Tag Archives: Efemérides musicales

Next page →
← Previous page

16 de Marzo – Sergio Denis

Héctor Omar Hoffmann, más conocido como Sergio Denis (Coronel Suárez, 16 de marzo de 1949) es un cantautor y actor argentino.

Hijo de Feliciano Hoffmann y María Esther Fenzel, nació en el seno de una familia descendiente de alemanes del Volga, con la única excepción de su abuela materna, cuyo origen era español. Comenzó a cantar de muy pequeño en fiestas de la escuela y reuniones familiares y a los 16 años integró el grupo musical Los Jokers, con el cual recorrió durante cuatro años las localidades vecinas a su ciudad.

En el mes de marzo de 1969 se radicó en la ciudad de Buenos Aires e ingresó al conjunto Los Bambis, con el que grabó por primera vez para un sello discográfico: CBS. El disco se llamó Los Bambis también cantan. Los productores de CBS vieron su potencial, y le dieron la oportunidad de comenzar su carrera como solista, y en noviembre de 1969 grabó los temas “Fui un soñador” y “Te llamo para despedirme”, escrito y producido por Francis Smith.

Este disco comenzó a difundirse en el mes de diciembre, y el 1 de enero de 1970 hizo su primera actuación en televisión, en el programa Casino Philips, conducido por Andrés Percivale y emitido por Canal 13 de Buenos Aires. Durante ese mes fue contratado por el mismo canal para el ciclo Sábados Circulares de Pipo Mancera. En marzo de aquel año (1970) viajó a la ciudad de México para participar en el Primer Festival de la Canción Latina, donde ocupó el 5.º lugar con el tema “Yo te amo como entonces”, que nunca se editó. A su regreso fue incorporado al Batallón de Comunicaciones 181 de Bahía Blanca, para cumplir con el servicio militar obligatorio, actividad que alternaba con sus actuaciones en público y presentaciones en diferentes programas de televisión.

En el año 1972, y merced al éxito obtenido por un tema de su autoría, protagonizó la película Me enamoré sin darme cuenta, junto a Alicia Bruzzo y Luis Brandoni. El 31 de julio de 1974 actuó en el Teatro Ópera, siendo el primer cantante melódico argentino en realizar su espectáculo en esta prestigiosa sala porteña. Cantó acompañado por una orquesta de 36 músicos dirigida por Jorge Calandrelli.

En 1975 se desvinculó del sello CBS Columbia y grabó, a mediados de 1976, para una compañía nueva denominada TK. En esta firma solo editó un álbum, ya que al año siguiente firmó un contrato con la discográfica PolyGram, con la que estuvo ligado hasta julio de 1990 y con la que grabó la mayoría de sus grandes éxitos.

En 1991 pasó a integrar el plantel artístico de EMI Odeón y realizó, hasta 1995, 4 discos más. En 1995 recibió un Diploma al Mérito de los Premios Konex en la disciplina Cantante Masculino de Pop / Balada.

Ha grabado varios temas en compañía de otros artistas como Walter Esposito, Julia Zenko, el Cuarteto Zupay, entre otros; fue invitado a participar de un disco del conjunto folclórico Los Cantores de Quilla-Huasi, con los que, junto a Eduardo Falú, grabó “Río de Tigre”. También realizó, para un disco navideño, una versión propia de dos temas de la Misa Criolla de Ariel Ramírez.

Sergio Denis siempre se caracterizó por su estilo para componer o interpretar el pop melódico y la balada romántica. Entre sus canciones más famosas y populares se encuentran: “Yo nunca supe más de ti” del álbum homónimo de 1973, “Cada vez que sale el sol” del álbum del mismo nombre de 1977, “Cómo estás, querida” incluida en el álbum Afectos (1985), “Te quiero tanto” del álbum Imágenes (1986), y “Un poco loco” del álbum homónimo de 1991. Su repertorio también incluye versiones en español de canciones originalmente grabadas en inglés, tales como “California somnolienta” (“California Dreamin'” de The Mamas and the Papas) incluida en su álbum Al Estilo de… Sergio Denis II (1981), “Pipas de la paz” (“Pipes of peace”, de Paul McCartney) del álbum La humanidad (1984), “Nada cambiará mi amor por ti” (“Nothing’s gonna change my love for you” de Glenn Medeiros) y “Así fue nuestro amor” (“Annie’s song”, de John Denver), estas dos últimas incluidas en su álbum Afectos. Ha ganado muchos premios, siendo el cantautor argentino que más unidades vendió entre 1985 y 1994.

15 de Marzo – Ricardo Soulé

Ricardo Soulé es un músico de rock argentino, (nacido en Quilmes, Gran Buenos Aires, el 15 de marzo de 1950), conocido por ser ex-miembro del grupo Vox Dei.

Su discografía se inició a finales de la década de 1960, y consta de un importante número de trabajos, ya sea como miembro de Vox Dei o en su carrera solista. A lo largo de su carrera, trabajó y vivió durante largos períodos de tiempo en Europa, especialmente en España.

En 1967 fundó la banda de rock progresivo Vox Dei, junto a Willy Quiroga, Rubén Basoalto y Juan Carlos Godoy. En 1970 editan su primer álbum, Caliente, pero el reconocimiento del público y la crítica vendría con su segundo disco de 1971,  La Biblia, pionera y aclamada obra conceptual del rock argentino, con poemas inspirados en el Evangelio según San Juan, en clave de rock, y un incomparable silogismo que abría el álbum (el tema “Génesis”), interpretando la Creación. En 1972 lanzan su tercer disco titulado Jeremías Pies de Plomo.

Soulé abandona la banda en 1974 para iniciar su carrera solista. Entre fines de 1974 y 1975 estuvo radicado en Inglaterra. En 1974 la banda británica Heavy Metal Kids versionó el tema “Canción para una mujer que no está” retitulada como “It’s The Same”. Durante esta etapa en Inglaterra Soulé intentá armar una banda junto a Pappo y dos músicos ingleses pero no llega a funcionar, aunque los temas que compuso para este proyecto serían la base de su primer disco solista que edita unos años después.

Cuando Soulé regresa a Argentina, forma un power trio junto con los primos Rodolfo y Alejandro Pensa, en bajo y batería respectivamente, para grabar su primer álbum solista: Vuelta a casa, editado en 1977 por RCA. El mismo contó con la producción de Edelmiro Molinari.

A principios 1978, Soulé regresó a Vox Dei, con quienes grabó Gata de noche, que fue editado por la discográfica Polydor Records.

En los dos años que siguen, la banda comienza a componer un disco conceptual bajo el nombre de “El Cid Campeador según Vox Dei”, basada en la historia de dicho personaje histórico. Sin embargo, la discográfica se niega a editar el disco y la banda se hunde en problemas internos que la llevan a su separación en 1981.

Tras la separación de Vox Dei en 1981, Soulé reconstruye el proyecto musical inconcluso sobre el Cid Campeador, y en 1982 edita su segundo disco solista Romances de gesta, en el cual recoge parte de las ideas de dicho proyecto fallido, junto a Edelmiro Molinari. Este disco produjo tres éxitos: “El cantar del juglar”, “La leyenda del azor” y “No tengo destino”.

Ese mismo año, además, Soulé participa junto a Molinari, y otros artistas, del Festival de la Solidaridad Latinoamericana, concierto organizado a raíz de la Guerra de las Malvinas, y más tarde, a fines de 1982, es parte del festival BA Rock de ese año, en calidad de solista.

En 1985 editó su tercer disco, Ricardo Soulé por EMI, con Julio Rodríguez en bajo y Alejandro Pensa en batería, que incluyó varios hits como “El tren está partiendo” o “Aunque esté de traje y limousine”.

Después de casi 5 años retornó con Vox Dei, en 1986, con quienes grabó dos discos más, uno en vivo y uno en estudio, pero en 1989 decide emigrar a España.

En 1996 regresa a la Argentina para dar forma a lo que fue su última reunión con Vox Dei, grupo del que se retirará definitivamente a finales de 1998, después de grabar en 1997 una segunda versión de La Biblia. Esta versión aprovecha los adelantos tecnológicos de la época para lograr un resultado más cercano a lo que la banda pensó al momento de grabar el disco en los años 70. Además cuenta con la participación especial de Andrés Calamaro, Fito Páez y Alejandro Lerner.

En 2004 formó el grupo Ricardo Soulé y la Bestia Emplumada, para grabar sus discos solistas y presentarlos en vivo. Esta banda cuenta con su hijo Gabriel Soulé en guitarra y voz, quien a su vez, lidera el trío de rock Cráter. En 2006, junto a La Bestia Emplumada, editó un álbum grabado en vivo en 2004 en la patagónica ciudad de Río Turbio, provincia de Santa Cruz, Argentina. Una dato curioso es que el álbum, originalmente, no fue registrado con la intención de comercializarlo, sino que se trataba de un episodio casual y, debido a las características de la grabación, no era posible hacerle correcciones ni agregados, de este modo salió a la luz como un verdadero documento bajo el nombre de Soulé en Río Turbio, Concierto Patagónico 2004, por el sello de Litto Nebbia, Melopea.

En 2008 aparece Buddy Middler, una novela filosófica con formato musical, que volvió a colocarlo entre las preferencias de un público seguidor desde hace más de 40 años.

En 2011, editó su sexto disco de estudio, “Dolmen” junto a músicos invitados como Manuel “Negro” Quieto de La Mancha de Rolando y Gustavo “Chizzo” Nápoli de La Renga, ellos reconocen a Ricardo Soulé como influencia importante en sus carreras, y como icono del rock argentino en general. En abril de 2011, en plena Semana Santa, junto a Ricardo Soulé y la Bestia Emplumada, se presenta en el histórico teatro “Auditorium” de Mar del Plata, para ejecutar de corrido La Biblia, en conmemoración de los 40 años de su primera edición.

En 2015, Fonocal edita “Vulgata”, octavo de su producción como solista, yendo más allá del clásico disco conceptual para posicionarse como autor de un tratado filosófico – teológico en clave de rock, dando cabida a temáticas como Elías el Profeta, el Mío Cid y los Caminos de Santiago.

Un fallo judicial en junio de 2017 accedió al reclamo de Soulé por el “uso indebido” del nombre “Vox Dei” por parte del grupo que lideraba hasta hace poco tiempo Willy Quiroga, por considerar que no era ético continuar utilizándolo al no quedar más que sólo uno de los miembros originales, y por ser Soulé el autor de las canciones principales.

Soulé siempre dividió sus canciones en lo que denominó «repertorio sacro» y «repertorio profano», aludiendo a las diferentes temáticas que lo inspiraban.

La Biblia de Vox Dei (1971) figura dentro de las 15 obras más importantes en la lista de la revista Rolling Stone, acerca de los 100 mejores álbumes del rock argentino, mientras que “Presente” fue incluida dentro de las 10 mejores canciones de la historia del rock argentino por la cadena MTV y la revista Rolling Stone. El sitio Rock.com.ar colocó al tema “Libros sapienciales” dentro de los 20 más importantes. La misma publicación especializada consideró que Dolmen fue uno de los mejores discos de 2011.

En el canal Encuentro de la Televisión Pública de Argentina, se dedicó un capítulo de la Serie «Como Hice» a la canción “Presente” de Vox Dei, como una de las más emblemáticas del rock en español.

14 de marzo – Quincy Jones

Quincy Delight Jones, Jr., conocido como Quincy Jones (Chicago, 14 de marzo de 1933), compositor, director, arreglista y legendario productor estadounidense de música.

Su ámbito de interés musical abarca el R&B y el jazz (swing y bop), con frecuente tendencia a su fusión. Asimismo, es intérprete ocasional de trompeta y piano, y cantante.

Su extensa carrera incluye grabaciones con Frank Sinatra y también ha compuesto bandas sonoras para películas, siendo el primer compositor de raza afroamericana que lo hacía.

Pero es mayormente recordado como productor de los álbumes más exitosos de Michael Jackson: Off the Wall, Thriller y Bad. Fue también el productor de la canción “We Are the World”.

Ha recibido el Grammy Legend Award, Premio Kennedy, la Medalla Nacional de las Artes y la Legión de Honor, entre otras distinciones.

Nació en Chicago, fue el hijo mayor de Sarah Frances (sufría de esquizofrenia) y el jugador de béisbol Quincy Delight Jones. Su familia se trasladó a Seattle cuando contaba 14 años. En la ciudad tocó la trompeta en clubes de soul. Tocó en la Lionel Hampton’s big band y en la banda del Berklee College of Music en Boston, Massachusetts.

En 1950 viajó a Nueva York donde se dedicó a escribir, arreglar y grabar a bandas que tocaban en los clubes de jazz de la ciudad. Allí conoció y se relacionó con Thelonious Monk, Charlie Parker, Billie Holiday, Gene Krupa, Miles Davis y su intimo amigo Ray Charles, a quien había conocido en Seattle de adolescente. En 1956 hizo una gira por el Medio Oriente y Sudamérica como trompetista de Dizzy Gillespie.

A mediados de la década de los cincuenta, se trasladó a París, estudió composición con Nadia Boulanger y Olivier Messiaen, trabó relación con Leonard Bernstein, Aaron Copland y Pablo Picasso y trabajó como director musical de Barclay Records y también como compositor y arreglista.

En 1961 regresó a Nueva York, donde se convirtió en vicepresidente de Mercury Records, siendo uno de los primeros afroamericanos con esa posición en la industria del disco. En la compañía produjo a artistas como Peggy Lee, Tony Bennett y Sarah Vaughan. En 1963, recibió el primer Grammy por los arreglos de I Can’t Stop Loving You, grabado por la Count Basie Orchestra.

En 1964, grabó la banda sonora de El prestamista, dirigida por Sidney Lumet. Otras películas en las que compuso la música fueron A sangre fría (1967), basada en el libro de Truman Capote y dirigida por Richard Brooks, La huida (película de 1972) con Steve McQueen y dirigida por el célebre Sam Peckinpah, El color púrpura (1985), basada en el libro de Alice Walker y dirigida por Steven Spielberg, Un hombre para Ivy (1969), del director Daniel Mann. Para televisión compuso para series como Ironside, y El show de Bill Cosby.

Como director de big bands, que mantiene para grabaciones en estudio, aunque raramente para actuaciones en directo, inició su carrera con dos discos de gran impacto en el mundo del jazz: How I feel about jazz y Birth of a band (1959).2 Más adelante, fichó por A&M Records donde grabó, en 1961, Quintessence. Influido por conceptos de jazz fusión, editó Walking In Space (1969) y Smackwater Jack (1971), que incluye entre otros temas la banda sonora del telefilm, Ironside . En total compuso la música para 33 películas y recibió 79 nominaciones al Premio Grammy.

Como productor, es famoso sobre todo por haber sido coproductor de los tres álbumes más famosos de Michael Jackson: Off the Wall, Thriller y Bad. Dirigió la orquesta de Frank Sinatra y produjo el último álbum de Sinatra con temas originales, no recopilatorio (L.A. is my Lady) así como el regreso a las tablas de la legendaria Lena Horne en 1980.

En el año 2001 publicó su autobiografía Q: The Autobiography of Quincy Jones.

14 de Marzo – Johann Strauss (padre)

Johann Strauss I (Viena, 14 de marzo de 1804-ibídem, 25 de septiembre de 1849) hijo de Franz Borgias Strauss. Fue un compositor austriaco conocido particularmente por sus valses, que rivalizaron en su época con los de Josef Lanner.

Fue el primero de una dinastía musical de la que formaron parte sus hijos Johann Strauss II, Josef Strauss y Eduard Strauss I. Su obra más famosa es probablemente la Marcha Radetzky (llamada así por Joseph Radetzky von Radetz), mientras que quizás su vals más famoso sea Loreley-Rhein-Klänge op. 154.

Johann Strauss fue el padre de Johann Strauss II, Josef Strauss y Eduard Strauss I. Además tuvo dos hijas, Ana que nació en 1829, y Teresa que nació en 1831, y su tercer hijo mayor, Ferdinand, quien nació en 1834 y alcanzó a vivir sólo 10 meses. Los padres de Strauss eran dueños de una posada.

La tragedia golpeó a su familia, ya que su madre murió cuando apenas tenía 7 años de “fiebre larvada”. A la edad de 12 años, su padre Franz Borgias (quien se había vuelto a casar) fue encontrado ahogado en el río Danubio. Su madrastra le metió de aprendiz de encuadernador con Johann Lichtscheidl, pero recibió lecciones de violín y viola, además de cumplir con su aprendizaje. Contrariamente a lo que se afirma, nunca dejó su aprendizaje de encuadernador y lo terminó con éxito en 1822. También estudió música con Johann Polischansky durante ese período y finalmente obtuvo un puesto en la orquesta local de Michael Pamer con el fin de participar en un popular cuarteto de cuerdas conocido como el Cuarteto Lanner, formado por sus potenciales rivales: Josef Lanner y los hermanos Drahanek, Karl y Johann. El cuarteto de cuerdas interpretaba valses vieneses y rústicas danzas alemanas, y en 1824 fue ampliado a orquesta de cuerdas.

Eventualmente se convirtió en director adjunto de la orquesta para ayudar a Lanner en las comisiones después de que se popularizara su imagen durante los Carnavales de 1824. Strauss fue puesto pronto al mando de una orquesta más pequeña que se formó como resultado del éxito de la orquesta de Lanner. En 1825, decidió formar su propia banda y comenzó a escribir música (principalmente de baile) y se dio cuenta de que podría igualar el éxito de Lanner, además de poner fin a sus problemas financieros. Al hacerlo, Strauss se convirtió en un serio rival de Lanner, y esta competencia musical fue muy productiva para el desarrollo del vals, así como de otros bailes en Viena. Pronto se convirtió en uno de los más conocidos y queridos compositores en Viena. Realizó una gira con su banda por Alemania, los Países Bajos, Bélgica, Inglaterra y Escocia. La dirección y gestión de la “Orquesta Strauss” en un momento dado pasó a manos de los hijos en diversas ocasiones, hasta que Eduard Strauss la disolvió en 1901.

En un viaje a Francia en 1837, escuchó una cuadrilla y se interesó en su composición, convirtiéndose en gran medida en el responsable de la introducción de aquella danza en Austria en el Carnaval de 1840, donde se hizo muy popular. Fue en este mismo viaje cuando quedó demostrada la popularidad de Strauss en diferentes estratos sociales, lo cual allanó el camino para presentar su música en Inglaterra durante la Coronación de la Reina Victoria en 1838. Strauss adaptó además diversas melodías populares de su época en sus obras, a fin de garantizarse un público más amplio, como lo demuestra la incorporación de la obertura Oberón en uno de sus primeros valses, “Wiener Karneval” (Carnaval Vienés) op. 3 y también el himno nacional francés «La Marsellesa» en su Paris-Walzer (vals París) op. 101.

Se casó con Ana Maria Streim en la iglesia parroquial de Liechtenthal en Viena. Su matrimonio fue relativamente inestable, producto de su prolongada ausencia por los viajes al extranjero. Esto llevó a que Strauss tuviera una amante en 1834, Emilie Trampusch, con la que tuvo seis hijos. Esta decisión personal marcó a Ana Maria, quien prohibió a Johann Strauss II estudiar música. Con la declaración de paternidad que hizo Strauss padre en 1844, Ana Maria demandó el divorcio y esto permitió que Strauss iniciara una carrera musical. Pero Strauss exigía una estricta disciplina en su casa llamada “Hirschenhaus”, o mejor conocida como “Goldener Hirsch” (El Ciervo de Oro), e impuso a su hijo que siguiera una carrera profesional que no guardase relación con la música. Asimismo, su hermano Josef fue destinado a la carrera militar, mientras que su joven hermano Eduard debió trabajar en el Consulado Austriaco.

A pesar de los problemas familiares, viajaba con frecuencia a las Islas Británicas y estaba siempre dispuesto a escribir novedosas piezas para las organizaciones de beneficencia. Sus valses evolucionaron gradualmente a partir de danzas campesinas, lo que en la posteridad se reconocería como el vals vienés. Estos fueron compuestos en compás de tres por cuatro, con una breve introducción, a menudo con ninguna o poca relación con la estructura del vals. Por lo general se adjunta una breve coda y finaliza en una agitación, aunque su hijo Johann amplió la estructura y la cantidad de instrumentos utilizados por su padre. A pesar de que no tenía el talento de su hijo mayor o una vasta empresa, fue uno de los pocos compositores de valses junto a Lanner que escribieron activamente piezas con títulos, con el fin de aumentar las ventas de sus partituras, pues los entusiastas reconocían fácilmente sus obras. De hecho, durante su presentación en el Salón de Baile Sperl en Viena, se le ocurrió la idea de fijar un precio de entrada al Salón de Baile en vez de la antigua práctica de ir pasando la charola, donde los ingresos sólo se garantizaban por la buena voluntad de los clientes.

Johann Strauss hijo trabajó a menudo con su padre y declaró su completa admiración hacia él, aunque no era un secreto para los vieneses que su rivalidad era intensa, hecho alimentado por la prensa de entonces. El mismo Johann Strauss I rehusó tocar de nuevo en el Casino Dommayer, que ofreció a su hijo para su debut, y fue la torre por encima de su hijo durante su vida en relación al progreso en su carrera, aunque Strauss hijo fue para él un eclipse en términos de popularidad en el repertorio clásico. En 1846, Strauss padre se adjudicó el título honorífico de K.K. Hofballmusikdirektor (Director Musical del Baile de la Corte) por el emperador Fernando I.

Strauss murió en Viena de escarlatina. Fue enterrado en el cementerio Doeblinger junto a su amigo Josef Lanner. En 1904, sus restos mortales fueron trasladados a una tumba de honor en el cementerio central. El ex Cementerio Doeblinger fue convertido en el Parque Strauss-Lanner. El mismo Héctor Berlioz rindió homenaje al “Padre del Vals Vienés” comentando que “Viena sin Strauss es como Austria sin el Danubio”.

13 de marzo – Fito Páez

Rodolfo Páez, mejor conocido como Fito Páez (Rosario, 13 de marzo de 1963), es un cantautor, compositor y músico argentino, integrante de la llamada Trova rosarina, y uno de los más importantes exponentes del rock argentino.

Además de su carrera como músico ha incursionado como cineasta, guionista y novelista.

Con más de 30 años de trayectoria, su obra musical está compuesta por 22 álbumes de estudio, 1 maxi sencillo, 4 álbumes en directo, 3 DVD, 12 álbumes recopilatorios y numerosas colaboraciones junto a destacados artistas internacionales.

Luego de una primera etapa contracultural aclamada por la crítica, el artista logró su definitiva proyección internacional a principio de los años noventa cuando publicó los álbumes El amor después del amor (1992) y Circo beat (1994), que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, vendiendo entre ambos más de un millón de copias.

Ha logrado innumerables reconocimientos y cinco premios Grammy Latinos.

Los dos primeros los conquista en el año 2000 como «mejor cantante masculino de rock» por su álbum Abre (1999) y «Al lado del camino» como mejor canción de rock.

Entre 2007 y 2009 recibió tres Grammy consecutivos y en categorías diferentes: «mejor álbum de rock vocal», por El mundo cabe en una canción, «mejor álbum de cantautor del año» por Rodolfo y mejor álbum vocal pop masculino, por su disco No sé si es Baires o Madrid.

También la Fundación Konex le otorgó en 1995 el Premio Konex de Platino como «mejor compositor de rock de la década en Argentina».

Luego, en 2005, obtuvo el Premio Konex – Diploma al Mérito como uno de los «cinco mejores compositores de rock de la década», y lo obtuvo nuevamente en 2015, esta vez en la disciplina Mejor Solista Masculino de Pop.

13 de marzo – Neil sedaka

Neil Sedaka (Brooklyn, 13 de marzo de 1939) es un cantante pop, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building.

Trabajó con Howard Greenfield escribiendo numerosas canciones que serían éxitos para él mismo, así como para otros artistas.

El registro de Sedaka se considera de tenor.

Su padre Mac Sedaca (apellido original Tzadaka) fue un inmigrante judío sefardí de origen libanés que se desempeñaba como taxista.

Su madre Eleanor Appel era judía asquenazí, descendiente de rusos y polacos, nacida en Brooklyn, New York. Neil creció en Brighton Beach, pequeña ciudad costera cercana a Nueva York, donde vivían muchos judíos rusos y ucranianos.

Pronto demostró tener habilidades para el piano y un sorprendente oído musical, que lo encaminaron a estudiar en la famosa academia musical Escuela Juilliard.

Su composición Stupid Cupid fue un éxito de 1958 en la voz de Connie Francis, y Sedaka fue contratado por la RCA Records como intérprete solista. Una cadena de éxitos le seguiría, al finalizar 1963.

En el ranking de las mejores 100 canciones, Neil Sedaka se ubicó con sus temas Oh! Carol (#9 de 1959), La chica del calendario (#4 de 1961), Feliz cumpleaños, dulces dieciséis (#6 en 1961), y Es difícil romper o ‘Es difícil decir adiós’ (#1 en 1962).

Oh! Carol es una canción que hace referencia a la novia de Sedaka de aquel entonces, su compañera de clase, la compositora Carole King.

Pronto ella le correspondería con la canción Oh! Neil, la cual hace referencia al tema de Sedaka y a su nombre.

Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40. Pero se vio entre los intérpretes que verían sus carreras asediadas por la “invasión británica”, así como otros cambios de rumbo en la industria musical.

Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo.

A mediados de los 60 grabó un disco con canciones típicas en español e, inclusive, algunos de sus éxitos en inglés fueron traducidos al español y cantados por él. Este disco tuvo una buena acogida en México y Latinoamérica.

En 1973 Sedaka ayudó al grupo ABBA con la letra en inglés de la canción Ring-Ring para el concurso en Eurovisión. Comenzó a trabajar en Inglaterra al lado de Elton John, quien lo contrató para su sello Rocket Records.

En 1975 Neil Sedaka regresa nuevamente al ‘top ten’. En ese año coloca un número uno, de acuerdo a las listas de popularidad de Billboard, con la canción Laughter in the Rain (Riendo bajo la lluvia).

Daría otro número uno al dueto de Captain and Tenille con la canción Love will keep us together (El amor nos mantendrá juntos), también en el año 1975. Posteriormente daría otro número uno: Bad Blood (Mala sangre), en el año 1976.

En abril de 2006, durante un concierto en el Royal Albert Hall (en Londres), Sedaka fue premiado con un galardón del Libro Guinness de los Récords como autor del éxito más vendido del siglo XXI por su tema Amarillo.

12 de marzo – Liza Minnelli

Liza May Minnelli, conocida popularmente como Liza Minnelli (Los Ángeles, California, Estados Unidos; 12 de marzo de 1946), es una actriz, comediante y cantante estadounidense.

Alcanzó fama en 1972 gracias a la película Cabaret, con la que ganó el Óscar a la mejor actriz. Es muy conocida por su trabajo en espectáculos en vivo, tanto comedias musicales como recitales, con los que ha ganado tres Premios Tony de Broadway, uno de ellos Especial.

También ha ganado un Emmy, dos Globos de Oro, un BAFTA británico y un Grammy Legend Award, junto con muchos otros honores y premios.

En julio de 2011 fue condecorada con la Legión de Honor por el gobierno francés. Liza Minnelli es una de las pocas artistas que han ganado los cuatro principales premios norteamericanos de cine, televisión, música y teatro: el Óscar, el Emmy, el Grammy y el Tony.

Liza saltó al circuito oficial de Broadway en 1965 con la obra Flora the Red Menace, por la que recibió un premio Tony con apenas 19 años de edad; era la actriz más joven que lo ganaba. Fue el primero de sus varios premios Tony a lo largo de una carrera de décadas: recibió otro por The Act en 1978, y previamente un Tony Especial en 1974. Fue nominada en 1984 por The Rink pero perdió ante su compañera de reparto Chita Rivera. Ya en 2009, recibiría por cuarta vez el galardón, por su recital Liza’s at the Palace!, si bien algunas fuentes no se lo cuentan como suyo ya que fue otorgado al espectáculo en conjunto. Entre sus restantes trabajos teatrales, hay que citar su participación en Víctor o Victoria (1995) cuando sustituyó en varias funciones a Julie Andrews.

Aunque es recordada por varios papeles en el cine, como Cabaret y la comedia Arthur el soltero de oro, Liza sobresale especialmente por su actividad como cantante y bailarina en espectáculos en vivo, tanto shows de variedades como comedias musicales. Empezó a dar recitales a los 19 años, en ciudades como Las Vegas y Nueva York, con un repertorio centrado en canciones de musicales de Broadway y en clásicos populares de décadas atrás. Con estos temas grabó tres álbumes para la compañía Capitol Records, y posteriormente actualizó su repertorio con canciones más recientes, algunas compuestas expresamente para ella. A lo largo de su carrera musical ha protagonizado múltiples giras internacionales y shows para la televisión, colaborando con figuras tan dispares como Frank Sinatra, Charles Aznavour, Goldie Hawn, Cliff Richard…

Su trayectoria en el cine ha sido desigual, al menos en cuanto a resultados comerciales. Debutó en Charlie Bubbles (1967), la única película dirigida y protagonizada por Albert Finney. En 1969, su interpretación en la película El cuco estéril (The Sterile Cuckoo) de Alan J. Pakula le dio su primera nominación a un Premio Óscar. Finalmente ganaría el Óscar a la mejor actriz por su papel como Sally Bowles en Cabaret (1972). Minnelli es la única ganadora del Óscar cuyos padres también lo ganaron. Otro de sus papeles más recordados es como protagonista del drama Tell Me That You Love Me, Junie Moon (1970) de Otto Preminger: encarna a una joven con el rostro desfigurado por un ataque con ácido. En 1975 protagonizó Lucky Lady junto a Burt Reynolds y Gene Hackman; en 1976 rodó la última película de su padre, Nina (A Matter of Time), junto a Ingrid Bergman, Charles Boyer y el español Fernando Rey; y al año siguiente protagonizó con Robert De Niro New York, New York, película musical de Martin Scorsese hoy considerada de culto pero que fracasó en taquilla. En 1980 Liza recobró popularidad con Arthur el soltero de oro, comedia protagonizada por Dudley Moore.

Liza también ha ganado premios por su actividad en televisión y en el mercado discográfico. Recibió un Premio Emmy por el especial de televisión de 1972 Liza with a Z, y en 1990 recibió un Premio Grammy en reconocimiento por Cabaret y por la película para televisión A Time to Live.

A Liza Minnelli, como a su madre, se le conoce por su potente estilo vocal, como lo demuestran sus canciones “Cabaret” [1] y “New York, New York”, tema que cantó para la película del mismo título. Esta canción sigue siendo uno de los clásicos de su repertorio musical, si bien hoy es más famosa en la versión de Frank Sinatra.

En 1985, Liza tuvo que ingresar en el sanatorio Betty Ford Center por problemas de adicción al alcohol y fármacos. Rechazó la oferta de cantar junto con otros artistas el famoso éxito benéfico “We are the World”; posiblemente por causas de salud. Se recuperó de sus adicciones y en 1988 protagonizó una gira exitosa con Frank Sinatra y Sammy Davis Jr.. Al año siguiente volvió a cobrar auge reinventándose como cantante pop con el atrevido álbum Results, producido por el dúo británico Pet Shop Boys. Como primer sencillo se lanzó “Losing My Mind” (Ver actuación en directo), canción perteneciente al musical Follies de Stephen Sondheim, y el segundo single fue “Don’t Drop Bombs”, en cuyo audaz video musical Liza aparecía semidesnuda, con una tela que se enroscaba en su cuerpo por la fuerza del aire. Este Lp incluyó otros éxitos del pop reciente como “Rent” (de los mismos Pet Shop Boys) y “Twisting My Sobriety” de Tanita Tikaram.

En 1992, Liza participó en un concierto-tributo al difunto Freddie Mercury, donde cantó con el grupo Queen su éxito “We Are The Champions”. En 1994 grabó un dueto con Frank Sinatra (“I’ve Got the World on a String”) para su exitoso disco Duets. Posteriormente intervendría en otro proyecto similar: el álbum doble de Charles Aznavour titulado Dúos. En 1996 publicó un nuevo álbum, Gently, centrado en repertorio de jazz y que incluía una canción a dúo con Donna Summer: “Does He Love You”.

En este mismo año participó en un concierto en Módena (Italia) al lado del tenor Luciano Pavarotti, llamado “Pavarotti And Friends”, en donde cantó junto con Pavarotti “New York, New York”. A este concierto asistieron cantantes como Ligabue, Joan Osborne, Zucchero, Eric Clapton, Elton John, Jon Secada y otros.

Conocida por su frágil salud y por sus altibajos emocionales, Liza Minnelli se ha sometido varias veces a tratamientos de desintoxicación y operaciones, pero siempre ha reaparecido con optimismo y nuevos bríos. Sufrió una encefalitis que parecía condenarla a una silla de ruedas, pero se recuperó.

En 2002, Minnelli se presentó en las ciudades de Nueva York y Londres con su espectáculo musical Liza’s Back. Sus actuaciones recibieron una gran acogida por parte de los críticos y el público.

Realizó una aparición especial en la serie televisiva Arrested Development (en 2004 y 2005), representando a la sexual y socialmente retrasada amante de Buster Bluth. En 2006 participó en otra serie de éxito, Law & Order: Criminal Intent.

Luego prepararía su regreso a los escenarios de Broadway. Tras una operación de rodilla, problemas con ciertas adicciones y múltiples altibajos, Minnelli reapareció en 2008 con el show Liza’s at The Palace!, un recital en dos partes: éxitos de toda su carrera, y otra parte dedicada a su madrina Kay Thompson. Este espectáculo giró por otros países, y obtuvo un resonante éxito en su actuación en Madrid. En julio de 2008, Liza participó con gran éxito en el Festival de Jazz de San Sebastián e igualmente iba a actuar en Moscú, en un recital muy exclusivo. Como prueba de su buen estado de forma, en junio de 2009 recibió su cuarto Premio Tony por Liza’s at The Palace!, si bien se premiaba el show en su conjunto, por lo que algunas fuentes no lo incluyen entre sus trofeos.

En 2010, regresó a la gran pantalla con una sorprendente participación en la película taquillera Sex and the City 2: a los 64 años de edad y con un físico en forma, cantó el éxito de Beyonce “Single Ladies” incluyendo una movida coreografía [2].

En julio de 2011, actuó en el mítico Teatro Olympia de París y fue condecorada por el gobierno francés con la Legión de Honor.

El 2 de marzo de 2014, en la ceremonia número 86 de los premios Oscar, asistió al evento debido a un homenaje que le realizaron a su madre, Judy Garland, por cumplirse 75 años del estreno de “El Mago de Oz”.

11 de marzo – Astor Piazzola

Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 – Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino considerado uno de los músicos más importantes del siglo XX.

Estudió armonía, música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979).

En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo.

Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación.

Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: «Es música contemporánea de Buenos Aires».

A pesar de esto, sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte; los sellos discográficos no se atrevían a editarlo. Durante años tangueros y críticos musicales lo consideraron un esnob irrespetuoso que componía música “híbrida”, con exabruptos de armonía disonante.

En sus últimos años de vida fue reivindicado por intelectuales, jazzistas y músicos de rock de todo el mundo, al igual que por nuevos referentes del tango, y actualmente se lo considera como uno de los músicos argentinos mas importantes en la historia de su país. Compuso también música para cerca de 40 películas.

Como sabemos, Carlos Gardel murió en un accidente aéreo el 24 de junio de 1935. Lo que no es tan conocido es que en ese avión también tendría que haber viajado Ástor Piazzolla: el mundo habría sido un poco más triste y “Balada para un loco”, “Adiós Nonino”, “Libertango” se habrían perdido irremediablemente. Se habían conocido un año antes en Nueva York: los Piazzolla vivían en Manhattan cuando Gardel viajó para dar recitales en la NBC y filmar Cuesta abajo, El tango en Broadway y El día que me quieras —en esta última, Piazzolla, a pedido de Gardel, hace de canillita. Cuentan que cuando Gardel lo escuchó tocar el bandoneón le dijo “El fuelle lo tocás bárbaro, pero al tango lo tocás como un gallego”. Así y todo, lo invitó a participar en su gira. Pero don Vicente, su padre, no lo dejó: el chico tenía sólo 13 años.

Cinco años después, ya en Buenos Aires, Ástor tendría la oportunidad de probarse en una gran orquesta: nada menos que en la de Aníbal Troilo. Pichuco tocaba en un café de Corrientes y Suipacha. Piazzolla lo iba a ver todas las tardes y, con un oído prodigioso y un ímpetu genial, en poco tiempo se aprendió todo el repertorio de memoria. Troilo no lo quería en el escenario porque consideraba que era muy chico, pero un día faltó uno de los bandoneonistas y, ante el apuro, le ofreció reemplazarlo. Piazzolla fue corriendo a su casa a buscar el bandoneón y brilló como nunca. “Pibe”, le dijo Troilo cuando terminaron, “nosotros tocamos con pilcha azul”. Había sido aceptado como miembro.

(Recuerdo los domingos en casa de mi abuela. Papá ponía los cassettes mientras se hacía el asado: Angelito Vargas, Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche. A veces yo colaba algún disco de Piazzolla —mi preferido era El exilio de Gardel—, pero duraba muy poco: “¿Qué pusiste, Pink Floyd?”, me decía mi viejo. “Sacá eso”).

Ástor Piazzolla fue muy resistido entre los tangueros ortodoxos, pero, como señalan Diego Fischerman y Abel Gilbert en Piazzolla. El mal entendido (Edhasa), no siempre fue así. En sus comienzos era una figura muy respetada. Y no sólo por Gardel y Troilo: la orquesta de Osvaldo Pugliese, por ejemplo, tocaba sus arreglos. “Piazzolla era un músico requerido”, explicaba Fischerman. “Original, por supuesto, incluso ya en esos primeros años, pero no un iconoclasta”.

Con la orquesta de Troilo. Piazzolla es el segundo, desde la derecha.

Con la orquesta de Troilo. Piazzolla es el segundo, desde la derecha.

Entonces comenzó a experimentar con otros géneros, levantaba puentes con la música clásica y el jazz — más tarde con la electrónica— y, de repente, se convirtió en el loco, en el enemigo. En una entrevista de 1984 para Televisa, Piazzolla decía que el problema era “que en Argentina todo se puede cambiar menos el tango. El día que se me ocurrió cambiar fue una especie de revolución. El tango es considerado casi una religión, es como una secta”. Piazzolla era un tanguero distinto. Tenía una concepción universal de la música. Por eso era capaz de comparar a Osvaldo Pugliese con Count Basie y a sí mismo con Miles Davis.

Hoy en día hay casi 200 versiones registradas de Adiós, Nonino. En Spotify la lista de intérpretes de Piazzolla es inagotable: desde Al Di Meola hasta Yo-Yo Ma, pasando por Tomatito, Cacho Tirao, Grace Jones, Gotán Project, muchísimas filarmónicas.

Todo eso ya estaba, sin dudas, en el artista cachorro que trataba de impresionar a las leyendas. Piazzolla escribía arreglos para tocar con Troilo y Troilo se los borraba: “Estos firuletes no van”, le decía, “la gente quiere bailar”. En esas tachaduras está puesta en tensión toda la historia del tango.

11 de marzo – Alberto Cortez

José Alberto García Gallo (Rancul, La Pampa, 11 de marzo de 1940), más conocido como Alberto Cortez, es un compositor, cantante y poeta argentino.

Sus primeros pasos en la música como cantante estuvieron dirigidos a la música tradicional argentina y con ese repertorio fue contratado para integrarse en un espectáculo que tenía que recorrer Europa. La propuesta no funcionó bien y con poco más de veinte años Alberto se encontró en Bélgica sin contrato, sin dinero y sin billete de regreso. Comenzó a cantar en pequeños locales a cambio de comida o de modestas retribuciones, hasta que se puso de moda el baile llamado ‘Sucu-sucu’. Alberto grabó el tema y tuvo un rotundo y espectacular éxito en los países de Centroeuropa, hasta el punto que fue rebautizado como ‘Mr Sucu-Sucu’, título que llevó en su primer disco español.

Eran los comienzos de los años sesenta y Cortez tenía cierta facilidad para componer temas y estribillos pegadizos. Se casó en Bélgica y poco después decidió afincarse en España. Sus primeras grabaciones españolas estuvieron en línea con ese estilo de canción destinada al baile o los festivales. De esa época son ‘Me lo dijo Pérez’, que triunfó en el Festival de Mallorca, y ‘Renata’, dedicada a su mujer, que luego versionaría la italiana Mina con el título ‘Renato’. También pertenece a esa época su recreación de ‘Las palmeras’, un tema tradicional sudamericano que fue un gran éxito y le hizo ver la posibilidad de cambiar de estilo sin perder audiencia.

En abril de 1967 decidió dar el paso definitivo y ofreció un recital en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. En él interpretó canciones latinoamericanas de autores como Falú, Dávalos o Yupanqui, junto a musicaciones propias de poetas como Machado o Lope de Vega. De este concierto surgió el álbum ‘Poemas y canciones’ y la imagen de un nuevo artista que sería de gran influencia en muchos cantautores del país. Afianzado en su nueva línea, reorientó su carrera profesional, en la cual casi todas las canciones que cantaba eran propias. Supo sumar la inspiración de su tradición latinoamericana con los aires de la chanson francesa que había conocido en su periplo europeo y comenzaron a aparecer temas como ‘En un rincón del alma’, ‘Distancia’, ‘Cuando un amigo se va’ y ‘El abuelo’.

Otros temas conocidos de Cortez son ‘Callejero’, ‘Mi árbol y yo’, ‘A partir de mañana’, ‘Te llegará una rosa’, ‘Qué maravilla Goyo’, ‘Juan Golondrina’ y ‘Castillos en el aire’.

Su producción discográfica en aquellos años fue enorme ya que, hasta 1980, respetó la costumbre de su sello discográfico de editar un álbum anual. A partir de esa fecha comenzó a añadir temas ajenos como ‘No soy de aquí’ y ‘Pobrecito mi patrón’ de Facundo Cabral, con quien hizo dos giras triunfales en los años noventa que se reflejan en el álbum ‘Lo Cortés no quita lo Cabral’ (1995)

En 1996, durante la temporada de verano en Mar del Plata sufre un ictus cerebral y es operado el 18 de enero de una obstrucción de carótida. Sale airoso de la operación, pero le quedan secuelas que no le permiten volver a acompañarse con su guitarra, sin embargo continúa dando recitales con sus músicos bajo la dirección musical de Ricardo Miralles por todo el mundo. Desde entonces no ha dejado de actuar y grabar, siendo su trabajo más reciente el álbum ‘Tener en cuenta’ (2011) que fue nominado al Grammy como Mejor Disco de Cantautor.

10 de marzo – Sara Montiel

María Antonia Alejandra Vicenta Elpidia Isidora Abad Fernández, conocida artísticamente como Sara Montiel (Campo de Criptana, Ciudad Real, 10 de marzo de 1928 – Madrid, 8 de abril de 2013) fue una actriz de cine, cantante y productora cinematográfica española, considerada el rostro más bello del cine español. Obtuvo también la nacionalidad mexicana en 1951.

Debutaría como secundaria en la cinta Te quiero para mí precedida por Isabel de Pomés, e inmediatamente daría el salto al protagónico con Empezó en boda (1944), junto a Fernando Fernán Gómez, con quien volvería a encabezar su siguiente película, Se le fue el novio (1944).

Aunque la bella actriz realizaba tanto papeles estelares como secundarios logrando críticas favorables, incluso algún éxito importante como Locura de amor (1948), insatisfecha de su sitio en la industria española, después de coprotagonizar El capitán Veneno (1950) nuevamente junto a Fernando F. Gómez, decidiría probar mejor fortuna en América.

En apenas cuatro años rodó catorce cintas entre México y Cuba, como la exitosa Piel canela (1953) que le abriría las puertas de Hollywood para estelarizar junto a Gary Cooper el western Veracruz, de Robert Aldrich, filme al que siguieron otros dos dirigidos por Samuel Fuller y Anthony Mann.

De vuelta en España, la joven actriz afianzó su estatus de estrella internacional con las películas El último cuplé y La violetera, que develaron su particular estilo como cantante y que se convirtieron en formidables éxitos de taquilla, estrenándose en diversos países de Europa y Latinoamérica así como en India y Egipto.

Los honorarios que cobró por La violetera convirtieron a Sara Montiel en la actriz mejor pagada del mundo hasta la fecha, firmando un contrato de exclusividad por película, y los discos publicados con sus canciones llegaron hasta Grecia y Brasil, superando en ventas mundiales a Elvis Presley y Frank Sinatra.

En los siguientes quince años, la diva española protagonizó únicamente melodramas musicales pensados para ella, y alcanzó tal popularidad que actuó en la Unión Soviética en plena Guerra Fría, en 1965.

En una España gris condicionada por la dictadura y las limitaciones económicas, Sara Montiel fue la cara más barroca y sensual del espectáculo, gracias a sus papeles de mujer fatal y a sugerentes vestidos que tentaban la censura.

Actriz de gran éxito comercial, mayormente en las décadas de 1950 y 1960, participó en medio centenar de películas.

Se retiró del cine en 1974, pero como figura musical se mantuvo activa hasta el final: publicó diversos álbumes, ofrecía recitales en teatros y presentó programas de variedades en televisión.

A los 81 años de edad grabó con el dúo Fangoria la canción discotequera “Absolutamente” y su correspondiente vídeo musical, y pocos meses antes de morir seguía dando actuaciones acompañada de un pianista.

Como demostración de la perdurable fama de la española, en vísperas de su repentino fallecimiento el Festival de Cine de Berlín estaba planeando un homenaje en su honor.

Next page →
← Previous page