Category Archives: Efemérides musicales

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15 de febrero – Melissa Manchester

Nació en 1951 la cantante, compositora y actriz neoyorquina Melissa Manchester que, a comienzos de los años setenta, grabó una serie de álbumes de éxito interpretando muchas de sus propias canciones.

Desde entonces, esta magnífica cantautora, a la que sólo le faltó algo de suerte, un álbum redondo y un poco de consecuencia en su carrera para estar considerada a la altura de contemporáneas como Carly Simon o Carole King, ha alternado los estudios de grabación con el cine, además de componer música para musicales y TV.

Nacida en el Bronx neoyorquino en una familia de origen judío, su padre era fagotista en la New York Metropolitan Opera. Su madre fue una de las primeras figurinistas, en fundar su propia empresa, Ruth Manchester Ltd. Melissa comenzó su carrera musical muy pronto, aprendiendo piano y clavicordio en la Manhattan School of Music and Arts y a los 15 años ya era contratada para cantar jingles.

Firmó contrato como compositora para Chappell Music mientras terminaba sus estudios en la High School of Peforming Arts y a continuación estudió composición de canciones en la Universidad de Nueva York con Paul Simon de profesor. Melissa comenzó a actuar en pequeños clubes de Manhattan, donde fue descubierta por Barry Manilow y Bette Midler, quien la contrató en 1971 para su coro de acompañamiento, las Harlettes.

Dos años después graba su álbum debut, ‘Home To Myself’ (1973), en el que fue autora de todos los temas, la mayoría de ellos, con letra de su amiga Carole Bayer Sager (futura sra Bacharach), como ‘Easy’ o ‘Pick up the good stuff’. En 1974, con ‘Bright Eyes’, siguió la misma fórmula, esta vez con Adrienne Anderson como letrista, aunque los mejores temas del álbum, ‘Inclined’, ‘He’s the one’ y ‘Heaven’,  tienen como única autora a Manchester.

Aunque ambos álbumes lograron entrar en las listas, sus posiciones en ellas fueron más que discretas hasta la aparición de su tercer álbum, ‘Melissa’ (1975), que contenía su primer Top10, ‘Midnight blue’ -de nuevo con Sager como letrista- que alcanzó el puesto nº6 de las listas Billboard. El álbum fue disco de oro y su mayor éxito en las listas.

Continuó grabando álbumes como ‘Better Days & Happy Endings’ (1976) y ‘Help Is On the Way’ (1977) en los que seguía demostrando su talento como compositora y cantante con temas como ‘Come in from the rain’, ‘Just you and I’, ‘Better days’ y ‘Talking to myself’

Tras un álbum apresurado que contenía versiones, ‘Singing’ (1977) publicó ‘Don’t cry out loud’, cuyo single homónimo era una versión de un tema de The Moments, publicado ese mismo año. Fue su segundo Top10.

En 1978 compuso con Kenny Loggins el tema ‘Whenever I call you friend’, que Loggins grabó junto a Stevie Nicks y que Melissa recuperó en su álbum de 1979, ‘Melissa Manchester’.

Siguieron los álbumes ‘For the Working Girl’ (1980) y ‘Hey Ricky’ en 1982. Este último incluía su mayor éxito comercial, ‘You should hear how she talks about you’, tema por el que recibió un premio Grammy en 1983. Madonna seguro que tomó buena nota de ello para su ‘Material girl’, publicado dos años después.

A continuación, Melissa publicó una serie de álbumes de dance-pop alejados de su estilo inicial, que poco a poco la fueron apartando de las listas. Su último Top10 en las listas lo obtuvo en 1989 con una versión del hit de Dionne Warwick ‘Walk on by’.

Alternó su trabajo como cantante con el de actriz, apareciendo con Bette Midler en el film ‘For the boys’ y en series de TV como ‘Blossom’.  En 1995 publicó ‘If My Heart Had Wings’, en el que regresaba a su estilo anterior, aunque su contenido consistía principalmente en versiones de otros autores.

Tras publicar varios recopilatorios y álbumes con canciones navideñas como ‘Joy’ y ‘Colors of Christmas’, en 2004 publicó un nuevo trabajo con canciones originales, ‘When I look down that road’, saludado por la crítica como el esperado retorno de una gran cantautora.

En 2007 grabó un dueto de ‘You’ve got a friend’ con Barry Manilow para su álbum ‘The greatest songs of the seventies’, y en 2008 publicó un nuevo single, ‘The Power of Ribbons’, cuyos beneficios se donaron a la investigación para la prevención del cáncer de pecho. En febrero de 2015 publicó su álbum más reciente: ‘You Gotta Love the Life’.

13 de Febrero – Robbie Williams

Robert Peter Williams (Stoke-on-Trent, Staffordshire, Inglaterra, 13 de febrero de 1974), más conocido como Robbie Williams, es un cantante, compositor y actor británico de pop rock.

Empezó su carrera musical en el grupo Take That.1​ Tras su paso por este grupo, a principios y mediados de los 90′, se forjó una carrera como solista, siendo “Angels”, una balada, la canción que le dio su primer éxito.

Su primer álbum fue Life Thru A Lens. Su siguiente álbum, I’ve Been Expecting You, lanzado en octubre de 1998, contiene el tema “No Regrets”, dedicado a sus antiguos compañeros de Take That. Al año siguiente lanza The Ego Has Landed en el mercado norteamericano y poco después grabó Sing When You’re Winning, que contenía Rock DJ, éxito en varios países.

En 2001 divulgó el álbum Swing When You’re Winning con las recreaciones de éxitos de Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford, Sammy Davis Jr incluido el éxito “Something Stupid” grabado a dúo con la australiana Nicole Kidman.

Un año después grabó Escapology, su álbum más laureado y número 1 en varios países, que incluye unos de sus temas más conocidos “Feel” y “Come Undone”.

En el 2003 Robbie Williams lanzó Live at Knebworth en 2003, grabado en directo donde batió dos Récord Guinness.

En 2004, fue incluido en el Salón de la Fama de Música del Reino Unido después de haber sido votado como el artista más grande de la década de los 90.

Al año siguiente reaparece a la escena musical con un recopilatorio, (Greatest Hits). En 2005 presenta Intensive Care, siendo su álbum de estudio más vendido con 7,5 millones de copias en todo el mundo.

En 2006 lanza Rudebox. En noviembre de 2009 regresó, tras un largo parón, con Reality Killed The Video Star para volver a liderar en ventas en Europa. Un año después, en el 2010, regresa durante un año a Take That, lo cual crea una gran expectación.

Las ventas del artista en todo el mundo alcanzan los 70 millones de álbumes, lo que le sitúa entre los artistas más vendidos en todo el mundo, ​ y unos 15 millones de sencillos.

Cuenta con varios galardones, entre ellos 18 premios Brit, 2 Premios Grammy, 3 Ivor Novello, 5 MTV Europe Music Awards, 3 Récord Guiness, entre otros.

13 de febrero – Peter Gabriel

Peter Brian Gabriel (Chobham, Surrey, Reino Unido, 13 de febrero de 1950), más conocido como Peter Gabriel, es un cantautor y compositor de rock británico.

Fue el vocalista principal y flautista de la banda de rock progresivo Genesis. Fundó este grupo con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips y Mike Rutherford cuando estudiaba en la escuela secundaria Charterhouse.

Tras abandonar Genesis, comenzó una exitosa carrera como solista y más adelante, dirigió sus esfuerzos en la producción y promoción de «World of Music» (WOMAD) así como en desarrollar la distribución de música por métodos digitales. Se ha involucrado en varios esfuerzos humanitarios.

Pionero y emblema de la música rock y pop incursionó en el uso del stage diving; en la aparición en público con trajes y disfraces como parte del espectáculo, hoy en día usados por artistas como Lady Gaga.

Promotor del uso innovador de los videoclips con recursos como stop-motion y en vídeos como Sledgehammer; ha sido uno de los primeros en experimentar con la caja de ritmos, combinando elementos étnicos y del rock, entre otros aspectos, lo que hace de Peter Gabriel uno de los artistas más influyentes en la música actual.

En el 2007, fue galardonado como un icono BMI en la 57ª Edición de los BMI London Awards por su «influencia generacional en la música».

Ganó también un Premio de Música Polar en el 2009 y fue introducido en el Salón de la Fama del Rock en el 2010 —por haber pertenecido a Genesis—; en el 2014 fue nominado e incluido por su obra como solista.

Peter Gabriel se rehusó a darle un título a sus primeros cuatro álbumes, los cuales se llamaron todos Peter Gabriel usando distintas carátulas —por Hipgnosis—, estos diseños fueron notables por el hecho de que la cara de Peter Gabriel está tapada o parcialmente oscurecida de alguna forma.

Usualmente los álbumes son diferenciados por el orden de salida (I, II, III, IV) y por su diseño de portada, los tres primeros son conocidos como Car (automóvil), Scratch (rayón) y Melt (derretido) respectivamente, en referencia a sus portadas.

Su cuarto álbum, llamado también Peter Gabriel, fue titulado Security en los Estados Unidos, aunque también es conocido como Mask (máscara).

En la década de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana, y guiños a otras culturas. Sobresaliente en ello resulta su álbum Passion (1989).

Luego de verse obligado a colocarle nombre a sus discos, usó una serie de palabras de dos letras para titular sus álbumes siguientes: So, Us y Up.

Aunque logró críticas muy favorables y aceptables de éxito comercial desde los comienzos de su carrera solista, (Games Without Frontiers de su tercer álbum y Shock The Monkey del cuarto), logró el máximo éxito comercial y popularidad con las canciones de su disco de 1986 So, en particular con Sledgehammer y Big time.

Compuso e interpretó su segunda banda sonora para cine, Passion, para La última tentación de Cristo —película de Martin Scorsese—.

Su siguiente disco, Us, producido seis años después, reflejó los problemas personales que atravesaron su vida (su divorcio y una relación conflictiva con su primera hija).

Tras un paréntesis de siete años, Gabriel regresó con la puesta en escena para el Millennium Dome en Londres, en 1999.

La música para la película Rabbit Proof Fence en 2001 y finalmente su disco Up (2002). También colaboró en el año 2004 con el tema central del juego Myst IV: Revelation —Curtains, cara B del sencillo Big Time procedente del álbum So—.

Su canción Big Time fue utilizada como tema oficial de WWE WrestleMania en el 2006.

El 16 de junio del 2016 hizo público un nuevo single titulado «I’m Amazing» ―su primera composición original desde el 2013―, que fue inspirada parcialmente por la vida y las dificultades a las que se enfrentó Muhammad Ali.

12 de febrero – Joaquín Sabina

Joaquín Ramón Martínez Sabina (Úbeda, Jaén, España, 12 de febrero de 1949), conocido artísticamente como Joaquín Sabina, es un cantautor, poeta y pintor español; se trata de una de las figuras más destacadas de la música contemporánea española.

Ha publicado diecisiete discos de estudio, cinco en directo y tres recopilatorios y colaborado con distintos artistas cantando dúos y realizando otras colaboraciones.

Se estima que ha vendido más de diez millones de discos y también ha compuesto para otros artistas como Ana Belén, Andrés Calamaro o Miguel Ríos, entre otros.

Los álbumes en directo son grabaciones de actuaciones en las que ha intervenido en solitario o junto con otros artistas:

La mandrágora (1981), junto a Javier Krahe y Alberto Pérez;

Joaquín Sabina y Viceversa en directo (1986), junto a la banda Viceversa;

Nos sobran los motivos (2000);

Dos pájaros de un tiro (2007) y

La orquesta del Titanic (2012), junto a Joan Manuel Serrat.

En su faceta literaria ha publicado nueve libros con recopilaciones de letras de canciones o poemas publicados en el semanario Interviú.

En el año 2001 sufrió un leve infarto cerebral que puso su vida en peligro, recuperándose unas pocas semanas más tarde sin sufrir secuelas físicas, pero el incidente influyó en su forma de pensar y se vio inmerso en una importante depresión, lo que le llevó a abandonar los escenarios un tiempo.

Tras superarla, publicó Dímelo en la calle (2002), al que seguiría su decimoctavo álbum, Alivio de luto (2005).

El 17 de noviembre de 2009 publicó Vinagre y rosas, su último álbum en solitario, del que se vendieron 200.000 copias en tan sólo un mes de su lanzamiento, consiguiendo tres discos de platino.

11 de febrero – Sergio Mendes

Sérgio Santos Mendes (NiteróiEstado de Río de Janeiro11 de febrero de 1941) es un músico y compositor brasileño de bossa nova. Es uno de los referentes internacionales de la música brasileña.

Hijo de un médico, Mendes estudió música en el conservatorio de su ciudad, con la esperanza de convertirse en un pianista clásico. Cuando la corriente de la bossa nova llegó a Río, abandonó los estudios clásicos y comenzó a absorber las nuevas formas musicales junto a Antonio Carlos Jobim y Joao Gilberto.

Por añadidura gigantes del jazz norteamericano como Stan Getz, Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Paul Winter, Roy Eldridge y Herbie Mann hacían visitas periódicas a Brasil y despertaron en el joven Mendes nuevos horizontes musicales que, en 1961, era líder de su propia banda, el Sexteto Bossa Rio.

Ese mismo año grabó su primer disco, ‘Dance Moderno’, para Philips y al año siguiente se encontraba en Nueva York actuando en el Birdland, donde surgió una inesperada improvisación con Cannonball Adderley con quien Sergio grabaría posteriormente el álbum ‘Cannonball’s Bossa Nova’ (1962) para Capitol Records.

Sus primeros trabajos, reflejados en los álbumes como ‘Bossa Nova York’, ‘In a brazilian bag’ y ‘Girl from Ipanema’, están muy influidos por la música de Jobim, en cuyos álbumes Mendes aportaba el piano. Fascinado por lo que había experimentado en la ciudad de Nueva Yok, se trasladó allí en 1964, en principio para trabajar con Jobim y Art Farmer, pero el año siguiente formó Brasil ’65, y grabó un álbum para Capitol Records que no tuvo repercusión.

Sin embargo, en 1966, el grupo -ahora llamado Brasil ’66- firmó contrato con A&M Records y algo pareció encajar repentinamente entre la banda y su audiencia. El grupo, en su primera formación, consistía en: Sergio Mendes a los teclados, Bob Matthews al bajo, João Palma a la batería, Jose Soares a la percusión y la parte vocal la cubrían Janis Hansen y Lani Hall, la esposa de Herb Alpert, co-fundador y co-propietario del sello discográfico. John Pisano (guitarra) era un miembro no oficial. Su primer álbum bajo el nuevo nombre, que se publicó con el título de ‘Herb Alpert presents… Sergio Mendes & Brasil ’66’, fue un gran éxito en parte basado en el hit ‘Mais que nada’, una versión de un tema de Jorge Ben.

Su mezcla de jazz ligero, ritmos de bossa y melodías de pop contemporáneo calaron en un sector de público, mientras que otros lo denominaban ‘música de ascensor’. Su segundo álbum contenía éxitos menores como ‘Constant rain (Chove chuva)’, ‘Night and day’ y ‘For me’.

Su momento clave fue en la ceremonia de entrega de los Oscar en 1968, cuando interpretó en directo uno de los temas nominados ese año, ‘The look of love’, canción compuesta por Hal David y Burt Bacharach, nominada al Oscar de 1968. Tras la transmisión del evento, la versión de Mendes alcanzó el top5 de las listas, eclipsando la versión de Dusty Springfield, de la banda sonora original de ‘Casino Royale’. Su tercer álbum, ‘Look Around’, fue un nuevo éxito con los hits ‘The fool on the hill’ y ‘Scarborough fair’ y el siguiente, ‘Crystal Illusions’, en el que se produjeron cambios en la formación, contenía  una versión del hit de Otis Redding ‘Sittin on the dock of the bay’.

En este periodo Mendes también realizó varias grabaciones para Atlantic Records, dirigidas a una audiencia de jazz, acompañado por músicos como Jobim, Art Farmer, Phil Woods, Hubert Laws y Claire Fisher que no alcanzaron ni remotamente el interés o el éxito de ventas de sus trabajos con Brasil ’66. Sus últimos álbumes con A&M Records, con temas como ‘Wichita lineman’ (1969), ‘Chelsea morning’ y ‘For what it’s worth’ (1971), no despertaron el mismo interés. El grupo se cambió al más modesto sello Bell Records en 1973 y a continuación Mendes firmó con Elektra donde graba su primer álbum en solitario, ‘Sergio Mendes’ (1975). Dos años después formó Sergio Mendes & Brasil ’77, con escaso éxito y en 1982 volvió a A&M Records.

El álbum tras la vuelta al sello que lo lanzó a la fama, también titulado ‘Sergio Mendes’ (1983) fue su primer trabajo en alcanzar el Top40 tras quince años de carrera discográfica y contenía el mayor hit de su carrera, ‘Never gonna let you go’. Otra de sus obras destacables es el álbum ‘Brasileiro’, aparecido en 1992 y grabado casi íntegramente en Brasil en el que retorna a sus sonidos de los años setenta, con enérgicas fusiones de ritmos brasileños cantados por su esposa, Gracinha Leporace.

En los noventa Mendes actuaba con su nueva banda, Brasil ’99 y más recientemente Brasil 2000, con los que ha estado integrando los sonidos del hip hop brasileño en su música, como en ‘Timeless’, aparecido en febrero de 2006 y producido por will.i.am.. En él Mendes contó con colaboraciones de Stevie Wonder, Q-Tip, Erykah Badu, Marcelo D2 y Black Eyed Peas, con quienes grabó una nueva versión de ‘Mais que nada’, utilizada en campañas publicitarias de Nike Football, Joga Bonito y los videojuegos EA Sports Live 07 y 2066 FIFA World Cup. En 2008 apareció el álbum ‘Encanto’ con nuevas colaboraciones de will.i.am, Black Eyed Peas, Herb Alpert, Natalie Cole y Carlinhos Brown. El año 2010 se publicó ‘Bom Tempo’.y su trabajo más reciente fue el álbum ‘Magic’, en junio de 2014.

11 de febrero – Sheryl Crow

Sheryl Suzanne Crow (11 de febrero de 1962) es una cantante, compositora, guitarrista, música y actriz estadounidense. Su música incorpora elementos de rock, folk, hip hop, country y pop. Ha ganado nueve Premios Grammy de la Academia Nacional de Artes y Ciencias.

 

Además de su propio trabajo, ha cantado junto a Mick Jagger, Keith Richards, Michael Jackson, Eric Clapton y Sting, entre otros. Hija de músicos, comenzó a estudiar piano con cinco años y escribió su primera canción a los 13.

En la universidad participó en un grupo rock llamado Cashmere y tras graduarse, dio clase de música en una escuela para niños autistas de St. Louis. Siguió participando en bandas amateurs y un publicista le ofreció un trabajo para componer jingles para la radio. Sheryl aceptó y compuso pequeñas piezas publicitarias para firmas como Toyota y McDonald’s.

Pronto comprobó que en unas pocas horas de trabajo ganaba más dinero que en un mes dando clases (por su jingle de McDonald’s ganó 40.000$), por lo que decidió trasladarse a Los Ángeles para hacerse un hueco en la industria musical.

Allí, tras unos duros comienzos intentando colocar sus jingles, acude en 1987 a una audición de cantantes para el coro de acompañamiento de Michael Jackson en su gira mundial ‘Bad’.

Es contratada y en la gira cantó la parte femenina del dueto ‘I just can’t stop loving you’. Hasta tal punto era convincente su interpretación, que en los tabloides se insinuó una relación con Jacko. Tras dos años de gira con Jackson, Crow intentó iniciar su propia carrera como cantante, pero ante las ofertas que recibía, en las cuales pretendían convertirla en una cantante de dance-pop, se retiró durante unos meses víctima de una profunda depresión. Recuperada, volvió a cantar coros para artistas como Sting, Rod Stewart, Stevie Wonder, Foreigner, Joe Cocker, Sinéad O’Connor y Don Henley.

Al mismo tiempo seguía componiendo canciones y una de sus maquetas llegó a manos del productor Hugh Padham, quien le consiguió un contrato con A&M Records para grabar su álbum debut en 1991. Las primeras sesiones, sobreproducidas, no dan el resultado esperado y la publicación del disco sufre retrasos.

Por fin, en 1993, aparece ‘Tuesday Music Club’, producido por Bill Botrell, que contenía temas como ‘Leaving Las Vegas’ y ‘All I wanna do’, el cual logró vender ocho millones de copias y fue un hit en medio mundo. Su aparición en Woodstock 94 terminó por afianzar su estrellato, así como los tres premios Grammy que recibió en 1995, uno de ellos por ‘mejor artista promesa de 1994’.

Agobiada por la sobreexposición a los medios y herida en su orgullo por las críticas recibidas en las que se aseguraba que su éxito había sido en gran medida gracias a los músicos que colaboraban con ella en el grupo, se centró en la grabación de su segundo álbum, ‘Sheryl Crow’, en el que pretendía mostrar su talento como cantautora. Contó con el mismo productor, Bill Botrell, pero en este caso, Sheryl fue la directora del proyecto. La revista Rolling Stone lo seleccionó en 1999 como uno de los discos esenciales de la década y prácticamente toda la crítica especializada fue unánime en considerar el álbum un magnífico trabajo.

Uno de sus temas, ‘Love is a good thing’ sugería en sus letra que las armas adquiridas en grandes almacenes como Wal-Mart pueden acabar en manos de los niños. Wal-Mart retiró el disco de Sheyl de sus estanterías y eso le costó grandes pérdidas en las ventas, pero Sheryl se mantuvo desafiante y segura de la línea artística y musical emprendida. Otros temas destacados del álbum fueron  ‘If it makes you happy’, ‘Everyday is a winding road’. En 1997 grabó la canción ‘Tomorrow never dies’, correspondiente al film ‘El mañana nunca muere’ de la saga James Bond.

Su siguiente álbum, ‘The Globe Sessions’, se registró en su propio estudio en la ciudad de Nueva York e incluía una versión de un tema firmado por Dylan, ‘Mississippi’ que éste nunca publicó en uno de sus álbumes. Uno de los singles extraídos, ‘My favorite mistake’, fue nº1 en Japón.

En 1999 permaneció muy activa y grabó un álbum en directo, ‘Sheryl Crow and friends: Live in Central Park’, en el que contó con la colaboración de artistas como Sarah McLachlan, Stevie Nicks, las Dixie Chicks, Keith Richards y Eric Clapton. Ese mismo año realizó su primera aparición cinematográfica en el film independiente ‘The Minus Man’ y versionó el tema de Guns N’Roses ‘Sweet child o’mine’ para la banda sonora de la película ‘Big Daddy’, que le proporcionó otro Grammy, ésta vez por ‘mejor interpretación rock femenina’.

Sheryl pasó entonces por una nueva etapa de depresión que la mantuvo alejada del estudio unos tres años. Su cuarto álbum, ‘C’mon C’mon’ apareció en 2002 precedido por el single ‘Soak up the sun’. El segundo single que se extrajo, ‘Steve McQueen’, obtuvo nuevamente el Grammy por ‘mejor interpretación rock femenina’. En 2004 consiguió un hit internacional con la versión de un tema de Cat Stevens, ‘First cut is the deepest’. En Bahrein fue nº1 y hasta la fecha es el único conseguido allí por una artista occidental. Se incluyó en un recopilatorio llamado ‘The Very Best of Sheryl Crow’ (2003).

‘Wildflower’, apareció un año después y contenía el tema ‘Real gone’, que Crow cedió a la banda sonora de la película animada ‘Cars’. Comercialmente no tuvo la respuesta de sus trabajos anteriores y su publicación coincidió con el anuncio de Sheryl de que padecía cáncer de pecho, aunque este se encontraba en su primera fase por lo que recibió el pronóstico de total recuperación. Uno de los singles del álbum, ‘Always on your side’ se regrabó con Sting y el tema fue nominado al Grammy como ‘mejor colaboración pop vocal’.

En su sexta entrega de estudio, ‘Detours’ (2008), Sheryl recuperaba el sonido rock de sus primeros trabajos volviendo a contar con su primer productor Bill Botrell. Sus canciones estaban inspiradas en su reciente etapa de recuperación del cáncer y la ruptura de su relación con el ciclista Lance Armstrong. Ese mismo año contribuyó con su versión de ‘Here comes the sun’ a la banda sonora de ‘Bee Movie’ y publicó un álbum con temas navideños, ‘Home For Christmas’.

En julio de 2010 apareció su octavo álbum, ‘100 miles from Memphis’, con grandes influencias de soul clásico, del que se extrajo como adelanto el single ‘Summer day’. Contó entre sus colaboradores con músicos como Keith Richards, Justin Tiberlake y Citizen Cope. Su entrega más reciente hasta la fecha fue ‘Feels Like Home’, su debut en el country grabado en Nashville y publicado en septiembre de 2013 con su nuevo sello Warner Bros. Tiene previsto nuevo álbum, ‘Be Myself’ en marzo/abril de 2017, así como un disco de dúos con artistas como Don Henley, Stevie Nicks, Willie Nelson, Vince Gill, Kris Kristofferson y Keith Richards.

10 de febrero – Roberta Flack

Un día como hoy nació la pianista y cantante norteamericana Roberta Flack, nacida en Black Mountain (Carolina del Norte). Conocida por sus éxitos en los años setenta en solitario y con Donny Hathaway, recibió en dos años consecutivos (1973 y 74) su premio Grammy por ‘mejor disco del año’.

Hija del organista de la iglesia baptista de Nashville, despertó a la música cuando oyó cantar a Mahalia Jackson y Sam Cooke en la iglesia. Comenzó a tocar el piano e ingresó con sólo quince años en la Universidad Howard. Allí decidió estudiar canto y llegó a ser la directora adjunta del coro universitario. Se graduó con 19 años y tras la muerte de su padre, se dedicó a la enseñanza en institutos de Washington y dando clases particulares de piano.

En el Tivoli Club acompañaba a cantantes de ópera y en los intermedios solía practicar cantando temas standard de pop, blues y jazz. Animada por su profesor de canto Frederick ‘Wilkie’ Wilkerson, comenzó a actuar en pequeños locales. Descubierta casualmente por el pianista y cantante Les McCann en un club de jazz, gracias a él, firmó un contrato con la discográfica Atlantic. Su primer álbum, ‘First Take’ (1969) se grabó en sólo 10 horas y contenía una selección de las canciones que Roberta interpretaba en sus actuaciones.

Le siguió ‘Chapter 2’ (1970) que incluía versiones de temas de Leonard Cohen, Dylan, Gene McDaniels y Buffy Sainte-Marie, entre otros. En 1971 publicó, ‘Quiet Fire’ (1971) que seguía en la misma línea de versiones e incluía el tema de Goffin/King’Will you still love me tomorrow’, y ‘Roberta Flack y Donny Hathaway’, en el que junto con su amigo de la infancia Hathaway ofrecía duetos vocales como ‘You’ve got a friend’ y ‘You’ve lost that lovin’ feeling, que significaron las primeras entradas en las listas para Roberta.

Sin embargo las ventas de sus álbumes fueron muy pobres hasta ese mismo año, en el que se estrenó la película de Clint Eastwood ‘Play Misty for me’ (Escalofrío en la noche), que contenía un tema de su primer álbum ‘First Take’, publicado dos años atrás: ‘The first time I ever saw your face’ permaneció en el nº1 durante seis semanas, fue disco de oro y el mayor hit del año.

El éxito disparó la fama de Roberta. El álbum consiguientemente alcanzó el top de las listas de álbumes y logró vender más de dos millones de copias sólo en EE.UU. Eastwood le había pagado a Roberta 2.000$ por los derechos de uso en su película. En 1972 logró un top5 y disco de oro con el tema ‘Where is the love’, otro de los temas extraídos del álbum grabado un año antes con Donny Hathaway.

Pero su gran éxito estaba por llegar. Como anticipo de su cuarto álbum como solista se publicó el single ‘Killing me softly with his song’ (1973) con el que logró su segundo nº1 y dos premios Grammy, el segundo consecutivo en la categoría de ‘mejor disco del año’, algo que sólo ha igualado el grupo U2. Roberta, que había incluido un tema de Gene McDaniels en cada uno de sus álbumes, logró con ‘Feel like makin’ love’ (1975), incluida en su quinto álbum, disco de oro y su tercer y último nº1 en las listas estadounidenses. En 1978 apareció el álbum ‘Roberta Flack’, que contenía el single ‘If I ever see you again’.

Antes del suicidio de Hathaway en 1979 tuvieron ocasión de grabar más temas juntos como ‘The closer I get to you’ y ‘Back together again’ y en los años ochenta, tras obtener un hit en 1982 con ‘Making love’, incluido en el álbum ‘I’m the One’, intentó recuperar el éxito que tuvo con los duetos vocales junto a Donny, probando fortuna en 1983 con Peabo Bryson ‘Tonight I celebrate my love’, ‘You’re looking like love to me’ y ‘I just came here to dance’, aunque con menor éxito.

El resto de la década realizó numerosas actuaciones, a menudo acompañada de una orquesta y en ocasiones con Miles Davis. Volvió al Top10 en 1991 con ‘Set the night to music’, un dueto con Maxi Priest y en 1995 publicó ‘Roberta’, en el que ofrecía sus versiones de clásicos del jazz y el pop norteamericanos. Hasta la fecha ha seguido grabando y realizando giras y su trabajo más reciente es ‘Let it be Roberta: Roberta Flack sings the Beatles’ (2012), su primer álbum en ocho años, en el que demuestra que la edad no ha hecho mella en su voz.

9 de febrero – Carmen Miranda

María do Carmo Miranda da Cunha, más conocida como Carmen Miranda (Marco de Canaveses, 9 de febrero de 1909 – Beverly Hills, 5 de agosto de 1955) fue una cantante de samba y actriz luso-brasileña famosa durante los años treinta, cuarenta y cincuenta.

Carmen Miranda comenzó su carrera como cantante a finales de 1920. El primer gran éxito vino con Pra Você Gostar De Mim (Ta-hi!), escrita por Joubert de Carvalho, lanzado en 1930 y que fue récord de ventas, superando la marca de 36.000 copias.

La canción alcanzó una popularidad tan grande que, en menos de seis meses, Carmen Miranda ya era la más famosa cantante en Brasil.

El año siguiente viajó al extranjero por primera vez como una artista de renombre, cuando se fue a Argentina con los cantantes Francisco Alves, Mário Reis y el mandolina Luperce Miranda.

Miranda regresó a Argentina en más de ocho ocasiones, entre los años 1933 y 1938. Pronto se convirtió en el primer artista en firmar un contrato de trabajo con una emisora de radio en Brasil.

En 1939, en la comedia musical Banana da Terra, Carmen Miranda apareció por primera vez caracterizada de “baiana”, personaje que la lanzó internacionalmente a la fama. La película contó con clásicos como O que é que a baiana tem?

En febrero de 1939, mientras estaba en el Casino da Urca, Carmen fue vista por el magnate de show business Lee Shubert que la contrató para ser una de las atracciones de su espectáculo The Streets of Paris, que estrenaría en Broadway. Este fue el episodio que transformó la vida de quien más tarde sería conocida como “La bomba brasileña”.

En 1940, Miranda hizo su debut en el cine estadounidense en la película Down Argentine Way, con Don Ameche y Betty Grable; sus ropas exóticas y acento latino se convirtieron en su marca registrada.

Ese mismo año fue elegida la tercera personalidad más popular en Estados Unidos y fue invitada a actuar con su grupo, el Bando da Lua, para el presidente Franklin Roosevelt en la Casa Blanca.

En 1945, con los más de $200.000 dólares qué habían sido pagados por la 20th Century Fox “en salarios, bonos y otras compensaciones”, Carmen Miranda se convirtió en la mujer mejor pagada en los Estados Unidos.

Ella hizo un total de catorce películas en Hollywood entre 1940 y 1953. Aunque aclamada como una artista con talento, su popularidad disminuyó desde el final de la Segunda Guerra Mundial.

Este talento como cantante e intérprete, sin embargo, muchas veces fue ensombrecido por el carácter exótico de sus presentaciones. Carmen trató de reconstruir su identidad y escapar de los personajes folclóricos que sus productores y la industria le imponían, pero sin conseguir grandes avances.

De hecho, pese a todos los estereotipos a los que se enfrentó a lo largo de su carrera, sus performances hicieron grandes avances en la popularización de la música brasileña, y al mismo tiempo abrió el camino para una mayor conciencia de la cultura latina.

Carmen Miranda fue la primera “estrella” latinoamericana en ser invitada a imprimir sus manos y pies en el patio del Grauman’s Chinese Theatre en 1941.

También se convirtió en la primera persona sudamericana en ser honrada con una estrella en el Paseo de la Fama y es considera la precursora del Tropicalismo en Brasil, el movimiento cultural de la década de 1960.

En 20 años de carrera dejó a su voz grabada en 279 grabaciones en Brasil y más 34 en los Estados Unidos, con un total de 313 grabaciones. Un museo se construyó más tarde, en Río de Janeiro, en su homenaje.

En 1995, ella fue tema del documental premiado Carmen Miranda: Bananas is my Business, dirigida por Helena Solberg.

Una intersección entre la Hollywood Boulevard y Orange Drive frente al Chinese Theatre en Hollywood fue oficialmente nombrada “Carmen Miranda Square” en septiembre de 1998. Hasta hoy, ningún artista brasileño tuvo tanto reconocimiento internacional como ella.

7 de Febrero – Manuel Mijares

José Manuel Mijares Ro (México, 7 de febrero de 1958) es un cantante mexicano.

Nació en el Hospital Español de la Ciudad de México. Su madre era profesora de baile, lo cual influyó en su rumbo artístico, como él mismo reconoce.

Estuvo casado desde 1997 con la cantante y actriz mexicana Lucero, con quien tiene dos hijos: José Manuel y Lucero, sin embargo, el 4 de marzo de 2011 la pareja de cantantes anunció mediante un comunicado de prensa su separación. En el plano académico, se graduó en Administración de Empresas.

De niño, en su escuela solía cantar en el coro. Su inquietud musical se reflejó en los grupos musicales que formó con sus amigos.

Entre ellos el grupo musical “Sentido” en un principio, y posteriormente, el grupo musical “Los Continentales”, en el cual se desempeñó como vocalista durante 7 años.

Surgió como cantante en 1981 en el festival Valores Juveniles, donde demostró su gran humildad y valor de ser humano, ya que en una ocasión prestó sus pistas a una compañera del concurso cuyo padre no le permitía participar y se las había roto.

Posteriormente, trabajó en bares nocturnos en Japón y realizó “jingles” para anuncios publicitarios y llegó a ser parte del coro del cantante mexicano Emmanuel.

Representó a México en el Festival OTI de la Canción de 1985 interpretando la canción “Soñador”, debido a su actuación fue nombrado como revelación de ese festival.

Ese mismo año EMI Capitol le brinda la oportunidad de grabar y sus dos primeros álbumes son determinantes en su carrera artística.

Su primer LP llamado Manuel Mijares, su nombre artístico, fue lanzado al mercado en 1986 y contenía 10 temas que fueron promocionados en México, Centro y Sur América, entre los que destacan los éxitos “Bella”, “Poco a poco” y “Siempre”, los dos primeros temas del conocido compositor J.R. Flórez y el tercer título de autoría del compositor y cantautor nicaragüense Hernaldo Zúñiga,​ quien además contribuyó en este álbum con otros dos temas: “Volveré a amar” y “Al caminar”.

Este disco fue relanzado en una segunda edición bajo el nombre Soñador, título de la canción que interpretó en el Festival OTI, y que en esta edición sustituyó a la exitosa “Poco a poco”.

Con este álbum logró ubicarse como intérprete de éxito internacional, logro que consolidaría con su segundo álbum y del cual ya no se alejaría.

En 1987 sale al mercado su segundo álbum titulado Amor y Rock and Roll, a partir del cual varía un poco su nombre artístico, pues es llamado simplemente “Mijares”, nombre bajo el cual desarrolló el resto de su larga carrera profesional.

De este álbum destacan temas como: “No se murió el amor” y “Un montón de verano” (este segundo tema nuevamente de Hernaldo Zúñiga). En algunos países el tema “Poco a poco” fue incluido en este LP.

Su carrera de álbumes y éxitos a nivel latinoamericano continuó, entre sus grandes éxitos, además de los ya mencionados se pueden citar:

“Para amarnos más”, “A corazón abierto”, “Baño de mujeres”, “Vive en mí”, “El breve espacio”, “Soldado del amor”, “Uno entre mil” (versión en español de la canción italiana “Uno su mille” de Gianni Morandi), “El privilegio de amar” (con los coros interpretados por su esposa Lucero), “Corazón salvaje”, “Me acordaré de ti”, “María bonita”, “Encadenado”, entre otros.

En su carrera, Mijares también interpretó temas principales de películas animadas y telenovelas como: Oliver y su Pandilla, La Bella y la Bestia, El Camino hacia El Dorado,Tierra de osos, Corazón Salvaje, El Privilegio de Amar y La Sombra del Pasado.

Dentro de los últimos años Mijares junto con su amiga Yuri se decidieron a trabajar en Yuri y Mijares, donde unen sus voces para que su público los disfrute cantando verdaderos clásicos.

Vivir Así es el retorno de Mijares para el 2009, abriendo una nueva etapa en su carrera, ya que después de muchos años de carrera y grandes éxitos a nivel mundial, se une a Warner Music México para lanzar su nuevo álbum versionando temas de otros intérpretes.

Dentro de este disco se pueden disfrutar grandes temas románticos de Ricky Martin, Yuri, Ricardo Arjona, Camilo Sesto, Hernaldo Zúñiga, entre otros, así como los arreglos y la producción de Scott Erickson.

Pero Mijares no ha trabajado solamente junto a Yuri en los últimos años, ahora en su nuevo material canta junto a Pandora y Daniela Romo el tema “Para ti yo estoy” y junto con Ricardo Arjona en el tema “Mujeres”.

Manuel Mijares en el espectáculo gratuito en el Zócalo como parte de su gira Two’r Amigos con Emmanuel.

En el 2009 se encuentra en las radios de México el sencillo “Vivir Así”, llegando a obtener Disco de Oro por sus ventas en el mes de octubre del 2009 y Disco de Platino en enero del 2010.

Actualmente se encuentra haciendo una gira en México llamada “Two’r Amigos” con el cantante Emmanuel. Esta gira ha tenido tal éxito que ya lleva más de 4 años en activo.

7 de Febrero – Pablo Guyot

Pablo Guyot (7 de febrero de 1954) es un músico argentino, guitarrista, y productor musical, que se hizo conocido como integrante de la banda de rock G.I.T. (1984-1994), junto con Alfredo Toth y Willy Iturri, considerada como una de las fundadoras del rock argentino moderno.

Desde mediados de la década del 90 se ha desempeñado como productor musical junto a Alfredo Toth, trabajando con importantes bandas argentinas, como Los Piojos, Bersuit Vergarabat, entre otras.

Se inició en el mundo del rock argentino en 1976 tocando en la banda Banana, liderada por César Banana Pueyrredón, donde también estaba Willy Iturri como baterista.

En 1979 Raúl Porchetto convocó a Guyot, Iturri y Alfredo Toth, ex bajista de Los Gatos, para conformar su banda de apoyo, grabando el álbum “Mundo”, en 1980 Metegol y luego en 1981, Televisión.

Desde ese momento, los tres congeniaron y planearon formar un grupo juntos, pero no sería hasta 1984 que podrían concretar el proyecto.

Hasta entonces, luego de acompañar a Porchetto, fueron banda de soporte de Charly García, con quien grabaron Piano Bar. En ese lapso Guyot también integraría Zas en 1983, legendaria banda liderada por Miguel Mateos.

Finalmente, Alfredo Toth (bajo y primera voz), Pablo Guyot (guitarra y coros) y Willy Iturri (batería y coros) formaron G.I.T. en 1984. El nombre del grupo provino de las iniciales de los apellidos de sus integrantes.

Charly García fue el productor de su primer disco. Los temas Acaba de nacer y La calle es su lugar (Ana), de la primera placa, los llevó al reconocimiento del público.

Es por amor, tema destacado de su tercer álbum, los llevó al éxito, probablemente el primero a nivel continental de un grupo argentino, abriendo así un fenómeno internacional que luego sería llevado a su punto más alto por Soda Stereo, Miguel Mateos y Rata Blanca, solo por citar algunos ejemplos.

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