Tag Archives: Efemérides musicales

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15 de Octubre – Richard Carpenter

 

 

Richard Lynn Carpenter (New Haven, Connecticut, 15 de octubre de 1946) es un compositor pop estadounidense, más conocido como parte del dúo de The Carpenters, integrado por su hermana Karen y por él.

En abril de 1969 firmaron con A&M Records, propiedad de Herb Alpert y Jerry Moss. En los estudios recibieron carta blanca (que significa que tenían la libertad de hacer lo que desearan). Su primer álbum fue Offering (1969), del cual se desprende el sencillo adaptado por Richard de la canción de los Beatles «Ticket to ride». No fue muy popular: llegó a #54 en el Billboard Hot 100.

El año siguiente, Herb Alpert sugirió que grabaran la canción «(They long to be close to you». Dijo que no era una canción popular, aunque él y Dionne Warwick grabaron la canción. Karen Carpenter y Hal Blaine tocaron la batería en la canción, y Karen la cantó. Llegó a #1 en el Billboard Hot 100, en el año de 1970. Este fue su primer número uno, aunque tuvieron otros como: Top of the World en diciembre de 1973 y Please Mr. Postman en 1975.

Precisamente fue su talento como arreglista lo que llamó la atención de Herb Alpert de A&M Records para fichar a los hermanos y darles carta blanca en el estudio. Así llegaron temas como ‘Ticket to ride’ y ‘Close to you’. También fue el compositor junto al letrista John Bettis de muchos éxitos del dúo como ‘Only yesterday’, ‘Goodbye to love’, ‘Top of the world’ y ‘Yesterday once more’. En sus 14 años de carrera grabaron 31 singles, cinco programas especiales para la TV y 11 álbumes, destacando los cuatro publicados entre 1970 y 1973, ‘Close To You’, ‘Carpenters’, ‘A Song for You’ y ‘Now and Then’, todos ellos Top5 en las listas norteamericanas.

Cuatro años después de la muerte de su hermana acaecida en 1983, Richard publicó su primer trabajo en solitario, ‘Time’, que contaba con vocalistas de lujo: Dusty Springfield y Dionne Warwick e incluía un par de temas dedicados a Karen, ‘When time was all we had’ y ‘Calling your name again’. Diez años después apareció ‘Pianist Arranger Composer Conductor’, en el que Richard ofrecía versiones al piano de los hits del dúo.

15 de Octubre – Carlos Núñez Cortés

Carlos Núñez Cortés (Buenos Aires, 15 de octubre de 1942) es un humorista, pianista, compositor y químico. Fue integrante del conjunto humorístico/ musical Les Luthiers desde antes de su fundación hasta el aniversario número 50 del grupo.

Se podría decir que Carlos Núñez Cortés fue, dentro del grupo, un luthier muy completo ya que aunó cualidades musicales, actorales y de composición, y además participó en la construcción de los instrumentos informales que dan el nombre al conjunto.

Desde los comienzos de I Musicisti Núñez Cortés se destacó en la composición de las obras escribiendo música y letra en varias de ellas, aunque luego se dedicaría casi exclusivamente a la composición musical. Algunos de los primeros éxitos del grupo llevan su firma, como “Teorema de Thales”, “Calypso de las píldoras” y “Concerto grosso alla rustica”. Muchas partituras célebres de Les Luthiers son de su autoría, como “Kathy, la reina del saloon”, “Las majas del bergantín”, “Makanoa”, “El aria agraria”, “San Ictícola de los peces”, “El zar y un puñado de aristócratas…”, “Tom McCoffee”, “Selección de bailarines”, “Loas al cuarto de baño” y “Dilema de amor”, entre otras.

Carlitos (como es conocido dentro del grupo y como lo llaman sus admiradores) es un dúctil actor cómico. Él reconoce a Charles Chaplin como una de sus guías en el arte de la mímica, tanto corporal como gestual, arte en el que sin duda aventaja al resto del grupo. Carlos Núñez Cortés fue también en el escenario el virtuoso del piano y de varios instrumentos informales. Cantando fue asiduamente el solista, y en obras corales suele ser la voz que lleva la melodía ya que posee el registro más agudo entre Les Luthiers.

Carlos Núñez Cortés domina principal (pero no exclusivamente) instrumentos de teclado o de viento.

Entre los instrumentos formales de teclado podemos citar, además del piano, todo tipo de teclado electrónico y el acordeón a piano. También emplean teclado muchos de los instrumentos informales que ha interpretado (como por ejemplo la mandocleta, el ferrocalíope o el dactilófono).

Entre los instrumentos de viento formales o folklóricos que maneja podemos citar a la flauta dulce y la quena, pero también a muchos instrumentos informales de viento, como el glamocot, el tubófono, el nargilófono y el glisófono pneumático, entre otros.

Además, toca diversos instrumentos de percusión, tanto formales como informales. Podemos mencionar a la marimba de cocos, las tablas de lavar y las tablas hindúes, entre otros. Finalmente, la informalidad de los instrumentos de Les Luthiers lo han llevado a aprender a interpretar instrumentos difíciles de clasificar, entre los que podemos nombrar al alambique encantador y la exorcítara.

La lista completa de los instrumentos informales que ha tocado en el escenario es la siguiente:

Alambique encantador, Batería de cocina, Bass-pipe, Desafinaducha, Exorcítara, Gaita de cámara, Glamocot, Glisófono pneumático, Gom-horn, Latín, Mandocleta, Manguelódica pneumática, Marimba de cocos, Narguilófono, OMNI (Objeto Musical No Identificado), Órgano de campaña, Percuchero, Tablas de lavar, Tubófono silicónico cromático, Yerbomatófono.

Les Luthiers tiene un taller de luthiería donde se diseñan y fabrican los instrumentos informales que utilizan. De entre los miembros de Les Luthiers, Carlos Núñez Cortés es el único (además del fallecido Gerardo Masana) que ha participado desde siempre en el diseño y elaboración de los mismos. De su inventiva o en su trabajo conjunto con Carlos Iraldi han surgido el tubófono silicónico cromático, el glamocot, la marimba de cocos, la mandocleta, el nargilófono y otros.

Núñez Cortés es el miembro de Les Luthiers que más se ocupa de las actividades del grupo fuera del escenario.

Les Luthiers, 1985. En la primera fila: Jorge Maronna, Carlos López Puccio, Marcos Mundstock. Segunda fila: Carlos Núñez Cortés (retirado en 2017), Daniel Rabinovich (fallecido en 2015), tercera fila: Ernesto Acher (quien dejara el grupo en 1986).

Es él quien ha coordinado e impulsado la grabación en video y DVD de la mayor parte de los espectáculos de Les Luthiers, así como uno de los impulsores de la discografía oficial del conjunto.

Les Luthiers cuenta con un archivo muy completo, donde se atesoran los libretos originales, los programas que se entregan al público, los planos de los instrumentos, las grabaciones de los ensayos y todo lo referente al grupo. Este archivo fue establecido y está a cargo de Carlos Núñez Cortés.

Además, se dedicó a analizar la obra de Les Luthiers desde la óptica del ludolingüismo. Al respecto escribió un libro llamado Los juegos de Mastropiero que explica detalladamente juegos de palabras y demás recursos idiomáticos utilizados en Les Luthiers. Se caracteriza por la fluidez en que puede ser leído y por el humor con el que está escrito.

Finalmente, de entre los miembros de Les Luthiers, Carlitos es el que mantiene la relación más fluida con el público y los admiradores. Ha participado en algunos foros de discusión sobre Les Luthiers, y es quien ha facilitado material y datos a los constructores de numerosas páginas web dedicadas al grupo.

Hacia fines de 2014 Núñez Cortés anunció su intención de dejar el grupo cuando Les Luthiers cumplieran 50 años como conjunto. Esa decisión se mantuvo y el pianista dejó el grupo a fines de septiembre del 2017. La razón del alejamiento obedece a su voluntad de descansar y de disfrutar una merecida jubilación cuando todavía goza de buena salud. En su libro Memorias de un luthier Núñez Cortés lo aclara:

En septiembre de 2017 le diré adiós a Les Luthiers, lo que significa no subirme más al escenario. He elegido esa fecha porque ese día, y por esa extraña fascinación que tenemos los humanos por los números redondos, se habrán cumplido 50 años de la fundación del grupo. Seguiré atesorando papelitos y programas, ya que el puesto de fan número uno no me lo quita nadie. Si mis compañeros me lo solicitan acudiré en su ayuda para lo que sea. Y, si bien me da cierta aprensión mencionar el lugar común, me dedicaré al dolce far niente, esto es a realizar todas aquellas cosas que alguna vez pospuse por falta de tiempo libre: asaditos, viajes, conciertos, pajaritos, caracoles…2​

En los primeros años de Les Luthiers Núñez Cortés compartía su tiempo con su trabajo en química y además con la musicalización de varias obras de teatro. Entre otras podemos nombrar a “Juan de los caminos”, “Juan Moreira súper show”, y “Corazón de bizcochuelo” del actor y dramaturgo Enrique Pinti (la lista completa de obras se puede consultar abajo). Además de ello, también dirigió durante varios años el coro de niños del “Collegium Musicum” de Buenos Aires.

Luego, la actividad creciente en Les Luthiers ocupó todo su tiempo y hubo de descontinuar esta faceta de su trabajo, aunque esporádicamente participó en la musicalización de algunas obras, como por ejemplo “Tres mujeres con equipaje”, en el año 2007.

14 de Octubre – Thomas Dolby

Thomas Dolby, nombre artístico de Thomas Morgan Robertson (Londres, Reino Unido; 14 de octubre de 1958), es un músico, productor e inventor inglés. Dolby es más conocido por su hit de 1982, “She Blinded Me With Science”.

Thomas no nació en El Cairo, Egipto como aseguraba una biografía emitida por la discográfica EMI, sino en Londres, Inglaterra. Su padre era un catedrático de arte griego clásico y arqueología en la Universidad de Londres y en la Universidad de Oxford. El sobrenombre “Dolby” viene de los Laboratorios Dolby y se lo pusieron sus amigos impresionados con sus habilidades en el estudio de grabación. Los laboratorios Dolby Laboratories no estaban muy a gusto con el uso de su marca por parte de un artista y le demandaron. El caso se arregló fuera de la corte y el pudo seguir usando el nombre solo si va en conjunto con el nombre Thomas.

Thomas Dolby hace parte de la generación del Synthpop, una forma de música pop que incorpora instrumentos electrónicos. Su canción más famosa es “She Blinded Me With Science”. Al inicio de su carrera tocaba con Bruce Woolley y el Camera Club apareciendo en su primer álbum. Dolby toco el sintetizador en algunas partes del álbum Set de Thompson Twins. También es el autor del éxito de Lene Lovich “New Toy” y coescribió “Magic’s Wand” con Whodini.

Su aparición más famosa es con Def Leppard en el álbum de 1983 Pyromania en donde tocaba los teclados. Debido a problemas contractuales ya que no compartían sello disquero, Dolby apareció usando el seudónimo de Booker T. Boffin. Dolby también contribuyó con el sintetizador en las canciones “Urgent” y en “Waiting For A Girl Like You” de Foreigner en el álbum 4 de 1981.

En 1985 Dolby apareció en los premios Grammy con Stevie Wonder, Herbie Hancock y Howard Jones. Los cuatro eran estrellas musicales en los ochenta y expertos de los teclados y los sintetizadores, esta presentación puede ser vista en YouTube. Ese mismo año tocó en el concierto Live Aid de Londres como parte de la banda de David Bowie. En 1990 apareció en la opera rock The Wall de Roger Waters en Berlín.

Apareció en el escenario con los Soft Boys en San Francisco en el 2001, de este encuentro salió el disco Side Three. Dolby tocó los teclados del primer álbum de Robyn Hitchcock y a su vez Hitchcock apareció en el disco de Dolby Flat Earth.

Dolby volvió a su carrera en 2006 haciendo su primera aparición solista en 25 años en el Red Devil Lounge de San Francisco, California el 21 de enero de ese año y a partir de allí lanzó su gira por Norteamérica.

En 2006 anunció su intención de producir un CD y un DVD que cubrieran su gira. El CD contiene las grabaciones de dos presentaciones que hizo Dolby en Chicago, mientras que el DVD se grabó en el Berklee Performance Center del Colegio de música de Berklee. Thomas Dolby también anunció en 2007 la intención de lanzar nueva música bajo un sello independiente.

13 de Octubre – Cliff Richard

Cliff Richard (nacido como Harry Rodger Webb; Lucknow, Provincias Unidas de Agra y Oudh, Raj Británico, 14 de octubre de 1940) es un cantante, músico, actor y filántropo británico.

Con su grupo de acompañamiento, The Shadows, Cliff era la versión británica del modelo de cantante rebelde de rock and roll que representaban Little Richard o Elvis Presley en Estados Unidos y dominó con ella la música popular en las islas británicas en el periodo pre-Beatle.

Su single de 1958 ‘Move it’ es mencionado numerosas veces como el primer tema británico de rock and roll y John Lennon dijo una vez: “antes de Cliff y los Shadows no existía nada en la música británica que mereciera la pena escuchar…”.  Fue descubierto en 1958 por el productor Norrie Paramor, quien guió sus pasos musicales hasta 1972. Cuando Cliff debutó con el single ‘Move it’ en agosto de 1958, era uno de los muchos músicos británicos ávidos por hacerse un hueco entre las estrellas del rock and roll. Al año siguiente logró con ‘Living doll’ y ‘Travelin’ light’ sus dos primeros nº1 en Inglaterra.

Durante la mayoría de sus grabaciones de los años sesenta, Richard estuvo acompañado por el grupo The Shadows, que asimismo publicaría varios éxitos como grupo independiente. Continuaron los discos de éxito a lo largo de la década: ‘Please don’t tease’, ‘I love you’ (1960), ‘The young ones’, ‘The next time’, ‘Bachelor boy’ (1962). Naturalmente, la aparición de los Beatles le afectó como a muchos otros, pero Cliff logró mantener el tipo con temas como ‘Summer holiday’, ‘It’s all in the game’ (1963), ‘Constantly’ (1964), ‘The minute you’re gone’, ‘Wind me up’ (1965) y ‘Congratulations’ (1967), con la que participó representando al Reino Unido en el Festival de Eurovisión, quedando segundo ante Massiel con su ‘La la la’.

Rumores recientes mantienen que el triunfo de España en aquella edición fue ‘comprado’ por el gobierno franquista, por lo que el ganador moral fue Cliff. No obstante, ‘Congratulations’ consiguió vender muchas más copias que el tema de Massiel. En los setenta continuó en la brecha con éxitos como ‘Goodbye Sam, hello Samantha’ (1970), ‘Power to all our friends’ (1973), ‘Devil woman’ (1976) y ‘We don’t talk anymore’ (1979), su mayor éxito en las listas USA. Richard ostenta el récord de haber colocado un nº1 en las listas británicas en cinco décadas consecutivas (1950-2000).

La siguiente década, y a pesar de los cambios de tendencia musicales, Cliff continuó apareciendo en lo alto de las listas británicas tanto en solitario (‘Carrie’ 1980, ‘Daddy’s home’ 1981, ‘Please don’t fall in love’ 1984, una nueva versión de ‘Living doll’ con los Young Ones 1986, ‘Mistletoe and wine’ 1988 y ‘I just don’t have the heart’ 1989), como haciendo dúos con otros músicos: ‘Suddenly’ (1980) con Olivia Newton John; ‘She means nothing to me’ (1983) con Phil Everly; ‘All I ask of you’ (1986) con Sarah Brightman y ‘Whenever God shines his light’ (1989) con Van Morrison.

En los años noventa tuvo otros dos nº1, ‘Saviour’s day’ y ‘The millenium prayer’ (1999). Una de sus últimas publicaciones fue un nuevo dueto con Olivia Newton John: ‘Find a little faith’ (2011) y su álbum más reciente fue ‘The Fabulous Rock’n’roll Songbook’, con versiones de clásicos del rock’n’roll, publicado en noviembre de 2013.

Actualmente, con una carrera de 58 años a sus espaldas, Sir Cliff Richard es uno de los cantantes de mayor éxito de la historia con más de 260 millones de discos vendidos y centenares de discos de oro y platino, cuarenta álbumes y más de doscientos singles y ep’s publicados, aunque a los británicos no deje de sorprenderles el hecho de que Cliff siga siendo un práctico desconocido en América.

Durante los años sesenta la casa discográfica le encargó que grabara en lenguas foráneas para conquistar los mercados continentales. De ellas comentó años más tarde, las que más difíciles le resultaron fueron las versiones en japonés y alemán y encantadores han sido siempre los esfuerzos de Cliff en pronunciar correctamente el castellano en los temas que grabó para el público hispano. Su ‘Perfidia’ fue muy popular en España, así como ‘María no más’.

13 de Octubre – Yves Montand

Yves Montand (Monsummano Terme, Toscana, 13 de octubre de 1921 – Senlis, Oise, 9 de noviembre de 1991) fue un actor y cantante italo-francés.

En 1921, poco tiempo después de su nacimiento, la familia de Montand emigró de Italia a Francia. Cuando pidieron la nacionalidad francesa, su padre arguyó que habían dejado Italia para escapar del régimen de Mussolini. Montand se crio en Marsella, donde trabajó en la barbería de su hermana y luego en los muelles. Comenzó su carrera en el espectáculo como cantante del music-hall. En 1944 fue descubierto por Édith Piaf en París, quien lo hizo miembro de su compañía artística, convirtiéndose en su mentora y amante.

Fue reconocido internacionalmente por protagonizar numerosas películas. En 1951 se casó con la también actriz Simone Signoret y ambos co-protagonizaron varias películas a lo largo de sus carreras. El matrimonio fue lo bastante armonioso, según los testimonios conocidos, para que durase hasta la muerte de ella en 1985, aunque Montand tuvo varios amores ampliamente publicitados, principalmente con Marilyn Monroe, con quien realizó una de las últimas películas de la actriz americana, Let’s Make Love.

Durante su carrera, Montand actuó en numerosas películas europeas y estadounidenses, así como en Broadway. Entre sus filmes destacan: El salario del miedo (premiado con la Palma de Oro en Cannes), La ley (donde actuó con Gina Lollobrigida), Z de Costa Gavras… Fue nominado para un Premio César para “Mejor Actor” en 1980 por I comme Icare y nuevamente en 1984 por Garçon!

En 1986, después de que su gran influencia en la taquilla internacional hubiese decaído considerablemente, Montand de 65 años hizo una de sus actuaciones más memorables como el tío, en el relato fílmico Jean de Florette (protagonizado por Gérard Depardieu) y su continuación Manon des sources (coprotagonizada con Emmanuelle Béart). Estas películas fueron un éxito mundial de crítica e incrementaron su fama en los Estados Unidos, donde actuó en el programa televisivo “Late Night” con David Letterman.

13 de Octubre – Nana Mouskouri

Nana Mouskouri (en griego: Νάνα Μούσχουρη; n. La Canea, Creta, 13 de octubre de 1934) es una cantante griega, particular por ser una de las solistas con mayores ventas en la historia, con más de 350 millones de discos, cassetes y CDs.

A lo largo de su carrera que abarca cinco décadas, Nana, hija de un miembro de la resistencia griega anti nazi, estudió en el Conservatorio a muy temprana edad y a finales de los años cincuenta cantaba jazz en los clubs de Atenas, afición que le supuso ser expulsada del conservatorio.

En uno de esos clubes, en los que cantaba temas del repertorio de Ella Fitzgerald, la descubrió el autor Manos Hadjidakis, que, impresionado con su voz, se ofreció a componer para ella. En 1959 cantó el tema de Hadjidakis ‘Kapou iparchi/Agapi mou’ en el recién inaugurado Festival Griego de la Canción. Nana ganó el primer premio y comenzó a ser conocida. Al año siguiente repite premio con el tema ‘Xypna agapi mou’ (‘Despierta amor mío’), escrito por Costa Yannidis, en el Festival de la Canción del Mediterráneo, celebrado en Barcelona. Supone su primer éxito internacional y Mouskouri firma con Philips-Fontana.

Al año siguiente interpreta una canción en alemán para la banda sonora de un documental sobre Grecia, ‘Weisse Rosen aus Athen’, una adaptación de Hadjidakis de una melodía de folk griego. La canción se publicó en single y vendió más de un millón de copias en Alemania, permaneciendo 38 semanas en las listas. Posteriormente Nana grabaría la canción en varios idiomas, convirtiéndose en una de sus canciones emblemáticas. En 1962 conoció a Quincy Jones, quien la persuadió para viajar a la ciudad de Nueva York y grabar un álbum con jazz americano, ‘The Girl From Greece Sings’.

Le siguió un nuevo éxito, esta vez en el Reino Unido con ‘My Colouring Book’. Al año siguiente abandonó Grecia y se instaló en Paris. Participó representando a Luxemburgo en el Festival de Eurovisión con ‘A force de prier’. La canción fue bien recibida en Francia, donde Mouskouri ganó el Grand Prix du Disque y atrajo la atención de compositores franceses como Michel Legrand que escribió ‘Le parapluies de Cherbourg’ (1964) y realizó una adaptación del villancico El Tamborilero, ‘L’enfant au tambour’ (1965) especialmente para ella.

En 1965 grabó su segundo álbum en inglés para el mercado norteamericano, ‘Nana Sings’, que llama la atención de Harry Belafonte. Este la invita a participar con él en una larga gira que terminó en 1966 y juntos graban el álbum ‘An Evening With Belafonte/Mouskouri’. Durante la gira, Belafonte le sugirió a Nana que se quitara las gafas a la hora de subir al escenario. A la cantante griega se le hizo tan duro prescindir de sus enormes y características gafas, que a los dos días estaba dispuesta a abandonar la gira si no se le permitía llevarlas. Finalmente, Belafonte accedió y la gira finalizó con enorme éxito.

En 1967 su álbum en francés ‘Le jour où la Colombe’ la consagró como estrella en Francia con temas como ‘Au cœur de septembre’, ‘Adieu Angélina’, ‘Robe bleue, robe blanche’ y el clásico de pop francés ‘Le temps des cerises’. Ese mismo año realiza su primera actuación en el Olympia de Paris, interpretando canciones francesas y temas de Hadjidakis.

En 1968 fue invitada a presentar un programa de la televisión británica, ‘Presenting Nana Mouskouri’ y estando allí graba un álbum, ‘Over and Over’, que permanece dos años en las listas inglesas. Extendió el ámbito de sus giras hasta Australia, Nueva Zelanda y Japón, donde realizó varias grabaciones para el mercado nipón. Seguidamente publicó en Francia una serie de álbumes que fueron extraordinariamente bien recibidos y tuvieron gran éxito de ventas, como ‘Comme un Soleil’, ‘Une Voix Qui Vient du Cœur’, ‘Vieilles Chansons de France’ y ‘Quand Tu Chantes!’.

En 1979 publicó otro disco en inglés, ‘Roses & Sunshine’ (1979), que contenía temas folk y country con autores como Neil Young, Bob Dylan y John Denver. Tuvo una gran acogida en Canadá y una de sus canciones, ‘Even now’, fue uno de los temas más radiados en las emisoras de EE.UU.

Dos años más tarde, en 1981, obtuvo otro éxito internacional con el tema ‘Je chante avec toi, Liberté’, de la opera ‘Nabuco’ (Verdi), que fue traducido a varios idiomas tras su éxito en Francia. También en Alemania logró ser popular con el álbum ‘Meine Lieder sind mein Leben’ (Mis canciones son mi vida).

En 1984 retornó a Grecia para actuar allí por primera vez desde 1962, y en 1985 grabó la canción ‘Only love’, usada como tema principal de una serie de TV británica, ‘Mistral’s daughter’ (basada en una novela de Judith Krantz), que alcanzó el nº2 de las listas inglesas. Fue asimismo un éxito en otros países europeos como Francia (‘L’amour en héritage’), Italia (‘Come un’eredità’), Alemania (‘Aber die Liebe bleibt’) y España (‘La dicha del amor’). Alcanzó gran popularidad en España en los años ochenta, al ser invitada con frecuencia a los espectáculos televisivos de José Luis Moreno. Ese mismo año, publicó otro tema en español, ‘Con todo el alma’, que fue un gran éxito en Argentina, España y Chile.

En 1987 publicó cinco álbumes en cinco idiomas diferentes y seguidamente volvió a sus raíces clásicas con el doble LP ‘The Classical Nana’, en el que interpretaba adaptaciones de canciones clásicas y pasajes de ópera. A finales de la década Mouskouri realizó una larga gira asiática, en la que visitó Corea del Sur, Taiwan, Singapur, Hong Kong y Tailandia.

Mouskouri ha vendido más de 300 millones de copias en el mundo de las más de 1500 canciones que ha grabado en 15 idiomas para 450 álbumes por los que ha obtenido más de 230 discos de oro y platino. Esto la convierte en la cantante con mayores ventas globales de la historia.

En octubre de 1993 fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad recogiendo el testigo de la fallecida Audrey Hepburn. Su primera misión tuvo lugar en Bosnia con el fin de atender las necesidades de los niños afectados por la guerra. También realizó varios conciertos benéficos en Suecia y Bélgica para donar fondos a la causa. Fue elegida como miembro del Parlamento Europeo en 1994. Sin embargo, en 1999 renunció a su puesto político. El año 2010, con motivo de la grave crisis que atravesaba su país, renunció a su pensión de ex-parlamentaria para contribuir a la recuperación económica.

En 2005 dio comienzo una gira mundial de despedida que acabó en julio de 2008 en Atenas. Sin embargo no ha dejado de grabar y en 2011 publicó dos Cds nuevos acreditados como Nana Mouskouri & Friends: uno acompañada de cantantes griegos y otro de duetos con cantantes franceses. Ese mismo año volvió a los escenarios en Berlín el mes de noviembre, conmemorando el 50 aniversario de su primer hit ‘Weisse Rosen aus Athen’ y en 2012 siguió una gira por Alemania. En 2014 apareció un nuevo CD de grandes éxitos: ‘Happy Birthday Tour’ (2014).

13 de Octubre – Paul Simon

Paul Frederic Simon (Newark, Nueva Jersey, 13 de octubre de 1941) es un cantante, músico y renombrado compositor musical estadounidense. Se graduó en el Queens College y estudió durante un breve periodo en la escuela de derecho de Brooklyn (Nueva York).

Uno de los grandes compositores pop del siglo XX, Paul es conocido, sobre todo, por haber sido -y aún es, ya que se reúnen de cuando en cuando- parte del gran dúo que forma con su amigo Art Garfunkel. En 1970, en lo más alto de su carrera y tras haber obtenido hits con ‘The Sounds of silence’, ‘Mrs Robinson’ y ‘Bridge over troubled water’, se separaron y ambos siguieron en solitario. Paul Simon ha ganado 12 premios Grammy y desde 1992 está casado con la cantante Eddie Brickell con la que tiene tres hijos.

Sus padres eran judíos húngaros que huyeron de Europa en los años treinta. La madre, Belle era maestra y tenía las suficientes nociones de música como para dar clases particulares en su tiempo libre. El padre había sido primer violinista de la principal orquesta de Budapest y en Nueva York consiguió tocar el contrabajo en varias bandas e incluso fue líder de algunas con las que llegó a actuar en shows de TV como los de Jackie Gleason y Arthur Godfrey. Tras nacer Paul, nombrado así por su abuelo, un sastre de Viena a quien nunca conoció-, la familia se trasladó al barrio de Queens, en el que Simon pasó su niñez.

El año 1953, Paul conoció a Art Garfunkel en la escuela, cuando ambos tomaban parte en una representación teatral de ‘Alicia en el país de las Maravillas’. Con trece años ya cantaban juntos y practicaban armonías vocales al estilo de los Everly Brothers. Al mismo tiempo, Paul comenzó a interesarse por el folk y el blues de leyendas como Woody Guthrie y Leadbelly, así como por el jazz. En octubre de 1954 recibió su primera guitarra como regalo de cumpleaños y comenzó a escribir canciones. Un día, mientras estaba en su habitación tocándola, entró su padre y le dijo: “Eso está muy bien Paul. Tienes una bonita voz”. Para Paul, que idolatraba a su padre, estas palabras fueron suficientes para decidirse a ser músico.

Tres años después, los dos adolescentes, bajo el nombre Tom and Jerry (sugerido por la discográfica), graban su primer single con el sello Big Records, ‘Hey schoolgirl’ (1957), que alcanza el puesto 49 de las listas. Posteriormente ambos se gradúan en la Universidad, Paul en Literatura Inglesa y Garfunkel en Matemáticas. Aunque Paul comenzó a estudiar Derecho, su verdadera pasión era el rock and roll.

Entre 1957 y 1964 Simon compuso y grabó más de treinta canciones, reuniéndose ocasionalmente con Art Garfunkel -de nuevo como Tom y Jerry- para algunos singles como ‘Our song’ y ‘That’s my story’. Sin embargo la gran mayoría están grabadas en solitario o con otros músicos, todos ellos publicados en pequeños sellos como Amy, Big, Hunt, Tribute y Madison, bajo varios seudónimos como Jerry Landis, Paul Kane (del film Ciudadano Kane) y True Taylor. También tuvo cierto éxito formando parte de un grupo llamado Tico and the Triumphs con un tema llamado ‘Motorcycle’, que entró en las listas en 1962. Ese mismo año, Paul grabó como Jerry Landis otro tema que pasó brevemente por las listas, ‘The lone teen ranger’.

En 1964 Paul Simon y Art Garfunkel consiguen una audición con Columbia Records. El productor ejecutivo Clive Davis queda suficientemente impresionado como para firmarles un contrato y decide cambiarles el nombre de Tom y Jerry por el de Simon & Garfunkel, siendo ésta la primera vez en la historia que un grupo recibe como nombre los apellidos de los que lo integran.

El primer álbum del dúo, ‘Wednesday Morning, 3 A.M.’ se publicó en octubre de 1964 y contenía doce canciones de estilo folk, cinco de ellas escritas por Simon, entre ellas, ‘The sound of silence’. Como se acababa de desatar la beatlemania en EE.UU, el disco pasó desapercibido por lo que Paul, desilusionado, se marcha a Inglaterra que parecía ser la Meca musical de entonces. Allí toca en bares y clubes londinenses y en uno de ellos conoce a Kathy Chitty, que sería su compañera sentimental e inspiración para temas como ‘Kathy’s Song’ y ‘America’.

Continuó componiendo canciones y al comprobar que no se había publicado en el Reino Unido el álbum grabado en EE.UU meses antes y como seguía bajo contrato con Columbia Records, grabó en los estudios de Londres de la compañía el álbum ‘The Paul Simon Songbook’. En él volvía a aparecer ‘The sound of silence’, además de temas inéditos que aparecerían de nuevo en trabajos posteriores con Garfukel como ‘I am a rock’, ‘April come she will’ y ‘Flowers never bend with the rainfall’.

Mientras tanto, en EE.UU triunfaban los Byrds con ‘Mr Tambourine’ y sus armonías vocales sobre los limpios y cristalinos arpegios de la Rickenbacker de doce cuerdas de Roger McGuinn. El nuevo sonido de moda anima al productor del dúo Tom Wilson a añadir guitarra eléctrica, bajo y batería al tema ‘The sounds of silence’. El éxito es fulgurante. Alcanza el nº1 y Wilson llama apresuradamente a Simon que vuelve de Inglaterra para reunirse de nuevo con Garfunkel y entrar en el estudio para grabar su siguiente trabajo. Aunque a Paul no le habían gustado nada los nuevos arreglos de su canción, tuvo que doblegarse a los deseos del productor y publicaron a toda prisa el álbum ‘Sounds of Silence’, con temas folk-rock en una línea similar al del nº1 conseguido. Así, canciones como ‘I am a rock’, ‘Leaves that are green’, ‘Kathy’s song’ o ‘Richard Cory’, comenzaron a cimentar la fama del dúo, alcanzando el álbum el puesto 21 de las listas. También su anterior trabajo, ‘Wednesday Morning, 3AM’ fue reeditado y ésta vez sí tuvo la acogida merecida, alcanzando el puesto 30 de las listas de álbumes.

En su siguiente trabajo, ‘Parsley, Sage, Rosemary and Thyme’ (1966), en el que Paul logró controlar algo más la producción, los arreglos recibieron un tratamiento más delicado que en el disco anterior e incluía nuevos éxitos como ‘Homeward bound’, ‘Scarborough fair’, ‘The dangling conversation’ y ‘7 o’clock news/Silent night’, una fusión del famoso villancico con un boletín de noticias de la radio, que, Bruce Eder, de AllMusic describió como “un comentario irónico -a la vez que profético- de la situación que reinaba en 1966 en EE.UU”.

1967 fue un año importante para Art y Paul. Participaron en el Monterey Pop Festival y Mike Nichols, director de cine que se había obesionado con su música, le rogó a Simon que escribiese unas canciones para su nuevo film, ‘El Graduado’. Simon sólo tenía entonces una canción antigua inacabada que trataba sobre Mrs Roosevelt y Joe Di Maggio. Caundo Nichols la escuchó dijo: “Ésto es lo que quiero. Pero a partir de ahora se llamará ‘Mrs Robinson’, como el personaje de mi película”. La banda sonora del film alcanzó inmediatamente lo más alto de las listas de ventas y Simon & Garfunkel merecieron el status de estrellas internacionales.

Esto les concedió más libertad creativa y en su siguiente entrega ‘Bookends’ (1968), Paul compuso para la primera cara del disco una serie de canciones temáticas que van recorriendo la vida de un ser humano, desde el nacimiento (‘Save the life of my child’), pasando por la juventud (‘America’), las pérdidas y rupturas (‘Overs’), hasta la vejez (‘Old friends’). Se completaba el disco con temas escritos para ‘El Graduado’ y finalmente no utilizados, como ‘Punky’s dilemma’ (escrito para la escena cuanto Dustin Hoffman está tumbado en la piscina y rechazado por Nichols) en el que emplearon más de cincuenta horas de grabación, además de una versión completa de ‘Mrs Robinson’ de la que en la banda sonora sólo se habían publicado un par de escorzos.

El éxito empezó a pasarles factura y las tensiones crecieron entre Paul y Art. Garfunkel había iniciado una carrera como actor y sus obligaciones con los rodajes (Art interpretaba a uno de los personajes del film ‘Catch 22’, de Mike Nichols) retrasaron bastante la salida del siguiente álbum, ‘Bridge over troubled water’, lo que terminó de crispar a Paul, y tras terminar la grabación -repleta de tensiones-, el dúo se separó en plena cima del éxito.

‘Bridge Over Troubled Water’ se publicó en 1970 y fue nº1 y álbum del año en varios países. Consiguió la inaudita cifra para entonces de seis premios Grammy y es uno de los álbumes más vendidos de la historia.

Ha superado ya la cifra de 25 millones de copias vendidas y posee el récord de permanencia en el nº1 de las listas inglesas con 41 semanas. Todos sus temas fueron radiados hasta la saciedad, especialmente la canción que da título al álbum, ‘Cecilia’, ‘The boxer’ (con letra autobiográfica relatando sus comienzos como cantautor) y ‘El condor pasa’, donde ya se vislumbraba su interés por las músicas del resto del mundo. En la canción ‘The only living boy in New York’, Paul expresaba su amargura por la falta de compromiso de su compañero, más interesado en su carrera cinematográfica.

En enero de 1972 Paul Simon publicó el primero de sus diez álbumes en solitario hasta la fecha, ‘Paul Simon’, en el que mostraba de nuevo su interés en las otras músicas como el tema de inspiración caribeña ‘Mother and child reunion’ (grabado en un estudio de Kingston, Jamaica), considerado uno de los primeros ejemplos de reggae realizado por un músico blanco. El single fue un hit alcanzando el Top5 en EE.UU y el Reino Unido. Otros temas destacables del álbum fueron ‘Me and Julio down by the schoolyard’, ‘Duncan’ y ‘Peace like a river’.

Su segundo álbum, ‘There Goes Rhymin’ Simon’ (1973) está considerado por muchos como una obra maestra del pop que contiene hitos como el perfecto ‘Kodachrome’, ‘Loves me like a rock’ (con un acento gospel), ‘American tune’, en el que expresa su hartazgo con la administración Nixon y en cierto modo pide disculpas al mundo por la prepotencia norteamericana, o el melancólico ‘Something so right’, dedicado a su primera pareja Peggie. El álbum fue nº2 y en 1974 se publicó un álbum con temas en directo grabados durante la gira de promoción, ‘Live Rhymin”

La expectación ante el tercer álbum de Simon fue extraordinaria. Producido por Phil Ramone, ‘Still Crazy After All these Years’ mostraba una atmósfera más oscura, ya que fue escrito durante su proceso de divorcio. No obstante, el LP fue nº1 en las listas Billboard, el único que ha conseguido Simon en toda su carrera.

Contenía un tema en el que el famoso dúo volvía a reunirse (aunque únicamente en el estudio) para cantar ‘My little town’, compuesto inicialmente para Garfunkel, ya que Paul pensaba que a su amigo, que también había iniciado carrera en solitario como cantante dejándose el cine a un lado, le faltaban temas con más ‘garra’. Otros temas destacables: ‘Still crazy after all these years’ y ’50 ways to leave your lover’, que también fue su único nº1 en las listas de singles.

En la segunda mitad de los setenta la creatividad musical de Paul se redujo, dedicándose a diversos proyectos, como el cine (aparece en ‘Annie Hall’, de Woody Allen) o escribir música para el film ‘Shampoo’. En 1977 se publicó una compilación de éxitos a la que añadió otra de sus grandes canciones: ‘Slip slidin’ away’.

En 1980 publicó el álbum ‘One Trick Pony’ con los hits ‘Late in the evening’ y ‘Ace on the hole’, canciones que aparecían en la película del mismo nombre protagonizada asímismo por Paul Simon, que en éste álbum tuvo como músicos de sesión a verdaderos gigantes de la música norteamericana: Eric Gale a la guitarra, Tony Levin al bajo, Richard Tee al piano y Steve Gadd a la batería, todos ellos músicos habituales de Simon tanto en estudio como en directo. No obstante, el álbum fue un relativo fracaso de ventas en un mercado dominado entonces por la música disco.

En 1981 se produjo un hecho extraordinario. Simon y Garfunkel se reunían de nuevo en concierto ofreciendo un show gratuito en el Central Park de Nueva York al que acudieron más de 500.000 personas.

Aunque en sus diez años de separación habían coincidido y cantado juntos en alguna ocasión (fiesta presidencial, programas de TV o su colaboración junto con James Taylor en la versión que Garfunkel hizo de ‘Wonderful world’ de Sam Cooke), ésta era la primera vez que se mostraban en vivo ante el público. El recital se grabó en audio y video y meses después aparecieron los correspondientes discos y peliculas del evento. En el concierto repasaron sus éxitos como dúo además de varios hits en solitario de ambos y hubo una consiguiente y exitosa gira mundial durante el año 1982.

Si a su anterior entrega, ‘One Trick Pony’ no le había ido bien en las ventas, no le fue mejor a su siguiente álbum en solitario, ‘Hearts and Bones’ (1983), actualmente considerado por la crítica uno de sus mejores trabajos. Su single, ‘Allergies’ no alcanzó las listas y el disco contenía joyas como ‘René and Georgette Magritte with their dog after the war’, ‘Hearts and bones’, ‘Train in the distance’ y ‘The late great Johnny Ace’. El nuevo fracaso comercial sumió a Simon en una depresión, haciéndole pensar que se le había acabado la inspiración y que sus días de éxito comercial habían llegado a su fin.

Sin embargo, en 1984 estaba escuchando una cassette que le había recomendado una colaboradora cuando le llamó la atención una pieza instrumental llamada ‘Gumboots’ interpretada por los Boyoyo Boys, un grupo sudafricano. Interesado en el sonido inusual, le puso letra a la pieza y añadió su voz en el estudio. Había nacido ‘Gumboots’, el primer tema de un nuevo proyecto musical que contenía una ecléctica selección de estilos musicales, incluyendo pop, isicathamiya (a cappella), rock, y mbaqanga. Simon pensó que no tenía nada que perder y viajó a Sudáfrica para conocer su cultura y encontrar la atmósfera adecuada para la grabación del álbum. Entretanto, en enero de 1985, acudió a la llamada de Michael Jackson para contribuir con su nombre y su voz en el proyecto USA for Africa en el tema ‘We are the world’.

Las primeras sesiones en Johannesburgo para ‘Graceland’ tuvieron lugar en febrero 1985. Los recordings y remezclas se efectuaron al año siguiente en Nueva York. Participaron en las sesiones un nutrido número de músicos sudafricanos, especialmente Ladysmith Black Mambazo. Paul también invitó a artistas de su propia cultura musical como Linda Ronstadt, que le acompaña en ‘Under african skies’ y Los Lobos hacen lo propio en ‘All around the world or the myth of the fingerprints’. El álbum recibió excelentes críticas y alcanzó el nº1 en varios países, incluidos Canadá y el Reino Unido, consiguiendo el puesto 3 en EE.UU. Gran parte del éxito fue debido también al tema ‘You can call me Al’, que con un estribillo pegadizo, una parte silbada fácil de emular y un riff de bajo -cuyo inusual dibujo melódico hasta la mitad de la canción se repite en sentido inverso en la segunda mitad-, tenía todos los ingredientes para un hit.

Además, se realizó un video con el actor Chevy Chase que fue emitido con frecuencia por la cadena MTV, abriendo mercado para la música de Simon a nuevas generaciones. Otros singles del álbum fueron ‘The boy in the bubble’ y ‘Diamonds on the sole of her shoes’, muy radiados en su época. La gira consiguiente, ‘The Graceland Tour’, en la que le acompañó Miriam Makeba, fue todo un éxito.

Con 45 años, Simon se encontró de nuevo en la vanguardia de la música pop. Recibió dos Grammy por ‘Graceland’ y se embarcó en una gira mundial en la que llenó estadios.

En su siguiente álbum ‘The Rhythm Of the Saints’, exploró la música brasileña, con temas como ‘The obvious child’ y ‘Born at the right time’, grabándose en Rio de Janeiro con numerosos músicos brasileños, así como africanos y su compatriota J.J. Cale. Aunque de menor éxito que ‘Graceland’, fue muy bien recibido por la crítica y alcanzó un flamante nº4 en EE.UU y, de nuevo, nº1 en el Reino Unido.

El éxito de ambos álbumes le permitió realizar en el verano de 1991 un nuevo concierto en el Central Park de Nueva York, ésta vez en solitario y diez años después del celebrado con Garfunkel. En esta ocasión se sobrepasaron con creces todas la expectativas y acudieron al concierto más de 750.000 personas, convirtiéndose en uno de los espectáculos que más gente ha convocado en la historia. Simon declararía años después que fue el momento más emocionante y memorable de su carrera. El año siguiente grabaría su propio ‘Unplugged’ para MTV, que no fue editado en disco.

A partir de aquí el nombre de Paul Simon volvió a desaparecer de la primera línea. Hubo otra reunión con Garfunkel en 1993 y Simon se dedicó de lleno a un proyecto llamado ‘The Capeman’, un musical que se estrenó finalmente en 1998, que trataba sobre un adolescente puertorriqueño que se convertía en escritor mientras cumplía pena por unos asesinatos, con Marc Anthony, Ednita Nazario y Rubén Blades en los papeles principales. El musical se suspendió tras 68 representaciones. Se publicó un álbum con temas del musical: ‘Songs from the Capeman’ el cual, a pesar de las buenas críticas en las que se ensalzaba la maestría de Paul fusionando doo-wop rockabilly y música caribeña, tuvo escasas ventas, siendo el único de sus álbumes que no superó el Top40.

Para recuperar el dinero que había perdido con ‘The Capeman’ realizó una gira junto con Bob Dylan que tuvo un resultado magnífico y a continuación publicó un nuevo álbum para no perder vigencia en el mercado. ‘You’re the One’ (2000), aunque no fue una de sus obras más aclamadas, por lo menos consiguió superar el Top20 tanto en Inglaterra como en EE.UU y ser nominado a álbum del año. El año 2003 realizó una nueva reunión y gira con Garfunkel y en 2006 publicó ‘Surprise’ -en colaboración con Brian Eno-, inspirado en los ataques del 11 de septiembre, la invasión de Iraq y la guerra que siguió. El álbum fue un éxito y significó para muchos ‘la vuelta’ del genio de Paul Simon.

Tras realizar una nueva gira por Australia con Garfunkel y actuar frente al presidente Obama en la Casa Blanca (2009) publicó en 2010 el single ‘Getting ready for Christmas Day’, como adelanto de su último trabajo hasta la fecha, ‘So Beautiful Or So What’, publicado el mes de abril de 2011 con temas como ‘Dazzling blue’ y ‘Love is eternal sacred light’, con el que entró directamente al nº4 de las listas Billboard.

Un par de meses después actuó en el Festival de Glastonbury, demostrando a sus 70 años  (“..how terribly strange to be seventy…”), estar de nuevo en primera línea del pop. Del mismo modo que en sus comienzos no estaba nada feliz con el atributo de ‘poeta’ o ‘artista’, tampoco le gusta ahora que le llamen leyenda viviente. “Ser una leyenda lo único que significa es que eres viejo”. El mes de febrero de 2014 Simon inició una serie de conciertos bajo el nombre On Stage Together con el músico británico Sting. Tras realizar 21 conciertos en Norteamérica, la gira se extendió por Australia y Nueva Zelanda y en 2015 ofrecieron 23 shows en Europa, finalizando el mes de abril. El mes de junio de 2016, tras publicar el álbum nº 13 de su discografía, ‘Stranger to Stranger’, Simon anunció que estaba considerando retirarse de los escenarios.

12 de Octubre – Soledad

Soledad Pastorutti (Arequito, 12 de octubre de 1980), más conocida como Soledad o La Sole, es una cantante de expresión folclórica, esporádicamente compositora, actriz y conductora argentina.

Se la apoda El Tifón o El Huracán de Arequito, por la energía que irradia en sus presentaciones y por su característico tono de voz.

Ganó el Premio Revelación Cosquín 1997. Vendió más de cuatro millones de discos. Ganó dos discos de diamante, que la convierte en la primera artista de Argentina que recibe este premio dos veces, el primero lo recibió en 2003 por el disco Poncho al viento y el segundo por haber superado las 500.000 unidades vendidas de su álbum La Sole, cuando cumple diez años de carrera.

Ha realizado más de 2500 shows en Argentina y el mundo. Ha tenido papeles como actriz en cine y en televisión (como en la telenovela Rincón de luz) y también como conductora desde 2008 en el programa televisivo Ecos de mi tierra, dedicado a la música Argentina.

En 2014 obtuvo junto a Lila Downs y Niña Pastori el Grammy Latino de la mano de Raíz como mejor álbum folclórico.

Su música renovó el folclore argentino en la década de 1990 y provocó un acercamiento de esta corriente musical a los jóvenes.

Es considerada dentro de la camada de «nuevas promesas del folclore nacional» junto a otros artistas como Abel Pintos y Luciano Pereyra.

Ha llegado a ser una de las cantautoras que más ha revalorizado el género folclórico argentino.

12 de Octubre – Luciano Pavarotti

Luciano Pavarotti Venturi (Módena, 12 de octubre de 1935-ibídem, 6 de septiembre de 2007) fue un tenor lírico italiano, uno de los cantantes contemporáneos más famosos de los últimos siglos, tanto en el mundo de la ópera como en otros múltiples géneros musicales, considerado uno de los mejores de todos los tiempos.

Fue muy conocido por sus conciertos televisados y como uno de Los Tres Tenores, junto con Plácido Domingo y José Carreras. Reconocido por su filantropía, reunió dinero para refugiados y para la Cruz Roja, y fue premiado en varias ocasiones por ello.

Nacido el 12 de octubre de 1935 en las afueras de Módena, Luciano Pavarotti era hijo de Fernando Pavarotti (1912-2002), panadero y tenor aficionado, y de Adele Venturi (1915-1999), trabajadora en una fábrica cigarrera. Su padre estimuló a Luciano para que empezara los estudios en el mundo del canto lírico. Aunque Luciano hablaba con cariño de su infancia, la realidad es que vivió ciertas penurias, aunque la felicidad podría ser interpretada de formas diversas. Su familia tenía escasos recursos económicos; sus cuatro miembros se apiñaban en un apartamento de dos cuartos.

Según Luciano, el padre tenía una fina voz de tenor, pero rechazó la posibilidad de dedicarse a la carrera de cantante debido a sus nervios. La Segunda Guerra Mundial forzó a la familia a salir de la ciudad en 1943 y al año siguiente tuvieron que alquilar una habitación a un granjero en la campiña cercana, donde el joven Luciano desarrolló interés por la agricultura.

Sus primeras influencias musicales provinieron de las grabaciones que poseía su padre, la mayoría de tenores populares de la época como Beniamino Gigli, Giovanni Martinelli, Tito Schipa y Enrico Caruso. Sin embargo, el ídolo de Luciano era el tenor Giuseppe Di Stefano. Cerca de los nueve años comenzó a cantar con su padre en el coro de una pequeña iglesia local. También en su juventud tomó algunas clases de canto con el profesor Dond y su esposa.

Después de una niñez normal con un típico interés por los deportes (en su caso, el fútbol sobre todo), Luciano se graduó en la Scuola Magistrale. Tras ello tuvo dudas en seguir aquella carrera, pues también soñaba con ser portero de fútbol profesional. Su madre le convenció para que siguiera de maestro. Ejerció entonces en una escuela primaria durante dos años, pero finalmente lo arrastró su interés por la música. No sin reservas, su padre consintió en que desarrollara su nueva vocación: se acordó que recibiría manutención hasta la edad de 30 años y que, si no triunfaba a esa edad, se ganara el sustento por sus propios medios.

Sus mentores en el arte del bel canto fueron Arrigo Pola y Ettore Campogalliani. Sus primeras apariciones públicas como cantante fueron en el coro del Teatro de la Comuna, en Módena, y más tarde en La Coral de Gioacchino Rossini, donde demostró su talento. Debutó el 29 de abril de 1961 como Rodolfo en La Bohème, de Puccini, en el teatro de ópera de Reggio Emilia.

El papel de Rodolfo le deparará grandes satisfacciones; será su carta de presentación y lo grabará junto a su coterránea Mirella Freni, dirigido por Herbert von Karajan, lo cantará en La Scala, dirigido por el célebre Carlos Kleiber en 1979, y en la primera retransmisión televisiva nacional en 1977 desde ese teatro, acompañado por la soprano italiana Renata Scotto.

La consagración absoluta llegó con Tonio, de la ópera La hija del regimiento, de Gaetano Donizetti, junto a la soprano australiana Joan Sutherland, con su difícil aria de nueve notas do de pecho que le hizo merecedor de la portada del The New York Times. En la celebración del centenario del teatro en 1983 cantó el dúo de Un ballo in maschera con la soprano estadounidense Leontyne Price.

Entre 1968 y el 13 de marzo de 2004, su última aparición en la sala, totalizó 382 funciones metropolitanas.

Con el equipo que integró con Joan Sutherland y la mezzosoprano Marilyn Horne dará a luz las grabaciones que lo muestran en su mejor momento vocal, en especial Lucia di Lammermoor, La fille du régiment, La Traviata, Il Trovatore, Rigoletto, L’elisir d’amore, I Puritani, La sonnambula, Maria Stuarda, Beatrice di Tenda y Turandot (dirigido por Zubin Mehta) donde se le oye por primera vez cantar Nessun dorma, aria que popularizaría inmensamente.

El célebre director austríaco Herbert von Karajan solicitó sus servicios para las grabaciones integrales de La Boheme, Madame Butterfly y un legendario Réquiem de Verdi desde La Scala junto a Fiorenza Cossotto, Leontyne Price y Nicolai Ghiaurov. También trabajaría y grabaría con el húngaro Georg Solti en el mismo Requiem de Verdi, Un ballo in maschera, el pequeño papel de el tenor italiano en El caballero de la rosa de Strauss y en versión de concierto el rol más temido para un tenor dramático, Otello. Pavarotti, esencialmente un tenor lírico, muy esporádicamente cantó papeles de la cuerda dramática para preservar la flexibilidad y frescura de su voz dotada de gran facilidad para los agudos.

Tampoco fue proclive a añadir nuevos papeles ni a aprender otros del repertorio francés o alemán que se avenían a su magnífico timbre de tenor. No obstante, en 1982 tuvo un gran triunfo en el Metropolitan Opera como Idomeneo de Mozart, papel que había cantado en el famoso Festival de Glyndebourne en 1964.

El 2 de junio de 1988 le nombran Cavaliere di Gran Croce Ordine al Merito della Repubblica Italiana.

Las actuaciones más comentadas a nivel internacional del gran tenor italiano fueron las que realizó con los españoles Plácido Domingo y José Carreras, con quienes formó el trío Los Tres Tenores (The Three Tenors).

En su acercamiento a la música popular, Pavarotti grabó duetos con Eros Ramazzotti, Sting, Andrea Bocelli, Celine Dion, Liza Minnelli, Elton John, Tracy Chapman, Frank Sinatra (“My Way”), Michael Jackson, Barry White, e inéditamente con el brasileño Caetano Veloso, la argentina Mercedes Sosa y el grupo de rock irlandés U2. Un dueto con Sarah Brightman nunca se pudo concretar, aunque siempre fue deseado por los dos artistas.

Durante varios años seguidos a partir de 1991 Pavarotti respondió al llamado de la organización War Child, para recaudar fondos para la construcción de un centro de musicoterapia en Mostar. De esta forma, se organizaron anualmente conciertos en Módena bajo el título Luciano Pavarotti & friends, donde además participaban otras personalidades de la música internacional, como Anastacia, Mónica Naranjo, Bryan Adams, Bon Jovi, Queen, U2, Dolores O’Riordan, Simon Le Bon, Deep Purple, Stevie Wonder, Eros Ramazzotti, The Corrs, Spice Girls, Zucchero, Andrea Bocelli, Céline Dion, Natalie Cole o Vanessa Williams entre otros artistas de pop y rock de talla mundial, donde se recaudaban fondos para diferentes causas y a beneficio de niños y hombres de todo el mundo. Con él colaboraron las más relevantes figuras del panorama musical de la época, lo que demuestra el alto grado de popularidad que alcanzó. Por primera vez un tenor de ópera era conocido como estrella por el gran público.

En 2001 Universal editó un compilado de grandes éxitos titulado “Amore: The Essential Romantic Collection”.

Pavarotti fue muy solicitado en teatros de todo el mundo hasta su retiro en la Ópera Metropolitana de Nueva York el 13 de marzo de 2004 donde interpretó el papel del pintor Mario Cavaradossi en la ópera Tosca, de Giacomo Puccini, al lado de Carol Vaness.

En mayo de 2004 en vísperas de su cumpleaños número 70 el tenor anunció La gira del adiós compuesto por cuarenta conciertos en todo el mundo, para despedirse de los fieles seguidores de su canto. Pese a este retiro, en febrero de 2006 cantó el aria Nessun dorma de Turandot, de Giacomo Puccini, como cierre a la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2006 en el estadio Olímpico de Turín.

En su vida personal Luciano Pavarotti fue un gran aficionado al fútbol, la pintura y los caballos. Unió su destino, durante treinta y cuatro años, con Adua Verona, con quien tuvo tres niñas: Lorenza, Cristina y Giuliana, pero el 13 de diciembre de 2003 se casó en segundas nupcias con su asistente Nicoletta Mantovani, treinta años menor que él, y con ella tuvo a sus dos hijos menores: Alice y Ricardo, este último fallecido al poco de nacer.

La gira del adiós fue suspendida debido a una intervención en la espalda a principios de 2006, y cuando se preparaba para partir de Nueva York a reanudar su gira mundial de despedida, se le descubrió un tumor maligno en el páncreas. Fue operado en un hospital de Nueva York el 7 de julio de 2006 y todos sus conciertos fueron cancelados debido a su muy delicado estado de salud, causado por una neumonía en el postoperatorio. El 8 de agosto de 2007 fue hospitalizado víctima de un estado febril y de complicaciones respiratorias. Abandonó la clínica el 25 de agosto para continuar la convalecencia en su hogar.

El 6 de septiembre de 2007, falleció en su hogar a causa de cáncer de páncreas.

La ceremonia fúnebre se celebró en su ciudad natal, estando presentes el primer ministro italiano Romano Prodi, el ministro de Cultura Francesco Rutelli, el director de cine italiano Franco Zeffirelli y el ex secretario general de las Naciones Unidas Kofi Annan. También asistió a la ceremonia el vocalista de U2, Bono, al igual que los cantantes Zucchero Fornaciari y Laura Pausini. La Fuerza Aérea italiana realizó una exhibición de despedida y millares de personas, muchos de ellos jóvenes, se acercaron a la capilla ardiente para dar su último adiós.

La entrada de la misa estuvo acompañada por la soprano búlgara Raina Kabaivanska, que cantó el Ave María del Otello de Verdi. Durante el ofertorio, el flautista Andrea Griminelli tocó el tema del Orfeo y Eurídice, de Gluck. La comunión fue acompañada por la voz de Andrea Bocelli, quien interpretó el Ave verum corpus de Mozart.

El tenor fue sepultado en el cementerio Montale Rangone cerca de su villa, en las afueras de la ciudad, donde están enterrados sus padres y su hijo Ricardo, quien murió poco después de nacer en 2003.

12 de Octubre – Carlos López Buchardo

Carlos Félix López Buchardo (Buenos Aires, 12 de octubre de 1881 – Buenos Aires, 21 de abril de 1948), fue un compositor argentino.

Estudió primero composición en Buenos Aires con Constantino Gaito, y siguió más adelante su formación en París con Albert Roussel. A su vuelta a Argentina, López Buchardo contribuyó mucho para establecer las instituciones que dieron vida musical a su país:fue, durante 32 años, presidente de la Asociación Wagneriana, creada en 1912.

En 1932 creó la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Integró el directorio del Teatro Colón, y en 1936 fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.

En 1924, el Gobierno Nacional le encomendó la creación y dirección del Conservatorio Nacional de Música y Arte Escénico. Lopéz Buchardo lo dirigió hasta su muerte en 1948.

Su catálogo vocal incluye óperas, misas, comedias musicales y unas cincuenta canciones. Su obra eludió las grandes estructuras formales y la elocuencia sinfónica a excepción de la única obra para gran orquesta que llegó a escribir, “Escenas argentinas” que se estrenó en 1922 en el Teatro Colón con la Filarmónica de Viena.

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