Category Archives: Efemérides musicales

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16 de Noviembre – W. C. Handy

William Christopher Handy (16 de noviembre de 1873-28 de marzo de 1958), más conocido como W. C. Handy, fue un compositor y músico de blues, considerado como “The Father of the Blues” (el padre del blues).

C. Handy fue uno de los compositores más influyentes de los Estados Unidos. Aunque es uno de los muchos músicos que tocó el estilo de música que es distintivo del país, el blues, se trata del músico que le confirió su forma contemporánea no solo porque era capaz de escribir su música para ser publicada y, por tanto, para perdurar, sino por sus ritmos sincopados, un estilo único de su música.

Aunque no fue el primero en publicar música bajo la forma de blues, sí fue el primero que lo recogió del Delta siendo un estilo regional no muy conocido y lo convirtió en una de las fuerzas dominantes de la música americana.

Handy fue un músico cultivado que utilizó materiales folclóricos en sus composiciones. Fue escrupuloso a la hora de documentar las fuentes de sus obras, en las que combinaba frecuentemente influencias estilísticas provenientes de distintos intérpretes.

Handy nació en Florence, Alabama, hijo de Charles Bernard Handy y Elizabeth Bewer Handy. Su padre era pastor de una pequeña iglesia de Guntersville, también un pequeño pueblo al noroeste de Alabama. Handy escribió en su autobiografía de 1941, titulada Father of the Blues, que había nacido en una cabaña construida por su abuelo William Wise Handy, que se convertiría en ministro de la African Methodist Episcopal tras la emancipación. La cabaña donde nació sería posteriormente preservada en su ciudad natal.

Handy fue un profundo creyente, y así muchas de las influencias en su estilo musical se pueden encontrar en la música religiosa que cantó y tocó en su juventud, y en los sonidos de la naturaleza de su tierra de origen (pájaros, árboles, etc.).

Fue aprendiz de carpintero, zapatero y plastificador, y compró su primera guitarra para la que había estado ahorrando gracias a diversos trabajos menores sin el permiso de sus padres. Su padre, disgustado con sus tendencias, que consideraba poco cristianas, terminó por apuntarlo a lecciones de órgano, aunque pronto se decidió a aprender a tocar la corneta. C. Handy falleció el 28 de marzo de 1958 de neumonía en el Hospital de Sydenham en Nueva York.

16 de Noviembre – Yamila Cafrune

Yamila Cafrune cantante argentina de folclore y abogada, nacida en Buenos Aires el 16 de noviembre de 1965.1​ Es hija de Jorge Cafrune, maestro del folclore. Desde 1999 vive en Cañuelas, una ciudad situada al sur del conurbano bonaerense.

Le pusieron de nombre Yamila en honor a Yamila Bupacha, una heroína de la revolución argelina contra la colonización francesa.

Sus otras hermanas del primer matrimonio entre Jorge Cafrune y Marcelina Amalia Gallardo, son Victoria, Zorayda Delfina y Eva Encarnación.

Los nombres fueron puestos en honor a la mujer del Chacho Peñaloza, caudillo de La Rioja; la mujer de Pancho Ramírez, caudillo de Entre Ríos y por Eva Perón y la mujer de Juan Manuel de Rosas, respectivamente.

Del segundo matrimonio de Jorge Cafrune con Lourdes López Garzón nacen Juan Facundo, llamado así por el caudillo riojano Facundo Quiroga y Macarena.

Yamila Cafrune ha grabado con personalidades tan reconocidas como Horacio Guarany, Argentino Luna y Los cantores de Quilla Huasi, entre otros.

Presentó su álbum “En Vivo” en el 2006. El CD cuenta con doce temas, grabados en diciembre de 2005 en el teatro Gregorio de Laferrere de Morón.

La lista de canciones es variada: “Tu huella en mi” de Diego Gallo; “La Finadita” de los hermanos Díaz; “Camino al rodeo” de Roberto Ternán; “Juana Azurduy” de Ramírez y Luna, “Padre”, “Herencia”, “Trasnochados espineles”, “Zamba de mi esperanza”, “El último sapucay”, entre otras.

15 de Noviembre – Daniel Barenboim

Daniel Barenboim (hebreo: דניאל ברנבוים; Buenos Aires, 15 de noviembre de 1942) es un pianista y director de orquesta argentino nacionalizado español, israelí y palestino.

Hijo de músicos (tanto Enrique Barenboim como Aída Schuster, sus padres, fueron destacados pianistas), debutó en Buenos Aires a los siete años con un éxito tal que fue invitado por el Mozarteum de Salzburgo a continuar sus estudios en esta ciudad, en cuyo festival triunfó tres años después. Posteriormente estudió con Nadia Boulanger, Igor Markevitch y en la Academia de Santa Cecilia de Roma.

Barenboim empezó sus estudios de piano a la edad de cinco años con su madre y continuó con su padre, quien quedó como su único profesor. En agosto de 1950 interpretó su primer concierto en Buenos Aires. Realizó sus estudios primarios en el Instituto Pestalozzi de Belgrano R.

En 1952 la familia Barenboim se trasladó a Israel. Dos años más tarde, sus padres lo enviaron a Salzburgo para que tomara clases de dirección con Igor Markevitch. Allí conoció a Wilhelm Furtwängler, para quien tocó el piano.

En 1955 estudió armonía y composición con Nadia Boulanger en París.

Barenboim debutó como pianista en el Mozarteum de Salzburgo2​ en 1952, en París ese mismo año, en Londres en 1956 y en Nueva York en 1957, bajo la dirección de Leopold Stokowski. En los años siguientes realizó regularmente conciertos en Europa, Estados Unidos, Sudamérica y el Lejano Oriente.

Realizó su primera grabación en 1954. Más tarde grabó sonatas para piano de Mozart y Beethoven y conciertos de Mozart (interpretando al piano y dirigiendo), Beethoven (con Otto Klemperer), Brahms (con John Barbirolli) y Béla Bartók (con Pierre Boulez).

Tras su debut como director con la Orquesta Filarmónica de Londres en 1967, recibió invitaciones de diversas orquestas sinfónicas europeas y estadounidenses. El 15 de junio de ese mismo año, Barenboim contrajo matrimonio con la cellista británica Jacqueline du Pré. En el transcurso de los últimos años de la vida de du Pré, Barenboim se instaló en París con la pianista Elena Bashkirova. Un año después de la muerte de du Pré por esclerosis múltiple en 1987, se casó con Bashkirova, con la que tuvo dos hijos, David y Michael.

Su debut como director de ópera tuvo lugar en 1973 con la representación del Don Giovanni, de Mozart en el Festival de Edimburgo. Entre 1975 y 1989 fue director musical de la Orquesta de París, donde dirigió numerosas piezas de música contemporánea.

En 1981 debutó en el festival de Bayreuth, realizado anualmente en homenaje a Wagner. Barenboim dirigió regularmente en esa ciudad hasta 1999, donde hizo una lectura completa de El anillo del nibelungo y de Tristán e Isolda, con la mezzosoprano Waltraud Meier y el tenor Siegfried Jerusalem.

Desde 1991 hasta el 17 de junio de 2006, Barenboim fue director musical de la Orquesta Sinfónica de Chicago, cargo al que accedió en sustitución de George Solti.

El 2 de septiembre de 2001 solicitó la nacionalidad española, que le fue concedida el 25 de octubre de 2002. Desde 1980 se presentó con frecuencia en el Palacio de Carlos V con motivo de la celebración del Festival Internacional de Música y Danza de Granada. Por su vinculación con el anterior, le fue entregada la Medalla de Honor del Festival en un acto celebrado el 9 de julio de 2011.

Es además el director musical general de la Deutsche Staatsoper o Staatsoper Unter den Linden, la Ópera Estatal de Berlín conocida como Unter den Linden (Bajo los tilos) desde 1992.

Además de sus actividades como pianista y director de orquesta, Barenboim ha compuesto varios tangos. En diciembre de 2006 dirigió el Concierto de Año Nuevo en Buenos Aires, cuyo repertorio fue Tango Sinfónico.3​

En 2008 se presentó por primera vez en el Metropolitan Opera de Nueva York, dirigiendo Tristán e Isolda de Wagner tocando en la misma semana un recital de piano en el escenario del Met, el primero en 22 años, el último había sido dado por Vladímir Hórowitz.

En 2009, dirigió el Concierto de Año Nuevo, frente a la Orquesta Filarmónica de Viena. En 2014 también lo ha dirigido, y saludó a todos los miembros de la orquesta mientras sonaba la Marcha Radetzky.

Fue condecorado con la Legión de honor del gobierno francés.

A partir del 10 de agosto de 2011 es candidato al Premio Nobel de la Paz por sus diversas actividades a favor de la paz y la convivencia en Oriente Próximo.4​

Desde la década de 1960 ha realizado presentaciones en Buenos Aires en varias ocasiones. Se presentó en el teatro Colón en 1980 con la Orquesta de París, en 1989 interpretó las variaciones Goldberg de Bach, en 1995 con la Staatskapelle Berlín, en 2000 con la Sinfónica de Chicago y en un recital de piano conmemorando 50 años de su debut en Buenos Aires, en 2002 para la integral de sonatas de Beethoven, en 2004 para los dos tomos del Clave bien temperado de Bach, en 2005 con la West-Eastern Divan Orchestra, en 2006 con un concierto multitudinario de fin de año ante 50.000 personas junto a la Filarmónica de Buenos Aires, en 2008 con la Staatskapelle Berlin y en 2010 nuevamente con la West-Eastern Divan interpretando las nueve sinfonías de Beethoven y en un concierto al aire libre para 60.000 personas y con el coro y orquesta del Teatro Alla Scala de Milán en el Teatro Colón con motivo del bicentenario argentino.

El 7 de julio de 2001, Barenboim dirigió la Staatskapelle de Berlín en la representación de la ópera de Wagner Tristán e Isolda en el festival de Israel celebrado en Jerusalén. Fue llamado pronazi y fascista por algunos de los presentes.

Barenboim iba a interpretar el primer acto de La Walkiria con tres cantantes, entre los que se encontraba el tenor español Plácido Domingo. Sin embargo, las protestas de los supervivientes del holocausto y del gobierno israelí forzaron a la organización del festival a buscar un programa alternativo. Pese a estar en desacuerdo con la decisión, Barenboim accedió a sustituir estas piezas por composiciones de Schumann y Stravinski. Finalizado el concierto, declaró que en el bis iba a interpretar una pieza de Wagner, e invitó a aquellos de los presentes que tuvieran alguna objeción a que abandonaran la sala.

En 1999 junto al escritor estadounidense de origen palestino Edward Said, al que lo unió una gran amistad, fundó la West-Eastern Divan Orchestra, una iniciativa para reunir cada verano un grupo de jóvenes músicos talentosos tanto de origen israelí como de origen árabe o español. Ambos recibieron el premio Príncipe de Asturias de la Concordia por la iniciativa.

En 2004 Barenboim recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.6​

El 12 de enero de 2008, después de un concierto en Ramala, Barenboim aceptó también la ciudadanía palestina honoraria.7​8​ Se convirtió así en el primer ciudadano del mundo con ciudadanía israelí y palestina, y dijo que la había aceptado con la esperanza de que sirviera como señal de paz entre ambos pueblos.

15 de Noviembre – Miguel Aceves Mejía

Miguel Aceves Mejía (Chihuahua, 13 de noviembre de 1915 – Ciudad de México, 6 de noviembre de 2006​) fue un cantante y actor mexicano, de la llamada Época de Oro del cine mexicano, autor de temas vernáculos rancheros. Se le conoció con el apodo de «El Rey del Falsete» o «El Falsete de Oro».

Sus padres Miguel Aceves y Herminia Mejía deciden huir en el ferrocarril Kansas City México y Oriente hacia El Paso, ya que estaba entrando Francisco Villa a la ciudad de Chihuahua con sus tropas. Nace Miguel en Estados Unidos y es registrado en México, en Chihuahua, Chihuahua, el 13 de diciembre de 1915, por lo que conservó la ciudadanía estadounidense hasta que renunció a ella en 1939 debido al comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

Desde niño trabajó como bolero y vendiendo periódicos ya que su padre, don Miguel Aceves, falleció cuando él tenía 4 años de edad, víctima de amigdalitis que le genera un ahogamiento dormido en Los Jáquez, municipio de Meoqui, lugar donde paso su niñez y primeros años de juventud.

Posteriormente trabaja como ayudante de mecánico en la Ford Motor Company de Chihuahua. En su adolescencia, y a pesar de ser tartamudo, descubrió su facilidad para el canto. Sus compañeros lo alentaron a entrar a un concurso de canto que realizaba la Ford Motor Company, ya que se la pasaba cantando todo el tiempo y según decían ellos “Cantaba muy bonito”.

El primer premio era un contrato para trabajar en Monterrey en la XEB el buen tono. Ahí conoce a los que serían sus compañeros en el trío Los Porteños. Sus primeras presentaciones fueron en su ciudad natal, así como en Monterrey y posteriormente en Los Ángeles donde grabó su primer disco, con el trío Los Porteños.

A pesar del éxito inmediato que tenía en Los Ángeles, les dice a sus compañeros que su sueño es regresar a México, a la capital, para estar en la XEW, pero sus compañeros desisten y deciden seguir por su cuenta, así se despiden.

Después viajó a lCiudad de México donde se formaba todas las mañanas desde las 7 am para esperar una oportunidad hasta que Fernando Fernández lo mete a un programa al enfermarse uno de los cantantes. Después del programa impresiona a los directores de la XEW, por su tesitura y tono de voz.

Le preguntan qué le gusta cantar y al contestar que siempre ha incursionado en el género ranchero, le dicen que ese género no tiene muchos seguidores por lo que lo inician en el programa Rumbas y Boleros como cantante de boleros.

Posteriormente, al lograr éxito como bolerista y tener su propio programa en la XEW, Mariano Rivera Conde lo hace grabar varios discos con rumbas y guarachas, y al querer volver a grabar un nuevo sencillo, inicia una huelga en México de todos los músicos y esta se convierte en la gran oportunidad ya que a Mariano Rivera Conde se le ocurre decirle.

“Miguel, porque no grabamos con mariachi, ¡¡en el sindicato no están reconocidos como músicos!!” por lo que Miguel Aceves Mejía inicia como intérprete de temas rancheros. Su primer disco de acetato en ranchero es un éxito al traer “Oh Gran Dios”, “Carabinas 30-30”, “La Embarcación” y “Hay Unos Ojos”.

Su talento y estilo interpretativo le abrieron las puertas del éxito y muestra de ello fueron las más de dos mil canciones que grabó y lo consagraron como el Rey del Falsete.

Su popularidad y carisma lo llevaron a incursionar en el cine y a realizar más de 64 películas. Su primera película fue Rancho Alegre (1940), en la que al final interpreta el tema musical de la historia, esta fue la primera de medio centenar de cintas filmadas tanto en México como en Argentina y España.

Las primeras incursiones del Aceves Mejía fueron sólo como cantante e incluso doblando la voz de José Pulido en el filme De pecado en pecado (1947). Después de su intervención en diez cintas, en 1954 debuta estelarmente en la película A los cuatro vientos, al lado de Rosita Quintana.

Fue tal la aceptación de Miguel y Rosita como pareja, que los productores decidieron reunirlos en otras películas como: Que seas feliz (1956), Mi niño mi caballo y yo (1958), ¿Dónde estás corazón? y Paloma brava, estas últimas filmadas en 1960.

Trabajó al lado de las grandes figuras del cine mexicano. Con Lola Beltrán compartió créditos en Rogaciano el huapanguero y Guitarras de media noche, ambas de 1957, así como con Libertad Lamarque en Historia de un amor (1955) Cuatro copas (1957) y Sabrás que te quiero (1958), y con Luis Aguilar en Hay ángeles con espuelas (1955) y Los cinco halcones (1960). Fue pareja fílmica de Flor Silvestre en El ciclón (estrenada en 1959) y Los fanfarrones (estrenada en 1960), y en esta última película cantaron a dueto «¡Viva quien sabe querer!».

Con María Félix cantó a dúo en Camelia (1953) y también actuó con ella en Si yo fuera millonario (1962). Mientras que con Marga López intervino en Camino de la horca (1961) y Bajo el cielo de México (1957). Una de las películas más importantes de Aceves Mejía fue Música de siempre (1956), una de las producciones más ambiciosas de la época, al reunir al Rey del Falsete con figuras de la música como Toña la Negra, Riz Ortolani, Katyna Ranieri, Amália Rodrigues, Yma Sumac y Édith Piaf.

La popularidad que alcanzó con sus discos y sus películas lo llevó al extranjero y en Argentina, donde logró gran aceptación, filmó Qué me toquen las golondrinas (1956), Amor se dice cantando (1957) y ¡Viva quien sabe querer! (1959). En España compartió créditos con Lola Flores en ¡Échame a mí la culpa! (1958) y en Tú y las nubes (1955).

Es recordado sobre todo como un gran cantante. Aunque fue un intérprete de gran versatilidad, es tal vez en la modalidad del huapango donde su arte alcanzó el máximo esplendor. Grabó más de mil seiscientas canciones de todos los géneros folclóricos mexicanos, acompañado en ocasiones del Mariachi Vargas de Tecalitlán. Entre las más populares melodías que interpretó están “El pastor”, “La malagueña”, “Yo tenía un chorro de voz”, “La del rebozo blanco”, “Vaya con Dios”, “El jinete”, “La noche y tú”, “Cuatro caminos”, “Serenata huasteca”, “El pescado nadador”, “La embarcación” y “Oh, gran dios”.

También incursionó en otros géneros como el tango en el que en 1968 grabó con Lucio Milena un disco llamado Tangos en bolero a la manera de Miguel Aceves Mejía.

Falleció a los 90 años, víctima de una neumonía el 6 de noviembre de 2006, y recibió un homenaje, de cuerpo presente, en el Palacio de Bellas Artes hasta su entierro el 8 de noviembre de 2006, en el Panteón Jardín de la ciudad de México. Le sobrevive su hijo Miguel Santiago Aceves Mejía Martínez y Gloria Angélica Aceves.

14 de Noviembre – Narciso Yepes

Narciso García Yepes (Lorca, 14 de noviembre de 1927 – Murcia, 3 de mayo de 1997), más conocido como Narciso Yepes, fue un guitarrista clásico español. Cuando cumplió los 13 años, comenzó a estudiar en el Conservatorio de Valencia con Vicente Asencio, famoso pianista de la época.

En 1947, interpretó en público por vez primera el Concierto de Aranjuez (de Joaquín Rodrigo), bajo las órdenes del director Ataúlfo Argenta, lo cual le mereció celebridad inmediata. En 1952, según su propia declaración, rescató y recompuso una canción tradicional para guitarra: Romanza española (anónimo), pieza musical incluida en la película Juegos prohibidos (Jeux Interdits, del director René Clément, 1952).

En 1958 se casa con una joven polaca, estudiante de filosofía, llamada Marysia Szumlakowska[1]; con la que tuvo tres hijos: Juan de la Cruz (muerto en un accidente a los 18 años), Ignacio Yepes (compositor, flautista y director de orquesta), y Ana Yepes (bailarina y coreógrafa).

En 1964, Yepes comienza a utilizar su creación: la guitarra de diez cuerdas, pues de ella obtenía mucho mejor resonancia y a la vez le facilitaba el tocar piezas de música barroca (originalmente escritas para laúd). Le incitó a la creación de esta nueva guitarra el desequilibrio sonoro debido a la falta de buena parte de los armónicos naturales en la guitarra de seis cuerdas.

El ingente repertorio de Narciso Yepes, aumentado por numerosas transcripciones de música de todas las épocas es, con seguridad, el más rico de todos los tiempos. La publicación de sus transcripciones y revisiones de partituras así como las múltiples grabaciones realizadas a lo largo de su carrera son referencia para estudiantes de guitarra de todo el mundo.

El 25 de abril de 1987 participó como solista junto a la Orquesta de València en el concierto inaugural del Palau de la Música de la ciudad del Turia, interpretando el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo con Manuel Galduf a la batuta.

A partir de 1993, Narciso Yepes empezó a limitar sus apariciones públicas, debido a problemas de salud. Su último concierto fue en Santander, el 1 de marzo de 1996. Su gran trayectoria musical le hizo merecedor de multitud de premios y menciones. Murió en 1997 a causa de un cáncer linfático. Por voluntad propia sus cenizas fueron entregadas a la Comunidad de Monjas del monasterio de Santa María de Buenafuente del Sistal en la provincia de Guadalajara al que se sentía muy unido. Fue nombrado Amigo ilustre de Buenafuente.

13 de Noviembre – Estanislao Mejía Castro

Estanislao Mejía Castro (San Idelfonso Hueyotlipan, Tlaxcala, 13 de noviembre de 1882 — Ciudad de México, 15 de junio de 1967), fue un compositor mexicano.

Comenzó su carrera de maestro en el Conservatorio impartiendo clases de cornetín y de solfeo. Don Estanislao intervino para que la reciente Universidad de México no se quedara sin escuela musical.

Cuando se fundó la Facultad de Música, Estanislao fue el director por 4 años. Ocupó el cargo de director del Conservatorio Nacional de Música.

Desde ese puesto organizó la Orquesta Sinfónica Nacional, que ha dado a conocer la música mexicana.

Fue compositor de sinfonías, piezas de gran dificultad y finura, así como poemas sinfónicos, y en 1951 hizo el arreglo del popular Jarabe Tapatío.

Compuso además la ópera Edith y dio a conocer diversos aspectos de su arte por medio de revistas y periódicos.

Se ejecutó en el Palacio de Bellas Artes, en el marco del homenaje al coronel Felipe Santiago Xicoténcatl, su marcha solemne Xicohténcatl.

Colaboró en los periódicos “El Universal” y “Novedades” con artículos acerca de la música, sobre todo la mexicana.

Escribió tres libros llamados Compendio, en los cuales se reúne lo mejor de la composición musical de su país.

Además de la marcha para el coronel Felipe Santiago Xicoténcatl, compuso un homenaje a Mariano Matamoros. Organizó diversos concursos y el Segundo Congreso Nacional de Música.

Murió a los 85 años en la ciudad de México, dejando a la música grandes aportaciones y un orgullo al pueblo de Hueyotlipan, Tlaxcala.

13 de Noviembre – Jimmy Fontana

Jimmy Fontana (Enrico Sbriccoli: Camerino, de la provincia de Macerata, 13 de noviembre de 1934 – Roma, 11 de septiembre de 2013) ​ fue un cantante y actor italiano que conoció su momento de mayor popularidad en los años 1960.

En 1961 participó en el Festival de San Remo en dúo con Miranda Martino cantando el tema Lady luna, compuesto por el maestro Armando Trovaioli y Dino Verde.

Su primer éxito fue Non te ne andare (1963), y poco más tarde su internacional Il Mondo (1965), canción que ha conocido múltiples versiones en voces de otros artistas.

Él mismo grabó en su voz las versiones en castellano (El mundo) y en catalán (El món). Fue grabada en un EP en catalán en 1965 junto a tres canciones más de Gianni Morandi, Rita Pavone y Donatella Moretti. También Los Mustang grabaron una versión en castellano de Il Mondo.

La mia serenata es el disco del verano en Italia en 1967, y en el Cantagiro de 1969 presenta La nostra favola, versión italiana de la canción de Tom Jones de título original Delilah.

En 1970 consiguió un nuevo éxito con L’amore non è bello (se non è litigarello), sintonía del programa televisivo “Signore e signora”, con Delia Scala y Lando Buzzanca.

Después de un período de alejamiento de los éxitos en los años 70, vuelve en 1979 con Identikit, sintonía de la serie televisiva “Gli invincibili”, que obtiene un discreto éxito, confirmado con Beguine, que es presentada en el Festival de San Remo de 1982.

En los años posteriores formó el grupo los “Superquattro”, junto a Gianni Meccia, Nico Fidenco y Riccardo Del Turco, con los que participó en muchos programas de la televisión italiana.

Fontana fue autor de numerosas canciones, en pareja a dúo con Gianni Meccia, para su voz y para las de otros artistas: el tema más famoso es Che sarà, que popularizaron José Feliciano y el grupo Ricchi e Poveri en el Festival de San Remo de 1971.

Falleció en Roma el 11 de septiembre de 2013, a los 78 años. Su hija, Andrea Sbriccoli, por medio de la agencia Ansa, desmintió la noticia que apuntaba como causa del fallecimiento a una larga enfermedad de su padre.

La muerte se produjo de manera imprevista durante “una gira de 5.000 kilómetros por toda Italia, con conciertos siempre repletos de gente que lo quería mucho.

El último concierto fue en Terni el domingo 8 de septiembre; nos esperaban el sábado 14 en nuestra región, las Marcas, día en que desgraciadamente celebraremos su funeral. Su fallecimiento se debió a una súbita fiebre alta provocada por una infección dental”.

12 de Noviembre – Neil Young

Neil Percival Young (Toronto, Ontario, 12 de noviembre de 1945)1​ es un músico y compositor canadiense, considerado ampliamente como uno de los más influyentes de su generación.

Comenzó su carrera musical en Canadá en 1960 con grupos como The Squires y The Mynah Birds, antes de trasladarse en 1966 a California para fundar Buffalo Springfield con Stephen Stills y Richie Furay.

En 1968 inició una carrera en solitario que abarca más de 45 años y 39 álbumes de estudio hasta 2016, con una continua exploración de diferentes géneros musicales, especialmente durante la década de 1980, cuando experimentó con estilos como el swing, el blues y el rockabilly.

Ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Buffalo Springfield y artista en solitario, descrito como «uno de lo mejores compositores e intérpretes de rock and roll».

Su trabajo se caracteriza por unas letras marcadamente personales,​ en ocasiones con crítica social y posiciones antibelicistas,​ y por su voz de tenor-alto.​ Aunque toca instrumentos como el piano, el banjo y la armónica,​ su trabajo se caracteriza por un distintivo empleo de las guitarras acústica y eléctrica, y en particular por el uso de una Gibson Les Paul de 1953 modificada y apodada Old Black.

Su trabajo más reconocido se divide en dos estilos musicales: el acústico, con canciones folk y country rock como «Heart of Gold» y «Old Man»,​ y el eléctrico, con canciones rock y hard rock como «Hey Hey, My My (Into the Black)» y «Rockin’ in the Free World», interpretadas principalmente con el grupo Crazy Horse y caracterizadas por una alta distorsión del sonido. A partir de la década de 1990 adoptó elementos de estilos como el grunge, y su influencia en bandas como Nirvana o Pearl Jam le valió el sobrenombre de «el padrino del grunge».

Como director cinematográfico publicó, siempre bajo el seudónimo de Bernard Shakey, largometrajes como Journey Through the Past, Rust Never Sleeps, Human Highway, Greendale y CSNY Déjà Vu.​ Es también un destacado defensor de causas humanitarias y ambientales, y en 1985 fundó Farm Aid con Willie Nelson y John Mellencamp para ayudar económicamente a los granjeros de Estados Unidos en riesgo de exclusión social. Un año después fundó con Pegi Young una organización educativa para niños con discapacidades psíquicas llamada The Bridge School, que financia con la recaudación de los Bridge School Festival, una serie de conciertos benéficos anuales.

Young contrajo matrimonio en tres ocasiones: en 1970 con Susan Acevedo; en 1971 con la actriz Carrie Snodgress, con quien tuvo un hijo de nombre Zeke, y en 1978 con Pegi Morton, con quien tuvo dos hijos, Ben y Amber Jean.​ Reside en Broken Arrow Ranch, una propiedad ubicada en Redwood City, California y no ha adoptado la nacionalidad estadounidense a pesar de residir en el país desde hace más de 45 años.

12 de Noviembre – Jaime Roos

Jaime Andrés Roos Alejandro (Montevideo, 12 de noviembre de 1953) es un cantante, músico, compositor y productor uruguayo.

Los tambores que recorren el Barrio Sur, lo que transmite la radio, la música de los tablados del carnaval, los Beatles y el rock han sido algunas de las influencias que asimiló para luego plasmar una música con personalidad y sello propio que le ha valido el éxito con el que cuenta en su país, y que se extendió a nivel internacional.

Estas características hacen que sea uno de los cantantes uruguayos más populares, con gran venta de discos, y conciertos con entradas agotadas.

Vivió desde chico en un departamento sobre la calle Convención a metros de Durazno, esquina que inmortalizó en una de sus canciones más conocidas, «Durazno y Convención».

Su música fusiona rock, candombe, milonga, tango y murga, interpretando el sonido de Montevideo.

Es reconocido hincha de Defensor Sporting, a cuyo primer campeonato dedicara otro de sus temas más conocidos, «Cometa de La Farola».

Entre sus éxitos caben de mencionar «Brindis por Pierrot», «Amándote» y «Si me voy antes que vos».

Hacia fines de los años 1960 inicia su actividad como músico profesional, actuando en obras de teatro y grupos de rock y música nacional como Los Roberts, Epílogo de Sueños y Aguaragua, cuyo líder era Pajarito Canzani.

A mediados de 1974, integra el grupo Patria Libre, junto a Raúl “Tintabrava” Castro, Jorge Bonaldi y Jorge Lazaroff, en reemplazo de Miguel Amarillo, en donde tocaba el bajo y se dedicaba fundamentalmente a los arreglos de los temas.

En 1975 integra por un breve lapso el grupo Canciones para no dormir la siesta, y posteriormente viaja a Europa radicándose en París, donde trabaja como músico en teatros, bares, sesiones de grabación, etc.

Es en París que puede ubicarse los comienzos de su carrera solista. Allí grabó sus primeros cuatro temas, luego incluidos en su primer larga duración «Candombe del 31», que terminó de grabar en Uruguay en 1977, para el sello Ayuí / Tacuabé.

Luego de presentar su primer disco en abril de 1977, en la sala Millington Drake, con muy buena repercusión tanto en el público como en la crítica, regresa a París.

Entre mayo y julio de 1978, en Normandía, graba Para espantar el sueño, teniendo como músicos invitados al percusionista uruguayo Jorge Trasante, al argentino Carlos Grasso en flautas y a la francesa Emmanuelle Parrenin en cítara y espineta.

En 1978, se radica en Ámsterdam donde es bajista en varios grupos de salsa, rock y jazz permaneciendo hasta 1984 en que vuelve a Uruguay.

En ese año, nace en la capital neerlandesa, su hijo Yamandú. Entre 1980 y 1983, edita dos discos de éxito moderado: Aquello (1981) y Siempre son las 4.

En 1984, ya instalado en Uruguay, edita Mediocampo, donde se incluye un de sus más famosos temas, «Durazno y Convención», en referencia a las esquinas del barrio donde nació.

Otra canción memorable de esta placa es «Los futuros murguistas», que hace referencia a los murgueros que festejan en el carnaval montevideano.

Paralelamente a su actividad solista, integró hacia 1984, el grupo Repique junto a otros músicos como Jorge Vallejo, Alberto Magnone, Andrés Recagno, Gustavo Etchenique, Jorge Galemire y Carlos «Boca» Ferreira.

Las actuaciones de este grupo junto a las de José Carbajal «El Sabalero», representaron una nueva modalidad de espectáculos llamados «candombailes», los cuales junto a otras expresiones artísticas comenzaron a dar forma a la música popular uruguaya post-dictadura.

Antes del alejamiento de Roos de este grupo, participa en la grabación de dos fonogramas, titulados «Repique» y «¡Qué barbaridad!».

En 1985 junto al Canario Luna en voces, graba uno de los temas clásicos del «Carnaval del Uruguay» y «Brindis por Pierrot», incluido en el álbum del mismo nombre.

El tema fue polémico en esa época por sus referencias a Zelmar Michelini y a Dogomar Martínez; debido a que aún estaba en Uruguay, una dictadura militar.

En este último, participó el cantautor Canario Luna en primera voz. Al año siguiente edita 7 y 3 cuyo nombre deviene de la popular mezcla entre gaseosa y vino.

En 1987 la editorial Trilce lanza el libro “El sonido de la calle” de Milita Alfaro, el cual recorre la trayectoria del artista hasta ese momento, su infancia, adolescencia, sus años en Europa y su regreso a Uruguay junto a un análisis de sus principales canciones.

En 1988, representó a Uruguay en el prestigioso festival de la canción latinoamericana de Varadero (Cuba). En 1990, con un Estadio Obras completo, inicia en Buenos Aires su trayectoria en Argentina. En 1992, compone la música para la Selección Uruguaya de Fútbol, «Cuando Juega Uruguay».

Entre 1993 y 1994 realizó la gira «A las 10», primera ocasión en la que un músico recorrió los 19 departamentos del Uruguay con un mismo espectáculo, el cual fue registrado en video.

En 1997 para conmemorar sus 20 años dedicado a la música realiza en el Teatro Solís el llamado «Concierto aniversario» que le da el nombre al disco que tiene una recopilación de sus mejores trabajos.

En el concierto participaron Hugo Fattoruso y dos de los tres hermanos Ibarburu. En el 2001 representa a Uruguay en el Encuentro Mundial de la Juventud realizado en Panamá.

En mayo de 2002, viaja al Mundial de Fútbol en Corea y Japón con todo su conjunto, como embajador musical del equipo fútbol Uruguay, dando un show en el inicio del mismo.

En el 2007, inicia una gira por todo el Uruguay (350. 000 personas en 32 conciertos), Argentina y por 7 ciudades de España, la cual tiene su punto más alto en los conciertos de los días 24 al 29 de julio en el teatro Teatro Solís de Montevideo a teatro lleno.

La misma sirve de promoción para su último disco Fuera de Ambiente. Complementariamente realizó conciertos en la Sala Teatro MovieCenter, Fiesta de la X, y las canteras del Parque Rodó.

El 28 de marzo de 2008 comienza con un show en el «Punta Rock», con otros artistas nacionales.

De su presentación en el Teatro Solís del sábado 19 y el domingo 20 de julio de ese año se produjo el disco «Hermano te estoy hablando», agregándole algunos temas grabados en estudio.

11 de Noviembre – Adrián Barilari

Adrián Barilari (Villa Lugano, Buenos Aires, Argentina, 11 de noviembre de 1959), es un cantante argentino de heavy metal. Es el vocalista de Rata Blanca, con la cual grabó un total de ocho álbumes de estudio y recorrió los más grandes escenarios de toda Argentina, Iberoamérica, Estados Unidos y Europa.

Integró Alianza en los 90; y como solista editó cuatro trabajos: Barilari en 2003, junto a los músicos de Nightwish, Canciones Doradas en 2007, reversionando canciones clásicas del rock/pop, Abuso de Poder, mostrando su faceta más pesada, y Barilari, su más reciente obra.

Segundo de tres hermanos varones de una familia de clase media, estuvo vinculado con la música desde muy pequeño ya que su tío era ejecutante de bandoneón y cantante de tangos. Fue él quien le enseñó a cantar a los 4 o 5 años. Pronto su madre comenzó a llevarlo a los canales de televisión para que cantara frente a las cámaras, con solamente 7 u 8 años.

Su hermano mayor tenía un grupo de rock, en el cual Adrián aprovechaba de momentos para cantar temas de Creedence Clearwater Revival o The Beatles. A los 12 años empezó a componer sus primeras canciones y su madre lo incentivó para que estudiara acordeón, pero él no estaba convencido y terminó aprendiendo a tocar la guitarra que era lo que realmente le gustaba.

La primera banda rockera de Barilari se llamaba Topos Uranos, de estilo rock pesado, pero tuvo que dejar este proyecto al tener que cumplir con el servicio militar obligatorio. Después de eso fue integrante de otras bandas como Rompecabezas, Cobalto, Vietnam y Días de Gloria.8​

Fue entonces cuando en 1989, el cantante Saúl Blanch dejó Rata Blanca, y el grupo comenzó la búsqueda de nuevo cantante. Aunque Barilari pensaba seguir en Días de Gloria, sus propios compañeros le insistieron para que entrase en la banda.

Su ingreso como vocalista en Rata Blanca suponen su auge hacia la fama. Su figura parece lanzarse a los más altos niveles cuando difunden Magos, Espadas y Rosas. Junto con el éxito rockero, llega el éxito mediático y popular. Su original figura de joven extravagante pronto lo convirtieron en la imagen más reconocida que el Rock argentino tenía para ofrecer.

Con la edición del EP El Libro Oculto y ante los deseos de Walter Giardino de llevar a la banda a un estilo más pesado, en 1993, Adrián abandonó el grupo al no estar de acuerdo con el nuevo rumbo impuesto por el guitarrista.

Junto al teclista Hugo Bistolfi, que también se había alejado recientemente del grupo, forman Alianza, con numerosos músicos sesionistas, de los cuales los únicos miembros permantentes eran ellos dos. No tuvo mucha repercusión en Argentina, pero sí en otros países de Iberoamérica.

El primer disco llegó un año más tarde, titulado Sueños del Mundo y continuaba con la línea de Rata Blanca, sin llegar a ser heavy metal. Dispuestos a aprovechar la fama ganada años antes, realizaron giras por países de Iberoamérica.

En 1997 editaron en México su segundo disco, llamado simplemente Alianza. El disco contaba además con una versión abreviada del clásico «Mujer amante».

En 1998 participó del disco Guitarras argentinas: Placer, odio, sentimiento, del cual participaron los mejores guitarristas del país, incluyendo a Walter Giardino, Daniel Telis (guitarrista del primer disco de Alianza), Adrian Subotovsky, Pappo y Pablo Soler entre otros. Adrián Barilari participó en el disco haciendo las voces en el tema «Nada es para siempre» de Adrián Subotovsky. En ese mismo año también Rata Blanca se separa. Walter Giardino seguía adelante con su proyecto solista Walter Giardino Temple, del que finalmente se fueron todos sus integrantes, tras una pelea en un recital, junto a Glenn Hughes.

En 1999 sacaron a la venta un disco que mostraba un quiebre significativo respecto a lo que venían haciendo anteriormente. Se trata de Huellas, el primer disco de Heavy metal de la banda. También editó un libro titulado Introducción al Canto Pop, en el que se detallan técnicas de respiración y vocalización para aficionados al canto. El libro incluía todos los ejemplos grabados por el mismo Adrián.

El nuevo siglo trajo más trabajo para Adrián, ya que colaboró con el primer disco de Azeroth como cantante invitado junto a Christian Bertoncelli (ex Horcas y actual vocalista de Imperio y Renacer). A partir del renacer de su amistad con Giardino, fue invitado como cantante para realizar algunos shows de Temple, aprovechando la difusión de los clásicos de Rata Blanca en las radios.

El 2 de septiembre de 2000 anunciaron en Bolivia, que se volvía a armar Rata Blanca y pronto llamaron a su compañero en Alianza para que ocupara nuevamente los teclados de la banda. Partieron hacia una gira iberoamericana y la cerraron el 19 de diciembre en el Teatro Coliseo. Días después, Alianza se presentó en Acatraz para despedir el año.

En el 2001 continuó junto a Rata Blanca en sus presentaciones, pero paralelamente participó junto a Hugo Bistolfi y otros reconocidos músicos, como Ricardo Mollo, Claudio O’Connor, Norberto Rodríguez, Claudio Marciello, Walter Meza, etc. de un disco tributo a Deep Purple, llamado Sueños Púrpura.

Ya con Rata Blanca de vuelta, editaron Grandes Canciones, un recopilatorio con algunas de las más clásicas del grupo, incluyendo una versión acústica de «Mujer Amante» con la formación actual. Posteriormente sacan a la venta El camino del fuego que era la secuela de Temple, pero con la nueva formación de Rata Blanca. También sacaron dos sencillos de este último, el primero se tituló «Highway on fire» con los temas «Master Of the Highway» (Amo del camino), «Back Home» (Volviendo a casa), «The fire dance» (La danza del fuego) y un vídeo de «Back Home». El segundo fue titulado En Nombre de Dios, en donde aparecen los temas «En Nombre de Dios», «Volviendo a Casa,» «La danza del fuego» y el acústico de «Mujer Amante».

En el 2003 sacan Poder vivo un recopilatorio de varios conciertos de su última gira hasta la conclusión de la misma. Al día siguiente (26 de julio), se presentan en el estadio Obras y sacan un CD y un DVD del concierto.

En el 2005 editan La llave de la puerta secreta, un disco inspirado en el libro El código Da Vinci, y en el 2008 sale su último álbum, El Reino Olvidado, manteniéndose siempre vigentes dentro de la escena argentina.

Además de su trabajo en Rata Blanca, Adrián Barilari comienza una carrera solista como proyecto paralelo llamado Barilari; con él graba un EP de cuatro temas adelanto del CD principal Barilari.

Barilari, ya editado como álbum, cuenta con la participación de los destacados músicos de Stratovarius, Jens Johansson en teclados, quien además aportó arreglos de cuerdas, Emppu Vuorinen en guitarras, Jukka Nevalainen en batería y Sami Vänskä en bajo (todos estos excepto el último, integrantes de Nightwish, Vänskä ya no lo es). En guitarras, además, los Argentinos Daniel Telis y Gonzalo Ledesma. El disco fue grabado en Finlandia, Suecia, Alemania y Argentina y cuenta con una sección de cuerdas grabadas en Alemania. Las composiciones corren por cuenta de Adrián, Gonzalo Ledesma y Daniel Telis, Jens Johansson y Emppu Vuorinen. Se destaca el cover del clásico de Rainbow «Stargazer», adaptado al castellano. El disco fue mezclado por Mikko Karmila y masterizado por Mika Jussila en los “Finnvox Studios” de Finlandia donde hoy en día se genera buena parte del rock pesado a nivel mundial.

En 2007 presenta un disco de covers llamado Canciones Doradas en el cual versiona diversas canciones en inglés que fueron hits en su momento, además de un cover de “Pasión Prohibida”, un tema de su antigua agrupación Alianza.

En el 2009, Ádrian saca a la luz su tercer disco, Abuso de poder; este es un disco muy potente y con letras más comprometidas que sus trabajos anteriores. Dicho disco se lanzó vía Internet a principios de junio, el primer corte es la canción que le da nombre al disco.

En junio de 2012 ha sacado a la venta su más reciente obra: Barilari 4. El título hace referencia a que es su cuarta producción como solista.

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