo de su carrera destacan siete grammys en diversos años, un doctorado honoris causa en música por el Berklee College of Music y la medalla nacional de las artes de Estados Unidos.

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