Category Archives: Efemérides musicales

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16 de Noviembre – W. C. Handy

William Christopher Handy (16 de noviembre de 1873-28 de marzo de 1958), más conocido como W. C. Handy, fue un compositor y músico de blues, considerado como “The Father of the Blues” (el padre del blues).

C. Handy fue uno de los compositores más influyentes de los Estados Unidos. Aunque es uno de los muchos músicos que tocó el estilo de música que es distintivo del país, el blues, se trata del músico que le confirió su forma contemporánea no solo porque era capaz de escribir su música para ser publicada y, por tanto, para perdurar, sino por sus ritmos sincopados, un estilo único de su música.

Aunque no fue el primero en publicar música bajo la forma de blues, sí fue el primero que lo recogió del Delta siendo un estilo regional no muy conocido y lo convirtió en una de las fuerzas dominantes de la música americana.

Handy fue un músico cultivado que utilizó materiales folclóricos en sus composiciones. Fue escrupuloso a la hora de documentar las fuentes de sus obras, en las que combinaba frecuentemente influencias estilísticas provenientes de distintos intérpretes.

Handy nació en Florence, Alabama, hijo de Charles Bernard Handy y Elizabeth Bewer Handy. Su padre era pastor de una pequeña iglesia de Guntersville, también un pequeño pueblo al noroeste de Alabama. Handy escribió en su autobiografía de 1941, titulada Father of the Blues, que había nacido en una cabaña construida por su abuelo William Wise Handy, que se convertiría en ministro de la African Methodist Episcopal tras la emancipación. La cabaña donde nació sería posteriormente preservada en su ciudad natal.

Handy fue un profundo creyente, y así muchas de las influencias en su estilo musical se pueden encontrar en la música religiosa que cantó y tocó en su juventud, y en los sonidos de la naturaleza de su tierra de origen (pájaros, árboles, etc.).

Fue aprendiz de carpintero, zapatero y plastificador, y compró su primera guitarra para la que había estado ahorrando gracias a diversos trabajos menores sin el permiso de sus padres. Su padre, disgustado con sus tendencias, que consideraba poco cristianas, terminó por apuntarlo a lecciones de órgano, aunque pronto se decidió a aprender a tocar la corneta. C. Handy falleció el 28 de marzo de 1958 de neumonía en el Hospital de Sydenham en Nueva York.

15 de Noviembre – Daniel Barenboim

Daniel Barenboim (hebreo: דניאל ברנבוים; Buenos Aires, 15 de noviembre de 1942) es un pianista y director de orquesta argentino nacionalizado español, israelí y palestino.

Hijo de músicos (tanto Enrique Barenboim como Aída Schuster, sus padres, fueron destacados pianistas), debutó en Buenos Aires a los siete años con un éxito tal que fue invitado por el Mozarteum de Salzburgo a continuar sus estudios en esta ciudad, en cuyo festival triunfó tres años después. Posteriormente estudió con Nadia Boulanger, Igor Markevitch y en la Academia de Santa Cecilia de Roma.

Barenboim empezó sus estudios de piano a la edad de cinco años con su madre y continuó con su padre, quien quedó como su único profesor. En agosto de 1950 interpretó su primer concierto en Buenos Aires. Realizó sus estudios primarios en el Instituto Pestalozzi de Belgrano R.

En 1952 la familia Barenboim se trasladó a Israel. Dos años más tarde, sus padres lo enviaron a Salzburgo para que tomara clases de dirección con Igor Markevitch. Allí conoció a Wilhelm Furtwängler, para quien tocó el piano.

En 1955 estudió armonía y composición con Nadia Boulanger en París.

Barenboim debutó como pianista en el Mozarteum de Salzburgo2​ en 1952, en París ese mismo año, en Londres en 1956 y en Nueva York en 1957, bajo la dirección de Leopold Stokowski. En los años siguientes realizó regularmente conciertos en Europa, Estados Unidos, Sudamérica y el Lejano Oriente.

Realizó su primera grabación en 1954. Más tarde grabó sonatas para piano de Mozart y Beethoven y conciertos de Mozart (interpretando al piano y dirigiendo), Beethoven (con Otto Klemperer), Brahms (con John Barbirolli) y Béla Bartók (con Pierre Boulez).

Tras su debut como director con la Orquesta Filarmónica de Londres en 1967, recibió invitaciones de diversas orquestas sinfónicas europeas y estadounidenses. El 15 de junio de ese mismo año, Barenboim contrajo matrimonio con la cellista británica Jacqueline du Pré. En el transcurso de los últimos años de la vida de du Pré, Barenboim se instaló en París con la pianista Elena Bashkirova. Un año después de la muerte de du Pré por esclerosis múltiple en 1987, se casó con Bashkirova, con la que tuvo dos hijos, David y Michael.

Su debut como director de ópera tuvo lugar en 1973 con la representación del Don Giovanni, de Mozart en el Festival de Edimburgo. Entre 1975 y 1989 fue director musical de la Orquesta de París, donde dirigió numerosas piezas de música contemporánea.

En 1981 debutó en el festival de Bayreuth, realizado anualmente en homenaje a Wagner. Barenboim dirigió regularmente en esa ciudad hasta 1999, donde hizo una lectura completa de El anillo del nibelungo y de Tristán e Isolda, con la mezzosoprano Waltraud Meier y el tenor Siegfried Jerusalem.

Desde 1991 hasta el 17 de junio de 2006, Barenboim fue director musical de la Orquesta Sinfónica de Chicago, cargo al que accedió en sustitución de George Solti.

El 2 de septiembre de 2001 solicitó la nacionalidad española, que le fue concedida el 25 de octubre de 2002. Desde 1980 se presentó con frecuencia en el Palacio de Carlos V con motivo de la celebración del Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Por su vinculación con el anterior, le fue entregada la Medalla de Honor del Festival en un acto celebrado el 9 de julio de 2011.

Es además el director musical general de la Deutsche Staatsoper o Staatsoper Unter den Linden, la Ópera Estatal de Berlín conocida como Unter den Linden (Bajo los tilos) desde 1992.

Además de sus actividades como pianista y director de orquesta, Barenboim ha compuesto varios tangos. En diciembre de 2006 dirigió el Concierto de Año Nuevo en Buenos Aires, cuyo repertorio fue Tango Sinfónico.3​

En 2008 se presentó por primera vez en el Metropolitan Opera de Nueva York, dirigiendo Tristán e Isolda de Wagner tocando en la misma semana un recital de piano en el escenario del Met, el primero en 22 años, el último había sido dado por Vladímir Hórowitz.

En 2009, dirigió el Concierto de Año Nuevo, frente a la Orquesta Filarmónica de Viena. En 2014 también lo ha dirigido, y saludó a todos los miembros de la orquesta mientras sonaba la Marcha Radetzky.

Fue condecorado con la Legión de honor del gobierno francés.

A partir del 10 de agosto de 2011 es candidato al Premio Nobel de la Paz por sus diversas actividades a favor de la paz y la convivencia en Oriente Próximo.4​

Desde la década de 1960 ha realizado presentaciones en Buenos Aires en varias ocasiones. Se presentó en el teatro Colón en 1980 con la Orquesta de París, en 1989 interpretó las variaciones Goldberg de Bach, en 1995 con la Staatskapelle Berlín, en 2000 con la Sinfónica de Chicago y en un recital de piano conmemorando 50 años de su debut en Buenos Aires, en 2002 para la integral de sonatas de Beethoven, en 2004 para los dos tomos del Clave bien temperado de Bach, en 2005 con la West-Eastern Divan Orchestra, en 2006 con un concierto multitudinario de fin de año ante 50.000 personas junto a la Filarmónica de Buenos Aires, en 2008 con la Staatskapelle Berlin y en 2010 nuevamente con la West-Eastern Divan interpretando las nueve sinfonías de Beethoven y en un concierto al aire libre para 60.000 personas y con el coro y orquesta del Teatro Alla Scala de Milán en el Teatro Colón con motivo del bicentenario argentino.

El 7 de julio de 2001, Barenboim dirigió la Staatskapelle de Berlín en la representación de la ópera de Wagner Tristán e Isolda en el festival de Israel celebrado en Jerusalén. Fue llamado pronazi y fascista por algunos de los presentes.

Barenboim iba a interpretar el primer acto de La Walkiria con tres cantantes, entre los que se encontraba el tenor español Plácido Domingo. Sin embargo, las protestas de los supervivientes del holocausto y del gobierno israelí forzaron a la organización del festival a buscar un programa alternativo. Pese a estar en desacuerdo con la decisión, Barenboim accedió a sustituir estas piezas por composiciones de Schumann y Stravinski. Finalizado el concierto, declaró que en el bis iba a interpretar una pieza de Wagner, e invitó a aquellos de los presentes que tuvieran alguna objeción a que abandonaran la sala.

En 1999 junto al escritor estadounidense de origen palestino Edward Said, al que lo unió una gran amistad, fundó la West-Eastern Divan Orchestra, una iniciativa para reunir cada verano un grupo de jóvenes músicos talentosos tanto de origen israelí como de origen árabe o español. Ambos recibieron el premio Príncipe de Asturias de la Concordia por la iniciativa.

En 2004 Barenboim recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.6​

El 12 de enero de 2008, después de un concierto en Ramala, Barenboim aceptó también la ciudadanía palestina honoraria.7​8​ Se convirtió así en el primer ciudadano del mundo con ciudadanía israelí y palestina, y dijo que la había aceptado con la esperanza de que sirviera como señal de paz entre ambos pueblos.

14 de Noviembre – Narciso Yepes

Narciso García Yepes (Lorca, 14 de noviembre de 1927 – Murcia, 3 de mayo de 1997), más conocido como Narciso Yepes, fue un guitarrista clásico español. Cuando cumplió los 13 años, comenzó a estudiar en el Conservatorio de Valencia con Vicente Asencio, famoso pianista de la época.

En 1947, interpretó en público por vez primera el Concierto de Aranjuez (de Joaquín Rodrigo), bajo las órdenes del director Ataúlfo Argenta, lo cual le mereció celebridad inmediata. En 1952, según su propia declaración, rescató y recompuso una canción tradicional para guitarra: Romanza española (anónimo), pieza musical incluida en la película Juegos prohibidos (Jeux Interdits, del director René Clément, 1952).

En 1958 se casa con una joven polaca, estudiante de filosofía, llamada Marysia Szumlakowska[1]; con la que tuvo tres hijos: Juan de la Cruz (muerto en un accidente a los 18 años), Ignacio Yepes (compositor, flautista y director de orquesta), y Ana Yepes (bailarina y coreógrafa).

En 1964, Yepes comienza a utilizar su creación: la guitarra de diez cuerdas, pues de ella obtenía mucho mejor resonancia y a la vez le facilitaba el tocar piezas de música barroca (originalmente escritas para laúd). Le incitó a la creación de esta nueva guitarra el desequilibrio sonoro debido a la falta de buena parte de los armónicos naturales en la guitarra de seis cuerdas.

El ingente repertorio de Narciso Yepes, aumentado por numerosas transcripciones de música de todas las épocas es, con seguridad, el más rico de todos los tiempos. La publicación de sus transcripciones y revisiones de partituras así como las múltiples grabaciones realizadas a lo largo de su carrera son referencia para estudiantes de guitarra de todo el mundo.

El 25 de abril de 1987 participó como solista junto a la Orquesta de València en el concierto inaugural del Palau de la Música de la ciudad del Turia, interpretando el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo con Manuel Galduf a la batuta.

A partir de 1993, Narciso Yepes empezó a limitar sus apariciones públicas, debido a problemas de salud. Su último concierto fue en Santander, el 1 de marzo de 1996. Su gran trayectoria musical le hizo merecedor de multitud de premios y menciones. Murió en 1997 a causa de un cáncer linfático. Por voluntad propia sus cenizas fueron entregadas a la Comunidad de Monjas del monasterio de Santa María de Buenafuente del Sistal en la provincia de Guadalajara al que se sentía muy unido. Fue nombrado Amigo ilustre de Buenafuente.

13 de Noviembre – Estanislao Mejía Castro

Estanislao Mejía Castro (San Idelfonso Hueyotlipan, Tlaxcala, 13 de noviembre de 1882 — Ciudad de México, 15 de junio de 1967), fue un compositor mexicano.

Comenzó su carrera de maestro en el Conservatorio impartiendo clases de cornetín y de solfeo. Don Estanislao intervino para que la reciente Universidad de México no se quedara sin escuela musical.

Cuando se fundó la Facultad de Música, Estanislao fue el director por 4 años. Ocupó el cargo de director del Conservatorio Nacional de Música.

Desde ese puesto organizó la Orquesta Sinfónica Nacional, que ha dado a conocer la música mexicana.

Fue compositor de sinfonías, piezas de gran dificultad y finura, así como poemas sinfónicos, y en 1951 hizo el arreglo del popular Jarabe Tapatío.

Compuso además la ópera Edith y dio a conocer diversos aspectos de su arte por medio de revistas y periódicos.

Se ejecutó en el Palacio de Bellas Artes, en el marco del homenaje al coronel Felipe Santiago Xicoténcatl, su marcha solemne Xicohténcatl.

Colaboró en los periódicos “El Universal” y “Novedades” con artículos acerca de la música, sobre todo la mexicana.

Escribió tres libros llamados Compendio, en los cuales se reúne lo mejor de la composición musical de su país.

Además de la marcha para el coronel Felipe Santiago Xicoténcatl, compuso un homenaje a Mariano Matamoros. Organizó diversos concursos y el Segundo Congreso Nacional de Música.

Murió a los 85 años en la ciudad de México, dejando a la música grandes aportaciones y un orgullo al pueblo de Hueyotlipan, Tlaxcala.

12 de Noviembre – Neil Young

Neil Percival Young (Toronto, Ontario, 12 de noviembre de 1945)1​ es un músico y compositor canadiense, considerado ampliamente como uno de los más influyentes de su generación.

Comenzó su carrera musical en Canadá en 1960 con grupos como The Squires y The Mynah Birds, antes de trasladarse en 1966 a California para fundar Buffalo Springfield con Stephen Stills y Richie Furay.

En 1968 inició una carrera en solitario que abarca más de 45 años y 39 álbumes de estudio hasta 2016, con una continua exploración de diferentes géneros musicales, especialmente durante la década de 1980, cuando experimentó con estilos como el swing, el blues y el rockabilly.

Ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Buffalo Springfield y artista en solitario, descrito como «uno de lo mejores compositores e intérpretes de rock and roll».

Su trabajo se caracteriza por unas letras marcadamente personales,​ en ocasiones con crítica social y posiciones antibelicistas,​ y por su voz de tenor-alto.​ Aunque toca instrumentos como el piano, el banjo y la armónica,​ su trabajo se caracteriza por un distintivo empleo de las guitarras acústica y eléctrica, y en particular por el uso de una Gibson Les Paul de 1953 modificada y apodada Old Black.

Su trabajo más reconocido se divide en dos estilos musicales: el acústico, con canciones folk y country rock como «Heart of Gold» y «Old Man»,​ y el eléctrico, con canciones rock y hard rock como «Hey Hey, My My (Into the Black)» y «Rockin’ in the Free World», interpretadas principalmente con el grupo Crazy Horse y caracterizadas por una alta distorsión del sonido. A partir de la década de 1990 adoptó elementos de estilos como el grunge, y su influencia en bandas como Nirvana o Pearl Jam le valió el sobrenombre de «el padrino del grunge».

Como director cinematográfico publicó, siempre bajo el seudónimo de Bernard Shakey, largometrajes como Journey Through the Past, Rust Never Sleeps, Human Highway, Greendale y CSNY Déjà Vu.​ Es también un destacado defensor de causas humanitarias y ambientales, y en 1985 fundó Farm Aid con Willie Nelson y John Mellencamp para ayudar económicamente a los granjeros de Estados Unidos en riesgo de exclusión social. Un año después fundó con Pegi Young una organización educativa para niños con discapacidades psíquicas llamada The Bridge School, que financia con la recaudación de los Bridge School Festival, una serie de conciertos benéficos anuales.

Young contrajo matrimonio en tres ocasiones: en 1970 con Susan Acevedo; en 1971 con la actriz Carrie Snodgress, con quien tuvo un hijo de nombre Zeke, y en 1978 con Pegi Morton, con quien tuvo dos hijos, Ben y Amber Jean.​ Reside en Broken Arrow Ranch, una propiedad ubicada en Redwood City, California y no ha adoptado la nacionalidad estadounidense a pesar de residir en el país desde hace más de 45 años.

11 de Noviembre – Adrián Barilari

Adrián Barilari (Villa Lugano, Buenos Aires, Argentina, 11 de noviembre de 1959), es un cantante argentino de heavy metal. Es el vocalista de Rata Blanca, con la cual grabó un total de ocho álbumes de estudio y recorrió los más grandes escenarios de toda Argentina, Iberoamérica, Estados Unidos y Europa.

Integró Alianza en los 90; y como solista editó cuatro trabajos: Barilari en 2003, junto a los músicos de Nightwish, Canciones Doradas en 2007, reversionando canciones clásicas del rock/pop, Abuso de Poder, mostrando su faceta más pesada, y Barilari, su más reciente obra.

Segundo de tres hermanos varones de una familia de clase media, estuvo vinculado con la música desde muy pequeño ya que su tío era ejecutante de bandoneón y cantante de tangos. Fue él quien le enseñó a cantar a los 4 o 5 años. Pronto su madre comenzó a llevarlo a los canales de televisión para que cantara frente a las cámaras, con solamente 7 u 8 años.

Su hermano mayor tenía un grupo de rock, en el cual Adrián aprovechaba de momentos para cantar temas de Creedence Clearwater Revival o The Beatles. A los 12 años empezó a componer sus primeras canciones y su madre lo incentivó para que estudiara acordeón, pero él no estaba convencido y terminó aprendiendo a tocar la guitarra que era lo que realmente le gustaba.

La primera banda rockera de Barilari se llamaba Topos Uranos, de estilo rock pesado, pero tuvo que dejar este proyecto al tener que cumplir con el servicio militar obligatorio. Después de eso fue integrante de otras bandas como Rompecabezas, Cobalto, Vietnam y Días de Gloria.8​

Fue entonces cuando en 1989, el cantante Saúl Blanch dejó Rata Blanca, y el grupo comenzó la búsqueda de nuevo cantante. Aunque Barilari pensaba seguir en Días de Gloria, sus propios compañeros le insistieron para que entrase en la banda.

Su ingreso como vocalista en Rata Blanca suponen su auge hacia la fama. Su figura parece lanzarse a los más altos niveles cuando difunden Magos, Espadas y Rosas. Junto con el éxito rockero, llega el éxito mediático y popular. Su original figura de joven extravagante pronto lo convirtieron en la imagen más reconocida que el Rock argentino tenía para ofrecer.

Con la edición del EP El Libro Oculto y ante los deseos de Walter Giardino de llevar a la banda a un estilo más pesado, en 1993, Adrián abandonó el grupo al no estar de acuerdo con el nuevo rumbo impuesto por el guitarrista.

Junto al teclista Hugo Bistolfi, que también se había alejado recientemente del grupo, forman Alianza, con numerosos músicos sesionistas, de los cuales los únicos miembros permantentes eran ellos dos. No tuvo mucha repercusión en Argentina, pero sí en otros países de Iberoamérica.

El primer disco llegó un año más tarde, titulado Sueños del Mundo y continuaba con la línea de Rata Blanca, sin llegar a ser heavy metal. Dispuestos a aprovechar la fama ganada años antes, realizaron giras por países de Iberoamérica.

En 1997 editaron en México su segundo disco, llamado simplemente Alianza. El disco contaba además con una versión abreviada del clásico «Mujer amante».

En 1998 participó del disco Guitarras argentinas: Placer, odio, sentimiento, del cual participaron los mejores guitarristas del país, incluyendo a Walter Giardino, Daniel Telis (guitarrista del primer disco de Alianza), Adrian Subotovsky, Pappo y Pablo Soler entre otros. Adrián Barilari participó en el disco haciendo las voces en el tema «Nada es para siempre» de Adrián Subotovsky. En ese mismo año también Rata Blanca se separa. Walter Giardino seguía adelante con su proyecto solista Walter Giardino Temple, del que finalmente se fueron todos sus integrantes, tras una pelea en un recital, junto a Glenn Hughes.

En 1999 sacaron a la venta un disco que mostraba un quiebre significativo respecto a lo que venían haciendo anteriormente. Se trata de Huellas, el primer disco de Heavy metal de la banda. También editó un libro titulado Introducción al Canto Pop, en el que se detallan técnicas de respiración y vocalización para aficionados al canto. El libro incluía todos los ejemplos grabados por el mismo Adrián.

El nuevo siglo trajo más trabajo para Adrián, ya que colaboró con el primer disco de Azeroth como cantante invitado junto a Christian Bertoncelli (ex Horcas y actual vocalista de Imperio y Renacer). A partir del renacer de su amistad con Giardino, fue invitado como cantante para realizar algunos shows de Temple, aprovechando la difusión de los clásicos de Rata Blanca en las radios.

El 2 de septiembre de 2000 anunciaron en Bolivia, que se volvía a armar Rata Blanca y pronto llamaron a su compañero en Alianza para que ocupara nuevamente los teclados de la banda. Partieron hacia una gira iberoamericana y la cerraron el 19 de diciembre en el Teatro Coliseo. Días después, Alianza se presentó en Acatraz para despedir el año.

En el 2001 continuó junto a Rata Blanca en sus presentaciones, pero paralelamente participó junto a Hugo Bistolfi y otros reconocidos músicos, como Ricardo Mollo, Claudio O’Connor, Norberto Rodríguez, Claudio Marciello, Walter Meza, etc. de un disco tributo a Deep Purple, llamado Sueños Púrpura.

Ya con Rata Blanca de vuelta, editaron Grandes Canciones, un recopilatorio con algunas de las más clásicas del grupo, incluyendo una versión acústica de «Mujer Amante» con la formación actual. Posteriormente sacan a la venta El camino del fuego que era la secuela de Temple, pero con la nueva formación de Rata Blanca. También sacaron dos sencillos de este último, el primero se tituló «Highway on fire» con los temas «Master Of the Highway» (Amo del camino), «Back Home» (Volviendo a casa), «The fire dance» (La danza del fuego) y un vídeo de «Back Home». El segundo fue titulado En Nombre de Dios, en donde aparecen los temas «En Nombre de Dios», «Volviendo a Casa,» «La danza del fuego» y el acústico de «Mujer Amante».

En el 2003 sacan Poder vivo un recopilatorio de varios conciertos de su última gira hasta la conclusión de la misma. Al día siguiente (26 de julio), se presentan en el estadio Obras y sacan un CD y un DVD del concierto.

En el 2005 editan La llave de la puerta secreta, un disco inspirado en el libro El código Da Vinci, y en el 2008 sale su último álbum, El Reino Olvidado, manteniéndose siempre vigentes dentro de la escena argentina.

Además de su trabajo en Rata Blanca, Adrián Barilari comienza una carrera solista como proyecto paralelo llamado Barilari; con él graba un EP de cuatro temas adelanto del CD principal Barilari.

Barilari, ya editado como álbum, cuenta con la participación de los destacados músicos de Stratovarius, Jens Johansson en teclados, quien además aportó arreglos de cuerdas, Emppu Vuorinen en guitarras, Jukka Nevalainen en batería y Sami Vänskä en bajo (todos estos excepto el último, integrantes de Nightwish, Vänskä ya no lo es). En guitarras, además, los Argentinos Daniel Telis y Gonzalo Ledesma. El disco fue grabado en Finlandia, Suecia, Alemania y Argentina y cuenta con una sección de cuerdas grabadas en Alemania. Las composiciones corren por cuenta de Adrián, Gonzalo Ledesma y Daniel Telis, Jens Johansson y Emppu Vuorinen. Se destaca el cover del clásico de Rainbow «Stargazer», adaptado al castellano. El disco fue mezclado por Mikko Karmila y masterizado por Mika Jussila en los “Finnvox Studios” de Finlandia donde hoy en día se genera buena parte del rock pesado a nivel mundial.

En 2007 presenta un disco de covers llamado Canciones Doradas en el cual versiona diversas canciones en inglés que fueron hits en su momento, además de un cover de “Pasión Prohibida”, un tema de su antigua agrupación Alianza.

En el 2009, Ádrian saca a la luz su tercer disco, Abuso de poder; este es un disco muy potente y con letras más comprometidas que sus trabajos anteriores. Dicho disco se lanzó vía Internet a principios de junio, el primer corte es la canción que le da nombre al disco.

En junio de 2012 ha sacado a la venta su más reciente obra: Barilari 4. El título hace referencia a que es su cuarta producción como solista.

10 de Noviembre – Ennio Morricone

Ennio Morricone (n. Roma, Italia; 10 de noviembre de 1928) es un compositor y director de orquesta italiano conocido por haber compuesto la banda sonora de más de 500 películas y series de televisión.

Recibió un Óscar honorífico en 2006 y ganó el Óscar a la mejor banda sonora en 2016 por la cinta The Hateful Eight. Sus composiciones han formado parte de más de 20 películas galardonadas, como también piezas sinfónicas y corales.

Destacan, entre otros, sus trabajos en películas del spaghetti western, de la mano de su amigo Sergio Leone, como Por un puñado de dólares de 1964, La muerte tenía un precio de 1965, El bueno, el feo y el malo de 1966 o Hasta que llegó su hora de 1968.

No obstante, su obra se extiende a multitud de géneros de composición, convirtiéndolo así en uno de los compositores más versátiles de la historia del cine y también de los más influyentes del siglo XX.

Sus composiciones para Days of Heaven de 1978, La misión de 1986 o Cinema Paradiso de 1988 son catalogadas como auténticas obras maestras. Nacido en Roma, Morricone comenzó a tocar la trompeta cuando era niño y a los seis años ya había compuesto su primera obra.

Estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia a la edad de nueve años, donde su padre, Mario Morricone, que era músico, lo inscribió. Cuando tenía doce años entró en el conservatorio, inscribiéndose en un programa de armonía de cuatro años, que acabó en seis meses.

Su diploma de trompeta lo recibió en 1946 y a partir de ese año comenzó a trabajar profesionalmente componiendo la música de Il Mattino (La mañana). Después de graduarse en 1954, empezó como escritor fantasma, componiendo música para películas, que se atribuían a famosos músicos de la época.

Pronto ganó popularidad debido a la composición de música de fondo para programas de radio y poco después daría el salto a la gran pantalla. En los años cincuenta recibió un diploma en instrumentación. También le fue otorgado por el también compositor Goffredo Petrassi un diploma en composición. En 1955, Morricone se dedicó a arreglar la música de otros compositores que ya estaban establecidos en el cine.

Al poco tiempo, Sergio Leone, un amigo de la infancia de Morricone, lo requeriría para que fuese el compositor de las bandas sonoras de sus películas. Juntos crearon un punto de vista diferente del Western tradicional con la película Un puñado de dólares.

En los años 80 y 90, Morricone continuó componiendo para Leone, como en Érase una vez en América (1984). También compuso para otros directores como Roland Joffé en La misión (1986), Brian de Palma en Los intocables de Eliot Ness (1987) o Giuseppe Tornatore en Cinema Paradiso (1988). Otras composiciones más recientes de carácter notable son en las películas Malèna (2000), Campos de Esperanza (2005) o Baarìa (2009).

Morricone ha recibido dos premios Grammy, tres Globos de Oro, cinco BAFTA, diez David de Donatello, once Nastro d’argento y el Premio de Música Polar en 2010, considerado este último como el Nobel de la música. En la edición de los Premios Óscar 2006 recibió el Óscar honorífico «por sus magníficas y polifacéticas contribuciones en el arte de la música de cine».

En 2016 recibió el Óscar en la categoría de Mejor banda sonora original por la película ‘Los Odiosos Ocho’, después de haber sido nominado seis veces en esta categoría en ediciones anteriores, convirtiéndose así en el galardonado más longevo en dicha categoría en la historia de los premios Oscar. A lo largo de su carrera, Morricone ha vendido más de 70 millones de discos.

8 de Noviembre – Rickie Lee Jones

Rickie Lee Jones (nacida el 8 de noviembre de 1954, Chicago, Illinois, EE. UU.) es una artista musical, vocalista, compositora y productora.

A lo largo de su carrera, Jones ha experimentado con una amplia variedad de géneros que incluyen el rock, rhythm and blues, pop y jazz, dando lugar a un estilo personal de difícil clasificación. Si bien sus primeros trabajos gozaron de un notable éxito comercial, su inconformismo musical la convirtió en una artista de culto fuera de su país.

Rickie nació como la tercera de cuatro hijos de la pareja formada por Bettye y Richard Jones, ambos camareros, aunque Richard también cantaba y tocaba la trompeta. La familia se mudó a Arizona en 1959, donde Rickie creció montando a caballo, estudiando danza y practicando la natación. A los diez años se mudaron a Olympia (Washington), donde sus padres, cuya relación no dejó nunca de ser conflictiva, se separaron definitivamente. En 1969, durante una estancia con su padre, Rickie viajó con unos amigos a un concierto rock celebrado en California. Nunca regresó a casa y deambuló por la zona en plan hippie tocando la guitarra y cantando en bares y clubs de Venice (California) donde se hizo famosa su versión de ‘My funny Valentine’. Allí conoció al pianista y compositor Alfred Johnson y juntos compusieron en una semana muchos de los temas más populares de Jones.

Tras una actuación del cantautor Ivan Ulz en el Troubadour, en la que Rickie cantó un par de canciones, conoció a Tom Waits y los dos iniciaron una de las relaciones más notorias y recordadas de la época. Rickie es la chica que aparece de espaldas com Tom en la contraportada del álbum ‘Blue Valentine’. A ambos les costó años para que les dejaran de preguntar por el otro en las entrevistas cuando la relación acabó. Uno de los amigos y vecinos de la pareja era Chuck Weiss, músico excepcional y otro festero de parecidas proporciones. Un día, Tom contestó una llamada telefónica de Chuck, y cuando colgó el teléfono, Rickie le preguntó “Quien era?”. Tom entre risitas dijo “It was Chuck E. Chuck E.’s in love again…” (Era Chuck, y se ha vuelto a enamorar).

Ese fue el título de su primer éxito extraido de su álbum debut, ‘Rickie Lee Jones’, publicado en febrero de 1979 y que alcanzó el puesto nº3 de las listas y recibió un Grammy por ‘mejor artsita revelación del año’. Dos años después, el álbum había vendido más de dos millones de copias sólo en Estados Unidos.

En 1981 apareció su segundo álbum, ‘Pirates’, que musicalmente era bastante más ambicioso que el anterior, introduciendo elementos de jazz, R&B, bebop y temas de Broadway, con numerosos cambios de tempo, estructura y atmósfera. Fue Top5 en las listas estadounidenses y Top40 en las británicas. El año siguiente lo pasó realizando giras de promoción del álbum y editó un EP de ocho canciones con descartes de sesiones anteriores y algún tema nuevo, ‘Girl At Her Volcano’ (1983). Rickie era por aquel entonces lo que se puede llamar una politoxicómana. Era adicta a la heroína y la cocaína, aunque la peor de sus adicciones la sufría con el alcohol. Un día dijo basta y dejó de beber. Se trasladó a Paris donde residió durante cuatro meses en un apartamento de $800 en el Boulaverd des Invalides, para recuperarse y en septiembre de 1984 se publicó su último trabajo para Warner, ‘The Magazine’, que resultó un fracaso comercial.

A continuación Rickie desapareció de la escena durante casi cinco años, los cuales empleó en viajar y en encontrarse a sí misma. En Tahiti conoció al músico francés Pascal Nabet-Meyer con quien tuvo en 1988 su primera hija, Charlotte Rose. Con renovado control sobre su vida, se sintió con las fuerzas suficientes para retomar su carrera musical y el resultado fue ‘Flying Cowboys’ (1989), con producción de Walter Becker de Steely Dan y publicado bajo Geffen Records. Fue muy bien recibido y logró alcanzar el Top40 de las listas. Al año siguiente recibió un Grammy por su remake con Dr. John de ‘Making whopee’.

En 1991 publicó ‘Pop Pop’, un álbum con una ecléctica selección de versiones con arreglos orquestales que van desde un tema de Hendrix (‘Up from the skies’) hasta uno de Peter Pan (‘I won’t grow up’). En el álbum colaboraron conocidos músicos de jazz como Charlie Haden, Joe Henderson y Robben Ford. En su trabajo autoproducido de 1993, ‘Traffic from Paradise’ explora territorios más personales, escribiendo canciones autobiográficas en un momento en el que atravesaba un amargo divorcio de su pareja Navet-Mayer. En Billboard se podía leer: “‘Traffic from Paradise’ es un disco casi perfecto sobre la imperfección humana”

En 1995 publicó ‘Naked Songs’ un concierto acústico en el que la cantante se acompaña únicamente de la guitarra y el piano. Dos años después, con Reprise Records, Rickie experimentó con el trip hop y la música electrónica en el álbum ‘Ghostyhead’ (1997) grabado en colaboración con Ricky Jones, lo que expuso su música a nuevas generaciones. A pesar de las excelentes críticas (muchos consideran ‘Ghostyhead’ el mejor trabajo de Rickie) las ventas fueron escasas.

En el año 2000 se publicó ‘It’s Like It Is’. Como en su anterior trabajo de 1991, ‘Pop Pop’, contenía versiones, pero ésta vez Rickie imprimía un sello particularmente personal en ellas dando rienda suelta a sus capacidades vocales. El álbum recibió una nominación al Grammy por ‘mejor álbum vocal de pop tradicional’.

Concentrada durante años en la educación de su hija, hasta 2003 no publicó un nuevo álbum con canciones nuevas, ‘The Evening Of My Best Day’. Tras un nuevo paréntesis de cuatro años publicó ‘The Sermon On Exposition Boulevard’. Desde entonces apareció ‘Balm in Gilead’ en 2009 y en septiembre de 2012 apareció ‘The Devil You Know’, otro álbum de versiones producido por Ben Harper. El año 2015 fundó su propio sello discográfico: The Other Side of Desire Records, en el que publicó en junio su más reciente trabajo, llamado como el sello: ‘The Other Side of Desire’, su primer álbum con temas propios originales desde 2003.

8 de Noviembre – Roy Wood

Roy Adrian Wood (Birmingham, Inglaterra, 8 de noviembre de 1946) es un compositor, cantante, y multiinstrumentista británico conocido por cofundar bandas como The Move, Electric Light Orchestra y Wizzard.

Según la BBC, Wood es el «responsable de algunos de los sonidos más recordados de la música de la década de 1970» y «reconocido por su papel importante en los movimientos glam rock, la música psicodélica and prog rock».

Tras su paso por una serie de bandas a comienzos de la década de 1960 y ser expulsado del Moseley College of Art, a mediados de 1964, cofundó The Move, banda cuyo sencillo Night of Fear llegó al puesto número dos de las listas de ventas discográficas del Reino Unido en 1967.

En 1971, Wood propuso la formación de una escisión de The Move llegando a formarse, con sus compañeros Jeff Lynne y Bev Bevan, la Electric Light Orchestra (ELO), cuyo primer álbum, para Harvest, obtuvo buenas críticas y ventas. Sin embargo, poco después, Wood abandona el grupo para formar Wizzard.

En 2008, la Universidad de Derby le nombró doctor honoris causa por su contribución a la música, el 18 de enero del 2008.

7 de Noviembre – Johnny Rivers

Johnny Rivers (nacido como John Henry Ramistella, Ciudad de Nueva York, Estados Unidos, 7 de noviembre de 1942) es un cantante y músico de rock and roll estadounidense.

La familia Ramistella se mudó de Nueva York a Baton Rouge, Louisiana aun siendo niño. Johnny fue influenciado por el distintivo estilo musical de Louisiana y comenzó a tocar la guitarra a la edad de ocho años, enseñada por su padre y su tío. Aunque todavía iba a la escuela secundaria, comenzó a sentarse en la escena musical local, con una banda llamada The Rockets, dirigidos por Dick Holler , quien más tarde escribió una serie de canciones que incluyen «Abraham, Martin and John» y «Snoopy vs. the Red Baron».

Ramistella formó su propia banda, The Spades, y grabó su primer disco a los 14 años, cuando todavía era estudiante en la secundaría de Baton Rouge. Toda su música fue grabada por la etiqueta Suede ya en 1956.

En 1958, conocé a Alan Freed, quien le aconsejó que cambiara su nombre por el de “Johnny Rivers” por el río Mississippi que fluye a través de Baton Rouge. Freed también ayudó a obtener algunos contratos de grabación en la etiqueta Gone. A partir de marzo de 1958 y marzo de 1959, Rivers lanzó tres discos que no se venden bien.

En ese mismo año, Rivers se reúne con James Burton, un guitarrista en una banda liderada por Ricky Nelson. Burton recomienda una de las canciones de Rivers, «I’ll Make Believe», a Nelson, quien la grabó. Se conocieron en Los Angeles en 1961, donde posteriormente Rivers encontró trabajo como compositor y músico de estudio. Su gran oportunidad le llegó en el año 1963, cuando ocupó el lugar de un combo de jazz en Gazzarri, un club nocturno en Hollywood, donde su popularidad instantánea atrajo grandes multitudes.

Desde ese momento hasta la fecha, Rivers ha editado más de treinta álbumes de estudio, realizando conciertos por todo el mundo y ha tocado con destacados músicos como Eric Clapton, Tom Petty, Paul McCartney, George Harrison, Pink Floyd y Pappo.2​

El 12 de junio de 2009, Johnny Rivers fue incluido en el Louisiana Music Hall of Fame. Su nombre ha sido propuesto muchas veces en el Rock and Roll Hall of Fame, pero nunca ha sido seleccionado.

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