Tag Archives: Efemérides musicales

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15 de septiembre – Gustavo Cordera

Gustavo Edgardo Cordera (Avellaneda, Provincia de Buenos Aires, 15 de septiembre de 1961) es un cantante, intérprete, músico y compositor de rock argentino.

Es conocido por ser el fundador líder y ex cantante del grupo de rock fusión y alternativo, llamado Bersuit Vergarabat.

Fue el vocalista y principal compositor de la banda, desde sus comienzos artísticos en el año 1988, hasta su desvinculación en el año 2009, año en que emprende su carrera como solista. Es conocido por sus canciones de fuerte contenido social y críticas al sistema establecido.

Entre varios reconocimientos que ha recibido en toda su carrera, ganó un «Diploma al Mérito» de los Premios Konex, por su calidad de como compositor de rock, junto a sus compañeros Juan Subirá y Pepe Céspedes en el año 2005.

Tras su salida de Bersuit Vergarabat, desde el año 2010, lidera su nuevo proyecto, llamado La Caravana Mágica, en la que fusiona estilos como la cumbia, el techno y el rock.

Además de artista, está muy fuertemente vinculado a las causas sociales y ambientales. Desde el año 2006, reside con toda su familia en el balneario La Paloma, Uruguay.

Es también reconocido por ser hincha de Lanús y su máximo ídolo es Ricardo Bochini, a quien le dedicó su canción «El baile de la gambeta», en el disco La argentinidad al palo (2004), de Bersuit Vergarabat.​ También esta a favor de la legalización de la marihuana.

14 de septiembre – Amy Winehouse

Amy Jade Winehouse (Londres, 14 de septiembre de 1983—Ib., 23 de julio de 2011)6​2​ fue una cantante y compositora británica, destacada por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el jazz, R&B, soul y ska.

Fue reconocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como «acústicamente poderoso» y capaz de expresar «profundamente sus emociones». En 2003 lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado a los premios Mercury Prize.

Su segundo álbum de estudio, Back to Black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco; entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo.

Este hecho la condujo a igualar el récord de galardones obtenidos en una noche por un artista —logrado antes por Lauryn Hill, Norah Jones, Alicia Keys y Beyoncé—, obteniendo un total de cinco, además de ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys en una noche.

A su vez esto provocó que estuviera en la mira de los medios, involucrándose en su agitada vida personal. En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos.

Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música y de la propia música soul, y por fortalecer la música británica, siendo una de las pocas cantantes de soul actuales que han influido fuertemente en la industria musical.

También recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive la convirtieron en motivo de inspiración para algunos diseñadores de moda, como Karl Lagerfeld.

Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol, y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde el año 2007. Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011, a los 27 años de edad, tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia.

Esto se reveló meses después de su muerte, que en un principio fue asociada a sus múltiples adicciones. Su álbum Back to Black posteriormente se convirtió en el álbum más vendido del siglo xxi en el Reino Unido. En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» de la cadena VH1.

14 de septiembre – Hernán Figueroa Reyes

Hernán Figueroa Reyes (Salta, Argentina, 14 de septiembre de 1936 – 5 de febrero de 1973) fue un conocido músico, cantante y compositor salteño de música folklórica de Argentina.

Integró Los Huanca Hua en su primera formación y luego emprendió una carrera solista.

Aportó canciones que integran el cancionero popular de Argentina como «El corralero» (composición del chileno Sergio Sauvalle), «Para Villa María» (Hernán Figueroa Reyes – O.Wilson), «Regalos para mamá» (W.Belloso – G.Montenegro), «Disculpe» del escritor y compositor uruguayo H. Ferrari, «Zamba para decir adiós» (Argentino Luna), «Chacarera de un triste» (Hermanos Simón), «Por las trincheras» (C. Chazarreta – A. Giménez), «El tata está viejo» (Rafael Carret), «Tendrás un altar» (A. Polito – I. Diez), «Zamba para no morir» (L.Quintana – N. Ambros – H. Rosales), y sus temas propios «Zamba del cantor enamorado», «Zamba del gaucho guerrero».

En 1947, al separarse sus padres, Figueroa Reyes se radica en San Isidro, Provincia de Buenos Aires. Al terminar los estudios secundarios comenzó a estudiar abogacía en la Universidad de Buenos Aires, mientras trabajaba.

Aprendió a cantar y tocar guitarra con el folclorista José María de Hoyos. En 1960 integró la formación original de Los Huanca Hua, junto con Juan Carlos de Franco Terrero, Guillermo Urien y los hermanos Chango Farías Gómez y Pedro Farías Gómez.

El grupo revolucionó el modo de interpretar la música folclórica, mediante complejos arreglos vocales, introduciendo la polifonía y el uso de fonemas y onomatopeyas para marcar el ritmo.

Integró el quinteto hasta 1963, cuando se separó para iniciar su carrera como solista; fue reemplazado por Marián Farías Gómez.

En adelante formó su conjunto con Emilio «Bocha» Martínez, como primera guitarra, Hernán Rapela y Sergio (Capote) Piñero.

En 1966 alcanzó su mayor éxito con la canción «El corralero» de Sergio Sauvalle, y obtuvo su consagración en el Festival de Cosquín. Sus principales escenarios de actuación fueron El Palo Borracho y La Peña de Olivos.

El 2 de febrero de 1973 sufrió un accidente de automóvil en el «km 109» de la ruta nacional RN 9, sufriendo graves heridas que le causaron la muerte el 5 de febrero, a la edad de 36 años. Fue padre de 7 hijos: Hernán (h), Carina, Andrea, Martín, Gonzalo, Jimena y Florencia.

13 de septiembre – Luis Eduardo Aute

Luis Eduardo Aute Gutiérrez-Répide (Manila, 13 de septiembre de 1943)1​ es un músico, cantautor, director de cine, actor, escultor, escritor, pintor y poeta español.

Aunque es principalmente conocido como cantautor, también destaca como pintor y como director de cine. Habla las lenguas español, inglés, catalán, francés, italiano y tagalo.

Nació en Manila, Filipinas, el 13 de septiembre de 1943 y se trasladó a España con su familia cuando tenía 8 años. Primero vivió en Barcelona, pero a los pocos meses se asentó en Madrid, donde reside desde entonces.

A los 15 años ya tocaba la guitarra eléctrica en Los Tigres y Los Sonor,  interpretando con estos últimos en 1961 dos temas en el programa de TVE ‘Salto a la Fama’. Sin embargo, poco después dejó el grupo para cumplir con el servicio militar. Como no se atrevía todavía a cantar sus canciones, proporcionó algunos de sus primeros éxitos a cantantes como Massiel (‘Rosas en el mar’ y ‘Aleluya’) o Ana Belén (‘De paso’).

En 1968, la compañía RCA le convenció para que interpretara sus propios temas, y con ellos grabó los dos primeros álbumes: ‘Diálogos de Rodrigo y Gimena’, compuesto principalmente por esas canciones ya publicadas en single o interpretadas por otros y otras como ‘Rojo sobre negro’, ‘Los burgueses’, y ’24 canciones breves’, sin ninguna repercusión comercial.

Desengañado del mundillo musical, vuelve al cine, recibiendo un premio en 1969 por un corto en el Festival de Cine de San Sebastián. También publica poesía en la revista Poesía 70 junto con Sabina y Carlos Cano.

Uno de sus escritos provoca el cierre de la revista… Asimismo realiza sus primeras exposiciones de pintura. No obstante, Aute no deja de componer y en 1973 Rosa León publica su primer álbum con varios temas del cantautor.

El sello Ariola, debido a la buena aceptación de sus temas, le firma un contrato para grabar, a lo que accede, no sin antes recibir el compromiso de la discográfica de dejarle libertad absoluta en el estudio y de no obligarlo a promocionar el disco en TV.

Su primer disco con Ariola fue ‘Rito’ (1973) con temas como ‘De alguna manera’, ‘Las cuatro y diez’ y la autocrítica ‘Autotango del cantautor’. Permanecería con el sello hasta 1979 y publica los álbumes ‘Espuma’ (1974), ‘Babel’, ( ‘Los fantasmas’, ‘Grano de pus’, 1975), ‘Sarcófago’ (‘La matemática del espejo’, 1976),  ‘Forgesound’ (1977), ‘Albanta’ (1978), que contiene el tema ‘Al Alba’, dedicada a los últimos condenados a muerte del franquismo, y ‘De par en par’ (‘Queda la música’, 1979)

En 1980 ficha por Movieplay y graba ‘Alma’ (‘No te desnudes todavía’, ‘Pasaba por aquí’, 1980), ‘Fuga’ (‘Mira que eres canalla’, 1981) y ‘Entre Amigos’ (1983), grabado en directo con la colaboración de Teddy Bautista, Pablo Milanés, Silvio Rodríguez y Joan Manuel Serrat.

Este disco creó un nuevo estilo discográfico en el mercado español al cual no pudieron resistirse, en los siguientes años, la mayoría de los artistas españoles: un álbum doble en directo en el que intervinieran figuras invitadas para dar un nuevo tono a los éxitos de toda una carrera.

De nuevo con Ariola publica ‘Cuerpo a Cuerpo’, uno de sus trabajos más populares con temas como ‘Dos o tres segundos de ternura’, ‘Cine, cine’, y ‘Una de dos’. Convertido en uno de los cantantes más populares del país, continuó componiendo y editando discos con algunos altibajos, destacando ‘Slowly’ (1991), ‘Mano a Mano’, grabado en directo con Silvio Rodríguez en 1993, uno de los hitos más celebrados de su carrera musical y ‘Animal’, un disco-libro donde además de su música presenta sus textos e ilustraciones.

Con relación a su vocación de artista plástico, que arrastra desde la niñez, estrenó en 2001 la película de animación ‘Un perro llamado dolor’, basada en la obra de sus siete artistas hispanos favoritos. En 2007 publicó ‘A día de hoy’, su primer disco con temas inéditos en cinco años y en 2010 ‘Intemperie’, con producción y acompañamiento de Tony Carmona.

En 2012 puso a la venta ‘El niño que miraba al mar’, CD con 12 temas nuevos que vino acompañado de un DVD con la película de animación ‘El niño y el basilisco’, obra del propio Aute. Ese mismo año colaboró con María Dolores Pradera en su disco ‘Gracias a Vosotros’, interpretando a dúo el popular bolero ‘Caminemos’.

En 2014 se puso a la venta el libro ‘Claroscuros y pentimentos’ que recoge los textos de todas sus canciones hasta la fecha. Actualmente se recupera lenta pero favorablemente de un infarto sufrido en agosto de 2016 que lo mantuvo dos meses en coma.

13 de Septiembre – Peter Cetera

Peter Paul Cetera (Chicago, Illinois, 13 de septiembre de 1944) es un cantante, compositor, bajista y productor estadounidense, conocido por ser un miembro original de la banda Chicago.

Desde que abandonó el grupo, Cetera ha logrado que dos de sus sencillos alcancen la máxima posición de la lista Billboard Hot 100.

Con Chicago, además de tocar el bajo, fue la voz solista en temas tan importantes para la banda como ’25 or 6 to 4′, ‘Where do que go from here’, ‘Another rainy night in New York City’, ‘Baby what a big surprise’, ‘Hard to say I’m sorry’ e ‘If you leave me now’, de los que Cetera también es compositor.

En su etapa en solitario Peter ha publicado ocho álbumes de estudio con éxitos como ‘Glory of love’ (1986)  -que fue nº1 y el tema de la película ‘Karate Kid II’-, ‘The next time I fall’ (1986), también nº1, con Amy Grant, ‘One good woman’ (1988), ‘After all’ (1989) con Cher, ‘Restless heart’ (1992), ‘Feels like heaven’ (1993) con Chaka Kahn o ‘Hard to say I’m sorry’ (1997), un ‘remake’ de un tema que ya grabó con Chicago en 1978. Su más reciente publicación fue un álbum con clásicos navideños, ‘You just gotta love Christmas’ (2004).

12 de septiembre – Maurice Chevalier

Maurice Auguste Chevalier (París, 12 de septiembre de 1888 – ibídem, 1 de enero de 1972) fue un célebre intérprete francés de películas musicales de los años 1920 y 1930, y una figura emblemática de la cultura francesa del siglo XX.

Tuvo un modesto debut en los caf’conc’ (cafés-concert) del barrio parisino de Ménilmontant a finales del siglo XIX. Cuando en 1914 estalló la Primera Guerra Mundial, Chevalier se encontraba en medio de su servicio militar, ya en la línea del frente, donde le alcanzó la metralla en la espalda en las primeras semanas de combate y fue hecho prisionero de guerra en Alemania durante dos años. En 1916 fue liberado gracias a la intervención del rey Alfonso XIII de España y su Oficina Pro Cautivos.

Después de la guerra, Mistinguett lo descubrió y lo convirtió en su partenaire. A partir de entonces personificó la figura del dandi frívolo que habla con un acento suburbial, el que consigue mantener aún cuando habla inglés a la perfección. El fonógrafo recogió sus éxitos sobre el escenario con varias revistas y operetas. Valentine y Dans la vie faut pas s’en faire son algunos de sus triunfos en los años 1920.

En 1928 comenzó su carrera cinematográfica en Hollywood, que lo mantuvo alejado de Francia hasta 1935, tras destacar en las versiones inglesa y francesa de La veuve joyeuse (The Merry Widow), de Ernst Lubitsch, en 1934. A su vuelta a Francia, obtuvo nuevos éxitos musicales: Prosper (1935), Ma Pomme (1936), Y a d’la joie (1938) y la Marche de Ménilmontant (1941).

Símbolo del ascenso de un joven de origen humilde, Maurice Chevalier garantizaba con su cándido buen humor el orden establecido, e incluso durante ocupación de Francia por las fuerzas del Eje, Chevalier no pareció expresar que dicho orden hubiera sido comprometido por el invasor, actitud que le costó un descenso de popularidad al llegar la liberación del País Galo.

Sin embargo, rápidamente volvió a encumbrarse. Estrena Grands soirs de Paris de José Padilla, y en los años 60 incursiona en un género insospechado: el twist (Avec mon canotier).

De la segunda mitad de su carrera cinematográfica hay que recordar sus apariciones con René Clair (Le silence est d’or), la comedia musical Gigi (1958), de Vincente Minnelli, y su participación en la nueva versión estadounidense de la trilogía de Marcel Pagnol: Fanny (1961), de Joshua Logan, donde interpretó el personaje de Panisse. Cabe destacar que en 1959 Chevalier fue galardonado con un Óscar Honorífico por su contribución al mundo del espectáculo.

En el año 1968 se despidió de los escenarios, falleciendo en 1972, en París, a la edad de 83 años. Fue enterrado en el Cimetière Nouveau (cementerio nuevo) de Marnes-la-Coquette (Hauts-de-Seine).

12 de septiembre – Barry White

Barry White (nacido como Barry Eugene Carter, 12 de septiembre de 1944 – 4 de julio de 2003) fue un cantante estadounidense del género R&B y soul.

Caracterizado por un timbre bajo-barítono, grave y ronco, ganó tres premios Grammy y varios reconocimientos por su estilo varonil, romántico y sensual.

Se crío en el gueto negro de la ciudad de Los Ángeles, en el seno de una familia pobre. Esto se vio reflejado en su adolescencia, pues formó parte de una pandilla juvenil desde los 10 años de edad. A los 15 años fue encarcelado junto con su hermano durante dos meses por el robo de unos neumáticos. Inspirado por la canción “It’s Now or Never” de Elvis Presley, la cual escuchó mientras estaba en prisión, decidió cambiar de vida y de amigos. Desde muy niño entró en el mundo de la música ya que su madre tocaba el piano y le enseñó algunos ejercicios de escalas. Más tarde entró a una fraternidad en la que tocaba el piano y cantaba en el coro de la iglesia. Rápidamente fue promovido a director del coro.

En 1990 comentó a una revista que su voz profunda de bajo-barítono por la que fue conocido apareció repentinamente cuando tenía catorce años: «Nos asustó a mí y a mi madre cuando hablé esa mañana; fue completamente inesperado; mi pecho tembló, quiero decir vibró; mi madre sólo me miraba, estaba asombrada. Lo próximo que supe fue cuando su cara de asombro se transformó en una gran sonrisa; las lágrimas le corrían por la cara y me dijo: ‘Mi hijo es un hombre’». Ya convertido en cantante, White durante los años 60 grabó varios discos con su nombre real y como integrante de grupos como “The Upfronts”, “The Atlantics” y “The Majestics”. Sin embargo, su mayor éxito en la década vino como productor de artistas como Felice Taylor y Viola Wills.

En 1969 creó Love Unlimited, un trío vocal femenino compuesto por las cantantes Diane Taylor, Glodean James (quien se convirtió en su segunda esposa en 1974) y la hermana de esta última Linda, cuyo primer éxito llegó de la mano de White en 1972 con “Walkin’ in the rain with the one I love” (posición #14 en el Billboard Hot 100 y #6 en el R&B). Dicha canción aparece en el primer álbum producido por White: From a Girl’s Point of View We Give To You…. Para este grupo femenino creó la orquesta de 40 músicos denominada Love Unlimited Orchestra. Aunque Barry White dirigía y creaba las melodías de la orquesta, fue su amigo y mano derecha, el arreglista Gene Page quien, gracias a su formación en un conservatorio, se encargó principalmente desde 1972 hasta 1976 de dotar a Love Unlimited Orchestra de un sonido clásico combinado con arreglos rítmicos modernos.

En 1973 y tras su éxito con su primer álbum “I’ve Got So Much To Give” (del que se extrae su éxito “I’m Gonna Love You Just a Little More Baby”, que llegó al #1 en la lista de R&B y al #3 en el Pop Charts), Barry White había abierto un nuevo camino para su música, así que reunió nuevamente a su orquesta en el estudio para grabar “Rhapsody in White”, el álbum que contenía el tema Love’s Theme (#1 Pop en 1974).

Posteriormente, editó su segundo álbum “Stone Gon” en el cual se destacó el tema «Never, never gonna give you up» (#2 R&B y #7 Pop en 1973),1​ que no era más que el aperitivo de su año triunfal, 1974, con su álbum número uno “Can’t get enough”. El disco contenía otras canciones destacables como Can’t Get Enough of Your Love, Babe (número 1 en las listas Pop y R&B en 1974) y You’re the First, the Last, My Everything (#1 R&B, #2 Pop en 1974).

Posteriormente llegaron otros éxitos como “What am I gonna do with you”, (#1 R&B, #8 Pop en 1975), y “Let the Music Play” (#4 R&B en 1976). Su último gran éxito tuvo lugar en 1977 cuando “It’s Ecstasy When You Lay Down Next To Me” llegó a lo más alto de las listas de Estados Unidos. Mientras tanto, también apadrinó a otros artistas y grupos musicales como Tom Brock, Evan Pace, Jay Dee, Gloria Scott y White Heat entre otros.

En plena fiebre de la música disco, cuando diversos artistas del mundo empezaron a poner el acento en el ritmo de sus discos, Barry White se convirtió en uno de los triunfadores de la década a base de acentuar la pasión y la sensualidad de su música, teniéndose como ejemplo de ello, su versión del tema “Just the way you are” de Billy Joel.

En el momento en que nacía el Disco, Barry White se desarrollaba como artista influyendo decisivamente en la escena musical de finales de los ’70. Durante la década de 1980, tras haber firmado un nuevo contrato discográfico con Columbia Records se dedicó a grabar una serie de álbumes que casi no tuvieron repercusión (con excepción de «The Message Is Love»), entre ellos uno realizado con su esposa Glodean White bajo el título “Barry & Glodean”. No obstante, los éxitos apenas llegaban al listado Top 50.

En 1985, con la muerte de su madre y el asesinato de su hermano Darryl a manos de una banda criminal, White entró en un período de reflexión. Descontento con la promoción, abandonó a Columbia Records, y cambió a la empresa A&M Records.

El éxito regresó en 1987 con la canción “Sho’ You Right”, que entró en el Top 20 británico.2​ A pesar de esta aparente declinación, obtuvo 106 Discos de Oro y 46 de Platino durante su trayectoria artística.3​

Junto a la cantante británica Lisa Stansfield grabaron una nueva versión del éxito de Stansfield “All Around The World” en 1992. Durante los ’90, una serie de álbumes comercialmente exitosos le dieron a White la reputación de ser más que una figura de culto. También emergió como una celebridad menor de la televisión, realizando algunas apariciones en programas muy populares como The Simpsons y Ally McBeal.

En 1999 presentó una retrospectiva de lo que había sido su carrera artística al escribir, junto con Marc Eliot, su autobiografía “Love Unlimited – Insights of Life & Love”.

A comienzos de 2001 la salud de White comenzó a deteriorarse, ya que padecía una hipertensión crónica, siendo hospitalizado en septiembre de 2002 por una insuficiencia renal, a la espera de un trasplante.

Por ello se le sometió a un tratamiento con hemodiálisis, pero su organismo no pudo resistir las complicaciones de ambas enfermedades y falleció el 4 de julio de 2003, a las 9 de la mañana, en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Ángeles, a los 58 años.

12 de septiembre – Sabú

Héctor Jorge Ruiz, conocido con el nombre artístico de Sabú (Buenos Aires, 12 de septiembre de 1950 – Ciudad de México, 16 de octubre de 2005),  fue un cantante y actor argentino.

Grabó más de 15 discos; registró más de 200 canciones; tuvo 27 discos de oro y 7 de platino; cantó en 6 idiomas: español, francés, inglés, italiano, japonés y portugués. Jorge Ruiz nació en el barrio de San Telmo (o en el vecino barrio de Monserrat) de la ciudad de Buenos Aires.

Era hijo de Susana Elsa Saccomano y de Héctor Ruiz. Tenía una hermana, Silvia, 3 años menor que él. Cuando tenía 6 años de edad falleció su madre. Cuando tenía 9 años de edad su padre volvió a casarse. Ante el desafecto de la nueva esposa de su padre, Jorge Ruiz3​ empezó a trajinar por las calles con su hermana.

Fueron acogidos por otra familia.​ Allí convivió con quienes él llamaría sus «hermanos del corazón», Juan Carlos, Luisito y Eduardo.​ Hizo la escuela primaria en la escuela Fray Cayetano Rodríguez y la secundaria en el Colegio Nacional San Martín (de Buenos Aires).

Empezó a jugar en las divisiones inferiores de Boca Juniors y quedó elegido. Mientras tanto trabajaba para mantenerse: vendía periódicos, lustraba zapatos y trabajó como cadete y sereno (vigilante nocturno) en diferentes empresas, hasta que fue contratado por la importante casa de ropa Modart, que necesitaba modelos para su colección juvenil. En ese momento utilizaba el seudónimo de Giorgio.

En una oportunidad, luego de un desfile, fue invitado a cantar. Por casualidad se encontraban presentes dos importantes productores discográficos. Uno de ellos, Ricardo Kleiman, le ofreció la oportunidad de grabar un simple.

Como le disgustaba el seudónimo Giorgio, le pidió que eligiera otro. Por su parecido físico con el actor Sabú (actor indio que en los años cuarenta protagonizó películas como El ladrón de Bagdad y El libro de la selva), Ruiz adoptó su nombre.

11 de Agosto – Bola de Nieve

Ignacio Jacinto Villa Fernández (Guanabacoa, Cuba, 11 de septiembre de 1911-Ciudad de México, 2 de octubre de 1971), más conocido por su nombre artístico Bola de Nieve, fue un cantante, compositor y pianista cubano.

Los orígenes de su apodo se dividen en dos opiniones. Para muchos, lo ideó Rita Montaner en una noche de espectáculo en el habanero Hotel Sevilla en 1930 o 1931, cuando la acompañaba al piano en «El manisero» y «Siboney». Para otros, como el periodista Fernando Campoamor, fue idea de un médico del barrio, Carlos Guerrero.

Las historias populares cuentan que a Ignacio le molestaba el apodo, ya en la época en que aún no era famoso, cuando en su barrio esperaba ante el Teatro Carral para sustituir al pianista de la función cuando éste faltaba, o bien para acompañar los filmes mudos que por entonces allí se proyectaban.

Los muchachos del barrio, en burla, lo llamaban por los motes de «Bola de Fango» y «Bola de Trapo». No obstante, fue realmente Rita Montaner quien hizo popular el apodo, que se vio por primera vez escrito en público en México, cuando la cantante hizo que pusieran en el cartel de presentación: «Rita Montaner y Bola de Nieve».

A finales de 1929 se presentó como aficionado en un espectáculo en el Teatro Nacional de Cuba imitando al alemán José Bohr, pero no tuvo un gran éxito.

Su primer contrato como profesional fue con la banda de Gilberto Valdés, que tocaba en el cabaret La Verbena en Marianao.

Una noche de presentación en 1933 en La Habana, en el bar Biltmore del hotel Sevilla, Rita Montaner quedó impresionada con su música, tanto que lo contrató como acompañante. Partieron entonces para México y allí, ante las 4000 personas que llenaban el Politeama, improvisó «Tú no sabe inglé, Vito Manué» (de Eliseo Grenet y Nicolás Guillén), sustituyendo a la artista que debía interpretarlo, es decir, la misma Rita Montaner.

Su éxito fue enorme y desde entonces, aunque la Montaner había regresado a Cuba en el mismo 1933, continuó tocando en lugares como los teatros Principal, Lírico y Cine Máximo.

En este último tocó por primera vez con el pródigo Ernesto Lecuona, quien se convirtió en su asiduo espectador y llegó a convencerle de que retornara a su Cuba natal, a tocar el piano para el público cubano.

Al llegar a La Habana tocó junto a Lecuona en el teatro Principal temas compuestos por éste, como «El cabildo de María la O» y «Como arrullo de palmas». Continuó en una gira por la isla y en 1936, como parte del elenco del compositor que lo había lanzado en Cuba, paseó su arte por toda América Latina, Estados Unidos, Europa, Rusia, China, Corea, además de participar en algunas grabaciones con ellos… Compartió escenario con grandes artistas, como la española Conchita Piquer; Teddy Wilson, Art Dayton y Lena Horne en Filadelfia; Ary Barroso y Dorival Caymmi en Brasil; la cubana Esther Borja; la argentina Libertad Lamarque…

La primera ocasión en que cantó exclusivamente composiciones de su autoría fue en la ciudad de Matanzas, donde interpretó temas como «Carlota ‘ta morí» y «Mamá Inés», que rendía honor a su propia madre. En 1950 se inició en la cadena de radio cubana CMQ «El gran show de Bola de Nieve», en el que cantaba acompañado por una orquesta e invitaba a artistas nacionales e internacionales de renombre. El triunfo de la Revolución Cubana en 1959 no disminuyó su actividad y nada se le impidió, incluso ofreció conciertos gratuitos. Aun prudente en temas políticos, simpatizó con la revolución y continuó dedicándose a su arte y a expandir la música cubana por el mundo.

En 1965 el restaurante Monseñor del centro de la capital cubana fue reparado y convertido en el Chez Bola. Este sitio se convirtió en habitual para sus actuaciones y le permitía estar más cerca del público. Bola de Nieve cantaba principalmente en español y cuando era preguntado por su nacionalidad, siempre se definió latinoamericano, aunque también interpretó numerosas canciones en inglés, francés, italiano, catalán y portugués.

Visitó Argentina en 1937 y actuó en LR1 Radio El Mundo de Buenos Aires.

11 de septiembre – Richard Ashcroft

Richard Ashcroft (Wigan, 11 de septiembre de 1971) es un cantante y compositor inglés.

Richard Ashcroft, conocido por haber liderado y desempeñado la voz solista en el grupo The Verve entre 1989 y 1999.

Con ellos grabó tres álbumes, uno de ellos el magnífico ‘Urban Hymns’, que ya pertenece por derecho propio a la lista de clásicos del britpop y que contiene hits como ‘Bitter sweet symphony’, ‘The drugs don’t work’ y ‘Lucky man’. Tras la primera separación de The Verve, Ashcroft continuó en solitario grabando cuatro álbumes hasta la fecha.

Los tres primeros ‘Alone with everybody’ (2000), ‘Human Conditions’ (2002) y ‘Keys to the World’ (2006) alcanzan los primeros tres puestos de las listas inglesas con temas como ‘A song for the lovers’, ‘Money to burn’, ‘Check the meaning’ y ‘Break the night with colour’.

En 2007, Richard vuelve a reunir The Verve para grabar nuevo álbum, ‘Forth’ que aparece en junio de 2008. El disco alcanza el nº1, con temas como ‘Love is noise’ y ‘Rather be’. No obstante, vuelven a separarse ya que el resto de la banda considera que Ashcroft les utiliza para afianzar su propia carrera en solitario.

En 2010, Ashcroft volvió a la escena con un nuevo grupo llamado RPA and the United Nations of Sound. El álbum homónimo se publicó el 22 de marzo de 2011 y se extrajeron dos singles: ‘Are you ready?’ y ‘Born again’. Su trabajo más reciente fue ‘These People’, en mayo de 2016.

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