Category Archives: Efemérides musicales

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28 de Enero – Julián Aguirre

Julián Antonio Tomás Aguirre (Buenos Aires, 28 de enero de 1868 – † Buenos Aires, 13 de agosto de 1924) fue un compositor argentino cuya creación musical sintetizó las formas tradicionales del folclore argentino y la música culta. Fue fundador de la sección de música del Ateneo y del Comité Nacional de Bellas Artes.

Julián Aguirre nació en Buenos Aires el 28 de enero de 1868 y falleció en la misma ciudad el 13 de agosto de 1924.

De niño se trasladó con su familia a Madrid, donde estudió piano, armonía y contrapunto en el Conservatorio Real de Madrid, siendo discípulo de Emilio Arrieta y Carlos Beck.

Más tarde recibió formación complementaria en París. Posteriormente ejerció la docencia en su ciudad natal, donde en 1916 fundó la Escuela Argentina de Música.

Su labor pedagógica como crítico musical en diversas publicaciones argentinas del momento resultó, asimismo, particularmente relevante.

Iniciador del nacionalismo folklórico en la música de su país, fue el primer compositor argentino que buscó inspiración en la música vernácula, desprendiéndose de las formas técnicas impuestas por el verismo y el wagnerismo en boga, aunque sin librarse totalmente de la influencia romántica de España. Su condición y su preferencia por explorar la intimidad lo condujeron imperceptiblemente al género de cámara.

Cabe en este sentido establecer dos etapas en su obra, particularmente en la pianística y para canto y piano, que constituye de hecho las cuatro quintas partes de su producción.

La primera es de carácter universalista, bajo el influjo de los estudios efectuados en Europa tanto en la temática como en la escritura, con recuerdos de Schumann en algunos trozos como en las Intimas para piano.

Hacia fines de siglo se iniciaría la segunda etapa, el período nacionalista, con los Aires criollos, los Aires populares y los Tristes, que alcanza madurez en las Canciones y Danzas para piano y en los ciclos de Canciones argentinas y Canciones escolares.

Una ley nacional del año 1926 dispuso erigir un monumento en su memoria en El Rosedal del Parque Tres de Febrero de Buenos Aires, un busto de bronce que fue costeado por subscripción pública e inaugurado en 1934.

En el año 1960 se designa al Conservatorio oficial de la localidad de Banfield con el nombre de Julián Aguirre, a fin de rendir homenaje a la memoria del ilustre compositor argentino según Res. Min. 678/60 del Ministerio de Cultura y Educación de la Provincia de Buenos Aires.

El Conservatorio Julián Aguirre, situado en la localidad de Banfield, fue fundado por Alberto Ginastera en 1951.

La obra de Aguirre incluyó tanto piezas para piano y composiciones de cámara – en las que se reflejaba la influencia de la música francesa – como versiones orquestales de temas criollos, que sometió a una profunda depuración estilística.

Entre sus composiciones más conocidas se pueden citar:

  • Aires nacionales argentinos
  • Rapsodia argentina, para violín y piano
  • De mi país, serie sinfónica
  • Aires criollos, para piano
  • Aires nacionales, para piano
  • Rapsodia Argentina, para violín y piano
  • Huella y gato, para piano, difundida a través de la instrumentación de Ernest Ansermet
  • Arre caballito
  • Atardecer en La Tablada, poema sinfónico.
  • Don gato y otras canciones infantiles.
  • Rosas orientales, para canto y piano
  • El nido ausente, para canto y piano
  • Tu imagen, para canto y piano
  • Berceuse, para canto y piano
  • Serenata campera, para canto y piano
  • Balada, para violín y piano
  • Sonata y Nocturno, para violín y piano

28 de Enero – Arthur Rubinstein

Arthur Rubinstein, KBE (honoraria) (Łódź, Polonia, 28 de enero de 1887 – Ginebra, 20 de diciembre de 1982) fue un pianista polaco de origen judío, célebre por sus interpretaciones de Chopin y de muchos otros compositores.

Fue nombrado por The New York Times como uno de los grandes pianistas del siglo XX.

Fue el séptimo hijo de una familia judía de tejedores afincada en Polonia.

Empezó a estudiar piano a los tres años. Poco después pasó a la tutela del músico Alexander Rozincki, que rápidamente se desesperó ante la pereza del pupilo para realizar los ejercicios que se le exigían.

Su enorme talento musical le llevó sin embargo a dar su primer concierto en público cuando contaba sólo con seis años.

Las posteriores experiencias con profesores polacos siguieron igualmente un curso desafortunado, y en 1897 marchó a Berlín para conocer a Joseph Joachim, afamado violinista y amigo de Johannes Brahms.

El músico alemán quedó maravillado y se ocupó inmediatamente de su educación musical, en la cual también participaron Max Bruch, Heinrich Barth y R. Hahn.

En 1900 se presentó ante el público berlinés bajo la dirección de Joseph Joachim y acompañado por la Orquesta Filarmónica de la ciudad interpretando el Concierto para piano n.º 23 de Mozart, el Concierto para piano n.º 2 de Camille Saint-Saëns, piezas de Schumann y de Chopin. Le siguieron otros conciertos en Alemania y en Polonia.

En 1904 debutó en París, donde poco más tarde fijaría su residencia. Dos años después daría su primer concierto en los Estados Unidos, en el Carnegie Hall, con la Orquesta de Filadelfia.

El recibimiento fue frío, y la gira posterior en tierras norteamericanas tampoco estuvo marcada por el éxito. Siguieron conciertos en Austria, Italia y Rusia.

En 1912 debutó en Londres, donde se le pudo oír como solista y compañero del violonchelista Pau Casals.

Durante la Primera Guerra Mundial vivió principalmente en la capital británica.

Ejerció de traductor, pues dominaba ocho idiomas, y tocó junto al violinista Eugène Ysaÿe.

Conciertos en Sudamérica y España (1916/1917) despertaron su interés por Isaac Albéniz, Manuel de Falla, Enrique Granados y Villa-Lobos, cuyas piezas pasarían a partir de entonces a formar parte de su repertorio.

Debido a un juramento realizado al estallar la guerra, no volvió a actuar en Alemania a partir del 1914.

En los años veinte, después de una segunda gira por los Estados Unidos, tocaría principalmente en Europa.

Durante toda esta época reconoce Rubinstein que se salió un poco del camino y se dedicó a la tarea principal de un niño prodigio, “librarse de la inmadurez”.

Según sus confesiones, se entregó a los placeres carnales; faltos de ganas y de disciplina, se dedicaba al piano y en los conciertos confiaba ciegamente en su talento y su musicalidad: “De joven era vago. Tenía talento, pero había muchas cosas en la vida que me interesaban más. Grandes vinos, mujeres guapas, en la relación 20% y 80%, respectivamente”, motivo por el cual posiblemente nunca alcanzó la perfección técnica de sus concurrentes.

Se designaba a sí mismo como “el último tahúr” entre los pianistas, hecho que posiblemente determinaba sus lugares de actuación.

Le agradaba tocar en los países del sur, especialmente en España. Allí gustaba su temperamento desenfrenado, su ligereza, su ímpetu.

Los cuatro conciertos planeados para el año 1916 pronto terminaron siendo más de cien.

Se hizo amigo de la Casa Real, y el rey Alfonso le otorgó un pasaporte español para que pudiera viajar libremente en sus recitales en plena Primera Guerra Mundial.

Tal era su reconocimiento que muchos países de habla hispana le declararon hijo adoptivo y se convirtió en uno de los más significantes intérpretes de su música. No gozaba de la misma celebridad en los Estados Unidos e Inglaterra.

Dice Rubinstein con cierto sarcasmo y autocrítica: “La gente allí cree que paga para oír todas las notas. Yo, sin embargo, dejo caer unas cuantas debajo de la mesa, alrededor de un 30%, y la gente se siente estafada.

No podía estar sentado de ocho a diez horas delante del piano. Yo vivía para cada minuto. Admiro a Leopold Godowsky. Necesitaría quinientos años para tener su técnica. ¿Pero qué tuvo él de todo esto? Era un hombre infeliz, tenso, que se sentía mal cuando no estaba sentado al piano. ¿No dejó pasar su vida?”.

Alguna vez dijo Rubinstein que Paul Dukas contribuyó a su salvación: “Diviértase cuanto quiera, pero no se eche a perder. París no es para usted. Vuelva a Polonia, encárguese de curarse en cuerpo y moral, beba leche, salga a montar en caballo, váyase a dormir a horas decentes, conviértase en un hombre honrado”, le dijo. Añade Rubinstein: “Fue un consejo muy sabio, y lo mejor es que lo seguí.”

Al parecer, dos hechos harían dar un giro a su vida, en ese momento: su boda en 1932 con Aniela Mlynarski, hija del famoso director polaco, y la brillante actuación de Horowitz en París.

Según palabras del propio Rubinstein: “Vi en él al nuevo Liszt, capaz de dominar su época. Quería tirar todo por la ventana. Antes de morir, quiero demostrar aquello de lo que soy capaz. Cerré los puños, no por mucho tiempo debido a mi profesión, los abrí de nuevo y empecé a trabajar duramente. Tenía que vengarme. No de Horowitz, sino de mí mismo”.

Desde este momento asumió Rubinstein con renovadas fuerzas su dedicación a la música, se impuso autodisciplina y llegó a practicar hasta dieciséis horas al día.

Semejante esfuerzo tuvo su recompensa, ya que tras su reaparición en el Carnegie Hall en el año 1937 fue aclamado como un genio y toda la gira por los Estados Unidos fue triunfal.

Pudieron al fin escuchar el porcentaje de notas pertinente. Con cincuenta años se había convertido en un gran pianista.

Tras la invasión alemana de París en la Segunda Guerra Mundial, se trasladó con su familia a los Estados Unidos, país cuya nacionalidad obtuvo en 1946.

En las décadas siguientes dio conciertos por todo el mundo, realizó multitud de grabaciones y trabajó con músicos de renombre como Jascha Heifetz, Emanuel Feuermann, Henryk Szeryng, Gregor Piatigorsky y el Cuarteto Guarneri.

En 1958 volvió a tocar, después de más de veinte años de ausencia, en Polonia, donde el público le honró con lágrimas y una ovación en pie, la segunda en la historia de este país, después de la que recibiera Paderewski.

Siguió tocando hasta una edad muy avanzada, siendo capaz de interpretar en una misma noche los dos conciertos de Brahms.

Debido a una ceguera progresiva que le obligó a retirarse en 1976, su última actuación tuvo lugar en el Wigmore Hall de Londres.

Si algo marca la carrera de este extraordinario pianista, al que Thomas Mann calificó como «virtuoso feliz», es, junto con su inconfundible sonido, su fama de vividor, de humanista y de persona embriagada por la “joie de vivre”.

27 de Enero – Mark Owen

Mark Anthony Patrick Owen (nacido el 27 de enero de 1972), es un cantante y compositor inglés.

Es miembro de la banda de pop británico Take That. La banda fue un gran éxito durante los años 1990 y han disfrutado de su éxito aún más desde su reunión en 2005.

Como artista en solitario, Mark Owen ha vendido más de 400.000 copias en todo el mundo y 80 millones con Take That.

Mark nació en la ciudad inglesa de Oldham, Mánchester. Vivía en una pequeña casa con su madre Mary, su padre Keith, su hermano pequeño Daniel y su hermana mayor Tracy. Su padre trabajó como decorador y posteriormente obtuvo empleo en una estación de policía. Su madre trabajaba como supervisora en una panadería de Oldham. Mark estudió en el Holy Rosary Primary School y en el St Augustine of Canterbury R.C. High School (ambos colegios católicos de Oldham). Participó en muchos shows musicales en la escuela, pero su verdadera pasión era el fútbol. Jugó para el Chadderton F.C. durante un breve período. También probó en las canteras del Manchester United, Huddersfield Town y Rochdale. Pero una lesión de rodilla hizo que su sueño de ser futbolista profesional se terminara.

Su primer trabajo fue en la boutique Zutti’s, en Oldham. De allí pasó a trabajar a una sucursal de Barclays, que era donde trabajaba en el momento de la audición para Take That.

Take That se formó en 1990 y durante su tiempo con el grupo Owen tuvo la voz principal en una canción por primera vez, cuando Gary Barlow compuso «Babe» porque quería que él la cantara. Fue lanzado en diciembre de 1993 del álbum Everything Changes. Alcanzó el número uno en el Reino Unido, pero fue derribado el primer lugar en Navidad por Mr. Blobby. También cantó la voz principal en «The Day After Tomorrow» de su tercer álbum, Nobody Else, que concluyó con las contribuciones vocales de Owen a la banda. Compuso en éste mismo álbum junto a sus compañeros de grupo Gary Barlow y Robbie Williams los temas «Sure», «Every Guy» y «Sunday to Saturday».

A pesar de que Owen no era siempre la voz principal, era el miembro más popular del grupo, a causa de su buen aspecto juvenil y su comportamiento dulce,1​ ganó premios con regularidad en los Smash Hit’s como «El hombre más cálido del mundo» y «Mejor corte de cabello».2​

Mark fue completamente aclamado por la crítica en The Ultimate Tour, gira de regreso de Take That en 2006. Después de la gira, Universal propuso a la banda la creación de nuevo material, y poco tiempo después se lanzó un nuevo álbum de estudio titulado Beautiful World. Tres sencillos fueron promocionados en el Reino Unido: Patience (en 2006), Shine (en 2007), que alcanzaron el número uno en las listas, y I’d Wait for Life en junio de 2007, que se posicionó en el puesto 17. La banda se embarcó en The Beautiful World Tour a finales de 2007, que les llevó por toda Europa y que resultó ser otro éxito. Fue lanzado un DVD del concierto celebrado en el O2 Arena de Londres.

En 2008 se anunció que la banda estaba preparando el disco que seguiría a Beautiful World. El single de presentación, Greatest Day, fue lanzado el 24 de noviembre de 2008. El álbum The Circus fue lanzado el 1 de diciembre de 2008. Además de una gran notoriedad compositiva de Mark en este álbum, Mark tiene voz principal en las canciones «Hello», «Julie», «Up All Night» y «Hold Up A Light», además de cantar extractos de «The Garden» y «Said It All».

El regreso de Take That ocurrió cuando la banda original se reunió de nuevo, y listo para enfrentar un nuevo y emocionante capítulo en la historia de Take That. Gary Barlow, Howard Donald, Jason Orange, Mark Owen y Robbie Williams habían estado ocupados en el estudio grabando un álbum, que se que lanzó el 6 de octubre de 2010. Álbum en el que Owen tiene la voz principal en «Kidz», «What Do You Want From Me» (con un significado especial para lo que estaba atravesando en una vida personal en ese instante); y líneas vocales en «SOS», «The Flood» y «Happy Now».

Después de separación de Take That, Owen se convirtió en el segundo de los ex miembros de la banda para lanzar un disco en solitario. Alcanzó el número tres en el UK Singles Chart con su single de debut, «Child». Su segundo single, «Clementine», también llegó al número tres. En 1997, su álbum de Green Man fue lanzado a la venta, llegando al número 33. El segundo single, «I Am What I Am», llegó al número 29. Pero Owen fue eliminado por BMG Records a finales de 1997. El álbum fue re-lanzado en 2003, con el título revisado de «Green Man: Revisited». El álbum fue re-editado por el éxito de su segundo álbum de estudio, que fue lanzado a principios de año. El disco de oro y vendió más de 200.000 copias en el Reino Unido solamente.

Owen ganó la segunda serie de Celebrity Big Brother en noviembre de 2002 con el 77% de los votos del público contra la presentador de televisión Les Dennis. Mark rompió en llanto porque pensaba que no tenía a fanes apoyándolo después de la separación de Take That.

Después de haber sido invitado a actuar en el escenario con Robbie Williams en Knebworth, regresó a los escenarios y firmó un contrato con Island/Universal Records. En agosto de 2003, Owen regresó a las listas de éxitos con el Top 5 hit, «Four Minute Warning», (escrito en conjunto con su amigo Gary Barlow) que se mantuvo en el Top 40 durante ocho semanas. Su segundo álbum, In Your Own Time, fue lanzado en noviembre de 2003, entrando en las listas en el número 59. Después de un segundo single, «Alone Without You», llegó al número 26. Owen fue despedido por Island/Universal Records.

En abril de 2004 estableció su propia compañía discográfica, Sedna Records. Un informe en 2004, afirmó que Owen estaba buscando un trabajo, pero él simplemente dijo: «Hacer un trabajo con este, bien, no es barato. Estas son mis indulgencias. No tengo un Ferrari, tengo dos álbumes». Mark lanzó su tercer álbum en solitario, How The Mighty Fall en 2005, que fue grabado en los estudios Sunset, Los Ángeles en 2004. En febrero de 2006 publicó «Hail Mary» como single del álbum.

En marzo de 2012, según un informe de The Sun él está planeando relanzar algún material para su carrera en solitario. Una fuente dijo: «Mark ya ha avanzado de manera seria, ha elaborado un nuevo material en el estudio con los mejores escritores y está planificando más sesiones durante los próximos meses. Todos los muchachos están detrás de él, el éxito en su propio derecho y el suyo propio… escribir para él siempre ha sido una motivación enorme, así que es un hombre realmente feliz.» Su nuevo álbum será titulado The Art of Doing Nothing (Español: El arte de hacer nada) y será lanzado el 10 de junio de 2013 por Polydor Records en el Reino Unido, siendo este el cuarto álbum de estudio en su carrera como solista fuera de su banda Take That.

Vuelve de gira con su banda Take That, con motivo del 30 aniversaio de la banda y del disco Odyssey; donde se reúnen los mayores éxitos de Take That.

27 de enero – Wolfgang Amadeus Mozart

Compositor austríaco nacido en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Sus prodigiosas dotes musicales fueron pronto observadas por su padre, Leopold, que decidió educarlo y, simultáneamente, exhibirlo (conjuntamente con la hermana grande Nannerl –Maria Anna–) como fuente de ingresos.

A la edad de seis años, Mozart ya era un intèrprete avanzado de instrumentos de tecla y un eficaz violinista, al mismo tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Aún hoy en día se interpretan cinco pequeñas piezas para piano que compuso a aquella edad.

El año 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes europeas. Primeramente a Munich y a Viena y, en 1763 los Mozart emprendieron un largo viaje de tres años y medio que supuso para el pequeño Wolfgang valiosas experiencias: conoció la cèlebre orquesta y el estilo de Mannheim, la música francesa en París, y el estilo galante de J.Ch. Bach en Londres. Durante este periodo escribió sonatas, tanto para piano como para violín (1763) y una sinfonía (K.16, 1764).

Ya de regreso a Salzburgo, continuó sus primeras composiciones, entre les cuales encontramos la primera parte de un oratorio, Die Schuldigkeit des ersten Gebots (La obligación del Primer Mandamiento), la ópera cómica La finta semplice, y Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). El año 1769, con 13 años, era nombrado Konzertmeister del arzobispado de su ciudad.

Después de unos cuantos años en casa, padre e hijo marcharon a Italia (1769-71). En Milán, Mozart conoció al compositor G.B. Sammartini; en Roma, el Papa lo condecoró con la distinción de Caballero de la Espuela de Oro y en Bolonia contactó con el padre Martini y realizó con éxito los exámenes de acceso a la prestigiosa Accademia Filarmonica. El año 1770 le encargaron escribir la que es su primera gran ópera, Mitridate, re di Ponto (1770), escrita en Milán. Con esta obra, su reputación como músico se hizo aún más patente.

Mozart volvió a Salzburgo en 1771. De los años inmediatamente posteriores datan los primeros cuartetos para cuerda, las sinfonías K.183, 199 y 200 (1773), el concierto para fagot K.191 (1774), las óperas La finta giardiniera e Il re pastore (1775), diversos conciertos para piano, la serie de concirtos para violín y las primeras sonatas para piano (1774-75).

En 1777 Mozart marchó hacia Munich con su madre, Anna Maria. A la edad de veintiún años Mozart buscaba por las corte europeas un lugar mejor remunerado y más satisfactorio que el que tenía en Salzburgo bajo las órdenes del arzobispo Colloredo, pero sus deseos no se cumplieron. Llegó a Mannheim, capital musical de Europa por aquella época, con la idea de conseguir un puesto en su orquesta, y allí se enamoró de Aloysia Weber. Posteriormente Leopold envió a su esposa e hijo a París, donde éste estrenó la sinfonia K.297 y el ballet «Les petits riens». La muerte de su madre en la capital francesa en 1778, el rechazo de Weber -después del segundo encuentro de Mozart con la familia- y el menosprecio de los aristócratas para los que trabajaba, hicieron que los dos años transcurridos entre su llegada a París y el retorno a Salzburgo en 1779 fueran un periodo muy difícil en su vida.

Durante los años siguientes compuso misas, las sinfonías K.318, 319 y 338 y la ópera Idomeneo, re di Creta (Munich, 1781), influída por Gluck pero con un sello ya totalmente propio. El año 1781, Mozart rompe sus relaciones laborales con el príncipe-arzobispo de Salzburgo y decide trasladarse definitivamente a Viena. Allí compone el singspiel Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo), encargada en 1782 por el emperador José II. Este mismo año se casa con Constanze Weber, hermana pequeña de Aloysia; juntos vivieron frecuentemente perseguidos por las deudas hasta la muerte de Mozart.

De esta época data su amistad con F.J. Haydn a quien le dedicó seis cuartetos (1782-85); estrenó también la sinfonía Haffner (K.385, 1785) y otras obras, de expresividad muy superior a la de la música de su tiempo. La llegada de Lorenzo da Ponte a Viena le proporcionó un libretista de excepción para tres de sus mejores óperas: Le nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790). Muerto ése año Gluck, el emperador José II concedió el cargo de kapellmeister a Mozart, pero redujo el salario, hecho que impidió que saliese del círculo vicioso de deudas. Estas crisis se reflejaron en obres como en el quinteto de cuerda K.516, en las tres últimas sinfonías (K.543, 550 i 551, Júpiter, del 1788), los últimos conciertos para piano, etc., contribuciones ingentes a estos géneros. Los años finales Mozart escribió sus últimas óperas, Die Zauberflöte (La flauta mágica) y La Clemenza di Tito, (1791) -escrita con motivo de la coronación del nuevo emperador Leopold II-. Precisamente mientras trabajaba en La flauta mágica, con libreto de Emmanuel Schikaneder, el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem. El Réquiem en Re menor K.626, inacabado por la muerte de Mozart -el 5 de diciembre de 1791- fue su última composición, acabada por su discípulo F.X. Süssmayr.

Mozart se ha considerado el compositor más destacado de la historia de la música occidental y su influencia fue profundísima, tanto en el mundo germánico com en el latíno; su extensa producción incluye casi todos los géneros (desde el lied y las danzas alemanas hasta los conciertos para instrumento, las sinfonías y las óperas), y en cualquiera de ellos podemos encontrar obras maestras que nos hacen recordar la apasionada opinión de Goethe al referirse al compositor: «¿Cómo, si no, podría manifestarse la Divinidad, a no ser por la evidencia de los milagros que se producen en algunos hombres, que no hacen sino asombrarnos y desconcertarnos?».

(*) Este cuadro, aunque fue pintado casi 30 años después de la muerte del compositor, se considera su representación más lograda. Probablemente, Barbara Krafft tomó como modelos el retrato de familia de Della Croce (1780-81) y el óleo inacabado de Joseph Lange (1789), que le fueron facilitados por la hermana de Mozart, en Salzburgo.

26 de Enero – Miguel Mateos

Miguel Ángel Mateos Sorrentino (Buenos Aires, 26 de enero de 1954) es un cantante, compositor y músico de rock argentino.

Además de desarrollar su carrera solista actual, fue líder de la banda ZAS, una de las más influyentes del rock en español.

Desde niño, estudió piano con su madre para luego a la edad de 12 años formar su primer grupo de rock que tendría como nombre Cristal.

En 1969, Miguel y Cristal logran llegar a la final del concurso organizado por la revista PinUp; en dicho concurso participó Sui Generis con la canción Monoblock.

En 1973, Miguel Mateos ingresa en el Conservatorio Municipal Manuel de Falla y se especializa en guitarra, piano, canto y composición.

En 1976 deja el Conservatorio y en 1979 crea el grupo ZAS, con él a la cabeza en guitarra, teclado y voz.

También participan su hermano Alejandro Mateos en batería, Jorge Infusino en bajo y Omar Moretti en guitarra.

En 1980 Zas cambia de integrantes y se suman a los hermanos Mateos, Ricardo Pegnotti en guitarra y Fernando Lupano en bajo.

Entre febrero y marzo de 1981 tocan tres noches en el estadio de Vélez Sarsfield como grupo soporte de Queen frente a 150.000 personas.

Ese mismo año graban en Estudios ION la canción «Sólo tu amor es dinamita», que forma parte del LP «La isla de la música», álbum de varios intérpretes en el que también aparecen el Negro Rada, Miguel Cantilo y León Gieco entre otros.

Con esta misma formación en 1982 grabarían su primer LP llamado ZAS en los Estudios Music Hall donde surge el primer hit de la banda Va por vos, para vos, que se transformaría en uno de los clásicos del rock argentino.

Luego vendrían Huevos (1983) y Tengo que parar (1984) en los que se destacan dos de los grandes éxitos del grupo: En la cocina Huevos y Tirá para arriba, respectivamente.

En 1985 se edita el álbum en vivo Rockas vivas, logrando el récord de discos vendidos hasta ese momento y en 1986 editan el maxi-single «Mensajes».

Desde 1986 y luego de varios cambios de integrantes, la agrupación funcionaría como apoyo de Mateos para sus últimos discos: Solos en América (1986) y Atado a un sentimiento (1987).

Después de alcanzar el éxito en Latinoamérica con ZAS, Miguel Mateos comienza su etapa solista al sentirse frustrado por la escasa atención que le ofrecían los sellos discográficos a su banda. Para su primer disco se recluye a trabajar junto al afamado productor Michael Sembello. Obsesión se publicó el mismo año 1990 y ofreció un sonido fresco y bailable, llegando el tema homónimo a ser un gran éxito fuera de Argentina.

La gira de presentación del disco fue la más larga que ha realizado hasta la fecha. El tour recorrió Chile (donde se presentó con total éxito en el Festival de Viña del Mar), Argentina, México, Estados Unidos (cuando por primera vez un cantante de rock latinoamericano se presentó en Los Ángeles), Venezuela y Colombia entre otros. La gira colombiana recorrería por primera vez más de 8 ciudades con lleno absoluto y dos conciertos en la capital, Bogotá.

Al terminar el Obsesión Tour ’91, Miguel se encierra en estudios para grabar el sucesor inmediato: Kryptonita. Mateos deja de lado nuevamente las máquinas y vuelve a las guitarras y las secciones de cuerdas, desarrollando un disco de sonido limpio y acústico. Kryptonita tuvo una buena repercusión en Argentina, aunque fue más destacado en el resto de América.

Los conciertos brindados durante las giras de Obsesión y Kryptonita fueron grabados y los mejores temas se compilaron en el álbum Cóctel, publicado en 1993. En este disco se pueden escuchar versiones tomadas del Greek Theater en Estados Unidos, del Festival de Acapulco en México y del Teatro Gran Rex en Argentina. Por otro lado, se incluyeron cuatro canciones inéditas, entre ellas «Beso francés» y «Será tu amor». Este fue el último álbum para BMG/Ariola.

Pisanlov (Peace and love), publicado el año 1995, fue bien recibido por la audiencia.​ Sin embargo, su publicación presentó muchos inconvenientes, ya que se había desatado una gran crisis económica​ sumada a la falta de interés de las compañías disqueras argentinas. Fue así que el músico recién pudo editar su disco en 1995, por medio de CURB Records (fue distribuido mundialmente por Warner Music). De esta forma, Miguel se convierte en el segundo artista argentino en firmar con un sello estadounidense, después de Carlos Gardel. Irónicamente este disco fue editado en casi todo el mundo con excepción de Argentina.

Los primeros temas de este álbum que tocó Mateos en vivo fueron en Bogotá, al ser invitado por una emisora reconocida de la capital colombiana para celebrar su aniversario. En aquella oportunidad, compartió escenario con la entonces desconocida cantante Shakira y con Café Tacuba, teloneros para la presentación del argentino, quien estrenaría en aquella noche los temas «Pisanlov» y «Voy con quien soy».​ El álbum presentó un sonido más pesado, similar al hard rock y alejado de sus anteriores producciones, de corte más comercial.

Bar Imperio, el primero de los cuatro álbumes pactados para Universal Music, se alejó de la dirección tomada en Pisanlov y retomó un poco el sonido comercial de Obsesión y Kriptonita, pero con una puesta al día. El espectro musical abarcado es muy amplio, juntando canciones estilo pop como «Besa al tonto» y «Dame más» con el rock chabón de «Encuentra un lugar» y la idea más trip hop y New Age de «Panorama», el tema más largo de la carrera del músico con casi siete minutos de duración.

En 2002 Mateos lanzó su segundo álbum en vivo como solista, Salir vivo. Sobre su concepto comentaría:

Tiene varios matices. Es un disco muy particular porque resume veintiún años de carrera y atraviesa de forma transversal desde mediados de los ochenta hasta los noventa y, después, hasta esta nueva etapa. Eso ya de por sí es una forma de decir que salí vivo. Es también el clima de inseguridad en mi país. El año pasado se vivieron momentos críticos en Argentina, de los cuales estamos tratando de salir poco a poco. Son convulsiones de las cuales no está exento ningún otro país. Tiene muchas connotaciones y también tiene una forma más auto-referencial y más personal del hecho de decir que si a algún tipo se le ocurre apretar el botón famoso y explota todo, no puedes hacer más que tratar de salir vivo y llevar adelante tus sueños. No puedo salirme del contexto. Salir vivo es una obra que le pone el pecho a la situación. Tiene 18 canciones en vivo, seis o siete de estudio. De las 24, seis son inéditas. Esto convierte al disco en un auténtico desafío. Hay versiones superadoras de mis clásicos, que tienden a salvaguardar mi catálogo, defenderlo, recuperarlo. Conceptualmente, el contenido del disco juega con la idea del vivo y… A Salir vivo, la canción, la hice en octubre del año pasado, previo al desastre de De la Rúa. Fue profética, lamentablemente. Salir vivo tiene una primera parte muy auto-referencial, y una segunda, en la que se agrega Cristián Aldana, de El Otro Yo, que es más agresiva, explícita, con una serie de dardos con una dirección muy clara. Para no discutir con una corporación, al disco lo saqué con la tapa que quiero, en el estuche que quiero.

Precisamente, en la letra de «Salir vivo», uno de los temas inéditos, hay una parte en la que Miguel condena a los artistas que «se vendieron a la cultura oficial».

Me refiero al Loperfidismo. Eso fue nefasto. Estar en manos de ese personaje [Darío Lopérfido, Secretario de Cultura y Medios de la Nación entre 1999 y 2001] y de su séquito culturoso, prebendario [sic] y traicionero, fue de terror. Sí, a eso me refiero. No a la ingenuidad de los artistas. Apenas trabajo un símbolo con la expresión; tiene que ver con una política del rock. Lo que piensen en el rock vernáculo me importa un pito. No escribo pensando en otro artista. Y la contingencia de haber sido exitoso, no quita el hecho de haber sido el primero en gritar Huevos en plena dictadura. Tengo el privilegio de tener un abanico amplio… Puedo hacer Beso francés y Huevos; o Tirá para arriba y Obsesión. Y en términos semióticos, lo que dice que Salir vivo en relación a la subversión tiene que ver con que mis ahorros están dentro de un puto banco, con que la gente está pasando hambre… La lírica no quiere decir más que hay que pelear. No me importa qué piensen los demás, yo quiero dar pelea. Tené en cuenta que del ‘89 al ‘94 estuve afuera. Diferentes razones me llevaron a estar afuera; entre ellas, la convicción de que debíamos exportar música y la falta de trabajo. Los dos últimos años de Alfonsín, para mí fueron tremendos; tengo un problema con los radicales. En el ‘90 sale Obsesión, con el que pegué en toda Latinoamérica. Más adelante salgo con Kryptonyta, mi disco más querido, y Pisanlov. Bar Imperio también es de esa década. Salió en el ‘98. Los ‘90 fueron de trabajo y de buenas canciones. La situación de mi país me ha afectado, prueba de ello es que forman parte del disco algunos temas inéditos que reflejan esa realidad, que puede ser la de cualquier otro país de Latinoamérica en donde también se dan injusticias y desigualdades. No faltaron las piezas contestatarias: Salir vivo y Abracadabra 2000, que habla de una familia argentina cuyo patriarca trabajó en una armadora de autos y de pronto se quedó sin trabajo. Tinte social y realista.
Mateos compuso un tema homenaje a su país, «Patria, ya no duermas»:

Es una canción un tanto difícil de clasificar, pero que tiene que ver con el hecho de despertar del letargo.

También explicó el contenido de algunas canciones de su disco:

Mirá, por ejemplo, la visión del desamor está en dos temas inéditos que forman parte del nuevo álbum: Rey de los desposeídos y Sálvame, que representan una visión fiel de lo que es el amor. Tiene que ver con el concepto que dice que si uno no se quiere, no puede querer a nadie.

Uno fue el primer disco original del músico en siete años. Sobre él, afirmó:

Uno es un disco argentino, netamente argentino, de volver a recuperar cosas que nos han hecho creer que no son importantes, cierto orgullo de ser argentino.

Uno fue grabado con Alejandro Mateos (batería y coros), Roly Ureta (guitarra), Ariel Pozzo (guitarra y coros), Alan Ballan (bajo) y Nano Novello (piano Rhodes). Entre los invitados se destacan Javier Malosetti, Guillermo Vadalá, Ciro Fogliatta y Las Blacanblus.

Fidelidad, nuevo álbum de estudio, sale al mercado a finales de 2008 bajo el sello de La Cábula Discos y con licencia de Miguel Mateos y Arenas Records. Para su distribución internacional se estableció un acuerdo con Universal Music. El disco se compone de 13 temas, entre las que se incluyen canciones destacadas como el sencillo «El nene más malo del mundo», «El jardín del amor» y «Dudas». Fidelidad presenta ciertas semejanzas en concepto a Bar Imperio, reincorporando los sintetizadores escasos en Uno y Salir vivo.​ Miguel comenta sobre este álbum:

Se llama Fidelidad debido al aguante de todos mis fans alrededor del mundo, y es como un tributo hacia ellos, a los tantos años de fidelidad que hemos compartido. Como contrasentido lo que pasa es que soy un tipo que nació con el álbum, que creció comprando Led Zeppelin IV, Sgt. Pepper’s, Pink Floyd… Llevaba el disco a mi casa y me internaba en la ceremonia de escuchar música. Eso está totalmente perdido. Estoy en contra de los ringtones y de la música que se escucha por celular, ahora ya no se puede escuchar la respiración del que canta en el arrastre del vinilo, ahora todo esa fidelidad se ha perdido, debido a eso el nombre del disco. Principalmente es eso, es un disco para escuchar con los amigos, está dedicado a esa gente que me dice que cuando no puede más, cuando siente que todo está perdido y ya no cree en más nadie, pone una canción mía y siente que le dan ganas de seguir, que le alegra el día. Fidelidad es eso, nada más.

En diciembre de 2010, tras su exitosa gira de celebración de los 25 años de su álbum Rockas vivas, Miguel Mateos graba su tercer álbum en vivo como solista, Primera fila, concepto acústico creado por la discográfica Sony Music en el que también incursionaron artistas como Thalía y Franco de Vita. Lanzado al mercado a mediados de 2011, contiene varios de sus clásicos, así como tres temas inéditos y presenta además como invitados a la cantante española Malú y al grupo mexicano Reik.

En este material, grabado en la Casa de la Música de Buenos Aires, por primera vez Mateos alterna con su hijo Juan Oliver en las guitarras. Además se incluye un documental donde el propio Miguel, la banda, su hijo y los involucrados en el proyecto, hablan de los inicios de su carrera, su éxito a nivel nacional e internacional y la realización del disco.

En 2013 Miguel Mateos lanza un nuevo disco original, que resultó de una selección de canciones de un proyecto más abarcador, donde Mateos pensaba ofrecer una actualización de sus tres líneas de formación, el rock, el pop y el folk, al cual pretendía titular La maravillosa historia del rock y el pop y presentar en una trilogía de discos.

Debido a la crisis de ventas discográficas Sony Music Argentina optó por resumir en un disco esas tres vertientes. De allí resultó La alegría ha vuelto a la ciudad: como introducción a esa trilogía y como exposición de la situación contemporánea por la que atravesaba Miguel Mateos en términos artísticos y personales. Desde el disco, que cuenta con trece canciones, se proyectó el concepto de búsqueda por recuperar la alegría de la década de 1980 como una forma de combatir los desencuentros y la soledad. Para darlo a conocer se escogieron «Un ying para un yang» y «Sellado con un beso» como sencillos promocionales y se inició una gira que lo llevó a recorrer distintas provincias en Argentina.

El 27 de noviembre de 2015 se lanzó «La ley del pulgar» a través de VEVO en YouTube, siendo corte promocional del disco de estudio Electropop (2016),​ el primero de una trilogía de discos de alternancia rockera-acústica y tras la cual Mateos anunció que dejaría de editar discos para pasar a la venta meramente digital de canciones.

En 2017, volvió a lanzar al mercado el álbum Solos en América, grabado originalmente por ZAS en 1986. Para festejar los treinta años del disco, se embarcó en una gira de conciertos que lo llevó por Argentina, México y Chile.

El 19 de octubre de 2018 se lanzó «Nacional», el primer corte de difusión de Undotrecua, el nuevo álbum de Miguel.​ Durante lo restante de 2018 y 2019 se publicaron las demás canciones del álbum en formato de EP,​ y el 2 de agosto de 2019 se lanzó el disco, siendo el primer álbum digital de la carrera de Mateos a través de las plataformas YouTube, Spotify, Deezer y Amazon Music.​ Mateos confesó en esos días que había decidido que Undotrecua sería su último disco como tal, ya que opinaba que los dos discos que faltaban por realizarse podían resumirse en uno solo​.

Undotrecua nació como una idea de trilogía que en 2016 arrancó con Electropop. La intención era hacer luego un disco rockero y otro acústico. Iba a ser mi último manifiesto desde el punto de vista del formato, y este disco finalmente fue el resumen de esos dos discos.

Sobre su futuro como artista e institución musical argentina, Miguel Mateos dice:

Lo que vendrá no lo sé, había dicho que como disco esta iba a ser mi última contribución. Yo estoy trabajando en una obra conceptual, en una ópera, para 2020-2021. Algo distinto, pero sigo pensando en el álbum como filosofía.

26 de Enero – Eddie Van Halen

Edward Lodewijk Van Halen, (nacido el 26 de enero de 1955 en Nimega, Países Bajos) es un músico neerlandés-estadounidense, conocido mundialmente por ser el guitarrista y miembro fundador de la banda de Hard Rock Van Halen junto a su hermano Alex.

Es considerado por la revista Rolling Stone como el octavo mejor guitarrista de la historia. Es conocido por su técnica llamada tapping, es uno de los pioneros del hard rock, y su solo de guitarra Eruption es considerado el segundo mejor de la historia según las revistas Rolling Stone y Guitar World.

Los hermanos Van Halen, Eddie y Alex, nacieron en Nimega, Países Bajos y en el año 1967 se trasladaron a California.

Ahí, su padre, un músico de Jazz, de nombre Jan Van Halen, los incentivó a que fueran músicos y fueron, durante muchos años, concertistas de piano.

Sin embargo, al crecer fueron cautivados por el rock and roll, por lo cual desarrollaron su pasión por este género, lo que los llevó a aprender a tocar nuevos instrumentos.

Al principio, Ed tocaba la batería y Alex la guitarra, sin embargo, Alex, en los momentos en los que Ed trabajaba repartiendo periódicos para pagar su batería, Alex tocaba hasta que llegó a ser mejor que él, por lo que se intercambiaron roles, y pronto se podían ver en Eddie influencias de guitarristas de hard rock tales como Jimi Hendrix, Eric Clapton, George Harrison o Jimmy Page.

Empezaron a tocar en 1972 en reuniones familiares y en la escuela, donde conocieron a David Lee Roth, quien cantaba en The Red Balls Jet, ya que este les alquilaba el equipo de sonido a Eddie y su grupo, y para ahorrarse el dinero, prefirieron meterle como vocalista ya que Eddie odiaba tener que cantar.

En la escuela secundaria se encontraron con Michael Anthony quien dijo: «todos en la escuela tocan guitarra o batería, así que yo tocaré el bajo», y le quitó dos cuerdas a su guitarra. Estos cuatro personajes formaron Mammoth en 1973, pero como el nombre de ese grupo ya estaba registrado, David Lee Roth sugirió poner el apellido de los hermanos: «Van Halen» ya que, según él, sonaba «cool»

Empezaron a tocar en fiestas del instituto, comidas familiares y clubes nocturnos durante tres años y, un día, Gene Simmons, bajista de Kiss, les financió unas grabaciones de demos para el sello Warner, quienes en un principio no los aceptaron, y luego hicieron toda su discografía.

El álbum debut fue homónimo (Van Halen) y tuvo grandes éxitos tales como: «Runnin’ with the Devil», «Eruption», «You Really Got Me» (Un éxito del afamado grupo Británico «The Kinks») , «Ain’t Talkin ‘bout Love», «Atomic Punk» y «Jamie’s Cryin», alrededor de 1978.

Al año siguiente, le propusieron hacer la segunda parte de este álbum (Van Halen II), en el cual se incluyeron éxitos tales como: «Dance the Night Away», «You’re No Good», etc. Eso fue en el año 1979.

En 1980, salió el tercer disco de la banda, llamado «Women And Children First», que no tuvo muchos singles de éxitos, pero como álbum, llegó muy arriba en Billboard.

En el año 1981, salió «Fair warning», el cual contenía uno de los éxitos más grandes de la banda, «Unchained».

Un año más tarde salió el disco «Diver down», el cual recorrió los lugares más altos de Billboard y tenía los siguientes éxitos: «(Oh) Pretty Woman», «Cathedral», «Big Bad Bill (Is Sweet William Now»), etc.

Después en el año 1984, salió el disco del mismo nombre (1984) que fue el punto cúlmine de la Era de DLR. El primer single, Jump, sacó del nro.1 de Billboard a Thriller de Michael Jackson, y éste, admirado por la calidad de Eddie, Le pidió la colaboración en uno de sus temas, Beat It.

Esto molestó mucho a DLR, que para vengarse grabó su propio disco en solitario sin avisar a los otros miembros de la banda.

David Lee Roth dijo que ganaba más dinero por grabar discos solistas que con Van Halen, por este comentario fue expulsado del grupo.

Cuando Van Halen estaba buscando a alguien que pusiera la voz por el grupo, Eddie fue al garaje y había un auto muy lujoso. Éste, extrañado preguntó quién era el dueño y el propietario del garaje le dijo: «es de un tal Sammy Haggar. ¡Hey!, lo deberías tener en tu banda.» y Ed le pidió su número. Se juntaron los tres con el nuevo cantante y empezaron a tocar.

Sammy era un cantante que con su primer disco con «mini-éxitos» había ganado algo de dinero. Entre sus cualidades estaba la de tener una voz muy aguda y saber tocar guitarra, algo que David Lee Roth nuncá trató de hacer.

Sammy empezó a improvisar letras y de esa forma salieron varias canciones. Así, Sammy fue el nuevo vocalista de Van Halen y principal figura de 5150, álbum clásico para los seguidores de Van Halen. Éste tuvo grandes éxitos como: «Why Can’t This Be Love», «Dreams», «Love Walks In» y «Best Of Both Worlds».

Dos años después, en 1988 salió «OU812», disco que empezó a bajar la clásica dureza del estilo que cultivaba Van Halen. De allí, hubo varios singles exitosos, tales como: «When It’s Love», «Finish What Ya Started», «Feels So Good», «Cabo Wabo», etc.

Después de dos años de giras y uno de trabajo, salió al mercado For Unlawful Carnal Knowledge, más conocido como F.U.C.K., que fue el punto más alto de la popularidad de Van Halen. Hubo un trabajo promocional de este disco tan grande que llegaron hasta Japón, Holanda y Argentina. Cubriendo distintas partes del globo.

Fue tan bueno el material que se obtuvo durante esas giras, que se grabó un disco en vivo llamado: Van Halen LIVE: Right here, Right Now. En él se encuentra casi todo el disco F.U.C.K, éxitos de discos anteriores, un solo de cada uno de los miembros de la banda y tres canciones inéditas: «One Way To Rock», «Give To Live» (Sammy Solo) y «Won’t Get Fooled Again».

Después de estos años de gira, en 1995 salió Balance. En este disco se encuentran los éxitos: «Can’t Stop Lovin’ You», «Don’t Tell Me» (What love Can Do), «Not Enough», etc. Después, Eddie tuvo problemas con el alcohol y Sammy generó una polémica por la canción Amsterdam, que hace mención que allí las drogas son legales. Eddie y Sammy generaron una polémica cuando Ed mencionó la idea de hacer una recopilación de los grandes éxitos de la banda.

Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock.

Ed utiliza y ha utilizado guitarras de muchas marcas distintas como Gibson, Fender, Charvel, Kramer, Peavey, MusicMan o Steinberger, aunque es un gran fanático de la personalización de sus guitarras.

En los últimos años utilizó un modelo que Peavey fabricaba para él (la famosa Peavey Wolfgang), en 2005 la marca Charvel, hizo una serie que imita las guitarras de Eddie de los años 80.

En 1986, para el álbum 5150 utilizó la guitarra Steinberger GL2t 5150 para los temas Summer Nights y Get Up. Posteriormente para el concierto Live Without A Net.

En 2007 sale a la venta una réplica de la guitarra Frankenstrat con la marca EVH Gear fabricada por Fender.

A principios de los noventa, en la época del disco F.U.C.K, pasó a ser endorser de Musicman. En concreto, sacaron el modelo «EVH».

Posteriormente, cuando dejó de ser endorser de la marca, Musicman decidió seguir con la producción de ese modelo bajo la denominación «Axis».

Difería del modelo «EVH» principalmente en 2 aspectos, la distinta disposición del selector de pastillas y que el potenciómetro de volumen venía serigrafiado como «volumen» a diferencia de la musicman EVH original que, debido a una gracieta típica de Eddie, venía serigrafiado como «Tone», cuando es una guitarra que no tiene control de tono.

Actualmente Fender le fabrica el amplificador EVH 5150 III y le comercializa la réplica exacta de la Frankenstrat ya mencionada con un valor de US$ 25 000.

Posee su propia marca «EVH» donde ya ha sacado a la venta varios modelos y variaciones de la guitarra «Wolfgang» y ha presentado 3 réplicas de sus guitarras más características (roja blanca y negra, negra y amarilla, blanca y negra) muy similares a las que sacó Charvel en 2005, solo que con un precio bastante inferior, dos modelos de amplificador EVH 5150 III (50W y 100W) y varios accesorios como cuerdas, pastillas, etc.

Además, contribuyó enormemente al desarrollo del sistema Floyd Rose para la afinación de la guitarra, e incluso patentó su propio dispositivo llamado “D-tuner”, que permite afinar la sexta cuerda de la guitarra E(MI) a D(RE) y viceversa en un solo movimiento.

25 de enero – Alicia Keys

Alicia Augello Cook (Manhattan, 25 de enero de 1981) conocida como Alicia Keys, es una cantante, actriz y compositora estadounidense de R&B y soul.

Ha recibido hasta la fecha 15 Grammys y ha vendido más de 30 millones de copias de los cinco álbumes que ha grabado desde su debut  ‘Songs in A Minor’ en 2001.

Hija de un auxiliar de vuelo afroamericano y una cantante de musicales de ascendencia italo-irlandesa, se crió tras la separación de sus padres en el barrio neoyorquino de Hell’s Kitchen, donde entró pronto en contacto con la música de Marvin Gaye, Donny Hathaway, Lauryn Hill y Stevie Wonder.

Con cinco años tomó clases de ballet y piano, en el que interpretaba sólo piezas de compositores clásicos como Mozart, Beethoven y su favorito, Chopin. A los dieciséis años concluyó prematuramente sus estudios.

A pesar de obtener plaza en la Universidad, prefirió dedicarse  profesionalmente a la música y firma con Columbia Records, sello con el que graba su primera grabación profesional ‘Dah dee dah (Sexy thing)’, que se incluyó en la banda sonora del film ‘Men in Black’ (1997).

Alicia graba la maqueta de un álbum, que es rechazado por lo que rompe su relación con la discográfica y se marcha al nuevo sello de Clive Davis, J Records, en el que graba su álbum debut, ‘Songs in A Minor’ (2001), componiendo, arreglando y produciendo la mayoría de los temas del álbum.

Contrariamente a lo que sugiere el título, el disco sólo contiene una canción en tono de La menor, ‘Jane Doe’.

El álbum fue un éxito -Rolling Stone lo nombró segundo mejor álbum del año- consiguiendo 5 premios Grammy vendiendo hasta la fecha más de 12 millones de copias. El single ‘Fallin’ permaneció seis semanas en el nº1 del Hot100 de Billboard.

Su segundo álbum ‘The Diary Of Alicia Keys’ (2003) no le fue a la zaga, vendiendo ocho millones de copias y ganando cuatro premios Grammy. Contenía éxitos como ‘You don’t know my name’, ‘If I ain’t got you’ y ‘Diary’.

En 2005 publicó un ‘MTV Unplugged’ y a continuación, tras aparecer como artista invitada en diversas series de TV como el Show de Bill Cosby y ‘Embrujadas’, hace su incursión en el cine realizando un papel coprotagonista en el fim ‘Smokin’ Aces’ junto a Ben Affleck y Andy García al que siguió otro papel en ‘Diario de una niñera’ (2007).

Ese mismo año aparece ‘No one’, el primer single de su nuevo álbum ‘As I Am’, que de nuevo triunfa en las listas, aunque empiezan a llegarle críticas por su falta de imaginación y sus letras inmaduras, tachándola de artista sobrevalorada. El video superó en YouTube los 40 millones de visitas en tan sólo tres meses y actualmente ha superado los 175 millones.

En 2008, grabó la canción ‘Another way to die’ a dúo junto con Jack White para la película ‘Quantum of Solace’ de la saga de James Bond.

Este trabajo se vio envuelto en polémica porque fue elegido a costa de descartar una canción de Amy Winehouse, quien anunció que publicaría su canción para demostrar que era superior a la elegida.

Volvió a encarnar un papel en el cine en ‘La vida secreta de las abejas’ junto a Queen Latifah, Jennifer Hudson y Dakota Fanning.

El año 2009 publicó ‘The Element of Freedom’ (2009) el primero de sus álbumes que no alcanzó el nº1 en USA. Sin embargo en el Reino Unido, sí lo logró.

En noviembre de 2012 apareció su quinto álbum, ‘Girl on Fire’, publicado bajo el sello RCA y merecedor de un Grammy en la categoría de R&B contemporáneo. Volvió al nº1 en el Billboard 200 pero es su álbum peor vendido hasta la fecha.

En 2013 grabó un dueto con la cantante italiana Giorgia interpretando ‘I will pray’ (Pregherò) y en septiembre de 2014 Alicia publicó en su página de Facebook un nuevo tema llamado ‘We are here’, al que siguió en 2015 ’28 thousand days’, adelantos de su nuevo álbum ‘Here’ publicado en 2016.

25 de Enero – Tom Jobim

Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Río de Janeiro, 25 de enero de 1927 – Nueva York, 8 de diciembre de 1994), Tom Jobim, fue un compositor, arreglista, cantante, guitarrista y pianista de bossa nova, música popular brasileña y música clásica.

Está considerado como uno de los grandes exponentes de la música brasileña. Jobim es el artista que internacionalizó la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusiona con el jazz para estandarizar en los años sesenta un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable. Jobim está considerado como uno de los grandes compositores de bossa del siglo XX.

Las raíces musicales de Jobim se encuentran en la música clásica a través de grandes compositores como Claude Debussy, Frédéric Chopin y Heitor Villa-Lobos, que le influyeron decisivamente.

A ello se une la samba y el folklore brasileño, las armonías del Cool Jazz y los musicales de Broadway.

Como pianista, su toque es sencillo y melódico, al estilo de un Claude Thornhill, aunque en algunas de sus grabaciones llegase a demostrar que podía ser sumamente inventivo.

Su guitarra está limitada principalmente a un acompañamiento apacible a los ritmos sincopados del jazz; su voz, suave, sencilla y ligeramente ronca, subraya los aspectos emocionales de las letras.

De entre su abundante producción puede recordarse el tema Águas de março, del que se han hecho numerosas versiones.

Jobim ya estaba encaminado en principio a la carrera de arquitecto. Sin embargo, al cumplir los veinte años, la llamada de la música se hizo tan poderosa que empezó a tocar el piano en los nightclubs y a trabajar en estudios de grabación.

Hizo su primera grabación en 1954, acompañando al cantante Bill Farr como líder de «Tom e a sua banda».

Su primer gran éxito le llegó en 1956 cuando, junto con el poeta Vinícius de Moraes, elaboró parte de la música de una obra teatral llamada Orfeo da Conceição (más tarde convertida en película, Orfeo negro).

En 1958, Jobim produce un disco, por su particular estilo bossa nova (‘tendencia nueva’ o new wave; del portugués bossa: ‘aptitud, tendencia, vocación’), al guitarrista y cantante João Gilberto, grabando algunas de las canciones de Jobim con arreglos musicales del mismo, dando comienzo al género musical de la bossa nova, siendo Chega de saudade el punto de partida cuando se editó como single en 1958.

El despegue de Jobim fuera de Brasil se produjo en 1962 cuando Stan Getz consiguió un sorprendente éxito con su tema «Desafinado»; un año después, Jobim y varios músicos brasileños más fueron invitados a participar en un espectáculo en el Carnegie Hall.

La actuación supuso un gran éxito para la música brasileña a pesar del boicoteo de parte de la prensa nacional.

Empujada por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en un éxito internacional, y los músicos de jazz se acercaron a ella, grabándose númerosos discos hasta agotar su tirón comercial en la escena pop a finales de los años sesenta. Jobim grabó además una versión de Garota de Ipanema junto al cantante estadounidense Frank Sinatra en 1967.

Jobim prefirió los estudios de grabación a las giras, grabando varios discos de su música como pianista, guitarrista y cantante para Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI y MCA en los sesenta y setenta, volviendo a Verve en los últimos años de su vida.

En principio, comenzó a colaborar con el arreglista y director Claus Ogerman. Al agotarse el éxito de la música brasileña en Estados Unidos, Jobim se concentró en el cine y en la televisión brasileña.

Pero hacia 1985, con el auge de las llamadas músicas del mundo y de una segunda ola de música brasileña, Jobim comenzó una gira con un grupo en el que estaba su segunda mujer, Ana Lontra, su hijo Paulo, su hija Elizabeth, y varios músicos amigos.

Después de terminar su álbum Antônio Brasileiro, Jobim se quejó de problemas urinarios con su doctor, Roberto Hugo Costa Lima.

Le detectaron un tumor de vejiga, pero Jobim pospuso por muchos meses la recomendada cirugía inmediata, debido a que un médium brasileño supuestamente le transmitió un mensaje de Frederick von Stein, un médico alemán muerto, quien le recomendaba no hacer dicha cirugía.

Jobim comenzó a trabajar en su nuevo disco Tom Jobim. Finalmente Jobim decidió abandonar a su guía espiritual y someterse a la cirugía.

Su operación tuvo lugar en el Hospital Mount Sinaí (en Nueva York) el 2 de diciembre de 1994.

El 8 de diciembre ―mientras se recuperaba de su cirugía―, Jobim sufrió una embolia pulmonar que le provocó un paro cardíaco.

Dos horas después sufrió un paro cardíaco final. Su último álbum Antônio Brasileiro se lanzó tres días después de su muerte.

El cuerpo de Jobim fue enviado a Brasil el 9 de diciembre de 1994 y tuvo un funeral el 13 de diciembre en Río de Janeiro. Su familia y sus amigos ―Miúcha, Edu Lobo, João Gilberto, Astrud Gilberto― asistieron al funeral. El 20 de diciembre de 1994 fue enterrado en el Cemitério São João Batista en Río de Janeiro.

24 de Enero – Víctor Heredia

Víctor Ramón Cournou Heredia (Buenos Aires, 24 de enero de 1947), más conocido como Víctor Heredia, es un reconocido cantautor argentino. Es considerado como un maestro y leyenda viva de la música latina.​

Víctor nació en el barrio de Monserrat, de la ciudad de Buenos Aires, y se crio en Paso del Rey, partido de Moreno, en el segundo cordón del Conurbano bonaerense.

Su familia paterna (Cournou) es de origen francés, mientras que su abuela materna pertenecía a la etnia capayán, y había nacido en los Valles Calchaquíes, de la provincia de Catamarca.

Si bien comenzó su educación escolar en el barrio de Monserrat, a los 9 años ingresó a la Escuela 18 de Paso del Rey, donde terminó la primaria.

En 1967, con 19 años de edad, obtuvo el premio Revelación Juvenil en el Festival de Cosquín.

En 1969 obtuvo el premio Consagración en el mismo festival y su álbum El viejo Matías superó el medio millón de copias vendidas.

Representó a su país en el Festival de la OTI 1972. En 1974 editó un álbum en homenaje al poeta chileno Pablo Neruda.

Se destaca por sus canciones referentes a problemas sociales en América Latina y los derechos humanos.

Ha grabado con artistas de la talla de Joan Manuel Serrat, Mercedes Sosa, León Gieco, Milton Nascimento, el Cuarteto Zupay, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y Geo Meneses, entre otros.

Durante su juventud militó en el Partido Comunista, organización de la que se desvinculó en 1978, por la supuesta cercanía del partido con la dictadura encabezada por Jorge Rafael Videla.

Padeció censura durante la dictadura cívico-militar argentina iniciada en 1976.

Su hermana, María Cristina Cournou, fue secuestrada junto a su esposo​ el 17 de junio de 1976 y aún permanece desaparecida.

Heredia colabora estrechamente con organizaciones que denuncian los crímenes de la dictadura, tales como las Madres de Plaza de Mayo y las Abuelas de Plaza de Mayo, también con organizaciones de Pueblos Originarios.

Entre sus obras se encuentran éxitos como «Todavía cantamos» y «Sobreviviendo» (Solo quiero la vida, 1984), «Bailando con tu sombra (Alelí)» (Fénix, 2003), «Coraje», «Razón de vivir», «Amanecer frente a tu casa», «Esa libertad que soñamos», «El viejo Matías», «Ojos de cielo» o «Dulce Daniela», y álbumes conceptuales como Taki Ongoy, en homenaje al movimiento milenarista, político-religioso (1560-1572) contra la aculturación española, compuesto en 1986 y que recuerda la lucha de los pueblos americanos por su libertad.

En 1985 recibió un Premio Konex – Diploma al Mérito en la disciplina Baladista y en 1995 recibió el Konex de Platino en la disciplina Autor / Compositor de Pop / Balada.

En 2003 editó el álbum Argentina quiere cantar, que registró una serie de conciertos que brindó junto a Mercedes Sosa y León Gieco.

En 2004 incursionó en la literatura y publicó la novela Alguien aquí conmigo, a la cual le siguió Rincón del diablo dos años después.

Como autor y compositor, ha ganado el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en cuatro ocasiones: en la competición internacional en 1997, 2001 y 2009, y la folclórica en 2004.

El 25 de mayo de 2014 formó parte de los festejos por el aniversario de la Revolución de Mayo, en el marco del show «Somos Cultura» del Ministerio de Cultura de la Nación.

Todavía Cantamos​, es uno de los éxitos más contundentes del autor. En junio de 2019 se cumplieron 35 años de esta obra emblemática y se hizo una gran celebración en el Teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos aires, siguiendo en Quality Espacio de Córdoba y cerrando la gira de conciertos en el Teatro El Círculo de Rosario.

La versión se hizo con la banda actual y los músicos invitados. Mientras la pantalla mostraba a Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, en fotos y videos en blanco y negro y en otros actuales. Y en medio del tema, la irrupción del rapero y freestyler Wos, anclando la canción en la actualidad: “A pesar de que nos tiran, todavía seguimos cantando y amando la vida”, rapeó el joven.

24 de enero – Neil Diamond

Un día como hoy nació el cantautor neoyorquino Neil Diamond, un artista que tras 54 años de carrera, ocho números uno en USA y más de 115 millones de copias vendidas, sigue actuando y publicando discos con éxito.

Neil comenzó componiendo canciones a los 16 años, tras comprar una guitarra, inspirado por una visita a su escuela del cantante y autor folk Pete Seeger.

En 1960 logró grabar sus composiciones bajo el sello Duel, acompañado de un compañero de colegio Jack Packer.

Se llamaron Neil & Jack y su música era muy similar a la de los Everly Brothers por lo que no tuvieron éxito.

Neil volvió a sus estudios de medicina hasta 1962, año en el que es contratado por Sunbean Music como uno más de los autores que albergaba el famoso Brill Building de Broadway.

En 1963 una de sus canciones, ‘Sunday and me’ es grabada por el grupo Jay & the Americans, que consiguen un éxito importante.

Gracias a la mediación de sus compañeros de profesión, el matrimonio formado por Jeff Barry y Elie Greenwich, recomiendan a Diamond a Bert Berns, reconocido productor y compositor de clásicos de la época, quien reconoce en Diamond su potencial de estrella, firmando de inmediato un contrato para su nuevo sello discográfico Bang Records, en el que también grababan The McCoys y Them, el grupo de Van Morrison.

Para Bang Records compuso y grabó éxitos como ‘Cherry cherry’, ‘Solitary man’, ‘You got to me’, ‘Red, red wine’ (1966), ‘Girl, you’ll be a woman soon’, ‘I’ve got the feeling’, ‘Thank the Lord for the night time’ y ‘Kentucky woman’ (1967).

Una de sus canciones en esta etapa de Bang Records fue ‘I’m a believer’, que el grupo The Monkees, graba antes que él mismo, consiguiendo un gran hit que fue disco de oro y que consolidó la fama de Neil como compositor.

The Monkees lograron éxito con 2 temas más de Diamond: ‘Look out here come’s tomorrow’ y ‘A little bit of me a little bit of you’.

En 1967 Neil pretende grabar ‘Shiloh’, pero la discográfica lo rechaza, por lo que Diamond, tras pleitear y ganar el caso, abandona Bang y firma con UNI Records (más tarde MCA), quienes le aseguran total libertad en sus producciones.

Hasta 1972 Neil grabaría ocho magníficos e innovadores álbumes en MCA Records -considerados lo mejor de su carrera- con temas como ‘Sweet Caroline’, ‘Brother’s love travelling salvation show’, ‘Holly holy’, ‘Until it’s time for you to go’ (1969), ‘He ain’t heavy he’s my brother’, ‘Soolaimon’, ‘Cracklin’ Rosie’ (1970), su primer nº1 en Billboard, ‘I am… I said’, ‘Stones’ (1971), ‘Play me’, ‘Walk on water’ y ‘Song sung blue’ (1972), su segundo nº1 en USA..

La mayoría de ellas aparecerían en el soberbio doble álbum en directo ‘Hot August Night’ (1972) que supondría su despedida de MCA Records.

Firma con Columbia Records por 5 millones de dólares -cifra récord entonces- en la que se estrena con la banda sonora ‘Jonathan Livingston Seagull’ (1973) y el single ‘Longfellow serenade’, perteneciente al álbum ‘Serenade’ (1974).

En 1976 lanzó el álbum ‘Beautiful Noise’ producido por Robbie Robertson del que saldrían éxitos como ‘If you know what I mean’, ‘Don’t think…feel’ y ‘Dry your eyes’, que Neil interpreta en directo en el histórico concierto de despedida de The Band.

Repitió la experiencia positiva de publicar un álbum en directo con ‘Love at the Greek’ (1977), reuniendo las mejores actuaciones que realizó en 1976 en el famoso teatro angelino.

Ese mismo año publicó un álbum, ‘I’m Glad You’re Here With Me Tonight’, en el que estaba incluido el tema ‘You don’t bring me flowers’, del que publicó una versión Barbra Streisand.

Un avispado DJ, realizó un ‘match’ de las dos versiones que fue tremendamente popular y ante la insistencia del público, Diamond y Streisand grabaron la versión ‘oficial’, esta vez juntos de verdad ante el micrófono, que supuso el tercer nº1 en USA para Diamond.

Su último álbum en los setenta fue ‘September Morn’ en el que incluyó una nueva versión de ‘I’m a believer’.

En 1980 protagonizó una nueva versión del film ‘The Jazz Singer’ de Richard Fleischer, recibiendo 4 millones de dólares, siendo hasta la fecha la mayor cantidad de dinero pagada a un actor debutante.

Aunque fue nominado por su papel a un Globo de Oro, recibió el premio Razzle por ‘peor actor del año’.

Neil también había escrito e interpretado la banda sonora, que llegó a ser muy popular con éxitos como ‘Love on the rocks’, ‘America’ (ambos nº1) y ‘Hello again’.

El álbum fue editado por Capitol Records, debido a que su contrato con CBS había expirado.

Pero los ejecutivos de la discográfica no podían dejar escapar a semejante artista por lo que le ofrecieron un nuevo contrato, esta vez por 30 millones de dólares.

En la década de 1980 las ventas de los trabajos de Diamond disminuyeron sensiblemente.

Aún así seguía visitando las listas con canciones como ‘Yesterday’s songs’ (nº1), ‘Be mine tonight’, ‘On the way to the sky’, ‘Heartlight’ (nº1 y basada en la película  E. T. de S.Spielberg), ‘I’m alive’, ‘Turn around’ y ‘Headed for the future’.

A finales de la década el grupo UB40 obtendría un gran hit con su versión de ‘Red red wine’.

En los años noventa publicó media docena de álbumes, de los cuales dos únicamente presentaban canciones nuevas.

El resto consistía en discos con versiones de sus antiguos colegas del Brill Building, como Goffin, King, Greenwich, Bacharach y Sedaka, ‘Up On The Roof: Songs From The Brill Building’ (1993) o temas de clásicos del cine, ‘The Movie Album: As Time Goes By’ (1998), o bien temas navideños ‘The Christmas Album I y II’ (1992 y 1994).

Además tuvo que afrontar un difícil divorcio tras 25 años de matrimonio con Marcia Murphy, que le costó 150 millones de dólares.

En 2005, el éxito de su álbum ’12 Songs’, con temas nuevos, debutó en el 4º puesto de las listas Billboard de álbumes y demostró la vigencia de sus canciones a través de 5 décadas.

El single ‘Delirious love’, en el que colabora Brian Wilson, fue Top10 en USA y nº1 en diversos países.

En 2008, Neil publicó el álbum número 31 de su discografía, ‘Home Before Dark’, que alcanzó el nº1 en EEUU y el Reino Unido.

La gira que siguió al álbum fue la de mayor éxito desde las que realizaba en los sesenta.

En 2010 apareció ‘Dreams’, con catorce versiones de sus canciones favoritas escritas por otros artistas del rock.

El año 2014 firmó con Capitol y publicó su trabajo de estudio más reciente: ‘Melody Road’. En noviembre de 2016 anunció una gira internacional conmemorando sus 50 años de carrera (’50 Year Anniversary World Tour’) que dará comienzo en abril de 2017.

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