Category Archives: Efemérides musicales

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2 de Mayo – Pedro Guerra

Pedro Manuel Guerra Mansito, más conocido como Pedro Guerra (Güímar, Tenerife, 2 de junio de 1966), es un cantautor español.

Nació en Güímar, provincia de Santa Cruz de Tenerife (Canarias) (España), y es hijo de Pedro Guerra Cabrera, primer presidente del Parlamento de Canarias y senador por el Partido Socialista Obrero Español, y de Lourdes Mansito Pérez.

Simultaneará sus estudios en el colegio y el instituto con los de música en la filial de Arafo del Conservatorio Superior de Música de Tenerife, pasando a la sede principal del mismo en Santa Cruz de Tenerife para estudiar guitarra, instrumento que cursará hasta cuarto curso junto al de solfeo.

Con 16 años comienza sus actuaciones públicas en diferentes fiestas populares de la isla. Su primera actuación de importancia tuvo lugar en las fiestas patronales de Güímar, junto con otros grupos canarios importantes como Taburiente y Los Sabandeños y el cantautor Luis Eduardo Aute. Ya desde esta época contará con la colaboración ocasional del teclista Luis Fernández.

A los 18 de años de edad se muda a la ciudad universitaria de La Laguna, donde se incorpora a su vida musical. Allí conoce a muchos otros cantautores entre los que se encuentran Andrés Molina, Rogelio Botanz y Marisa Delgado. Es precisamente junto a estos tres músicos con los que Pedro Guerra forma Taller Canario de Canción en 1985. Marisa abandonaría el grupo un año después quedando el trío que es más conocido.

La primera experiencia discográfica de Pedro Guerra tiene lugar en 1985, gracias a una iniciativa del Gobierno de Canarias y del Centro de la Cultura Popular Canaria. Participa en los temas Entre nieblas, Acuérdate de mí, Cathaysa y Endecha del álbum Nueva Canción Canaria editado por estas dos instituciones.

Pedro Guerra, en aquel entonces conocido como Pedro Manuel, se convertirá en uno de los mayores referentes de la nueva generación de Nueva Canción Canaria, caracterizada por una fuerte reivindicación social, y por el uso de sonoridades del folclore canario, fusionadas con música moderna, música latina y música norteafricana.

Taller Canario de Canción (conocido más adelante como «Taller» a secas) se convertirá en uno de los grupos fundamentales de la Nueva Canción Canaria, que renacerá a mediados de los 80 tras la «crisis» sufrida a inicios de esta década.

La primera grabación de Taller aparece editada en el ya mencionado disco Nueva Canción Canaria (1985); se trata del tema Endecha.

Con Taller grabará los discos Trapera (1987), Identidad (1988) (tras el cual el grupo realizará una gira junto a Marisa por Cuba, Venezuela, Nicaragua, Madrid y el País Vasco), A por todas (1989, contando con la colaboración de Silvio Rodríguez en la canción Encubrimiento de América), Rap a duras penas (1991, con las colaboraciones de Joaquín Sabina en Con pinta de tipo que busca heroína, Luis Morera de Taburiente en Berlín 90, Natxo de Felipe de Oskorri en Garaldea, Luis Eduardo Aute en Sobre la luna y Cecilia Todd en A qué cantar).

Durante esta época también colaborará en discos y compondrá para otros artistas como Lito, Marisa o Mestisay.

Tras su marcha del grupo, Taller editará otros dos discos: Y ahora qué (1994), donde se incluye un tema compuesto por Pedro Guerra (Nadie sabe); y Castillos de arena (1999), donde el propio Pedro Guerra vuelve a colaborar cantando en un tema y haciendo los coros en otros dos.

En 1993 se traslada a Madrid para iniciar su carrera en solitario. Allí se hace frecuente de salas como Libertad 8, Teatro Alfil y actuará en multitud de locales por toda España.

También colabora con otros artistas como músico y compositor, entre los que se cuentan Ana Belén, Víctor Manuel, Joaquín Sabina, Marta Sánchez, Javier Álvarez, Paloma San Basilio, Amistades Peligrosas y el grupo Cómplices.

En 1995 publica su primer disco en solitario, Golosinas, grabado en directo y en el que se incluiría la canción Contamíname, que más adelante interpretaría Ana Belén.

Con su segundo disco alcanzaría instalarse en lo más alto de las listas de éxitos de las radiofórmulas. Fue en 1997 gracias a Tan cerca de mí.

Es un autor de lo más prolífico y los discos se suceden. Por su disco Mararía (1998) fue nominado por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España y premio a la Mejor banda sonora de Obra Cinematográfica de los Premios de la Música que anualmente otorgan la Sociedad General de Autores y Editores (S.G.A.E.) y la Sociedad de Artistas, Intérpretes o Ejecutantes (A.I.E.).

En (1999) sale a la luz Raíz, disco donde recupera sonoridades propias de la música canaria, así como temas de tipo social (incluyéndose un poema del subcomandante Marcos). También contará con la colaboración en las percusiones canarias del antiguo componente de Taller, Rogelio Botanz (que también participó en el disco Mararía).

Ofrenda (2001) es un canto al mestizaje, fusionando elementos musicales de muy diversos orígenes.

En el año (2001) el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria le encargará una obra para ser estrenada a finales de ese año. Pedro Guerra realiza un trabajo que gira en torno a la temática de la mujer y la discriminación que esta sufre en todo el mundo; en dicho trabajo fusionará de nuevo el folclore canario con sonidos actuales (rock, rap, etc.) y arreglos orquestales. En el año (2002) publica un disco con el resultado de dicho trabajo, y que llevará por título Hijas de Eva, contando con la colaboración de Silvio Rodríguez y Fito Páez.

En el 2003 realizará una gira con el poeta Ángel González de la que saldrá el disco La palabra en el aire, en el que el poeta recita, y Pedro Guerra canta poemas musicados.

Bolsillos (2004) es una obra con sonidos más sencillos, sin demasiadas estridencias, y temas comprometidos. También es un disco donde el artista echa una mirada hacia atrás, hacia su juventud. También en 2004 participa en el disco colectivo «Neruda en el corazón» que celebra el centenario de Pablo Neruda poniendo música al poema Antes de amarte, amor (Soneto XXV).

En las elecciones al Parlamento Europeo del 2005 hizo campaña por Izquierda Unida. En este mismo año, trabaja en la Producción y coordinación musical del Disco grabado en directo Contaminados, donde él participa, y con las actuaciones de Chico César, Javier Ruibal, Julieta Venegas.

La asociación de Madres Dominicanas de Madrid otorga a Pedro el «Premio a la Tolerancia»; en el 2003 presenta el disco “La palabra en el aire” y en el 2004 regresa con su disco “Bolsillos”.

En el año 2008 lanzó su nuevo material discográfico luego de casi cuatro años de silencio, se titula “Vidas” y cuenta con 14 nuevas canciones que el artista define como el disco “más coherente” de su carrera, dos de ellos («Lara» y «Cuando llegó Pedro»), dedicados a sus dos hijos. Producido por el mismo Guerra y Ángel Matos, en “Vidas” prima la naturalidad, el sonido puro, la sencillez y la ausencia de lo superfluo. El mismo año edita «Vidas en vivo», el primer CD+DVD. Al año siguiente sale el volumen 1 de un disco de versiones, titulado «Alma mía»; en 2010 sale «Contigo en la distancia», el volumen 2 de dicho compilado.

En 2013 Guerra cumple 30 años de carrera musical y los festeja editando el triple álbum «30 años», donde participan como invitados varios artistas, entre ellos Silvio Rodríguez, Pedro Aznar, Josemi Carmona (Ketama), Luis Eduardo Aute, Enrique Bunbury y Ana Belén.

El 29 de abril de 2014 sale a la venta «20 años Libertad 8», un CD+DVD compuesto por 15 temas grabados en directo en diciembre de 2013 en el local Libertad 8, en Madrid. Participaron como invitados Ismael Serrano, Jorge Drexler y Luis Eduardo Aute, entre otros.

El 1° de abril de 2016 se conoce «Márgenes», primer adelanto de «Arde Estocolmo», nuevo álbum de estudio de Pedro Guerra. Además el 22 del mismo mes publica «14 de Ciento Volando de 14», compuesto por 14 sonetos de Joaquín Sabina, extraídos del libro «Ciento Volando de 14», con música de Pedro Guerra. Participan importantes invitados, entre ellos Víctor Manuel y Ana Belén, Bunbury, Jorge Drexler, Amparo Sánchez, Pablo Milanés, Julieta Venegas, Dani Martín, Silvio Rodríguez, Luis Eduardo Aute, Leiva, Ismael Serrano, Joan Manuel Serrat, Juan Carlos Baglietto y Rozalén.

En septiembre de 2018, reedita, Golosinas, álbum con el que el cantautor canario Pedro Guerra inició su carrera en solitario en 1995 «golosinas 2018» contiene el álbum original cuidadosamente remasterizado y varias nuevas colaboraciones.

2 de Mayo – Horacio Ferrer

Horacio Arturo Ferrer Ezcurra (Montevideo, 2 de junio de 1933 – Buenos Aires, 21 de diciembre de 2014)1​ fue un escritor, poeta e historiador del tango uruguayo, nacionalizado argentino.

Compuso más de doscientas canciones y escribió varios libros de poesía e historia del tango.

Cobra fama por los tangos que compuso con Astor Piazzolla, como Balada para un loco -incluida entre las 100 mejores canciones latinas de la historia-,​ Chiquilín de Bachín y de la operita María de Buenos Aires.

Fue presidente de la Academia Nacional del Tango en la República Argentina hasta el día de su muerte.

De su madre aprendió a recitar poesía, quien a su vez había aprendido a recitar de Alfonsina Storni.​ El recitado poético aplicado a la canción popular, será una de sus grandes innovaciones en la cultura rioplatense.​

Realizó estudios de arquitectura en la Universidad de la República durante ocho años, aunque no llegó a finalizar dicha carrera. Pero obtendría un buen empleo en esa casa de estudios, siendo designado secretario de la misma, que junto a su trabajo como periodista del diario El Día, le garantizaron la seguridad económica.

En la década del 50, con poco más de veinte años, fue uno de los realizadores del programa Selección de Tangos, en la radio montevideana, con el fin de defender las nuevas tendencias tangueras y del grupo El Club de la Guardia Nueva, para organizar recitales en Montevideo de los músicos que estaban revolucionando el tango, como Aníbal Troilo, Horacio Salgán y en especial Ástor Piazzolla, por entonces líder del famoso Octeto Buenos Aires. A partir de entonces Ferrer dirigirá programas radiales de tango por el Sodre, la cadena oficial radial uruguaya.

En la misma época fundó y dirigió la revista Tangueando, ilustrada y redactada por él mismo. A fines de la década del 50, formó parte una pequeña orquesta de tango como bandoneonista y publicó su primer libro: El Tango: su historia y evolución (1959).

En 1961 el Teatro Circular de Montevideo estrenó su obra (en colaboración con Hugo Mazza) El Tango del alba, que se inspiraba en la vida de Ángel Villoldo, creador del tango El Choclo, estrenado en 1903.

En 1964 publica Discepolín, poeta del hombre de Corrientes y Esmeralda y en 1965, Historia sonora del tango.

En 1967, con 34 años, se decide a publicar su primer libro de poemas, Romancero canyengue, libro que presentó recitándolo acompañado por el guitarrista Agustín Carlevaro.

La poesía de Ferrer era innovadora y llamativa. Utilizaba palabras inventadas y giros inusuales en el tango, fantasiosa y onírica, surrealista en algunos aspectos. «Bandoneonía», «misticordia», «tristería», «narcótica y bulina», «verdolagáticos cromos», «oculto clavecín transmilonguero», «tangamente»…

El libro fue muy bien recibido tanto en Montevideo como en Buenos Aires. Troilo, Piazzola, Mario Benedetti, Cátulo Castillo, Homero Espósito, elogiaron la obra. Varias críticas literarias sostuvieron que el libro marcaba el nacimiento de un nuevo lenguaje en el tango.8​

En ese libro incluyó un tango, «La última grela», tal como le había sugerido Aníbal Troilo y con la intención de que Troilo lo musicalizara. Pero finalmente no fue Troilo sino Ástor Piazzolla el que musicalizó el primer tango compuesto por Ferrer y se fijó en su poesía. «Grela», en el lunfardo rioplatense es la prostituta, las «proletarias del amor», como Ferrer las define en el recitado de introducción a la canción.

A fines de 1967 ya estaba radicado en Buenos Aires,9​ en una casa ubicada en Lavalle 1447, quinto A, que era la casa histórica de la familia Ezcurra a la que pertenecía su madre, en pleno barrio de Tribunales, a una cuadra de la avenida Corrientes, corazón del mundo del espectáculo porteño. Pero siempre mantuvo también una casa en Montevideo.

Inmediatamente inició el trabajo con Piazzola que lo haría famoso. Piazzola venía buscando un poeta con quien crear obras poético-musicales. Había trabajado con Jorge Luis Borges y con otros poetas, pero no estaba satisfecho. Cuenta Ferrer:

En sentido similar Ferrer sostiene que «los versos no son para leer, son para oír como la música»,​ «es música que habla».

El resultado fue la creación de la monumental operita María de Buenos Aires, estrenada en 1968 en la Sala Planeta de Buenos Aires, con Héctor de Rosas y Amelita Baltar como cantantes, y el mismo Ferrer en el papel de El Duende, recitando.

«María de Buenos Aires» fue una sensación, con un tema instrumental como «Fuga y misterio» que adquirió la condición de clásico porteño. Renovó profundamente la canción argentina, tanto en el tango, como en el folklore y el rock. Emilio del Guercio contó que los integrantes de Almendra, una de las bandas fundadoras del «rock nacional» argentino, fueron en grupo a ver la operita, aún antes de grabar su histórico primer álbum Almendra I.

Con el paso de los años, la operita se convirtió en la obra dramática más puesta en escena del teatro argentino en toda su historia, presentándose en 75 ciudades en 25 países. Ferrer, en 1996, realizó una gira mundial con la operita, dirigida por Gidon Kremer, con las voces de Julia Zenko y Jairo, luego reemplazado por Raúl Lavié.

Ya durante las presentaciones de María de Buenos Aires, Piazzolla y Ferrer comienzan a componer canciones de tango con una estética completamente renovada. Entre ellas, componen en 1969 «Chiquilín de Bachín», a partir de un valsecito infantil compuesto por Piazzola y al que Ferrer le aportó una letra inspirada en los niños de la calle que vendían flores en los restaurantes de la zona de teatros de la avenida Corrientes, a los que los artistas iban luego de las funciones. En este caso, el célebre bodegón Bachín, ya demolido, que se encontraba ubicado en la calle Sarmiento, casi esquina Montevideo.

En el segundo semestre de 1969, Ferrer le lleva a Piazzola una frase: «ya sé que estoy piantao…»:

Así surgió una de las canciones más populares de la música argentina, que además sacudiría los fundamentos de la canción rioplatense. El resultado fue una balada con ritmo de valsecito y dos recitados hechos a la medida de la expresividad de Amelita Baltar, por entonces esposa de Piazzola. El recitado, que ya había aparecido en María de Buenos Aires y que se repetiría en sus creaciones, es una de las grandes innovaciones de Ferrer para sacudir la estructura tradicional de la canción rioplatenese:

El recurso (el recitado) adquiere en su obra una identidad propia y definida, que lo distingue claramente de los recitados que pudieron haber conocido otros tangos anteriores.

La absoluta independencia formal de estos respecto de las partes cantadas es, quizá, su característica más distintiva; las partes recitadas no vienen a repetir en otro tono los versos que se han cantado o están por cantarse; ya ni siquiera se trata de versos.

Por otra parte, la variedad de relaciones que se establecen, a través de las obras, entre parlamentos y áreas cantadas, constituye una veta que el tango anterior no había sabido explotar, por lo general nunca demasiado lejos de los modelos clásicos del tipo ABCB.​

La canción fue estrenada de inmediato en Michelángelo, pero poco después Piazzola, Ferrer y Baltar deciden presentarla para concursar en el Primer Festival Iberoamericano de la Danza y la Canción que se realizó en el Luna Park de Buenos Aires entre del 9 al 14 de octubre de 1969, con un jurado de alto nivel internacional que integraban entre otros Vinicius de Moraes y Chabuca Granda.​

La Balada fue presentada la primera noche y tuvo una excelente acogida por parte del jurado, que la declaró finalista en el rubro «tango».

Pero la decisión del jurado generó una controversia entre los organizadores, muchos de ellos tradicionalistas, que llevó a una modificación de las reglas del festival, desplazando al jurado de músicos por un «jurado popular» que en la final del 14 de octubre declaró ganadora a otra canción.

Pero pese a perder el festival, la canción se instaló en el gusto popular. De inmediato decidieron grabar la canción en un simple, cantada por Roberto Goyeneche y con «Chiquilín de Bachín» como lado B. La Balada… revolucionó la canción popular argentina y los versos de Ferrer pasaron a ser un lugar común de la cultura popular:

Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao, no ves que va la luna rodando por Callao…

El tema se convirtió en un éxito popular inmediato y ha quedado como una de las canciones más famosas de la música latina de todos los tiempos.​

Gracias a la importancia cultural de la canción, en 2012, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires estableció por ley 4179 denominar a la esquina de Corrientes y Callao, como «Esquina Horacio Ferrer», colocándose allí una placa que así lo indica.

Entre las canciones escritas por el dúo Piazzolla-Ferrer en ese momento se encuentran «Balada para mi muerte», «Canción de las venusinas», «La bicicleta blanca», «Juanito Laguna ayuda a su madre» y «Fábula para Gardel», grabadas en el álbum Astor Piazzolla y Horacio Ferrer en persona, lanzado en 1970. En total compusieron juntos más de 40 tangos.

2 de Mayo – Charlie Watts

Charles Robert «Charlie» Watts (nacido el 2 de junio de 1941), es un músico británico y bateria de la banda de rock The Rolling Stones.

Inició su carrera musical tocando con Blues Incorporated en 1961, que abandonó para dedicarse a trabajar. Fue contratado por los Stones en enero de 1963 para sustituir al anterior baterista, Tony Chapman.

Watts fue el último de los cinco miembros permanentes de los Stones en llegar al grupo, el cual se formó pocos meses antes y tuvo varios cambios de formación hasta ese momento.

Desde entonces ha permanecido en el grupo, formando con el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards la asociación más duradera en la historia del rock. ​ Según afirmaciones de Jagger y Richards, es el verdadero líder de la banda.

Watts es un baterista de jazz, pese a que su banda toca esencialmente rock and roll y blues.​ Aunque la totalidad de su carrera la ha pasado con los Stones, en distintas ocasiones ha editado materiales como solista: fundó a finales de la década de los 70s junto a Ian Stewart y Dick Morrissey la banda de boogie-woogie Rocket 88, editó distintos materiales con su quinteto y su orquesta a finales de los 80 y principios de los 90 (uno en homenaje a su ídolo Charlie Parker), y junto a Jim Keltner publicó Charlie Watts/Jim Keltner Project.

1 de junio – Alanis Morissette

Alanis Nadine Morissette (Ottawa, 1 de junio de 1974) es una cantante, compositora, guitarrista, productora y actriz ocasional canadiense nacionalizada estadounidense.

Ha ganado 16 premios Juno y 7 premios Grammy, estuvo nominada para dos Globos de Oro y también preseleccionada para un Óscar.

Su tesitura es la de una mezzosoprano, y se ha posicionado como una de las cantantes de mayores ventas de la historia, debido en gran parte a su tercer álbum Jagged Little Pill, que alcanzó alrededor de 33 millones de copias vendidas en todo el mundo convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos en la historia por una artista femenina y uno de los álbumes más exitosos de todos los tiempos.

El álbum además, fue incluido en la Lista de los 500 Mejores Álbumes de la Historia según la revista Rolling Stone.

A lo largo de su carrera ha sido galardonada con siete Premios Grammy, incluyendo Álbum del año en 1996 y 16 premios Juno.

En el 2002 la ONU le otorgó el premio «Global Tolerance Award» por su «gran labor en promover la tolerancia».

Alanis ha vendido más de 60 millones de discos en todo el mundo.

En 2002 llegó Under Rug Swept, álbum conformado por canciones compuestas y producidas totalmente por Morissette, sin la habitual colaboración de Glen Ballard, quien produjo sus primeros dos álbumes.

Once canciones escogidas por ella misma entre los 30 temas que había escrito (de los cuales 25 llegaron a grabarse), incluyeron los sencillos «Hands Clean», «Precious Illusions», «Flinch y «Surrendering». Contó con las colaboraciones de figuras como Flea (Red Hot Chilli Peppers), Dean DeLeo (Stone Temple Pilots) y Eric Avery (Jane’s Addiction). Me’shell Ndegeocello participó también tocando el bajo en «You owe me nothing in return» y «So unsexy».

El álbum exploró realidades más crudas, con las letras explícitas de las que siempre ha hecho gala la cantante en sus canciones. «Hands clean» debutó en el número 1 del Billboard 200 chart, recibiendo gran protagonismo en las radios de EE. UU. El álbum vendió más de 4 millones de copias, y Morissette obtuvo por él un premio Juno como Productor del año. La gira mundial de presentación del nuevo álbum quedó reflejada en el documental Feast on scraps.

Feast on Scraps salió a la venta en diciembre de 2002 en una edición especial doble compuesta por un CD con canciones inéditas y un DVD con imágenes exclusivas de la gira.

En el primer CD había canciones grabadas pero no incluidas en Under Rug Swept, como «Purgatorying», «Simple Together», Sister Blister» y una versión acústica del éxito «Hands clean». En el segundo CD se encontraban extractos de la gira del álbum Under Rug Swept, incluyendo imágenes de los recitales y el backstage de los mismos. El álbum obtuvo un premio como DVD del año en la entrega de premios Juno.

2004-2006: So-Called Chaos y Jagged Little Pill Acoustic
En 2004 Morissette regresó con un nuevo trabajo bajo el brazo: So-Called Chaos. El mismo reunió 10 canciones con letras menos contestatarias que años atrás y ciertamente más poéticas, si bien gozó de momentos de rock. Se observó también una faceta experimental, desarrollando desde melodías dance hasta influencias de la música hindú. Sus sencillos editados fueron «Everything», «Out Is Through» y «Eight Easy Steps». Debutó en el número 1 del Billboard 200 chart y «Everything» alcanzó los primeros puestos del Adult Top 40. Posteriormente un remix de «Eight easy steps» alcanzaría el top ten del Hot dance music/club play chart.

Para evitar problemas de censura con las radios, los ejecutivos de Maverick Records solicitaron que en la canción de difusión masiva de «Everything» se colocara la palabra «nightmare» (pesadilla) en lugar de «asshole» (estúpido). Sin embargo en el video musical de MTV se podía apreciar la versión original. Ese mismo año Morissette colaboró con la banda de sonido de la película De-Lovely, con la canción «Let’s do it, let’s fall in Love».

Para conmemorar el décimo aniversario del lanzamiento de Jagged little pill, Morissette llevó a cabo una serie de conciertos acústicos reinterpretando los temas de su álbum más exitoso. Con la base del material recolectado en los mismos, se lanzó Jagged Little Pill Acoustic a principios de 2005. Este álbum recreó la totalidad de canciones de su original, esta vez en formato acústico. El sencillo de este álbum fue «Hand in My Pocket» en versión acústica.

Para promocionar el mismo, Morissette salió de gira por teatros pequeños, con la intención de mantener la intimidad y mística del álbum acústico. Simultáneamente, fue galardonada con el honor de ingresar al Walk of fame de Canadá.

Ese mismo año, la productora Disney le solicitó a Morissette que compusiera una canción para la banda de sonido de The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe, a estrenarse a finales de ese año. Morissette accedió, y escribió «Wunderkind», por la que tuvo una candidatura a los premios Globos de Oro, en la categoría Mejor canción.

En noviembre de 2005, Maverick Records y Morissette decidieron lanzar The Collection, un álbum recopilatorio de grandes éxitos, que incluye también algunos nuevos aportes. El mismo fue promocionado con el video de la canción «Crazy», versión del éxito que hiciera famoso Seal a principios de los años 1990. La canción formó parte de la banda sonora de la película The Devil wears Prada, y logró alcanzar los primeros puestos del Adult Top 40.

El álbum incluyó también una selección de sus canciones más reconocidas, como «Ironic», «You oughta know» o «Hand in my pocket». También se pueden encontrar las canciones pertenecientes a bandas sonoras como «Uninvited» (City of Angels), «Still» (Dogma) y «Let’s do it, let’s fall in Love» (De-Lovely). Como dato extra incluyó un videoclip inédito, de la canción «King of intimidation», del álbum Supposed former infatuation junkie, que no vio la luz en aquellos días, pero se pudo ver parcialmente en este álbum.

En septiembre de 2007 Alanis declaró en una entrevista haber escrito 25 nuevas canciones, de las cuales habría seleccionado 11, con el objetivo de lanzar un nuevo álbum: Flavors of Entanglement.

El mismo fue lanzado al mercado a mediados de 2008, y contó con dos ediciones: la estándar, que contenía once canciones, y la de lujo, que contaba con un CD adicional con cinco canciones más. Las fechas exactas del lanzamiento fueron: 30 de mayo en Alemania, 2 de junio internacionalmente, 4 de junio en Japón y 10 de junio en Estados Unidos.

La primera canción filtrada fue «Underneath», en el festival de cine Elevate Festival en septiembre de 2007. El segundo tema filtrado fue un clip de «Not as We» en la serie House M. D., que duraba alrededor de un minuto. Pero no fue hasta fines de mayo cuando se filtró la canción completa al igual que todo el álbum, a días de su lanzamiento oficial.

Tras el lanzamiento Alanis comenzó la gira promocional del mismo, partiendo desde Europa y continuando por Estados Unidos y Sudamérica. Previamente, entre los meses de enero y marzo de 2008, formó parte de la gira de Matchbox 20, que comenzó en Hollywood y finalizó en Las Vegas.

En referencia a los sencillos del álbum, el primero resultó ser «Underneath». El segundo tuvo dos versiones diferentes: para Europa fue «In Praise of the Vulnerable Man», y para EE. UU. fue «Not as we», incluyendo este último un video musical.

Flavors of Entanglement fue premiado como el mejor álbum pop de 2009 en los premios Juno, el equivalente canadiense a los Grammys.

El 22 de mayo de 2011, Alanis publicó una nueva canción en su cuenta de SoundCloud, titulada «Into a King»,19​ la canción fue publicada con motivo de celebración del primer año de matrimonio con Mario Treadway, la canción fue producida por Alanis y Guy Sigsworth.

El 20 de noviembre de 2011, Morissette apareció en la entrega de los American Music Awards. Cuando se le preguntó acerca de la posibilidad de un nuevo álbum, dijo que había grabado un promedio de trece canciones, y que el álbum probablemente se lanzaría un año después.

El 2 de mayo de 2012, Morissette reveló a través de su cuenta de Facebook que su octavo álbum de estudio, titulado Havoc and Bright Lights, sería publicado en agosto de ese mismo año por el sello «Collective Sounds».21​ El mismo día, Billboard especificó que la fecha de lanzamiento sería el 28 de agosto y reveló que constaría de doce canciones.

El sencillo principal del disco, «Guardian», fue lanzado en iTunes el 15 de mayo de 2012, y logró radiodifusión cuatro días antes.22​ El sencillo no obtuvo mucha repercusión en Norteamérica, quedando afuera del top 40 en Canadá. Sin embargo, en algunos países de Europa fue bien recibido.

A mediados de 2017, comenzó a trabajar en su próximo material de estudio. En agosto de 2017, en el podcast de Anna Faris Unqualified, Morissette reveló el nombre de una nueva canción llamada «Reckoning».​

A principios de octubre de 2017, en su propio podcast, detalló una nueva canción llamada «Diagnosis», en la que describe la depresión posparto.​ Más tarde, en un concierto tributo a Linkin Park en honor a Chester Bennington, fue invitada a interpretar «Castle of Glass» y una nueva canción suya llamada «Rest».​ En marzo de 2018, hizo una vista previa de otra nueva canción del álbum llamada «Ablaze», dedicada a sus hijos.

En agosto de 2019, reveló que estaba trabajando con Alex Hope y Catherine Marks en su próximo álbum aún sin título. Meses después confirmó oficialmente el álbum Such Pretty Forks in the Road en diciembre de 2019, a su vez estrenó «Reasons I Drink» y la canción «Smiling» durante una presentación en el Teatro Apollo de la ciudad de Nueva York el 2 de diciembre.

A principios de 2020, aparece en el álbum Manic de Halsey con el tema «Alanis ‘Interlude».​ El 5 de febrero de 2020, reveló que su próximo álbum fue mezclado por Chris Dugan .

El 16 de abril de 2020, Morissette anunció que el álbum sería pospuesto para una fecha posterior debido a la pandemia de COVID-19.​ También confirmó que el tercer sencillo del álbum sería «Diagnosis».

1 de junio – Ron Wood

Ronald David «Ronnie» Wood (Hillingdon, Middlesex, Inglaterra, 1 de junio de 1947) es un músico de rock británico conocido principalmente por ser uno de los miembros de The Rolling Stones desde 1975, y exmiembro de Faces, The Jeff Beck Group y The Birds.

A diferencia de Mick Jagger, hijo de la clase media acomodada, Wood creció en una familia de «gitanos del agua», criado durante los años de la posguerra resultante de la II Guerra Mundial.

La familia Wood al completo cantaba temas populares con sus amigos, aporreando pianos y armónicas como acompañamiento.

En su casa se celebraban a menudo fiestas que montaban sus hermanos (también músicos, seguidores del jazz y del blues) y Wood no se perdía ninguna, aumentando así su afán por la música.

Sus hermanos le regalaron su primera guitarra, una española, con la que fue aprendiendo y progresando, hasta que posteriormente se unió a The Birds.

Wood empezó pintando rótulos para anuncios publicitarios y siguió practicando la pintura, hasta convertirse en un gran pintor aficionado.

Empezó su carrera en 1964 con The Birds (no confundir con el grupo estadounidense The Byrds). A continuación se uniría por un corto periodo de tiempo al grupo Mod The Creation.

En 1967 ingresa como bajista en The Jeff Beck Group junto con el cantante Rod Stewart. Ambos se separarían más tarde de este grupo. Tras dejar el Jeff Beck Group, Ron Wood y Rod Stewart se unieron a The Small Faces, que pronto acortaría su nombre a The Faces, consiguiendo un gran éxito en el Reino Unido.

En 1975, al separarse The Faces, Wood pasa a formar parte de The Rolling Stones, remplazando a Mick Taylor. Taylor aportaba a los Stones una técnica depurada y un sonido claro, mientras que Ron Wood les dio un sonido agresivo, impulsivo, lleno de expresividad, sombrío en ocasiones, dulcemente melódico en otras y con él en la banda volvió la «forma antigua de tejer», que es una combinación en la que no se establece una guitarra exclusivamente rítmica y otra líder, sino que dos guitarras zigzagueantes tejen una compleja trama, llena del embrujo Stone.

Cuando Mick Taylor dejó el grupo, para ocupar su lugar, entre otros nombres se barajaron los de Eric Clapton, Jeff Beck, Ronnie Wood o Rory Gallagher.

Aunque Ronnie quizás no fuera el mejor guitarrista de todos ellos, no sólo bastaba con saber tocar la guitarra: era primordial saber convivir con los Stones, y esa fue una de las razones por las que Ronnie se convirtió en miembro de la banda; sin olvidar su espectacular forma de tocar, su capacidad de encajar en el grupo musicalmente, y por último, el ser inglés; circunstancia ésta que también tuvo bastante que ver en su aceptación.

En una de las pausas entre las giras de los Stones, Ronnie formó los New Barbarians, una mezcla de grandes músicos, entre los que también figuraba Keith Richards, amigo y compañero de los Stones, en compañía de otros músicos selectos.

El grupo era básicamente un entretenimiento para pasar el verano y disfrutar interpretando música, haciendo ostentación en sus desplazamientos de grandes limusinas de lujo.

En la actualidad, Wood sigue activo junto a The Rolling Stones. Durante su carrera, también ha grabado varios discos como solista y ha colaborado con muchos artistas en sus respectivos álbumes (en 2009 participó en la grabación de Slash & Friends, el disco en solitario de su amigo Slash).

También se dedica a la pintura, haciendo retratos de personas tales como Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Eric Clapton y Jimi Hendrix entre otros. Suele hacer exposiciones itinerantes que coinciden con las actuaciones de los Stones en distintas ciudades.

El 28 de septiembre de 2010 sacó a la venta su noveno álbum de estudio en solitario titulado «I Feel Like Playing», el primero desde «Not for Beginners» en 2001, con colaboraciones de lujo como Slash, Flea, Billy Gibbons, Kris Kristofferson, Eddie Vedder, Bernard Fowler, Daryl Jones y Jim Keltner.

El 18 de diciembre de 2014 canto con la banda One Direction interpretando ‘Where Do Broken Hearts Go’ en la final del programa The X Factor UK.

1 de junio – Pat Boone

Charles Eugene «Pat» Boone (Jacksonville, Florida, 1 de junio de 1934) es un cantante, compositor y actor estadounidense, uno de los más célebres cantantes pop de los años 1950 y comienzos de los 60.

Entre sus éxitos se encuentran versiones de canciones hechas por cantantes negros de R & B (cuando existía la segregación racial). Vendió más de 45 millones de álbumes, tuvo 38 éxitos Top 40 y ha aparecido en más de 12 películas de Hollywood.

Su talento como cantante y actor, junto con su defensa de las tradiciones y valores estadounidenses, contribuyó a su popularidad en los primeros años del rock and roll.

De acuerdo con Billboard, Boone fue el segundo más grande artista en las listas de popularidad de finales de los años 50’s, sólo por detrás de Elvis Presley, pero por delante de Ricky Nelson y de The Platters, y se situó en el no. 9 -detrás de The Rolling Stones y Paul McCartney, pero por delante de artistas como Aretha Franklin y The Beach Boys -en su lista de los Top 100 Artistas Top 40 1955-1995.

Boone aún mantiene la marca de 220 semanas consecutivas en las listas de éxitos con una o más canciones cada semana.

A la edad de veintitrés años, él comenzó a presentar un programa de media hora en la serie de televisión ABC, «El Pat Boone Chevy Showroom», que se transmitió durante 115 episodios (1957-1960).

Muchos artistas musicales, incluyendo a Eddie Adams, Andy Williams, Pearl Bailey y Johnny Mathis hicieron apariciones en el show.

Sus versiones de éxitos de rhythm and blues tuvieron un efecto notable en el desarrollo de la gran popularidad del rock and roll.

Durante sus giras en la década de 1950 se encontró con Elvis Presley en uno de los actos de apertura.

Como escritor, Boone tuvo un No. 1 best-seller en la década de 1950 (Twixt doce y veinte, Prentice-Hall).

En la década de 1960, se centró en la música gospel y es miembro del Salón de la Fama de Música Gospel. Sigue actuando y también dedicado a hablar como un orador motivacional, como personalidad de televisión, y un conservador comentarista político.

31 de Mayo – Mariana Baraj

Mariana Paula Baraj (Buenos Aires, 31 de mayo de 1970) es una cantante, percusionista y compositora argentina.

Mariana Baraj fue influenciada por la música jazz que escuchaba en su casa. Sus estudios formales comenzaron con Horacio López. Baraj tiene ascendencia judía-rusa y rumana.

De 1990 al 2000 formó parte ―junto a su hermano Marcelo Baraj― del Bernardo Baraj Quinteto, el grupo de jazz de su padre, el saxofonista Bernardo Baraj. Con ellos grabó tres discos en lo que fue su primer grupo con carácter profesional.

Formó parte ―como miembro estable― de grupos como el Bernardo Baraj Quinteto (de jazz), Man Ray (rock), Catupecu Machu (rock), Liliana Herrero (música folclórica argentina), Teresa Parodi (música folclórica argentina), Marián Farías Gómez (música latinoamericana) y el Pepi Taveira Sexteto (de jazz), entre otros.

En 2001 grabó su álbum debut: Lumbre. Desde 2003 salió de gira como solista en países como Alemania, Brasil, Chile, Corea, España, Estados Unidos, Israel, México, Palestina, Senegal, Uruguay y Japón.

Por momentos, Anna Sato, una cantante de allá [Japón] con la que compartimos un recital, parecía una coplera, y yo una japonesa. Ganadora del Premio Clarín 2005, en el rubro «Revelación de folklore».

Desde 2005 trabaja en colaboración con el diseñador argentino Martín Churba para su marca Tramando, en Argentina y Japón. Churba, además, está a cargo del vestuario de los shows y dirección de arte de los últimos discos.

Ganadora del Premio Gardel a la música 2011, en el rubro «Mejor artista femenina de folklore».

Desde el año 2008 dirigió junto a su hermano Marcelo Baraj primero el taller de Canto y Percusión, y después el taller Cantaloop.

En 2008, en la ciudad de México DF, participó en la grabación del álbum MTV Unplugged de la cantautora mexicana Julieta Venegas.​ producido por el violonchelista brasileño Jaques Morelenbaum.

En 2008 participó en el programa Rolex «The mentor and the protege» junto al artista africano Youssou N’Dour.

Trabaja con la familia de Mario Paz, artesanos de la ciudad de Santiago del Estero (Argentina), representando sus bombos legüeros y cajas.

Ha sido reiteradamente nominada a los Premios Gardel y obtuvo el Premio Clarín 2005 en el rubro Revelación de Folklore, cuando editó su segundo disco, Deslumbre. En 2008 fue convocada para el MTV Unplugged de la mexicana Julieta Venegas.

En 2010 fue seleccionada para viajar a Senegal para hacer una gira con el senegalés Youssou N’Dour.

Su cuarto trabajo, Churita contiene por primera vez música original, compuesta, arreglada y dirigida en su totalidad por Mariana.4​ Autogestionó la completa producción del álbum. ​ Hizo gira con los temas de Churita, por varias ciudades de Europa, Estados Unidos, América Latina, Asia y África.

En 2011, Mariana Baraj ganó un premio Carlos Gardel (2011) como «mejor álbum de artista femenina de folclor» por su álbum Churita.​ Había sido nominada junto con Mercedes Sosa y Soledad Pastorutti.

En Nadie contó con la colaboración de Fernando Ruiz Díaz (de Catupecu Machu).​ Con Deslumbre Mariana ganó el Premio Clarín como «revelación de folclore».​ Protagonizó, junto a la coplera salteña Julia Vilte, el documental Esta cajita que toco tiene boca y sabe hablar, dirigida por Lorena García. En 2013 grabó su quinto álbum, Sangre buena.

En mi disco anterior había un sonido más acústico y ahora hay una búsqueda más eléctrica, sostenida por una orquestación y por la clase de instrumentos elegidos.

Como invitados tuvo a Fito Páez (teclados y voz), el Chaqueño Palavecino (voz), Daniel Villa (violín), Carlos Ibáñez (guitarra), Aldana Bello (charango), Juan Cruz de Urquiza (trompeta), Juan Canosa (trombón) y Bernardo Baraj (saxo).

31 de Mayo – John Bonham

John Henry «Bonzo» Bonham (Redditch, 31 de mayo de 1948-Clewer, 25 de septiembre de 1980), fue el baterista del grupo de rock Led Zeppelin.

Es considerado uno de los mejores bateristas de rock de toda la historia, ya que cambió el enfoque que se tenía del instrumento.

Creó un estilo que consistía en una pegada más dura y con menos adornos, mucho más alejado del jazz y del blues (estilos predominantes en los bateristas de rock/pop de la época), influyendo poderosamente a todas las generaciones posteriores de baterías de rock, incluyendo al heavy metal.

La revista musical Gigwise incluyó a Bonham en la primera posición en su Lista de los 50 mejores bateristas de la historia.

Empezó a tocar la batería a los cinco años; tuvo su primer equipamiento rítmico a la edad de catorce años, un kit Premier.

En 1964, Bonham formó su primera banda, Terry Webb and the Spiders. También tocaba para bandas locales, como The Blue Star Trio y The Senators. Fue en esta época cuando Bonham decide dedicarse a la música profesionalmente.

Se une a varias bandas de poco éxito, incluyendo la banda de blues Crawling King Snakes, cuyo cantante era Robert Plant. Durante ese período, Bonham se gana la reputación de ser el baterista más ruidoso de toda Inglaterra.

En una ocasión le pidieron que se fuera del Birmingham Studio porque tocaba demasiado fuerte como para ser soportado por el dueño, que incluso le dijo que no había futuro para un baterista como él.

Diez años después, el dueño del estudio recibió una nota en la cual se leía «’Thanks for the career advice…» («Gracias por el consejo profesional…»), acompañada de un disco de oro de Led Zeppelin.

Bonham siguió formando parte, junto a Robert Plant, de bandas poco exitosas hasta que Tim Rose lo invita formalmente a ser el baterista de gira de su banda.

Jimmy Page, que a la postre sería guitarra de Led Zeppelin, quería formar una nueva banda tras la separación de The Yardbirds.

Con el bajista John Paul Jones ya reclutado, su primera opción como cantante era Terry Reid. Sin embargo, Reid estaba trabajando con Mickie Most, y sugirió a Robert Plant, que a su vez sugirió como batería a Bonham.

Después de ver a Bonham tocar para Tim Rose en Hampstead (Londres) en julio de 1968, Page y Peter Grant (representante del grupo) se convencieron de que era el indicado.

Durante la primera gira de Led Zeppelin en EE. UU. (diciembre de 1968), Bonham se hizo amigo de Carmine Appice, baterista de Vanilla Fudge, quien le dio a conocer las baterías Ludwig, marca que usó desde entonces, y con la que firmaría un contrato de representación por el resto de su carrera. Bonham usaba también las baquetas más largas y pesadas del mercado, a las que se refería como «árboles».

Su revolucionario estilo está presente en todas las composiciones de Led Zeppelin, pero son temas como «Immigrant Song» (Led Zeppelin III), «When the Levee Breaks» (Led Zeppelin IV), «The Ocean» (Houses of the Holy), y «Achilles Last Stand» (Presence) los que marcaron el estilo de la banda.

El grupo lo reconoce como el creador de la figura rítmica del riff de «Kashmir» y del de «Out On the Tiles». La grabación en estudio de «Misty Mountain Hop» captura perfectamente su excelente dominio de esas dinámicas.

Su trabajo en los parches ha influido en casi todo baterista de hard rock/heavy metal.

El estilo de Bonham estaba marcado por un beat muy rítmico acompañado con mucho feel, breaks explosivos y un uso único de figuras rítmicas invertidas, ejecutadas muy seguidas entre el bombo y la caja.

Todo esto, combinado con su ataque escarpado, hizo a Bonham inmediatamente reconocible para el oyente.

Sus solos de batería, primero «Pat’s Delight» luego llamado «Moby Dick» y «Over the Top», duraban cerca de media hora, llegado a tocar sin baquetas para lograr nuevos efectos sonoros.

En las giras de Led Zeppelin posteriores a 1969 expandió su kit, incluyendo congas, timbales sinfónicos y gongs sinfónicos.

Bonham también es reconocido como el primer baterista que usó timbales sintetizados electrónicamente, que estrenó durante la presentación de la canción «Kashmir» en Dallas, Texas, en 1977.

En 1974, Bonham apareció en la película de Ringo Starr Son of Dracula, tocando la batería en la Count Downe’s (Harry Nilsson) backing band.

Bonham formó parte de una multitudinaria banda de percusión, que incluía entre otros a Keith Moon (batería de The Who) y a Starr (de los Beatles).

También era coleccionista de automóviles deportivos antiguos y motocicletas, que conservaba en la granja de su familia, llamada The Old Hyde.

Bonham también grabó para otros artistas. En 1970, tocó para Lord Sutch en su álbum Lord Sutch and Heavy Friends. También grabó para su amigo Roy Wood, en el álbum On the road again (1979).

Posteriormente volvería a los escenarios, pero esta vez junto a la banda de Paul McCartney: Wings en su álbum Back to the Egg para el tema «Rockestra Theme».

John Bonham murió en la mansión de Jimmy Page en Clewer, Windsor, el 25 de septiembre de 1980 por aspiración de vómito. Tenía 32 años de edad.

Después de su muerte se especuló sobre una posible sustitución para reemplazarle en Led Zeppelin, pero finalmente los integrantes del grupo decidieron que era irreemplazable y que, por tanto, el grupo no podía seguir existiendo.

El grupo en 2007 volvió a tocar en un concierto en Londres para rendirle homenaje, tocando en la batería su hijo Jason Bonham, quien aprendió a tocar con su padre desde que era niño.

30 de Mayo – Marie Fredriksson

Gun-Marie Fredriksson (Össjö, 30 de mayo de 1958-Djursholm, 9 de diciembre de 2019),​ conocida artísticamente como Marie Fredriksson, fue una cantante y compositora sueca que alcanzó fama a nivel internacional por ser la voz femenina del dúo de pop Roxette, junto a Per Gessle.

Desde temprana edad tuvo relación con la música. En su juventud, formó dos bandas: Strul y Mamas Barn, sin embargo el reconocimiento en su país llegaría después, cuando se dedicó por completo a su carrera solista.

Su primer álbum Het Vind fue un gran éxito en 1984. Posteriormente Den Sjunde Vågen la consagró como una artista de renombre en Suecia. En 1986 comenzó su trabajo en Roxette, pero no del todo segura del éxito de este proyecto internacional, decidió seguir con su carrera solista y en 1987 editó su tercer álbum, Efter Stormen. Sin embargo, Roxette comenzaba a tomar forma. En 1989 el sencillo «Sparvöga» representó el último éxito como solista de la década de los 80. Esta balada fue un gran éxito en Suecia, pero Marie no tenía tiempo para un nuevo álbum, ya que el éxito de Roxette y las giras internacionales no le permitieron centrarse en su carrera en solitario, hasta que en 1992 regresó con el álbum Den Standiga Resan, que vendió más que cualquier otro álbum de Marie. Una gira por Suecia la llevó al reencuentro con sus más fieles seguidores.

Ya más acostumbrada a las agendas de Roxette y a lo que significaba ser parte de un grupo internacional, Marie regresó en distintas ocasiones y cada varios años. En 1996 I En Tid Som Vår nuevamente logró buenas ventas y tres sencillos del álbum mantienen su carrera en la cima.

El álbum Äntligen – Bästa 1984-2000, editado en 2000, recopiló los mejores éxitos de Marie. Incluye además dos nuevas canciones: «Det Som Var Nu», una balada cantada a dúo con Patrik Isaksson y el tema que da nombre al álbum, «Äntligen», inició una nueva gira por Suecia y el éxito llevó a más de cien mil personas a asistir a sus conciertos. Aquel recopilatorio de grandes éxitos vendió más de trescientos mil discos en Suecia.

En 2002, apareció en el mercado una caja que incluía los cinco álbumes de estudio de Marie grabados entre 1984 y 1996 más un álbum con sus mejores canciones en vivo de la reciente gira Äntligen 2000.

En septiembre de ese mismo año, Marie iba a embarcarse junto a su compañero Per Gessle en una serie de conciertos sinfónicos, pero un acontecimiento hizo que este y muchos planes cambiasen de rumbo. Horas antes de conceder una conferencia de prensa, Marie Fredriksson se desmayó en su hogar y fue hospitalizada. Al día siguiente, después de una serie de estudios, se le diagnosticó un tumor cerebral, la noticia conmocionó no sólo a sus seguidores, sino también al mundo de la música.

Semanas más tarde, Marie fue intervenida quirúrgicamente y el tumor fue extirpado por completo. Si bien la operación fue un éxito, la exitosa cantante fue sometida a un estricto tratamiento con el fin de evitar otras nuevas formaciones de cáncer. Como secuela de dicha operación, Marie perdió la capacidad para leer y cantar, teniendo que aprender de nuevo. Durante casi dos años permaneció lejos de la escena musical, dedicándose por completo a su familia y recibiendo el tratamiento. A lo largo de ese lapso, escribió y grabó un álbum (The Change) que refleja todos esos momentos vividos.

The Change marcó el regreso de Marie, pero esta vez en inglés, debutando así en el mercado internacional. El álbum refleja los tristes episodios en su vida desde que le fue detectado un tumor en 2002 y se vio obligada a alejarse del mundo de la música por varios años. El álbum se editó en Suecia y varios países de Europa en 2004.

Min Bäste Vän salió al mercado en 2006 editado por EMI Svenska. Es una recopilación de covers de los temas folk suecos de los años 70 favoritos de Marie.

En 2007, Marie volvió a la escena musical, interpretando cuatro canciones en el álbum debut de su esposo, Mikael Bolyos, A Family Affair. En dicho álbum se incluye finalmente la canción «Hometown», que originalmente fue grabada en 1996 para la banda sonora de la película sueca Such is life. Por razones desconocidas, dicha banda sonora nunca salió a la venta.

El 28 de noviembre de 2007 se editó una nueva compilación titulada Tid för tystnad, en la que se incluyeron sus mejores baladas, más dos nuevas canciones, «Ordet är farväl» y «Ett bord i solen», que es la versión en sueco de su tema «A Table in the Sun», incluidos en el disco The Change de 2004. El 8 de julio de 2008 el disco fue editado por EMI-Odeón Argentina.

La vuelta de Roxette se produjo en enero de 2011, con el sencillo «She’s Got Nothing On (But The Radio)», que forma parte del álbum Charm School. Disco con el cual comenzaron una nueva gira mundial que los llevó por los cinco continentes y que duró hasta 2012. Ese mismo año lanzaron Travelling, un disco en el que se meclaron canciones en vivo y de estudio.

A fines de 2012 editaron un CD-DVD llamado Travelling The World, el cual contiene el audio del concierto del dúo en Santiago de Chile y el DVD con presentaciones alrededor del mundo del mismo año.

No obstante, el 19 de abril de 2016, se anunció la cancelación de la gira mundial por el 30 aniversario del dúo debido a los problemas de salud de la cantante, a la que sus médicos aconsejaron que se abstuviera de viajar. Sin embargo, se lanzó el décimo disco de la banda llamado Good Karma, del cual se desprendió el sencillo «It Just Happens».

Marie falleció el 9 de diciembre de 2019 tras un largo tratamiento contra un tumor cerebral en su residencia en Djursholm, Provincia de Estocolmo, a los 61 años.​ La noticia fue confirmada por la gerente de prensa de la banda, Marie Dimberg, en un comunicado.

30 de Mayo – Benny Goodman

Benjamin David Goodman (Chicago, 30 de mayo de 1909 – Nueva York, 13 de junio de 1986), conocido como Benny Goodman, fue un clarinetista y director de orquesta estadounidense de jazz.

Conocido como El rey del swing, es, junto con Glenn Miller y Count Basie, el representante más popular de este estilo jazzístico e iniciador de la llamada era del swing. Una de sus interpretaciones más famosas es la de «Sing, sing, sing (with a swing)», empleada en múltiples bandas sonoras y obras de teatro y musicales.

Goodman, noveno de doce hermanos e hijo de emigrantes judíos procedentes de Polonia, nació en Chicago, donde vivían en el barrio Maxwell Street. Su padre, David Goodman, era sastre procedente de Varsovia, su madre Dora Rezinski, era de Kaunas.

Sus padres se conocieron en Baltimore, Maryland y se trasladaron a Chicago antes de que naciera Benny.

Comenzó a tocar el clarinete a la edad de diez años en la sinagoga, tras lo que se unió a una banda local. Hizo su debut profesional a los doce años y abandonó la escuela a los catorce para hacerse músico profesional.

A los 16 años, en agosto de 1925, se unió a la banda de Ben Pollack, con la que hizo sus primeras grabaciones en diciembre de 1926.

Sus primeras grabaciones bajo su propio nombre las realizó en enero de 1928. A los 20 años, en septiembre de 1929, abandonó a Pollack para dirigirse a Nueva York donde trabajó como músico independiente, trabajando en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en las orquestas de los musicales de Broadway.

Hizo también grabaciones bajo su propio nombre con orquestas alquiladas, alcanzando grandes éxitos con «He’s Not Worth Your Tears» (cantada por Scrappy Lambert) en Melotone Records en enero de 1931.

¿Firmó con Columbia Records en el invierno de 1934 y alcanzó el top ten a comienzos de 1934 con “Ain’t Cha Glad?» (cantada por Jack Teagarden), «Riffin’ the Scotch» (cantada por Billie Holiday) y «Ol’ Pappy» (cantada por Mildred Bailey), y en primavera con «I Ain’t Lazy, I’m Just Dreamin'» (cantada por Jack Teagarden).

Todos estos éxitos y un ofrecimiento que se le hizo para actuar en el Billy Rose’s Music Hall inspiraron a Goodman para organizar una orquesta permanente; su primer concierto se produciría el 1 de junio de 1934.

Su grabación instrumental de «Moon Glow» alcanzó el primer lugar en julio y consiguió dos éxitos más con los temas instrumentales «Take My Word» y «Bugle Call Rag». Tras unos meses en el Music Hall, firmó por el programa radiofónico Saturday night Let’s Dance de la NBC, tocando la última hora de las tres que duraba el espectáculo.

Durante los seis meses que estuvo en el programa, consiguió seis éxitos más con Columbia, y otros cinco más con RCA Victor, su siguiente compañía.

Tras dejar el programa de radio, Goodman emprendió una gira nacional en el verano de 1935. No fue especialmente exitosa hasta que llegó a la Costa Oeste, debido a que sus actuaciones en el programa de radio habían podido ser oídas a una hora más temprana que en la Costa Este.

Su actuación en el Palomar Ballroom cerca de Los Ángeles el 21 de agosto de 1935 fue un éxito espectacular, recordado como el comienzo de la era del swing. Se trasladó durante seis meses a vivir al Congress Hotel en Chicago, empezando en noviembre.

En 1936 compuso 15 éxitos, entre los que estaban «It’s Been So Long», «Goody-Goody», «The Glory of Love», «These Foolish Things Remind Me of You» y «You Turned the Tables on Me» (todos cantados por Helen Ward). Se convirtió en el protagonista de la serie radiofónica The Camel Caravan, que duró hasta finales de 1939.

En octubre de 1936 la orquesta hizo su debut cinematográfico en la película The Big Broadcast de 1937. El mismo mes, Goodman empezó a vivir en el Pennsylvania Hotel en Nueva York.

El siguiente gran éxito de Goodman en febrero de 1937 lo consiguió con la participación como cantante de Ella Fitzgerald y como trompetista de Harry James.

Fue el primero de seis grandes éxitos durante esos años, entre los que estaban «This Year’s Kisses» (cantado por Margaret McCrae). En diciembre, la orquesta apareció en otra película, Hollywood Hotel.

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