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26 de Febrero – Natalia Lafourcade

María Natalia Lafourcade Silva, más conocida como Natalia Lafourcade (Ciudad de México, México, 26 de febrero de 1984), es una cantante, compositora, productora musical, arreglista, filántropa y activista mexicana.

En su trayectoria artística ha ganado innumerables reconocimientos nacionales e internacionales, entre ellos un Premios Grammy, ocho premios Grammy Latino, cinco premios MTV Video Music Awards Latinoamérica, entre otros.

María Natalia Lafourcade Silva nació un 26 de febrero en la Ciudad de México, aunque vivió su infancia en Coatepec, Veracruz, rodeada de música y arte.

Es hija de Gastón Lafourcade Valdenegro, catedrático chileno de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y maestro de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro.

Además, es el fundador de la Asociación de Organistas y Clavecinistas de Chile. María del Carmen Silva Contreras, su madre, cursó la carrera de pianista con especialidad en pedagogía musical y es creadora del Método Macarsi para la formación musical y el desarrollo integral y humano de los niños y educadores, que adaptó y practicó en Natalia como consecuencia de un golpe que recibió en la frente por un caballo, con la finalidad de ayudarla en su rehabilitación por medio de la música. Además, es sobrina del escritor chileno, Enrique Lafourcade.

Natalia Lafourcade desde la edad de 2 años mostró aptitudes artísticas. Ella misma dice que reunía a los vecinos y comenzaba a imitar a diferentes cantantes.

En ese tiempo tomó clases de flauta, baile, pintura, teatro, piano, guitarra, saxofón y canto. Cuando tenía diez años, incursionó en la música vernácula junto a su mejor amiga Renée Laniado Cabrales.

Después de vivir varios años en Coatepec, se trasladó junto con su madre a la Ciudad de México donde ingresó al Instituto Pedagógico Anglo Español en la calle de Sadi Carnot, y en 1998, gracias a su talento, a los 14 años Natalia se incorporó a un grupo de música de Pop llamado «Twist», integrado por ella, Tabatha exintegrante del Grupo Jeans y Pamela exconductora de un programa infantil de TV Azteca.

Sin embargo, el grupo se desintegró al año siguiente. Natalia afirma que una de las cosas que no le agradaban de este grupo era hacer sincronía de labios y por eso comenzó a buscar alternativas.

Al terminar la secundaria, ingresó a la Academia de Música Fermatta, donde conoció a Ximena Sariñana, Juan Manuel Torreblanca y Alonso Cortés, quien sería el baterista de La Forquetina años más tarde.

En el año 2000, el productor Loris Ceroni escuchó las maquetas que había recibido de Natalia y decidió producir su primer disco como solista.

En junio de 2002 publicó su primer disco: Natalia Lafourcade. Los sencillos de este disco fueron ‘Busca Un Problema’, ‘En El 2000’, ‘Te Quiero Dar’ y ‘Mírame, Mírate’.

Simultáneamente, fue la colaboradora principal en la banda sonora de Amarte Duele, con el tema principal ‘Amarte Duele’ y la versión acústica del mismo, además de tres canciones de su primer disco (‘Busca Un Problema’, ‘En El 2000’ y ‘El Destino’) y grabó un tema a dúo con León Larregui, ‘Llevarte A Marte’. Asimismo, contribuyó con la canción ‘Un Pato’ en la banda sonora de Temporada de patos.

Para el cierre de la gira de su primer disco en el Teatro Metropólitan, Natalia Lafourcade dejó de presentarse como solista y comenzó a presentarse, junto con su banda (Alonso Cortés, Cesar Chanona y Yunuen Viveros), como ‘Natalia y la Forquetina’.

En 2005, Natalia y La Forquetina lanzó Casa. Producido, en su mayoría, por Emmanuel del Real de Café Tacvba. Los sencillos de este disco fueron ‘Ser Humano’, ‘Casa’, ‘Cuarto Encima’ y ‘Piel Canela’.

El 2 de junio de 2006 Natalia y La Forquetina anunció su separación para trabajar en proyectos diferentes y dio un último concierto en San Luis Potosí.

Natalia Lafourcade se trasladó a Canadá donde conoció a la banda People Project, con quienes aún colabora frecuentemente.

Natalia regresó a México y comenzó a trabajar en Las 4 estaciones del Amor, su primer disco instrumental, en colaboración con la Orquesta Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz (OSJEV). El disco también incluía un DVD donde narraba todo el proceso para lograr un disco instrumental.

Colaboró en el Unplugged de Julieta Venegas, donde tocó varios instrumentos incluyendo el banjo y fue participante de la Red Bull Music Academy en su edición 2008, que tuvo lugar en Barcelona. En ese mismo año, comenzó a grabar su cuarto álbum, durante este tiempo también dio un concierto en el teatro Metropolitan junto a Juan Son, exvocalista de Porter.

Desde 2008, Natalia se encontraba planeando su próximo álbum, el cual empezó a inicios de 2009, el disco nombrado Hu Hu Hu (expresión de alegría), que se publicó en mayo de 2009, en el disco participan artistas de Rock y Pop de talla internacional como son el caso de Julieta Venegas y Juan Son, el primer sencillo alternativo que ella propuso fue el tema ‘Azul’, sin embargo, la disquera dio a conocer en radio y prensa el sencillo «Ella Es Bonita» simultáneamente.

El disco fue recomendado durante el verano de 2009. Natalia se ha encaminado en varios proyectos y se hace notar en este disco la influencia de su estancia en Canadá y su anterior disco Las 4 Estaciones del Amor

En diciembre de 2009, Hu Hu Hu tuvo su presentación oficial en el Teatro Fru Fru, en la Ciudad de México, donde tuvo invitados como Lo Blondo de Hello Seahorse!, Furland y Carla Morrison.

Se unió al proyecto altruista «Un Techo Para Mi País», que tiene como fin promover el desarrollo comunitario por medio de la construcción de viviendas provisionales para gente de bajos recursos económicos y otros proyectos de habilitación social.

Prestó su voz para doblar a la princesa en la película animada CGI «El Gato con Botas», de producción francesa y distribuida por En Pantalla Producciones. Ahí compartió créditos con Kalimba y Juan José Origel.

2010 fue el año de las colaboraciones para Natalia. Grabó con a la banda española El Canto del Loco la canción ‘Contigo’ y con los mexicanos Los Daniels, la canción ‘Quisiera saber’. También recibió en los IMA’s el premio a Mejor Nuevo Productor por el exitoso álbum «Mientras Tú Dormías» de Carla Morrison y un premio Telehit.

En el mismo año, volvió de gira por Japón y lo hizo en un plano más instrumental en el que se dejó notar su crecimiento musical y artístico. Así realizó el documental «14 días en Japón», que se incluyó en la reedición de Hu Hu Hu.

La gira Hu Hu Hu se extendió por Sudamérica, Europa, Estados Unidos, México y Japón y terminó con una presentación exitosa en el Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino 2011, logrando así una reconciliación con este público tras su desafortunado recibimiento en la presentación de 2003.

En 2012 realizó un ensamble con la Banda de Música del Estado de Oaxaca ofreciendo un concierto en la Plaza de la Danza de la Ciudad de Oaxaca, donde interpretó temas tradicionales oaxaqueños, boleros así como temas de su repertorio.

u álbum Mujer Divina – Homenaje a Agustín Lara fue lanzado 18 de septiembre de 2012. Para esta producción Natalia se ha hecho acompañar de músicos invitados con quienes reinterpreta los clásicos temas de Lara, para ser compilados en un disco doble que contiene un DVD, grabado en los foros de su compañía disquera.

Entre los invitados a este disco destacan Miguel Bosé, Leonardo de Lozanne, Gilberto Gil, el cantautor uruguayo Jorge Drexler, Emmanuel del Real, de Café Tacvba, Lila Downs, el músico venezolano-estadounidense Devendra Banhart, así como el grupo DLD y Kevin Johansen, este último quien participa en el tema «Fugitiva», primer sencillo de la producción lanzado en descarga digital. Con la canción Azul, con Rodrigo Amarante como invitado, participó en la banda sonora de la película mexicana Güeros.1​

Por este disco Lafourcade obtuvo, en diciembre de 2013, un disco de platino y oro por más de 94,000 ventas.

De su siguiente álbum, Hasta la raíz, lanzado en marzo de 2015, se desprende el sencillo «Nunca es suficiente», que fue lanzado en diciembre de 2015 y se colocó en las listas de popularidad de Monitor Latino México en la categoría Pop.​ Y es con este disco que, en la decimosexta versión de los Latin Grammy, ganó los premios en las nominaciones Mejor Canción del Año y Mejor Canción Alternativa» por «Hasta la raíz», Mejor Álbum de Música Alternativa, Mejor Ingeniería de Grabación para un Álbum y Grabación del Año.

El 5 de mayo de 2017, Natalia Lafourcade presentó su nuevo álbum, Musas, acompañada de Los Macorinos, músicos de vieja escuela que anteriormente trabajaron con artistas como Chavela Vargas. El primer sencillo del álbum, «Tú si sabes quererme», alcanzó 22 millones de reproducciones en Spotify en los dos primeros meses de su publicación. En este álbum Lafourcade retoma la tendencia iniciada en Hasta la Raíz de homenajear a los autores que han influenciado su carrera musical. «Después de Hasta la Raíz, tomé más conciencia de los proyectos musicales que haría en mi camino y entendí que en esa búsqueda constante, necesito explorar nuestro pasado, nuestra esencia, a través de canciones e historias que se esconden entre acordes y melodías», afirma Lafourcade, «Hicimos Musas con la propuesta de rescatar tesoros escondidos y olvidados. Es un homenaje al folclor latinoamericano en manos de Los Macorinos».​ El álbum fue certificado oro en México por superar las 30,000 ventas.

Del 19 al 30 de agosto realizó un Tour por Argentina que se llamó «Tú sí sabes Argentina», con un éxito arrasador: Córdoba, Rosario, Buenos Aires, La Plata, Mar del Plata y Mendoza fueron escenarios testigo de un paseo por la música de México y otras regiones de América. En esta oportunidad los escenarios que la recibieron fueron de fuerte convocatoria, incluyendo dos shows sold out en La Trastienda Club y la famosa sala “Ballena Azul” del CCK Centro Cultural Néstor Kirchner que dejó a un gran número de fanáticos afuera ya que las entradas se agotaron en quince minutos.

Para finales de 2017, Natalia participó en la música original de la película Coco, de Disney-Pixar, interpretando dos versiones de la canción «Recuérdame» y «Remember Me» en inglés. Para la versión de México e Hispanoamérica interpréto una versión en solitario que no apareció en la película, pero sí fue incluida en el disco, la versión final fue la de Carlos Rivera. En la versión estadounidense Natalia interpreta la canción junto con el estadounidense Miguel, siendo el tema principal. Esta versión ganó el Premio Óscar como Mejor canción original.

En febrero de 2018 lanzó el álbum llamado Musas Volumen 2, que incluye temas de su propia composición como «Danza de gardenias», «Hoy mi día uno» y el relanzamiento de la canción de protesta «Un derecho de nacimiento». También se incluyen canciones de grandes compositores latinoamericanos como Álvaro Carrillo, Augusto Polo Campos y María Grever.

Tras el lanzamiento de Musas Volumen 2 realizó una gira por Europa presentandóse en el Teatro KOKO de Londres, en el Bataclán de París, en la Sala Apolo de Barcelona y en las ciudades de Madrid y Ferrol.

Debido a la nonimación de «Remember Me», tras la gira europea Natalia Lafourcade se presentó en el escenario de los 90° Premios Óscar junto a Gael García Bernal y Miguel. La canción fue finalmente elegida como la ganadora.

A mediados de abril de 2018 anuncia que continuará con el «Musas Tour» con dos recitales en el Teatro Gran Rex, Chile, Canadá y Estados Unidos, para luego cerrar la gira en México. Después de esto anunció que se tomaría una pausa en su carrera musical.

26 de Febrero – Michael Bolton

Michael Bolotin (26 de febrero de 1953, New Haven, Connecticut), conocido artísticamente como Michael Bolton, es un cantante y compositor estadounidense que logró gran éxito a mediados de los ochenta y a inicios de los noventa.

Se destaca por ser uno de los exponentes más populares del soft-rock y la balada romántica estadounidense de esa época.

Sus logros incluyen la venta de 53 millones de álbumes, ocho álbumes en Top Ten, dos sencillos en número uno de las listas de Billboard y premios como el Grammy.

Nació en el seno de una familia judía de origen ruso de New Haven, Connecticut, Estados Unidos. Es el menor de tres hermanos, cuyos nombres son Sandra y Orrin. Desde pequeño demostró su gran talento musical y a la temprana edad de 16 años firmó su primer contrato discográfico.

En 1975 lanzó su primer álbum bajo el nombre artístico de ‘Michael Bolotin. Un año más tarde, “Everyday of My Life” sale a la luz.

A principios de 1983 acorta su nombre por motivos comerciales a “Michael Bolton” y lanza un álbum homónimo después de obtener su primer éxito como compositor, co-escribiendo el tema «How Am I Supposed To Live Without You» para la cantante Laura Branigan.

Este tema casi llegó a ubicarse en el Top 10 de las radios estadounidenses, y logró mantenerse en los charts durante 3 semanas.

Gracias al éxito obtenido deciden volver a trabajar juntos, esta vez con el tema «I Found Someone» en 1985.

Esta canción no pudo alcanzar la popularidad del anterior, pero dos años más tarde, la cantante Cher la llevó a convertirse en un hit.

A partir de ese momento, Michael trabaja para las dos cantantes paralelamente.

Pero su popularidad se dio cuando comenzó a co-escribir con cantautores de la talla de Babyface, Diane Warren, y Bob Dylan.

También escribió canciones para Kenny G, Barbra Streisand, KISS, Kenny Rogers, Peabo Bryson, Paul Gillman y Patti LaBelle.

Junto a Kenny G, grabó varios éxitos junto al famoso saxofonista, incluso presentándose en vivo para los premios Grammy, con el tema: «How Am I Supposed To Live Without You». Entre otros éxitos junto al saxofonista se destaca «send me».

Ha cantado con famosos artistas de todos los estilos como Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Renée Fleming, Mateo Blanco, Claudio Baglioni, Zucchero, Patti LaBelle, Céline Dion, Ray Charles, Lonely Island, Percy Sledge, Wynonna Judd, y BB King.

En 1985 “Everybody’s Crazy” sale al mercado. Dos años después, el disco “The Hunger” es presentado, y prosigue con “Soul Provider” que en 1989 le supone por fin un gran éxito comercial en todo el mundo.

Inicia la década de los noventa con el lanzamiento de “Time, Love & Tenderness” (1991); posteriormente sale a la venta “Timeless: the Classics” ; y en 1993 realiza dos nuevos discos: “The One Thing (álbum)” y “The Artistry of Michael Bolotin”.

En 1995 aparece un disco recopilatorio de grandes éxitos: “Greatest Hits (1985-1995)». Un año más tarde se publica un disco navideño, “This Is The Time: The Christmas Album”.

En 1997 graba “All That Matters” y en 1998 “My Secret Passion”. Finaliza la década con el lanzamiento del disco “Timeless: The Classics, Vol. 2” (1999).

En la década del 2000 publica “Only A Woman Like You” (2002), “Vintage » (2003), “’Til The End Of Forever” (2005), “Bolton Swings Sinatra” (2006) y «One World, One Love» (2009). Este último álbum cuenta con la colaboración de artistas como Ne-Yo y Lady GaGa.

Aparece en un cameo en la película de 2002 Snow Dogs, durante una secuencia de sueño del protagonista Cuba Gooding Jr, y en el segundo capítulo de la décima temporada de Two and a Half Men como él mismo, donde Walden (Ashton Kutcher) le pide matrimonio a Alan, Walden contrata a Michael para cantar «When a man loves another Man» en el momento que se casan.

Luego se acuesta con las madres de Alan y Walden, para después cantar «When a man loves two woman». También tuvo un breve camero en la telenovela brasileña el Clon.

25 de febrero – George Harrison

George Harold Harrison (Liverpool, 25 de febrero2 de 1943-Los Ángeles, 29 de noviembre de 2001) fue un músico multiinstrumentista, compositor, cantante, productor musical y productor cinematográfico británico, guitarrista de la banda The Beatles.

Aunque John Lennon y Paul McCartney fueron los principales compositores dentro del grupo, Harrison también incluyó composiciones propias en los discos de The Beatles, tales como «While My Guitar Gently Weeps», «Something» y «Here Comes the Sun».

Las influencias musicales más tempranas de Harrison incluyeron músicos como Big Bill Broonzy, Chet Atkins, Chuck Berry y Ry Cooder.

En 1965, fue pionero en introducir música hindú en occidente a través de instrumentos como el sitar, que tocó en canciones como «Norwegian Wood (This Bird Has Flown)» y «Within You Without You».

Harrison mantuvo también un especial interés por la cultura y religión hindú a través del movimiento Hare Krishna e introdujo a sus compañeros de The Beatles en la filosofía oriental a través del maharishi Mahesh Yogi, determinante en la evolución musical del grupo desde la grabación de The White Album (1968).

Tras la disolución de The Beatles, Harrison publicó All Things Must Pass (1970), el primer álbum de un beatle en solitario que alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200.

Este álbum contó con la participación de varios músicos, entre ellos Ringo Starr en la batería y Eric Clapton en la guitarra.

La producción estuvo a cargo del mismo George Harrison y Phil Spector, quien trabajó junto a los Beatles en el álbum Let It Be.

También organizó con Ravi Shankar The Concert for Bangla Desh (1971), el primer concierto benéfico de la historia de la música rock y precursor de eventos benéficos como Live Aid.

A lo largo de su carrera, obtuvo varios éxitos musicales con sencillos como «My Sweet Lord», «What is Life», «Give Me Love (Give Me Peace on Earth)» y «Got My Mind Set on You», participó como guitarrista en grabaciones de una larga lista de músicos y grupos como Badfinger, Ronnie Wood, Billy Preston y Eric Clapton, y cofundó con Bob Dylan, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty el supergrupo Traveling Wilburys.

Su trayectoria musical ha sido reconocida con varios premios: entró en el Salón de la Fama del Rock and Roll de forma póstuma en 2006, y la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 11 de la lista de los cien guitarristas más grandes de todos los tiempos.

De forma paralela a su trabajo como músico, Harrison también trabajó como productor musical y cinematográfico.

En 1974 fundó Dark Horse Records, un sello independiente bajo el que publicó sus discos desde Thirty Three & 1/3 (1976) hasta Brainwashed (2001), y creó HandMade Films, una productora que financió largometrajes como La vida de Brian y Time Bandits.

Harrison contrajo matrimonio en dos ocasiones: con Pattie Boyd, de quien se divorció en 1977, y con Olivia Trinidad Arias, con quien tuvo su primer y único hijo, Dhani.

En noviembre de 2001, Harrison falleció a los 58 años tras sufrir un cáncer de pulmón, y sus cenizas fueron esparcidas en una ceremonia privada en los ríos Ganges y Yamuna.

24 de Febrero – Pablo Milanes

Pablo Milanés (Bayamo, 24 de febrero de 1943) es un compositor, cantante, guitarrista y cantautor cubano, uno de los fundadores —junto con Silvio Rodríguez y Noel Nicola— de la Nueva Trova Cubana.

Pablo Milanés nació en la ciudad cubana de Bayamo (provincia de Oriente, actual provincia de Granma). Estudió música en el Conservatorio Municipal de La Habana.

En sus comienzos estuvo muy influenciado por la música tradicional cubana y por el feeling (‘sentimiento’ en idioma inglés).

El feeling es un estilo musical que se inició en Cuba en los años cuarenta y suponía una nueva manera de afrontar la canción, donde el sentimiento definía la interpretación y estaba influenciado por las corrientes estadounidenses de la canción romántica y del jazz.

El feeling se acompañaba de una guitarra, al estilo de los viejos trovadores pero enriquecidos por armonizaciones jazzísticas. Así se establecía esta nueva forma de comunicación o «feeling» con el público.

Como intérprete, en 1964 Milanés se incorporó al cuarteto Los Bucaneros, con quienes colaboró en sus primeros trabajos.

También probó suerte como solista ocasional, diversificando de esta manera sus experiencias que más tarde le llevarían a trabajar en solitario.

En 1965, Milanés publicó Mis 22 años, considerada por muchos el nexo de unión entre el feeling y la Nueva Trova Cubana, incluyendo nuevos elementos musicales y vocales que serían precursores de la música cubana que vendría después.

Hacia 1966 Milanés fue enviado por las autoridades a un campo de trabajo forzoso de la Unidad Militar de Ayuda a la Producción (UMAP) en la zona de Camagüey en el centro de la isla.

Después de fugarse a La Habana para denunciar las injusticias cometidas en lo que en 2015 llamó “un campo de concentración stalinista”1 fue encarcelado por dos meses en La Cabaña y luego mandado a un campamento de castigo donde permaneció hasta la disolución de la UMAP a finales de 1967.

En una entrevista en 2015 Milanés comentó que todavía espera que el gobierno cubano le pida perdón por lo sufrido en esa época.

Bajo el influjo del Primer Encuentro Internacional de la Canción de Protesta, celebrado en Varadero en 1967, Milanés empezó a crear canciones de contenido político.

En 1968, Milanés ofreció su primer concierto con Silvio Rodríguez en la Casa de las Américas.

Esta sería la primera muestra de lo que más tarde, en 1972, surgiría como el movimiento musical popular de la Nueva Trova. En ese mismo lugar conocería a los miembros de la élite cultural y musical de otros países americanos con los que compartía sus preocupaciones sociales.

Violeta Parra, Mercedes Sosa, Daniel Viglietti, Chico Buarque, Simone, Vinícius de Moraes, Milton Nascimento, Víctor Jara entre otros muchos, pasaron por la Casa de las Américas en aquella época.

Como compositor, Pablo Milanés ha tocado diversos estilos, entre ellos el son cubano y la canción de protesta a finales de los sesenta. Ha pertenecido al Grupo de Experimentación Sonora y ha compuesto temas para el cine.

A través del GESICAIC, tanto Pablo Milanés como otros destacados músicos cubanos, incluyendo a Silvio Rodríguez, participan en un taller creativo donde se formaba a jóvenes talentos cinematográficos cubanos enseñándoles lo mejor de la música cubana, que posteriormente quedaría plasmado en una generación de cineastas que fundían a la perfección música y cine.

Esta etapa de Pablo Milanés abarca desde finales de los sesenta hasta mediados de los setenta, y va repleta de temas del artista: Yo no te pido, Los años mozos, Cuba va, Hoy la vi, Yolanda, No me pidas, Los caminos, Pobre del cantor, Hombre que vas creciendo, Yo pisaré las calles nuevamente, y otras.

A principio de los años ochenta, Pablo Milanés forma su propio grupo, con la colaboración de varios amigos que estuvieron con él en el GESICAIC.

Esta etapa se caracteriza por la riqueza de los recursos musicales utilizados y por la variedad de los géneros entremezclados, aunque sus contenidos siguen teniendo un fuerte trasfondo social.

Un álbum importante en la vida de Pablo Milanés fue el titulado Querido Pablo, un disco homenaje grabado con algunos de sus grandes amigos, y en el que participan gente de la talla de Víctor Manuel y Ana Belén, Luis Eduardo Aute y Mercedes Sosa, entre muchos otros.

Este disco tuvo una secuela en 2002, que llevaba el título de Pablo Querido. Diecisiete años después, un buen puñado de artistas se vuelve a reunir para cantar al son de Pablo Milanés.

En esta ocasión, además de amigos «clásicos» de Pablo, se unen artistas de la nueva música pop, como Fher (el cantante del grupo mexicano de rock Maná), Marco Antonio Muñiz o Armando Manzanero.

En 2005 compone una parte de la banda sonora de la película Siempre Habana dirigida por Ángel Peláez.

De entre sus muchas canciones, son especialmente famosas: Yolanda, Yo me quedo, Amo a esta isla y El breve espacio en que no estás, Para vivir y Cuánto gané, cuánto perdí

Numerosos artistas han colaborado con él, entre los que destacan Silvio Rodríguez, Ana Belén, Fito Páez, Ricardo Arjona, Maná, Luís Represas, Joaquín Sabina, Caco Senante, Ismael Serrano, Joan Manuel Serrat, Los Van Van, Carlos Varela, Lilia Vera, Víctor Manuel o Javier Ruibal.

23 de Febrero – Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händelnota. George Frideric (o Frederick) Handel (Halle, Brandeburgo-Prusia; 23 de febrero – Londres; 14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las figuras cumbre de la historia de la música, especialmente la barroca, y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.

En la historia de la música, es el primer compositor moderno​ en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público,​ en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell,​ marcó toda una era en la música inglesa. Para varios expertos es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía​ y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana​ y para algunos hasta en el oratorio, por delante de Bach.

Su legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo xviii d. C., incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios (entre ellos El Mesías) y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.

Georg Friedrich Händel nació el 23 de febrerojul./ 5 de marzo de 1685greg. en la ciudad de Halle, ubicada en el Ducado de Magdeburgo del Sacro Imperio Romano Germánico (actual Alemania), hijo de Georg Händel y Dorothea Taust.8​ Su padre, que tenía 63 años cuando nació Georg Friedrich, era un cirujano-barbero de prestigio que sirvió en la corte del Ducado de Sajonia-Weissenfels y el Margraviato de Brandeburgo.9​ De acuerdo con el primer biógrafo de Händel, John Mainwaring, «había descubierto tan fuerte propensión por la música que su padre, que siempre había deseado que se dedicara al estudio del Derecho Civil, tuvo razones para alarmarse. Le prohibió estrictamente que jugueteara con cualquier instrumento musical, pero Händel encontró medios para conseguir un pequeño clavicordio que transportó en privado a una habitación en la parte superior de la casa. Se escapaba a esta sala constantemente cuando la familia estaba durmiendo».10​ A una edad temprana, Händel se convirtió en un hábil intérprete de órgano y clave.

Händel y su padre viajaron a Weissenfels para visitar al hermanastro de Händel, Carl, o sobrino, Georg Christian,nota 2​ que servía como ayudante de cámara para el duque Juan Adolfo I.nota 3​ En este viaje, el joven Händel se sentó en el taburete del órgano de la iglesia del palacio, donde sorprendió a todos con su interpretación del instrumento.12​ Esta actuación ayudó a Händel y al duque a convencer a su padre para que le permitiera tomar lecciones de composición musical y técnica del teclado con Friedrich Wilhelm Zachow, el organista de la Marienkirche de Halle.12​ Zachow componía la música para los cultos dominicales en la iglesia luterana y de él Händel aprendió sobre armonía y contrapunto, la copia y el análisis de partituras y aprendió a tocar el oboe, violín, clave y órgano.12​ En 1698, Händel interpretó para Federico I de Prusia y se reunió con Giovanni Bononcini en Berlín.

En 1702, cuando tenía 17 años y por seguir los deseos de su padre, Händel comenzó a estudiar Derecho con Christian Thomasius en la Universidad de Halle.​ Le nombraron organista de la catedral calvinista de Halle por un año. Parece que Händel estuvo satisfecho con ello. Un año después, en 1703, viajó a Hamburgo, donde fue admitido como violinista y clavecinista en la orquesta de la Oper am Gänsemarkt de Hamburgo.​ Allí conoció a los compositores Johann Mattheson, Christoph Graupner y Reinhard Keiser y compuso sus dos primeras óperas, Almira y Nero, en 1705.15​ Escribió otras dos óperas, Daphne y Florindo, en 1708. No está claro si Händel dirigió esas representaciones.

De acuerdo con Mainwaring, en 1706 Händel viajó a Italia por invitación de Fernando de Médici. Otras fuentes afirman que Händel fue invitado por Juan Gastón de Médici, a quien había conocido en 1703-1704 en Hamburgo.​ De Médici, que tenía un gran interés en la ópera, estaba tratando de hacer que Florencia fuera la capital musical de Italia mediante la atracción de destacados talentos de su época. En Italia, Händel conoció al libretista Antonio Salvi, con quien más tarde colaboró. Händel fue a Roma y, como la ópera fue (temporalmente) prohibida en los Estados Pontificios, compuso música sacra para el clero romano. Disfrutó del mecenazgo tanto de la nobleza como del clero. Su famoso Dixit Dominus (1707) es de esta época. También compuso cantatas en estilo pastoral para reuniones musicales en los palacios de los cardenales Pietro Ottoboni, Benedetto Pamphili y Carlo Colonna. En 1707, compuso su primer oratorio El triunfo del tiempo y del desengaño17​ y un año después escribió La resurrezione, basado en textos bíblicos. Ambos se representaron en un ambiente privado para las familias Ruspoli y Ottoboni en 1709 y 1710, respectivamente.

La primera de todas sus óperas italianas, Rodrigo, fue producida en el Teatro Cocomero de Florencia en 1707.​ Agripina se representó por primera vez en 1709 en el Teatro San Giovanni Grisostomo, propiedad de la familia Grimani. Contaba con libreto del cardenal Vincenzo Grimani y se escenificó durante 27 noches consecutivas.​ Tal fue el reconocimiento que se le dio a Haendel en este país, que recibió el sobrenombre de Il caro Sassone (en referencia a los orígenes alemanes del compositor), como nombre afectivo.

En 1710, Händel regresó de Italia a Alemania y se convirtió en el maestro de capilla del príncipe elector de Hannover Jorge, que en 1714 se convertiría en Jorge I de Gran Bretaña.24​ Visitó a Ana María Luisa de Médici y a su marido en Düsseldorf en su camino hacia Londres en 1710. Obtuvo un gran éxito con su ópera Rinaldo, basada en el poema épico Jerusalén liberada del poeta italiano Torquato Tasso, a pesar de que la había compuesto rápidamente, con muchos préstamos de sus más tempranas obras italianas.25​ Esta obra contiene el aria Cara sposa, amante cara y la famosa Lascia ch’io pianga

En vista del éxito cosechado, en 1712 Händel decidió establecerse en Inglaterra. En el verano de 1713, vivió en la casa de Mathew Andrews Barn Elms Surrey.​ Recibió un salario anual de 200 libras de la reina Ana, después de que hubiera compuesto para ella Utrecht Te Deum and Jubilate, interpretado por primera vez en 1713.​ El biógrafo de Händel Jonathan Keates sugirió que pudo haber viajado a Londres en 1710 y establecido allí en 1712 como espía para el futuro sucesor de la reina Ana, su anterior empleador el príncipe Jorge de Hannover.

Uno de sus mecenas más importantes fue Richard Boyle, un joven y acaudalado aristócrata de familia anglo-irlandesa.​ Para el joven Lord Burlington, Händel compuso en 1715 Amadigi di Gaula, una ópera mágica sobre una damisela en apuros, basada en la novela de caballerías de Antoine Houdar de La Motte.

Händel no compuso óperas durante cinco años porque le resultaba difícil imaginar la concepción de una obra de tales características como una estructura coherente.​ En julio de 1717, se representó la Música acuática más de tres veces en el Támesis para el Rey y sus invitados.

Artículo principal: Estancia de Georg Friedrich Händel en Cannons En 1717, Händel se convirtió en el compositor de Cannons en Middlesex, donde puso la primera piedra para sus composiciones corales futuras en los Chandos Anthems.​ Romain Rolland afirma que estos himnos fueron tan importantes para sus oratorios como las cantatas lo fueron para sus óperas. Otra obra, que escribió para el Primer Duque de Chandos, el dueño de Cannons, fue Acis y Galatea, que fue la más importante obra representada durante la vida del compositor. Winton Dean escribió, «la música corta la respiración y perturba la memoria».

En 1719, el duque de Chandos se convirtió en uno de los más importantes clientes del compositor y estaba entre los principales suscriptores de su nueva compañía de ópera, la Royal Academy of Music, pero su mecenazgo declinó después de que Chandos perdiera dinero en la burbuja de la Compañía del Mar del Sur, que explotó en 1720 en una de las mayores crisis financieras de la historia. El propio Händel había invertido en valores de la Compañía en 1716, cuando los precios eran bajos y los había vendido antes de 1720.

En mayo de 1719, Thomas Pelham-Holles, Lord Chambelán, ordenó a Händel buscar nuevos cantantes para la Royal Academy of Music, fundada por un grupo de aristócratas para asegurarse un suministro constante de óperas barroca u óperas serias.​ Händel viajó a Dresde para asistir a la ópera recién construida. Vio Teofane de Antonio Lotti, y contrató a los miembros del reparto para la compañía. Händel pudo haber invitado a John Smith, su compañero de estudios en Halle, y su hijo John Christopher Smith, para convertirse en su secretario y amanuense.​ Para 1723, se había instalado en una casa de estilo georgiano en el número 25 de Brook Street, que alquiló para el resto de su vida.​ Esta casa, donde ensayaba, copiaba música y vendía entradas, es ahora la Handel House Museum.nota 4​ Durante doce meses, entre 1724 y 1725, Händel escribió tres óperas destacadas y exitosas, Julio César en Egipto, Tamerlán y Rodelinda. Las óperas de Händel están llenas de arias da capo, como Svegliatevi nel core. Después de componer Silete venti, se concentró en la ópera y dejó de escribir cantatas. Scipione, del que se deriva la marcha lenta del regimiento de la Grenadier Guards británica,​ se representó como un recurso provisional, a la espera de la llegada de la soprano Faustina Bordoni. Además, tuvo el privilegio de contar con los servicios de varios de los principales virtuosos vocales de primera línea de la ópera italiana: el castrato contralto Senesino, la soprano Francesca Cuzzoni y el bajo Antonio Montagnana, entre otros.

Allí Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720 y 1728, que le hicieron famoso en toda Europa. La estabilidad económica de la empresa, la disposición de los prestigiosos solistas y de una excelente orquesta, así como el gran entusiasmo del público, permitieron a Händel llevar a la época de gloria de la Royal Academy of Music, que incluyó varias de las piezas cumbre de la ópera seria.

El 11 de junio de 1727 falleció Jorge I, pero antes de morir había firmado el «Acta de Naturalización» de Händel. El compositor era ya súbdito británico. En ese momento cambió su nombre a «George Frideric Handel». A Jorge I le sucedió Jorge II y para su coronación se encargó la música a Händel. Así nacieron los Coronation Anthems «Zadok the Priest», que ha sido interpretado en cada coronación desde entonces;40​ «My Heart is Inditing», «Let Thy Hand be Strengthened» y «The King shall Rejoice». Las dimensiones de la orquesta y músicos requeridos eran extraordinarias (se pudo leer en un periódico «hay 40 voces y unos 160 violines, trompetas, oboes, timbales y bajos, proporcionalmente, además de un órgano, que fue instalado detrás del altar»). Después de nueve años de existencia, la Royal Academy of Music cesó su función pero Händel pronto inició una nueva compañía.

El King’s Theatre de Haymarket, fundado en 1705 por el arquitecto y dramaturgo John Vanbrugh, rápidamente se convirtió en un teatro de ópera.​ Entre 1711 y 1739, se estrenaron allí más de 25 óperas de Händel.​ En 1729, Händel se convirtió en gerente adjunto del teatro con John James Heidegger.

Händel viajó a Italia para contratar nuevos cantantes y también compuso siete óperas más, entre las que se encuentran Parténope y Orlando.4 Con Athalia, su primer oratorio inglés,​ Deborah y Esther, Händel sentó las bases del uso tradicional del coro que marcó sus oratorios posteriores.​ Se mostró más seguro de sí mismo, abierto en sus presentaciones y más diverso en su composición.​ Händel pudo invertir de nuevo en la Compañía del Mar del Sur gracias al éxito comercial de Esther y Deborah. Reelaboró su Acis y Galatea, que entonces se convirtió en su mayor éxito obtenido. Händel no pudo competir con la Ópera de la Nobleza, que contrató a músicos como Johann Adolph Hasse, Nicola Porpora y el más famoso castrato, Farinelli. El gran apoyo a esta compañía de Federico, príncipe de Gales, causó conflictos en la familia real. En marzo de 1734, Händel compuso un himno nupcial «This is the day which the Lord hath made» y la serenata Parnasso in festa para Ana de Hannover.

En 1734, el consejo de inversores principales esperaba que Händel se retirara cuando expirara su contrato en el King’s Theatre, pues ya no se tenía interés en que continuara como compositor. Se instaló allí la Ópera de la Nobleza, la cual contaba con el compositor italiano Nicola Porpora. Por tanto, Händel inmediatamente buscó otro teatro. Le ofrecieron trabajar en el recién construido Covent Garden Theatre y el compositor aceptó.

En cooperación con John Rich, empresario de este nuevo teatro y conocido por sus espectaculares producciones, Händel acordó producir cinco óperas para la temporada 1734-1735, dos de ellas fueron reposiciones de Il pastor fido y Arianna y tres estrenos: Oreste (un pastiche más que ópera), Alcina y Ariodante. Händel sugirió usar su pequeño coro e introducir la danza de Marie Sallé, para la que compuso Terpsícore. En 1735, introdujo conciertos para órgano entre los actos. Por primera vez Händel dejó que Gizziello fuera sustituto en las arias, quien no tuvo tiempo para aprender su parte.48​ Económicamente, Ariodante fue un fracaso, a pesar de que presentaba suites de ballet al final de cada acto.49​ Alcina, su última ópera con un contenido mágico, y Alexander’s Feast fueron protagonizadas por Anna Maria Strada y John Beard. Este último se convirtió en el tenor solista permanente de Händel durante el resto de su vida.50​ La pieza fue un gran éxito y le permitió al compositor hacer la transición entre la escritura de óperas italianas a las obras corales inglesas.

En abril de 1737, cuando tenía 52 años, Händel sufrió un derrame cerebralnota 5​ que le inhabilitó el uso de cuatro dedos de su mano derecha, lo que le impidió tocar.51​ Incluso parecía que el trastorno a veces afectaba a su entendimiento. Nadie esperaba que Händel fuera a ser capaz alguna vez de volver a tocar pero se recuperó con notable rapidez del problema.52​ Händel viajó a un balneario a Aquisgrán para recuperarse. Durante seis semanas tomó largos baños calientes y terminó tocando el órgano para un público sorprendido.53​ Incluso pudo escribir una de sus óperas más populares, Serse (que incluye la famosa aria Ombra mai fù que escribió para el castrato Caffarelli), justo un año después de su aflicción.54​

Georg Friedrich Händel en 1741.
En 1741, se representó tres veces su última ópera, Deidamía, una coproducción con el conde de Holderness.55​ Händel renunció a la composición de óperas y se dedicó a la de oratorios, que tenían más éxito.56​ Durante el verano de ese año, William Cavendish invitó a Händel a Dublín, capital del Reino de Irlanda, para dar conciertos en beneficio de hospitales locales.57​ Allí tuvo lugar el estreno de El Mesías, en el New Music Hall en Fishamble Street, el 13 de abril de 1742, con un coro de 26 niños y cinco hombres que provenían de los coros de las catedrales de San Patricio y de la Santísima Trinidad.

El estreno de Sansón, el 18 de febrero de 1743 en el Covent Garden Theatre, y el uso de solistas en inglés fue un gran éxito. La obra es muy teatral y el papel del coro se hizo cada vez más importante en sus oratorios posteriores. En 1747, escribió el oratorio Alexander Balus. Esta obra se escenificó en el Covent Garden Theatre el 23 de marzo de 1748 y para el aria Hark! hark! He strikes the golden lyre, compuso el acompañamiento para mandolina, arpa, violín, viola y violonchelo.

En 1749, Händel compuso la Música para los reales fuegos de artificio y a su primera representación asistieron 12 000 personas.59​ Un año después se organizó una interpretación del Mesías a beneficio del Hospital Foundling, que tuvo un gran éxito y estuvo seguido de conciertos anuales durante el resto de su vida. En reconocimiento a su patrocinio, Händel fue nombrado gobernador del hospital el día después de su concierto inicial. Legó una copia del Mesías a la institución después de su muerte.60​ Su implicación con el Hospital es conmemorada hoy con una exposición permanente en el Museo Foundling de Londres, que también alberga la Gerald Coke Handel Collection. Händel también realizó obras de beneficencia junto a organizaciones que asistían a músicos pobres y a sus familias.

En agosto de 1750, mientras viajaba en carruaje a Londres de regreso desde Alemania, Händel sufrió un accidente entre La Haya y Haarlem y resultó herido.61​ Un año después, comenzó a tener problemas de visión en un ojo debido a una catarata, que fue operada por John Taylor. La operación no mejoró su vista, sino que posiblemente la empeoró.56​ En esa época estaba componiendo el oratorio Jephtha. Al año siguiente, en 1752, se quedó completamente ciego.

A comienzos de abril de 1759, se sintió mal mientras dirigía su oratorio El Mesías. Terminado el concierto, se desmayó. Falleció el 14 de abril de 1759, en su casa en la calle Brook, 74. Fue enterrado, según su deseo plasmado en su testamento, en la abadía de Westminster, panteón de las personas más célebres del Reino Unido.62​ Más de tres mil personas asistieron a su funeral, que fue celebrado con honores de Estado.

Händel poseía una colección de arte que subastaron un año después de su muerte, en 1760. El catálogo de la subasta contenía un listado de aproximadamente setenta pinturas y diez grabados (legó otras pinturas).​

El estilo de Händel es una síntesis de los principales estilos nacionales musicales de su época, tomando los mejores elementos y características de cada uno de ellos y superándolos por separado, como sus compatriotas contemporáneos Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann, donde además se añade el estilo inglés de Henry Purcell, al que Händel le da un nuevo y vigoroso empuje, siendo el verdadero continuador de este compositor.2​3​ Todo ello fruto de sus estancias en Inglaterra, Alemania e Italia, dando prueba de que Händel era un auténtico cosmopolita de su tiempo.

Su estilo tiene la solidez y el contrapunto de la música alemana, la melodía y el enfoque vocal del bel canto de la italiana, la elegancia y solemnidad de la escuela francesa y la audacia, sencillez y fuerza de la inglesa.3​ Händel es un fiel continuador de estos estilos y técnicas, en que no aporta ninguna novedad a todas estas corrientes musicales de la primera mitad del siglo xviii d. C., aunque como Jean-Philippe Rameau, su música, especialmente en óperas y oratorios, adquiere un nuevo y especial sentido dramático y monumental, triunfante, poderoso y solemne que es único entre la música de su tiempo.

Generalmente, su producción tiene una estructura simple y sencilla,66​ de lenguaje vocal en la línea del bel canto italiano67​ pero templado y conteniendo un pudor expresivo que recuerda a Purcell en vez de a los compositores italianos,​ cuyas cualidades cautivan rápidamente al auditorio,66​ y la homofonía. Es, en esencia, de corte mayormente italiano, que es el estilo más presente en su música y el que más ha influenciado en todos los aspectos de su obra.

Händel introdujo en sus obras instrumentos musicales poco corrientes, como la viola de amor y la violetta marina (Orlando), el laúd (Oda para el día de Santa Cecilia), tres trombones (Saul), clarinetes o pequeñas cornetas (Tamerlán), tiorba, trompa (Música acuática), liricordio, contrafagot, viola da gamba, carillón, órgano positivo y arpa (Julio César en Egipto y Alexander’s Feast).

El catálogo musical de las obras de Händel, que abarca en total 612 registros más 25 suplementos y obras dudosas y perdidas,70​fue elaborado y publicado en 1978 y 1986 en tres volúmenes. Se conoce con las siglas «HWV», que significan Händel-Werke-Verzeichnis (en alemán, «Catálogo de obras de Händel»).71​ A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente, el HWV está clasificado por tipo de obra de géneros y según su naturaleza vocal o instrumental.

Sus obras se dividen en siete grandes grupos, contenidos en dos grandes bloques: música vocal (dramática, oratorios, profana y religiosa) y música instrumental (orquestal, de cámara y para clave) donde abarca todos y cada uno de los géneros de su época.

En cuanto a música vocal, los géneros y obras que el compositor compuso, que suman 290 piezas en total, son 43 óperas en italiano, alemán e inglés —46 si se añaden Sémele, Acis y Galatea y Hércules—,73​74​75​ dos músicas incidentales para espectáculos en inglés, 26 oratorios en italiano, alemán e inglés, cuatro odas y serenatas en italiano e inglés, 100 cantatas en italiano y español, 21 dúos, dos tríos, 26 arias sueltas, 16 obras para conciertos espirituales, 41 himnos, cinco Te Deum, un Jubilate y tres himnos inglese

Las óperas componen el punto central de su obra junto con los oratorios y es uno de los más importantes compositores de dicho género,79​ y el más destacado en el subgénero dramático de la ópera barroca, la ópera seria del siglo xvii d. C.. Sin embargo, dentro de la ópera seria no se puede comparar a Händel con sus antecesores, Alessandro Scarlatti, y sucesores, Johann Adolph Hasse, Christoph Willibald Gluck y Nicola Porpora, ya que fue diferente de ellos por sus formas poco italianas80​ y la utilización de recursos de la ópera alemana y francesa.6​

Händel tendía cada vez más a sustituir solistas italianos por ingleses. La razón más importante de este cambio fue la disminución de los rendimientos financieros de sus óperas.81​ Así fue cómo se creó la tradición con los oratorios que habría de regir su representación en el futuro. Las obras se interpretaban sin trajes ni acción y los cantantes aparecían con su propia ropa.82​ Su obra más famosa, el oratorio El Mesías con su coro «Aleluya», es una de las obras más populares de la música coral y se ha convertido en la pieza central de la temporada navideña.

En música instrumental, compuso 78 obras en el ámbito orquestal: 34 conciertos para solistas, 23 concierti grossi, cuatro oberturas, siete suites, dos sinfonías, seis movimientos de danzas y conciertos sueltos y dos marchas.72​83​ Escribió 68 en el ámbito de cámara: 22 sonatas para un instrumento solista y bajo continuo, 25 sonatas en trío y 19 movimientos sueltos de danzas, marchas y sonatas.72​84​ Entre todas ellas destacan dos obras orquestales, Música para los reales fuegos de artificio y Música acuática.

Entre 1703 y 1706, mientras residía en Hamburgo compuso la cuarta estructura de la Suite N°4, Zarabande para clavecín en D-menor, la obra fue publicada recién en 1733.

Las obras para teclado de Händel, en especial las 186 destinadas al clavicémbalo —30 suites y oberturas y 156 movimientos de suite sueltas—,72​ son una de las cimas de la música barroca, junto con Johann Sebastian Bach, Jean-Philippe Rameau, François Couperin y Domenico Scarlatti para estos instrumentos. Sus obras más importantes y conocidas son dos colecciones de suites (HWV 426-433 y HWV 434-438) —publicadas en Londres en 1720—, seis fugas (HWV 605-610) y doce conciertos para órgano (Op. 4 y Op. 7). En este ámbito, su maestro Friedrich Wilhelm Zachow le familiarizó con la escuela alemana del clave y órgano, donde recibió influencias de Johann Kuhnau, Johann Jakob Froberger, Johann Caspar Kerll y Dietrich Buxtehude.86​ Esta música tiene un aspecto libre y espontáneo, al igual que el resto de su música instrumental. Este novedoso y poco común género lo interpretaba él mismo en los intermedios de sus oratorios.87​88​ Händel, en estos conciertos, demostraba su talento como organista87​ y su original sonoridad89​ y con ellos se ganaba el favor del público.86​ Sin embargo, se tiene una imagen incompleta de cómo debía de sonar realmente esa música, ya que en las partituras no aparecen las ornamentaciones ni las secciones reservadas a la improvisación.86​ Händel, como Bach, fue un notable improvisador al teclado.

Sus suites HWV 426-433 tienen una originalidad y una variedad muy grande en varios aspectos, en referencia a la suite francesa para teclado, siguiendo la norma como el resto de su obra instrumental.90​ Adoptó variados patrones y movimientos de diversos géneros: la sonata de iglesia, como en el caso de la Suite 2, la estructura clásica de la suite, como en el caso de la Suite 1, o una combinación de ambos géneros, como en la Suite 7, y diversos estilos, como el concierto en la Suite 4.90​ Estas suites tienen una gran potencia y sentido dramático, un aire de grandeza que casi desborda el marco del clave y utilizan tonalidades poco usadas en la primera mitad del siglo xviii d. C., como en el caso de la Suite en fa sostenido menor, y, entre la producción de teclado, es en estas obras donde está más patente la originalidad de Händel.

Después de su muerte, las óperas italianas de Händel cayeron en el olvido, a excepción de selecciones como el aria de Serse, Ombra mai fù. Se continuaron interpretando sus oratorios, pero no mucho después de la muerte del compositor se pensaba que necesitaban un poco de modernización y Wolfgang Amadeus Mozart orquestó una versión alemana del Mesías y otras obras. En el vigesimoquinto aniversario de su muerte, tuvo lugar un acto de conmemoración en la Abadía de Westminster.

A lo largo del siglo xix d. C. y la primera mitad del siglo xx d. C., en particular en los países de habla inglesa, su reputación se basaba principalmente en sus oratorios ingleses, que se representaban habitualmente por enormes coros de cantantes aficionados en ocasiones solemnes. El centenario de su muerte, en 1859, fue celebrado con una representación del Mesías en The Crystal Palace, que implicaba 2765 cantantes y 460 instrumentistas, que actuaron para un público de unas 10 000 personas.

En general, Händel ha gozado de una gran estima entre sus compañeros compositores, tanto en su propia época como desde entonces.91​ Johann Sebastian Bach intentó, sin éxito, reunirse con Händel mientras estaba visitando Halle.92​ A Mozart se le atribuye haber dicho de él «Handel entiende los afectos mejor que cualquiera de nosotros. Cuando quiere, golpea como un rayo».93​ Para Ludwig van Beethoven era «el maestro de todos nosotros … el compositor más grande que jamás haya existido. Me dejaría al descubierto la cabeza y me arrodillaría ante su tumba».​ Beethoven destacó, sobre todo, la sencillez y el atractivo popular de la música de Händel cuando dijo: «Recurre a él para aprender cómo lograr grandes efectos, por medios tan simples».

23 de Febrero – Residente

René Pérez Joglar (Hato Rey, San Juan, 23 de febrero de 1978),​ también conocido por su nombre artístico Residente, es un rapero, compositor y productor puertorriqueño.

En 2004 fue fundador y vocalista de Calle 13 (2004-2014) banda que integró con su hermana Ileana Mercedes Cabra Joglar y su hermanastro Eduardo Cabra.

En 2015 inició su carrera como solista.​ En sus letras destaca el contenido social y político y su música combina la música del mundo con el rap alternativo.

Como líder de Calle 13 ha ganado 27 grammys. Estudió arte durante 8 años y ha dirigido algunos de sus vídeos musicales.

Ha colaborado en campañas sociales con UNICEF y Amnistía Internacional​ y es constante defensor de la educación latinoamericana y los derechos de los pueblos indígenas.

Fue censurado en su país por insultar públicamente al gobernador de Puerto Rico cuando éste despidió a más de 30 mil empleados públicos.

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Nació en un hospital de Hato Rey, un sector que pertenece al área de San Juan. Su entorno familiar es clave en su proceso, explica en sus entrevistas. Su madre, Flor Joglar de Gracia, formó parte de la compañía Teatro del 60, y en sus años de estudiante perteneció a la Juventud Independentista Universitaria (JIU).​

Su padre, Reinaldo Pérez Ramírez, era un abogado laboralista, músico y escritor también independentista que participó en diferentes brigadas internacionales en la Nicaragua sandinista y en Cuba.​

Estudió en la escuela libre de música y a los 17 años junto a Louis García, trombonista y arreglista, fundan la banda Latin Tempo. Estudió Ciencias Políticas y Derecho en la universidad de Puerto Rico​, periodo en el que presidió la Juventud Independentista puertorriqueña “JIU”.

Tan pronto se graduó de la escuela de derecho fundó un bufete de abogados dedicado a representar sindicatos de trabajadores.

En 1987 viaja a Cuba como representante de la juventud de Puerto Rico y como uno de los miembros del (PSP) Partido Socialista Puertorriqueño. En la década de los 80, Reinaldo Pérez viajó a Nicaragua durante la revolución Sandinista de forma solidaria junto con otros puertorriqueños.

René se crio junto a su madre y hermanos en el pueblo de Trujillo Alto en una urbanización de clase media trabajadora. Desde niño tuvo a su alrededor arte, música y el deporte. Aprendió a tocar la guitarra de manera autodidacta, tomó clases de saxofón alto y de batería. A los 12 años formó parte de la banda de la escuela como baterista. Su interés por el dibujo y la música eran evidentes pero su pasión siempre fue el béisbol, deporte que practicó durante muchos años hasta terminada la escuela superior. Ingresó a la Escuela de Artes Plásticas en San Juan de Puerto Rico y​ tras licenciarse logró una beca para estudiar en el Savannah College of Art and Design, en Georgia, donde realizó un posgrado en Bellas Artes.

Mientras estudiaba en Savannah crea el seudónimo de Residente para revivir algo que hacía desde chico y durante su tiempo libre comienza a escribir tanto poesía como canciones de rap. Eligió ese apodo porque así es como se tenía que identificar con el guardia cada vez que regresaba a su casa en Trujillo Alto.​ Terminada su maestría viaja a Barcelona, España, con el sueño de ir a trabajar allá. No consigue trabajo y toma unos cursos de cine, ya que también le apasionaba el séptimo arte. Durante su tiempo viviendo en España presenta un corto que dirigió mientras fue estudiante del SCAD, el cual presentó en Madrid, alcanzando un segundo lugar en una competencia de cortometrajes en un festival de cine independiente.

Tras su regreso a Puerto Rico, trabajó en diferentes proyectos de arte. Trabajó haciendo ilustraciones y animaciones 3D para arquitectos. También trabajó como editor de vídeos musicales. Durante este período René comienza a escribir nuevamente, esta vez desde la capital de su país, el viejo San Juan. Comienza a alimentar su escritura con la cotidianeidad boricua y su jerga. También conecta con el barrio La Perla, ya que vivía en frente de él. Todo esto se va a ver reflejado en su primer disco. Luego de tener una idea mucho más clara, René se acerca a su hermano Eduardo Cabra para que lo ayude con la música.

A pesar de que varias multinacionales no le prestaron atención a su música, continuó con la búsqueda. Cuando se encontraba desesperado por no tener ingresos para lo más básico, escribe la canción Tengo hambre y llama a su hermano Gabriel, quien le recomienda mostrarle su música a White Lion, una disquera independiente responsable del éxito en ese entonces de Tego Calderón. Elías de León, dueño de la disquera White Lion junto con su A&R Karly Rosario, fueron los primeros en entender que la propuesta de René podía ser grande.

Residente afirma no fumar ni utilizar drogas, atribuyendo a esto, junto a su afición deportiva, el mantenerse en forma durante sus giras.

Residente se da a conocer en junio con el sencillo Se Vale To-To que se escuchó en las estaciones de radio de Puerto Rico.

En septiembre, a raíz del cruento asesinato del líder Machetero Filiberto Ojeda Ríos por parte del FBI (Federal Bureau of Investigations, por sus siglas en inglés) escribió y grabó la canción Querido FBI dirigida a dicha agencia federal. El tema, lanzado viralmente por internet a solo 30 horas de la muerte de Ojeda, capturó la atención de la prensa alcanzando las primeras planas de los periódicos. La canción definiría el compromiso social de Residente y Calle 13. Era la primera vez que se escuchaba una canción de alto contenido social y pro independencia en la radio mainstream de Puerto Rico.​ En noviembre Calle 13 le presenta al público el tema Atrévete-te-te, primer sencillo con éxito internacional del grupo. El primer disco Calle 13, se lanzó el 29 de noviembre del 2005; grabación que fue elogiada por el Time Magazine y que posteriormente recibió 3 nominaciones para Grammy Latino, resultando ganadores en las tres categorías. En diciembre fue invitado por el gobernador de Puerto Rico para unirse a la campaña en contra de las balas al aire. Residente junto a su hermano Eduardo Cabra (Visitante) hicieron el tema “Ley de Gravedad”.

Por otra parte, The New York Times invitó a los estadounidenses a visitar Puerto Rico para que tuvieran la oportunidad de ver a lo que llamaron «el primer intelectual que llega al estrellato del género reggaetón». Sus primeros dos temas musicales junto a Suave, le dieron a conocer en Latinoamérica.

El sencillo Atrévete-te-te alcanza el tope en las listas de popularidad en Colombia, y convirtiéndose en un éxito radial en México, Venezuela, Argentina, Ecuador, Perú y Chile.

La agrupación puertorriqueña sale por primera vez de su país y comienza a viajar por Latinoamérica, presentándose en conciertos y premiaciones internacionales.

En mayo dan su primer concierto en la Isla, en el Coliseo de Puerto Rico José Miguel Agrelot (El Choliseo), donde tocan todas las canciones de su primer disco, incluyendo algunos temas que habían lanzado gratuitamente por internet.

Residente es invitado a colaborar con otros artistas, entre ellos Nelly Furtado, con el tema No hay igual y luego de su presentación en los Premios Juventud, con Alejandro Sanz en La Peleíta.

Compartieron escenario, también, con el roquero argentino Gustavo Cerati en el Summer Stage de Central Park en Nueva York. Calle 13 ganó el premio Artista Promesa en la premiación de los MTV Latinoamérica.​ Un mes más tarde ganaría las tres nominaciones en la premiación de los Grammy Latinos.

El 24 de abril marcó el lanzamiento de su segundo álbum titulado Residente o Visitante, el que definieron como «el disco más oscuro, más fuerte y más obsceno que ha grabado el grupo». En él se incorporan colaboraciones con Bajofondo Tango Club y el compositor, músico y productor musical argentino Gustavo Santaolalla.

El disco también contó con duetos con la Mala Rodríguez, Tego Calderón e intervenciones del músico venezolano Panasuyo, el grupo cubano Orishas y el músico argentino Vicentico, cofundador y vocalista de la banda Los Fabulosos Cadillacs.

Además, se presentaron por primera vez en el festival de rock mexicano Vive Latino y participaron en el Sonar Festival de Barcelona. En ese tiempo, viajaron a Argentina donde realizaron dos conciertos y su música tuvo muy buena acogida. En este año son invitados por la revista Billboard para salir en la portada de la revista. Lanzan por internet el tema Tributo a la policía que habla de los asesinatos de inocentes cometidos por la Policía de Puerto Rico. Nuevamente son nominados a los Latin Grammy y ganan dos de sus cuatro nominaciones en esta premiación, en la que tuvieron una memorable participación musical del tema Pa’l Norte junto a Orishas.

En este año, sale su disco Los de atrás vienen conmigo. Incluye una fusión de estilos musicales, entre ellos: salsa, candombe uruguayo, balcánica, electrónica y rock.

En el primer tema del álbum, Que lloren, Residente hace una fuerte crítica a los reggaetoneros por cantar canciones sin sentido, lo que provocó un gran revuelo dentro del género del reguetón y en el que Calle 13 se desliga completamente de ese género musical siendo el primer disco donde no se utiliza ese ritmo; por otra parte, Residente comienza a expresar un mayor compromiso social. En él se incluye una colaboración con Café Tacvba (No hay nadie como tú) y con Rubén Blades (La perla).

Residente graba junto a Mercedes Sosa Canción para un niño en la calle, un tema que forma parte de Cantora, el último disco de la gran figura de la canción folclórica argentina. Posteriormente Calle 13 se presenta en el Club Geba de Argentina y aprovechan la gran euforia del público para grabar el videoclip de la canción Fiesta de locos.

Más adelante, regresan al Coliseo de Puerto Rico José Miguel Agrelot para presentar su segundo concierto en la isla.

Para el mes de julio de ese año, Residente presenta su primer documental, Sin mapa, que fue televisado por la cadena MTV. En él se narra la travesía del grupo: Residente, Visitante, Gabriel Cabra Joglar (hermano de René y Eduardo), Ismael Cancel (baterista de Calle 13) y Brian Rodríguez (a cargo de la seguridad de Calle 13), los cuales partieron en búsqueda de la esencia del continente latinoamericano, comenzando en Nicaragua y extendiéndose a través de Perú, Venezuela y Colombia.

Muestra diversos momentos de los conciertos de la banda, a modo de paréntesis dentro de la aventura del viaje; todo ello utilizando recursos muy limitados en aquel momento. Esto posteriormente daría pie a nuevas letras con mayor relevancia social. Sin mapa logró captar el momento cuando Calle 13 salta del anonimato y se convierte, en menos de un año, en un grupo reconocido en Latinoamérica; hecho que se destaca en el tema La fokin’ moda.

El disco Los de atrás vienen conmigo tiene 5 nominaciones para los Grammy Latinos. Ganó las 5 nominaciones y tuvo una presentación en vivo junto a Rubén Blades en la ceremonia.

Residente fue invitado para participar como animador junto a Nelly Furtado en los premios MTV Latinoamérica. A lo largo de sus intervenciones, expresó su sentir y el de muchos ciudadanos latinoamericanos sobre diversos aspectos sociales y políticos de Latinoamérica, cambiándose varias veces sus controversiales camisetas que llevaban mensajes enviados por sus seguidores en Twitter.

En este año participó en una escena de la película de Disney Old Dogs, interpretando a un artista de tatuajes.

En marzo, Calle 13 se presentó frente a 500 mil personas en la Tribuna Antimperialista José Martí de La Habana.28​ Un mes después regresan al festival Vive Latino en México y tocan frente a 100 mil personas, logrando una exitosa actuación. Participaron en el Rock in Rio de Madrid, España ante 80 mil personas.

Durante este año, Calle 13 lanzó el videoclip oficial de su canción Calma pueblo, generando gran controversia mediática por su letra explícitamente contestataria y utilizar escenas de gente desnuda; algo muy familiar al fotógrafo Spencer Tunik con su serie de imágenes fijas, poniendo en evidencia que muchos se acostumbran a esas imágenes, como en la pintura y la fotografía, siempre y cuando no tomen vida y movimiento.

En abril René se une a los estudiantes de la Universidad de Puerto Rico que se encontraban en huelga, luchando por una mejor educación accesible. Los fue a visitar en sus campamentos, hace público su apoyo, y días después marcha junto con estudiantes y profesores.

En noviembre lanzan su cuarto álbum titulado Entren los que quieran. Hasta ahora, ha sido el disco más importante en la carrera del grupo, ya que se incluyen colaboraciones con Omar Rodríguez-López (The Mars Volta), Totó la Momposina, Susana Baca, María Rita y Seun Kuti. Con este nuevo proyecto musical, Calle 13 experimenta una evolución en su estilo, utiliza elementos del folklore latinoamericano, afro-beat, rock y merengue, expresando un mayor compromiso social en sus letras.

Con este álbum la banda recibió diez nominaciones a los premios Latin Grammy, de las cuales logró ganar nueve.30​ Su tema Latinoamérica tuvo gran aceptación y hay opiniones de que podría etiquetarse como el himno del continente latinoamericano, y es considerada la canción más importante del disco.

Calle 13 comienza el año con tres conciertos en el Luna Park de Buenos Aires, Argentina, y luego continúan hacia el Festival de Viña del Mar 2011 donde se presentaron por segunda vez luego de tres años desde su primera actuación. Lograron una de las mejores actuaciones en la historia del evento, en donde Residente se opuso a que interrumpieran su presentación para entregarles las conocidas estatuillas que se habían ganado, que otorgan a los artistas reconocidos: dos Antorchas (de Plata y de Oro) y dos Gaviotas (de Plata y de Oro). Residente llevaba escrito en su espalda “Fuerza Mapuche” y compartió en tarima con músicos locales a quienes no se le da el espacio en Chile.

Para junio de ese año, Calle 13 realiza una gira europea, alrededor de diez países y realizando veinte conciertos en solo un mes. Posteriormente visitaron la UNAM para mostrar el videoclip del tema Latinoamérica.

En noviembre, la banda abrió la 12º Edición de los Grammy Latinos con un arreglo sinfónico del tema Latinoamérica, inspirado en el original, orquestado por Alex Berti y dirigido por el maestro Gustavo Dudamel que fue interpretado por la Orquesta Sinfónica Juvenil Simón Bolívar de Venezuela. En esa misma noche ganan nueve de las diez categorías para las que fueron nominados, rompiendo el récord de premios ganados en una misma noche lo que los colocó como los máximos ganadores en la historia de los premios, logrando 19 premios en total.

Durante el mes de abril, René visitó al presidente de Uruguay, José Mujica, para conversar sobre el estatus colonial de Puerto Rico y gestionar el apoyo latinoamericano para su descolonización. La iniciativa nació cuando la cumbre de la Comunidad de Estados Latinoamericanos y Caribeños (CELAC) no incluyó a Puerto Rico debido a su condición colonial.

En mayo de este mismo año lanzan el vídeo La vuelta al mundo dirigido por Juan José Campanella. Un mes más tarde, la Presidenta de Argentina, Cristina Fernández de Kirchner, recibió a René en su despacho de la Casa Rosada para dialogar sobre el estatus colonial de Puerto Rico. Esto en respuesta a una petición formal que él le hiciera el 28 de mayo de 2012 solicitándole audiencia. En la carta dirigida a la dignataria, el artista señaló que habla «a nombre de todos los puertorriqueños que han luchado por la independencia de Puerto Rico, de los que aún están encarcelados por ello, de los que han perdido sus vidas en medio de esta gesta y de todos los que hoy continuamos su legado».

A finales de mayo, Calle 13 completó una jornada por tierra mexicana con una poderosa presentación que algunos estiman en 60,000 personas que asistieron al Wirikuta Fest en el Foro Sol de Ciudad de México. Residente llevaba un mensaje pintado en la espalda “Yo soy 132” en apoyo al movimiento que lleva el mismo nombre, compuesto por jóvenes universitarios que han alzado su voz de protesta para que los medios transmitan la información con veracidad y no se oculte información ni se distorsione la realidad. Residente sorprendió a su fanaticada con la participación inesperada de Zack de la Rocha. El vocalista y activista social México-estadounidense, conocido por su trabajo a favor de los inmigrantes indocumentados, acompañó a Residente durante la interpretación del tema Calma pueblo. Durante su participación en tarima, Residente envió un mensaje a toda Latinoamérica diciendo que lo que pasa en Wirikuta pasa en todo el continente, “Lo nuestro no se toca, no se vende, porque un pueblo unido jamás será vencido”.

En junio, acudió a la Escuela de Periodismo y Comunicación Social de la Universidad Nacional de La Plata para recibir el Premio Rodolfo Walsh, concedido a la agrupación puertorriqueña por su aporte a la comunicación y la cultura popular. A la salida de este importante evento, en respuesta a una invitación que había recibido Residente en su correo electrónico, visitó la Unidad 33 para mujeres en la cárcel de Los Hornos, una institución que alberga casi 300 mujeres privadas de su libertad, muchas de ellas embarazadas y otras tantas con niños cuyas edades van desde recién nacidos hasta 4 años.

A finales de junio, René se unió a Tom Morello (Rage Against the Machine) y Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) en una colaboración con la banda de rock neoyorquina Outernational para el tema Todos somos ilegales (We Are All Illegals), en apoyo a los inmigrantes indocumentados en Estados Unidos, sobre la situación que viven muchos inmigrantes por no tener papeles para vivir y trabajar legalmente en Estados Unidos. El lanzamiento del video, coincidió con la decisión de la Corte Suprema de avalar un aspecto clave de la polémica ley SB 1070 de Arizona para combatir la inmigración ilegal.

En julio Calle 13 se presentó frente a 7,000 seguidores en el Prospect Park de Brooklyn como parte de la Conferencia de Música Latina Alternativa (Latin Alternative Music Conference, por sus siglas en inglés), celebrada en Nueva York.

El comentario general fue que nunca habían visto un Prospect Park tan repleto de gente para un concierto; de hecho, alrededor de 5,000 personas se quedaron fuera del parque escuchando y disfrutando el concierto. El día anterior Calle 13 participó en una extensa entrevista realizada por Gabriel Abaroa, Presidente y CEO de la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación.

Luego, continuaron su gira por Europa, presentándose en diferentes países, tocando 20 conciertos en 30 días. Más adelante participaron en el festival roquero Maquinaria Fest junto a reconocidas bandas Deftones, Marilyn Manson, Kiss, Slayer, entre otras. En España, ofrecieron un descuento especial del 20% para los espectadores desempleados, en Santiago de Compostela, Madrid, Barcelona y Cádiz.

En noviembre realizan el lanzamiento mundial del videoclip La Bala, el último del disco Entren los que quieran y el que trabajaron con el apoyo de UNICEF y Amnistía Internacional. El video fue grabado en 10 países bajo la dirección de Simón Brand con la colaboración de 12 directores de alrededor del mundo. Posteriormente, se presentaron en la ciudad de La Plata, Argentina frente a 150 mil seguidores. Iniciaron el mes de diciembre con un concierto en el Palacio de los Deportes del DF en México; la primera vez que el grupo puertorriqueño daba un concierto solo en dicho recinto. La agrupación se presentó frente a 16 mil seguidores que no pararon de corear los temas.

Calle 13 cerró su gira de Entren los que quieran en Puerto Rico con un histórico concierto. Luego de haber estados censurados en la isla por tres años la banda se presentó en su país natal frente a 30 mil personas y logró un récord de asistencia en conciertos al aire libre en la Isla.

Durante el verano de 2013, compuso el tema Me vieron cruzar para la película animada en 3D, Metegol del reconocido director argentino Juan José Campanella, siendo esta la primera vez que Calle 13 componía una canción para una película.

En junio, René tuvo un sorpresivo encuentro con Julian Assange, fundador de WikiLeaks, asilado desde hace dos años en la embajada de Ecuador en Londres. No solo tuvieron varios días de conversaciones, sino que durante el segundo día de Residente en Londres, sostuvieron un Twitcam a través de la cuenta official @Residente, que fue siendo traducida y subida a la cuenta de Twitter de @WikiLeaks mientras se transmitía en vivo desde la embajada ecuatoriana en Londres.

En noviembre de este año, Calle 13 lanzó Multi_Viral, una canción creada en colaboración con Assange, en la que se denuncia la manipulación mediática, la censura y la ocultación de información al público.45​ La canción fue publicada en forma de lyrics video en el canal de YouTube de Calle 13, elvecindariocalle13, y podía ser descargada gratuitamente desde SoundCloud. Multi_Viral cuenta también con la participación de Tom Morello y la cantante y compositora israelí-palestina Kamilya Jubran.

Apenas un mes más tarde de haber lanzado su primer sencillo “no oficial” Multi_Viral, la banda puertorriqueña volvió a ser noticia con el lanzamiento del video musical homónimo, que fue grabado en Belén y Beit Sahour en Palestina. Una de las localidades donde se estaba filmando fue la muralla israelí, la cual estaba fuertemente custodiada y que cuenta con cámaras de seguridad cada 100 pies.

En febrero, Calle 13 lanzó su primer sencillo oficial, El Aguante. La canción, escrita y vocalizada por René, y, compuesta y producida musicalmente por Eduardo Cabra.

El 25 de febrero, Calle 13 se presentó gratuitamente ante más de 50,000 personas en un concierto sin precedentes en la Ciudad Universitaria Río Piedras. El concierto se realizó frente a los portones principales de la Universidad de Puerto Rico, fue escogido como referente a la necesidad de promover la educación como instrumento fundamental para el desarrollo de una mejor sociedad, que promueva la erradicación de la violencia y frene la decadencia de los valores humanos.

El 1 de marzo de este año, la banda comenzó su gira MultiViral en el Estadio Ferro de Argentina ante 20,000 personas.

Durante su gira por Latinoamérica, Residente inició un movimiento de concienciación sobre la situación carcelaria del preso político puertorriqueño, Oscar López Rivera, quien fue capturado por el FBI en 1981 por el delito de “conspiración sediciosa”. Como parte de la propuesta, durante las presentaciones invitaron al público a encender sus celulares o cualquier equipo electrónico portátil que reflejara luz, en un acto de reclamo a la liberación de López Rivera. Las fotos de estos momentos fueron incluidas en sus medios sociales, particularmente desde su cuenta de Twitter, donde incluían la cuenta del Presidente de los EEUU, @BarackObama.

Días después, publican su segundo vídeo musical Adentro que fue grabado entre Arizona, la Barriada Morales de Caguas y la Cantera Roca Dura en Manatí, Puerto Rico. En el mismo, se incluye la participación del legendario astro del béisbol y miembro del Salón de la Fama de los EEUU, Willie Mays.

En noviembre se presenta en el Palacio de los Deportes de México, DF. Dos meses antes de la presentación, habían secuestrado y desaparecidos en Iguala a 43 estudiantes de Ayotzinapa. René se conmovió con la historia y conoció a amigos y familiares de los estudiantes desaparecidos. Durante el concierto, Residente invita a los familiares a hablar en tarima, lo que causó que más de 15 mil personas pidieran justicia por los desaparecidos.

En diciembre la agrupación se presentó en el Estadio Hiram Bithorn de Puerto Rico donde tocaron frente a 35,000 personas. René aprovechó la ocasión para invitar a la hija del prisionero político, Oscar López Rivera, a que dijera unas palabras frente al público puertorriqueño.

En enero, René comienza a trabajar en su nuevo proyecto aparte de Calle 13, y al mismo tiempo continúa la gira con la agrupación.

A principios del mes de junio de 2015, antes de comenzar la gira europea, Residente anuncia que está trabajando en un proyecto nuevo. Luego de una exitosa gira por Europa, René viaja a Rusia, Siberia, Osetia, Georgia, China, Ghana, Níger, Mongolia, Benín y Burkina Faso para trabajar en su nuevo proyecto como solista.

Residente lanza su primer álbum como solista llamado Residente, el cual fue inspirado en los resultados del análisis de su ADN.​ Su primer sencillo, Somos Anormales, fue dirigido por él mismo y lanzado el 13 de enero de 2017. Residente lanzó un rap de 12 minutos titulado La Cátedra como respuesta a un beef del rapero Tempo.​ En esta canción, Residente manifiesta alcanzar las 1900 palabras, lo que la convertiría en un récord mundial, no sólo para el rap, sino para el mundo de la música en general,aunque fue superado varios meses después por Jon Z y la rapera Irania.

Residente es nominado 9 veces para los Grammys 2017 y su tema Dagombas en Tamale se encuentra entre el soundtrack de Fifa 18.

Residente participó activamente en las Protestas del mes de Julio en Puerto Rico para presionar la dimisión de Ricardo Rosselló , gobernador de la isla. Hizo parte del grupo de artistas que apoyaron la causa tales como Ricky Martin, Ñengo Flow y Bad Bunny, siendo este último colaborador de René en la canción «Afilando los Cuchillos», inspirada en la situación vivida en ese momento en Puerto Rico acompañado de varios reclamos dirigidos a Roselló. ILe, hermana de René, participó en el coro de la canción. En ese mismo mes, Residente volvió a colaborar con Bad Bunny en la canción «Bellacoso», la cual René había prometido lanzar si la dimisión de Roselló se cumplía, por lo que es una canción con un beat alegre y fiestero.

22 de febrero – James Blunt

James Hillier Blount​ (Tidworth, Wiltshire, Inglaterra, 22 de febrero de 1974) conocido artísticamente como James Blunt, es un cantautor británico que alcanzó la fama en 2005 con su primer álbum Back to Bedlam y su sencillo «You’re Beautiful».

En 2002 se centró en su carrera musical, publica su álbum debut en 2004 y su tercer single, ‘You’re beautiful’ lo lanza a la fama. Seis meses antes, había publicado el single ‘High’, su debut discográfico, que pasó desapercibido.

El álbum, ‘Back To Bedlam’, alcanzó el primer lugar de las listas en 16 países (en España fue séptimo).

En EE.UU logró el 2º puesto, recibió cinco nominaciones a los Grammy y con más de 3,2 millones de copias vendidas es uno de los álbumes británicos más vendidos en el nuevo milenio, cuyas críticas, una vez superado el cliché de ‘chico-británico-que-tras-servir-en-el-ejército-compone-tiernas-y-sinceras-baladas’, fueron excelentes.  Otros temas extraídos en single fueron ‘Wisemen’ y ‘Goodbye my lover’.

Su segundo álbum, ‘All The Lost Souls’ (2007), cuyas canciones fueron compuestas por Blunt en su casa de Ibiza durante el invierno de 2006 a 2007, no tuvo la misma acogida y hubo críticas contrastadas.

Mientras unos opinaban que era una continuación correcta y aceptable en su carrera, otros, como la revista Rolling Stone manifestaban que el disco contenía «baladas poco memorables que hacen que Coldplay parezca Arctic Monkeys».

El primer single que se extrajo, ‘1973’, hacía referencia al año en que se fundó la discoteca Pachá en la isla mediterránea y fue un gran hit en los países centroeuropeos.

En noviembre de 2010 publicó su tercer álbum: ‘Some Kind Of Trouble’, con temas como ‘Stay the night’, ‘So far gone’, ‘If time is all I have’ y ‘I’ll be your man’ y tres años después apareció su cuarto trabajo, ‘Moon Landing’ (2013), cuyo single ‘Bonfire heart’ fue nº2 en el Reino Unido, nº1 en Australia, Alemania, Suiza y Austria y top10 en muchos otros países. Tiene prevista la publicación de su nuevo álbum ‘The Afterlove’ en marzo de 2017.

21 de Febrero – Nina Simone

Eunice Kathleen Waymon, más conocida por su nombre artístico Nina Simone (Tryon, Estados Unidos, 21 de febrero de 1933 – Carry-le-Rouet, Francia, 21 de abril de 2003), fue una cantante, compositora y pianista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues y soul. Se la conoce con el sobrenombre de High Priestess of Soul (Alta Sacerdotisa del soul).

Estilísticamente, la palabra que mejor caracteriza a Nina Simone es eclecticismo. Su voz, con rango propio de una contralto,1​ se caracterizaba por su pasión, su breathiness (voz jadeante, sofocada, sin aliento) y su trémolo.

La influencia de Duke Ellington es patente en toda la obra de Nina, pero muy especialmente en cierto tipo de composiciones rebosantes de improvisación y de cercanía espiritual.

Nina logra la complicidad del oyente con un empleo intencional de los silencios y minimizando el acompañamiento. Cuando cantaba, efectuaba en ocasiones llamativas transiciones entre el susurro, el grito y el lamento, para intentar subrayar los estados de ánimo enunciados en las canciones.

Gran luchadora por los derechos civiles de las personas de ascendencia africana, esta lucha queda expresada en muchas ocasiones a través de sus canciones.

Simone dejó Estados Unidos en 1969, tras el asesinato de Martin Luther King, hastiada de la segregación racial contra los afroamericanos.

De personalidad complicada, llegaba a ser altanera y vulnerable, y fuertemente apasionada. En la industria musical tenía fama de temperamental, una caracterización que Simone se tomó muy en serio.

Aunque su personalidad era arrogante y distante, en sus últimas décadas parecía disfrutar con el acercamiento a sus audiencias, contando anécdotas y cumpliendo peticiones.

21 de Febrero – Tiziano Ferro

Tiziano Ferro (Latina, 21 de febrero de 1980) es un cantautor italiano.

Debutó en 2001 con su disco Rosso relativo, alcanzando éxito en Europa, principalmente en España y en su propio país. Posteriormente, sería conocido en Latinoamérica al lanzar su disco en español.

En 2003 lanzó 111: Centoundici/111: Ciento once y en 2006, Nessuno è solo/Nadie está solo, los cuales han vendido millones de copias a lo largo del mundo.

Su cuarto álbum, Alla mia età/A mi edad fue lanzado en noviembre de 2008 en Italia.

Habló públicamente de su homosexualidad, tal y como lo declaró en la revista Vanity Fair el 6 de octubre de 2010.

No sólo es famoso en su Italia natal, sino en algunos países de América Latina, Europa y Siria.

En 2001, Tiziano es contratado por EMI. En junio de aquel año, lanza su primer sencillo Xdono convirtiéndose rápidamente en un éxito. En noviembre sale a la venta su primer disco, Rojo relativo, que alcanza el octavo puesto de ventas de álbumes en su debut y se mantiene siete meses entre los diez más vendidos5​ y por un año en el Top 50.5​ Su primer disco recibió triple disco de platino por la venta de más de 300.000 copias.5​ Su disco también fue editado en más de 43 países alcanzando gran éxito en Europa y América Latina.

El 7 de noviembre de 2003 (23 de noviembre en España y Latinoamérica) Tiziano publica 111: Centoundici/111: Ciento once, un álbum que contiene grandes éxitos de su carrera como Sere nere|Sere nere/Tardes negras o Non me lo so spiegare/No me lo puedo explicar, haciendo del disco un gran éxito en Italia y Latinoamérica, especialmente en México donde consiguió dos discos de platino, vendiendo más de 1,5 millones de copias en todo el mundo. Tras la promoción del disco en cadenas de televisión italianas y europeas se embarcó una gran gira mundial llamada «111%Tour» que le hizo visitar países como Austria, Hungría, Alemania, España, México o Colombia.

El 12 de mayo de 2006 fue lanzado en todo el mundo, el primer sencillo Stop! Dimentica/Stop! Olvídate de su tercer álbum Nessuno è solo (Nadie Está Solo) que salió a la venta el 23 de junio. En la transmisión del programa italiano Che tempo che fa, el 21 de mayo de 2006, declaró «Es imposible decir que en México están las mujeres más bellas del mundo, con todo respeto. Tienen bigotes; se necesita valor para… lo siento, pero ellas lo saben, tal vez Salma.»6​ Este comentario causó gran impacto en su público mexicano. Los medios de comunicación de este país criticaron duramente esas declaraciones, a lo que respondió con una disculpa pública a través de su discográfica y después con disculpas en entrevistas y presentaciones en programas de la televisión mexicana. Incluso llegó a calificar este incidente como uno de los peores errores en su vida.7​ Sin embargo el daño ya estaba hecho. La promoción del primer sencillo de Nadie está solo se encontró ante un público resentido y distante. El tema no fue solicitado por el público a las compañías radiodifusoras.8​ En los años posteriores esta polémica ha continuado vigente en México, donde incluso ha sido recordado a raíz de la victoria de Ximena Navarrete en el concurso de belleza de Miss Universo en 2010.

El 25 de agosto de ese año, empezó a emitirse en las radios italianas el segundo sencillo, Ed ero contentissimo/Y estaba contentísimo, cuyo videoclip fue grabado en Barcelona. El 20 de enero de 2007 comenzó en Ancona su gira por Italia que llevó su espectáculo a las principales ciudades del país durante más de un mes. El 29 de enero se estrenó el videoclip de su tercer sencillo, Ti scatterò una foto/Te tomaré una foto. Sus siguientes sencillos fueron E Raffaela è Mia/Y Raffaela es Mía y E Fuori è Buio/Y está oscuro, manteniendo el disco después varios meses de su publicación entre los más vendidos en Italia.

Tiziano Ferro actuando en directo.
En 2008, entró a los estudios nuevamente para grabar su cuarto disco, Alla mia età, el cual salió a la venta el 7 de noviembre de ese mismo año en Italia.9​ El lanzamiento de la versión en castellano, A mi edad estaba prevista para el 11 de noviembre en México, pero se aplazó para el 17 de noviembre. En febrero de 2009 en México y mayo de 2009 en España, lanza como segundo sencillo la canción Il regalo più grande/El regalo más grande con la colaboración de Anahí y Dulce María, ex-integrantes del grupo RBD, para la versión mexicana10​ y Amaia Montero para la versión castellana.

El 18 de abril de 2009 empezó su gira «Alla mia età Tour» que llevó por Italia, España, Suiza, Canadá, Estados Unidos y Rumanía. En mayo de 2009 lanza el tercer sencillo del álbum, Indietro/Breathe gentle con la participación de la cantante estadounidense Kelly Rowland en la versión inglesa. A finales del verano del 2009, el 11 de septiembre, lanza su cuarto sencillo Il sole esiste per tutti/El sol existe para todos.

El 20 de noviembre de 2009 Tiziano Ferro presentó al público su primer DVD, Alla mia etá: Live In Rome, junto con el quinto y último sencillo del álbum Alla mia età/A mi edad, Deslizas otra vez. El DVD estuvo durante varias semanas como el más vendido en Italia, y el sencillo se situó en la posición 16. Este lanzamiento paralelo contribuyó a que el álbum Alla mia etá volviera a estar entre los 10 discos más vendidos en Italia, a poco más un año después de su publicación, haciendo también el disco más vendido en Italia (con 580.000 copias) durante el 2009, por el cual se le otorgó 6 discos de platino y un disco de diamante.

2010-2013: Autobiografía y L’amore è una cosa semplice
En marzo de 2010 graba junto a la cantante estadounidense Mary J. Blige la versión italiana de la canción Each Tear, para promocionar el álbum de la cantante en Italia. La canción fue número uno durante una semana, sumándose a lista de números uno de su país natal.

El 20 de octubre de 2010 publicó su autobiografía Trent’anni e una chiacchierata con papà («Treinta años y una charla con papá») en la que habla sobre su lucha para aceptar su homosexualidad.

El 28 de noviembre de 2011 fue lanzado «L’amore è una cosa semplice» (El amor es una cosa simple). Fue el quinto álbum del artista y supuso su 4º número 1 consecutivo en Italia. El primer sencillo «La differenza tra me e te» (La diferencia entre tu y yo), además de ganar dos discos de platino en Italia, alcanzó el top 5 en el país transalpino y Bélgica. Sus siguientes sencillos fueron: «L’ultima Notte Al Mondo» (La Última Noche Del Mundo), «Hai Delle Isole Negli Occhi’ (Islas En Tus Ojos), «Per Dirti Ciao» (Te Digo Adiós), «Troppo Buono» (Demasiado Bueno) y «La Fine» (El Fin).

Durante el verano (europeo) del 2012, Tizano realizó una gran gira para promocionar el álbum realizando más 30 conciertos. Además de sus tres conciertos internacionales en Suiza, Bélgica y Mónaco se destaca una gran actuación en el Estadio Olímpico de Roma ante 50.000 personas.

Una vez acabada la gira, el 25 de septiembre de 2012​ se puso a la venta el álbum «El amor es una cosa simple» en España, que contiene nueve versiones en castellano, conservando cuatro canciones en italiano y una en inglés. En el país ibérico grabó junto a la cantante española Malú el sencillo homónimo al álbum, «El amor es una cosa simple» y alcanzó el top 20 en España. Además durante ese mismo año participó en el programa de televisión «La Voz» donde realizaba la función de mentor de Malú y quien junto a diferentes artistas evaluaba el trabajo de distintas personas anónimas.

A principios de 2013 presentó junto a Baby K el sencillo de la cantante, «Killer» y el álbum «Una seria» que contó con su colaboración en varias canciones.

El 25 de noviembre de 2014 fue lanzado por Universal Music TZN: The Best Of Tiziano Ferro. Primer álbum recopilatorio del artista que reúne los grandes éxitos de todos los álbumes de estudio anteriores y que ha obtenido, hasta el momento, cuatro discos de platino por las altas ventas en Italia, además de favorecer la venta en sold out de los conciertos de la gira “Lo Stadio Tour”, efecto que le permitió extender esta gira a un concepto “European Tour”.

La versión en castellano de este disco fue lanzada en España el 8 de marzo de 2015, obteniendo el puesto #8 de ventas en su semana de lanzamiento, siendo la posición más alta de ventas que ha obtenido en aquel país a lo largo de su carrera.

A finales de 2015 en su último concierto del Tiziano Ferro Tour 2015 anunció que su sexto álbum de estudio sería publicado en 2016.​ Este álbum con el título Il mestiere della vita fue lanzado el 2 de diciembre de dicho año con la canción Potremmo Ritornare como primer single. El disco incluye colaboraciones con diferentes artistas como Carmen Consoli y el rapero Tormento. La versión en español del álbum se publicó el 10 de marzo de 2017 con el título El oficio de la vida incluyendo un dueto con la cantante malagueña Vanesa Martín.

El 7 de febrero de 2017, Tiziano Ferro es invitado al Festival de San Remo donde interpreta dos canciones, una reinterpretacion de Mi sono innamorato di te de Luigi Tenco y los dos singles de su último disco Potremmo ritornare y Il conforto con Carmen Consoli.

Junto a este álbum Tiziano hará la gira Tiziano Tour 2017 que se compone de 13 conciertos en diferentes estadios italianos

20 de febrero – Kurt Cobain

Kurt Donald Cobain (Aberdeen, Washington, 20 de febrero de 1967-Seattle, Washington, 5 de abril de 1994) fue un músico estadounidense, conocido por ser el cantante, guitarrista y principal compositor de la banda grunge Nirvana.

Su padre se llamaba Donald Lenald Cobain y su madre Wendy Elizabeth Fradenburg. También tenía una hermana menor, Kimberly, nacida el 24 de abril de 1970.

Escuchaba artistas como Ramones y también cantaba canciones como «Motorcycle Song» de Arlo Guthrie, «Hey Jude» de The Beatles, «Seasons in the Sun» de Terry Jacks y el tema musical de la serie de televisión The Monkees a una temprana edad.

Según sus padres, la vida de Cobain cambió dramáticamente a los nueve años debido a su divorcio. En una entrevista en 1993, Cobain dijo: «Recuerdo sentirme apenado, triste por mis padres.

Me avergonzaba compararme con mis amigos de la escuela, porque yo ansiaba pertenecer a ese tipo de familia clásica, a una familia típica. Madre, padre… Yo quería esa seguridad. Odié a mis padres durante años por esa razón». Tras un año viviendo con su madre después del divorcio Cobain se trasladó a Montesano para vivir con su padre.

Cobain recibió su primera guitarra a la edad de 14 años. Su tío la consiguió en el Centro Musical Rosevear, en Aberdeen, escogiendo el instrumento en vez de una bicicleta. Desde ese momento Cobain intentó formar bandas con amigos, interpretando canciones de AC/DC y Led Zeppelin.

En la secundaria, sin embargo, Cobain tuvo problemas frecuentes para encontrar a alguien con quien tocar, debido a que ninguno de sus amigos poseía ningún talento musical particular. Durante la adolescencia sufrió el acoso de sus compañeros de escuela y en calle por ser amigo de un chico gay.

Posteriormente, Cobain encontró a Krist Novoselic, un fiel devoto del punk rock, que vivía al otro lado del puente de la calle Young. La madre de Novoselic era propietaria de un salón de belleza (Maria’s Hair Design), así que ellos pudieron practicar en el segundo piso del edificio ocasionalmente.

Pocos años después Cobain intentó convencer a Novoselic para formar una banda con él, y le cedió una copia de una demo casera (titulada «Illiteracy Will Prevail») grabada por una de las primeras bandas que formó Cobain en 1985, Fecal Matter. Después de meses pensándolo, Novoselic aceptó unirse a Cobain, lo cual sentó las bases de Nirvana.

En los primeros años como grupo, a Novoselic y a Cobain les tocó rotar frecuentemente de bateristas, como Dale Crover, Aaron Buckhard, entre otros. Finalmente, Chad Channing se unió a la banda, con el cual grabaron Bleach, lanzado en Sub Pop Records en 1989 con Jack Endino como productor, y a Jason Everman como financiador, pero aunque este no toco en ningún tema del álbum, estuvo presente como segundo guitarrista en la contraportada, pero durante la gira de Bleach, este renunció, y volvieron a ser el trío que solían ser pero Cobain, sin embargo, no estaba satisfecho con el estilo de Channing, y la banda lo reemplazó por Dave Grohl a finales de 1990, no sin antes grabar Sliver con el baterista Dan Peters de la banda Mudhoney.

Junto a Grohl, la banda encontró el éxito con su disco debut en una gran discográfica, Nevermind (1991). Cobain formó Nirvana con Krist Novoselic en Aberdeen, Washington, en 1985 y la estableció como parte de la escena musical de Seattle, con su álbum Bleach lanzado por el sello discográfico independiente Sub Pop en 1989.

Después de firmar con el sello DGC Records, la banda logró el éxito con «Smells Like Teen Spirit» de su segundo álbum Nevermind (1991). Tras el éxito de Nevermind, Nirvana fue etiquetado como «la banda principal» de la Generación X, y Cobain fue aclamado como «el portavoz de una generación».

Cobain, sin embargo, estaba a menudo incómodo y frustrado, creyendo que su mensaje y su visión artística habían sido malinterpretadas por el público, siendo sus problemas personales a menudo objeto de atención de los medios.

Él desafió a la audiencia de Nirvana con su álbum de estudio final, In Utero (1993). El álbum no coincidió con las cifras de ventas de Nevermind pero aún fue un éxito crítico y comercial. Durante los últimos años de su vida, Cobain luchó con depresión, enfermedad y adicción a la heroína.

Él también tenía dificultad para sobrellevar su fama e imagen pública y las presiones profesionales y personales de toda su vida y de su esposa, la cantautora Courtney Love. El 8 de abril de 1994, Cobain fue encontrado muerto en su casa en Seattle, víctima de lo que oficialmente fue afirmado un suicidio por una herida autoinfligida en la cabeza, el 5 de abril.

Las circunstancias de su muerte a los 27 años se han convertido en un tema de fascinación pública y debate. Desde su debut, Nirvana, con Cobain como compositor, ha vendido más de 30 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 95 millones en todo el mundo.

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